转贴《书法内涵初探》何首旺

书法内涵初探                                              何首旺 　　书法作为中国三大国粹(京剧、中医)之一，在绵延上下五千年历史进程中，享有崇高的文化地位，这是由书法有极其丰富的内涵决定的，笔者认为，它至少包括文化内涵、哲学内涵、传统内涵和独特的审美内涵。 　　一、文化内涵 　　书法从它诞生之日起，就围绕文化这个核心运行，所以对书法的真正理解，如果仅从书法技法和线条来认识，只是一种肤浅的体悟，应该是隐藏在汉字书法里一种超乎笔画之外的玄妙，是一个幽深无尽的文化世界。 　　诗为书之魂。苏轼说。“诗不能尽，溢而为书，变而为画，皆诗之余”。诗（包括文学形式）是书法艺术的基本要求，我们可以看到，书家不管是自己写的，别人写的，总爱“写”诗，而且还得是中国的诗，诗主宰着一幅书法的意境，书法家立意全从诗来，诗不同，书亦不同。如苏轼的《梅花帖》写到结尾，忽做狂草，那是奔放的诗所决定的。纵观历代大书法家，无一例外不是大诗人、大学问家，最起码也是一个有建树的文化人。书家如果没有浓厚