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由于市场细分，现在摄影人分两类：职业的和非职业的。
许多网友嘴里面“专业的”三字是对职业摄影师的统称吧，在很多杂志上也看到这种称呼，我一直觉得没这个必要。人像拍的好的并非只有职业人员，许多不是学科出身的摄影人往往拍的更好，其经验并不见得比职业的少。我是职业的，但这并非骄傲的资本，而是动力，需要付出更多的努力以求回报。开始入行的时候就是人像摄影，现在工作室的重点依然是人像，这里不谈什么技术类的东西了，讲下关于人像摄影的心得。
一、 做美工 做美工的前提是知道什么是美，也就是人像摄影拍摄的出发点，问自己一下：本次拍摄的目的是什么？我要凸现什么样的氛围？这种氛围需要什么样的道具？构图上应该如何配置画面……这一步是构置故事大纲，作品的传达意图。这是必不可少的步骤，规划的越严谨，照片的氛围越浓郁，能够打动人的因素越多。当然，做美工也要因地制宜，花大价钱构置道具实不可取，但在能力范围内，把道具配齐，把控场景，做到拍前心里有数。 上面这个原则，室内室外通用，在街上或野外看到一个场景，可以是古旧的，可以是苍凉的，奉劝各位，记下来！
二、做故事 有了场景有了年代，一个个情节会自动的在脑海中盘旋，需要表现的人物身份和状态会有所凭依，在这一刻，人物是鲜活的，是有生命力的！ 反观下市场，让人眼前一亮的好的人像照片无不是情景交融的产物，它们背后的故事也让摄影人称道。 作故事并非让大家去考古，而是引发画面的兴趣点，单纯的模仿生活是毫无意义的。摄影人应该贴近生活感悟生活的点滴，一个合格的摄影人肯定是一个对生活充满热爱的人。 故事可以是矛盾的，可以有哭有笑，有悲有喜，这都要靠摄影师和模特之间的交流，当一个角色在摄影师和模特之间酝酿成熟，引发共鸣时，相信我，这套片子的成功不远了。 故事的情节可以是时尚的，也可以是怀旧的，如果大家曾经关注过HELMUT NEWTON的作品，肯定被其刻意安排的情节所震撼，照片中的故事或单人表演，或群体表演，已经不仅仅是时尚的演绎，而是由大小故事构架起来的宏篇。拉住读者驻足的，不再是短暂的因为美好事物的好奇，而是照片独到的氛围。
平面瞬态拍摄局限于一隅静态画面，如何使画面产生流动性？如同使人置身其中？在这一点上，摄影不如摄像。但静态画面的传播和动态画面有本质的不同，不必妄自菲薄，静态画面传承的是瞬态，即使曝光2小时，对表现方式来说，还是一张相纸而已。瞬态的摄影离不开平面，所以摄影人应该着力研究下平面美学。 如果让人在画面中占最大面积，首选三角形，人的身体结构决定了POSS三角形的简便，许多有经验的摄影师让模特摆出双腿微曲，双臂微曲的姿势，就是因为这个姿势符合力学和美学结构。在时尚类拍摄中，这种三角形摆姿可以看到很多。作为最稳定的摆姿模式，摄影师可以在构图中寻求流动感，如斜角构图。 另一个原则是主体所占画面的比例，在室外拍摄时，限制因素较少，道具较多，模特所处的位置可以用各种姿势遮瑕，使模特恰恰处于黄金点上不是什么难事。但在棚内拍摄时，模特和室外拍摄一样随意则会毁了整个拍摄，摄影师应当提醒模特，肢体应当占据画面最大面积，以求最佳画质。 大部分的拍摄，几个禁忌是不能出现的：手心最好不要对着镜头、手肘不要对着镜头、身体最好不要成一直线。对于服装搭配，一定要和环境协调，可以参考一下电影人物的服饰，一些大片在这一点上做的比摄影人专业，创作人员会绞尽脑汁的配合场景定制服装，哪怕是单纯的模仿电影中的剧照，也会给摄影人带来好处。 在拍摄角度上，也建议大家模仿下电影拍摄的手法，登高取更大视域，蹲低取更大空间。摇臂没有，可以站在梯子上。这种拍摄方式会比单纯站立拍摄更有吸引力，所以在对模特发出指令时，需要摄影师对画面有些预估，拍摄结果会给大家带来惊喜。好的视角有时会决定一幅摄影作品的成败。
或许大家以为，拍前做这三项工作是根本没有意义的事情，只需要把照片拍清晰，拍的使客户满意就行了，其实对摄影人来说，这只是最最初步的要求。照片的引申义更加重要，使人像摄影作品不必靠时间磨亮光辉，靠的就是不起眼的几个小步骤。单纯的个人人像照片是不是要遵循以上原则呢？要做，而且要做的更加细致，如果要表现模特生活中的状态，那必须和模特进行沟通，知道她最喜爱的，最厌恶的，单纯的聊天可使彼此的隔阂消除。在镜头前，模特的压力大于摄影师，所以消除紧张感是必须的。 很多作品是模特直视镜头的，在现实论的概念里，直视镜头的眼神最重要。这些照片给人的震撼是难以言表的，照片中的人们可以通过眼神传达内心的感想，在直视一双双眼睛时，读者往往会被震撼。这种拍摄方式在拍人文题材时往往会起到出其不意的效果，眼神或沧桑或迷惑或羞涩，相信大家看过很多农村题材的照片，也看过一些好莱坞明星的个人照片，那些直视的眼神在传达的是人物内心的表白。 这就要求摄影师能够把控片场的气氛，能够使模特放下包袱，把内心的真实状态通过肢体和眼神传达出来。
摄影师不能作秀，为赋新词强说愁的做法实不可取，打个比方，一个90年代的小姑娘，在没有了解朋克文化时，摄影师强求一种形似——片子的失败是肯定的，并非任何人都认同朋克一族，强求这种视觉效果反而会适得其反。 不能作秀的另外一个意思就是自己先理解拍摄的主题，不可不懂装懂，在模特面前丢面子是小事，拍摄失败是更不能容忍的事情。 还原本真，适合的模特表演适合的角色，这是靠发掘，不能生搬硬套。
二、 不作伪 将人像照片PS的更加完美，是每个摄影师的必修课。在PS的过程中会运用很多的桌面图形编辑系统进行操作，这一步是在还原客户的梦想。如果让一位商业摄影师放弃PS，那无疑是让人家丢掉饭碗。
这里的不作伪不是在说PS，说的是摄影师的本身，学习一种风格成熟的摄影作品是无可厚非的，在桌面系统软件的帮助下，每个人都有可能成为大师，捷径是没有的。一个成功的摄影师取得的成就无不是靠辛勤的汗水换来。
剽窃一位摄影师的创意变得如此简便，甚至直接剽窃摄影师的作品，这种事让人心寒，许多事例就在我们身边，就不一一列举。 对于拍摄人像的摄影人来说，不作伪显得尤为重要，有时候某种风格会出现两个或更多的摄影师，这是无可厚非的。但坚持自己的风格，并使之能够焕发活力，这是不是更加好一些？符合自己心意的风格，健康的创作态度，这是对摄影人最最重要的东西。 提倡原创性并非任何参考都不能用，实际上很多创意元素被利用了无数次，如婚纱、红五星、绿军装和红肩章等。摄影元素可以重复，创意不可重复，和别人的重合，哪怕对方是位大师，也不值得沾沾自喜。关注下周围的人们，生活里的时尚元素和故事元素多的不胜枚举，原创性的照片才是真正有价值的。不必作伪，忠实于自己等同于忠实于别人。 将自己的想法付诸实施有时会遇到很多问题，在难关面前退而求其次，这是每个摄影人都会碰到的问题。我的办法是：把这个想法继续深化并寻求一切可能进行下去。 拍摄不好怪器材，是每个摄影人早期都会有的心态，而实际的拍摄时用何种焦段来表现人像摸不到头脑。办法是：固定于某一焦段，努力适应这个焦段带来的视觉冲击，每个焦段的作用都是不同的，这种研究方式对初学者是很必要的，跑腿的同时，对这一焦段的理解会慢慢的理解：配合不同的光圈，不同的距离，获得不同的景深，这种在实际操作中获得的经验比死记硬背要来的实际些。
另外一种心态是退堂鼓，总觉得拍摄计划漏洞百出，可又无法把漏洞补齐。最后拍摄的照片变成纯纪念式的留念照。每个喜欢人像的摄影人都碰到过这个问题，当看着一堆废片回想自己的拍摄创意时，哪个更加重要？是时间还是坚持？在这时，浪费时间的，恰恰是这个看似重要的拍摄过程。 明知不可为而为，这是愚夫，但明知可为而不为，这是什么？和是否职业没有关系，和玩耍的心态有关系，在不尊重一个行业的情况下，梦想靠玩耍提高摄影的修养和技术，这根本不可能。摄影爱好者如同雨后春笋，但其中崭露头角的，无不是坚持的强者。 |
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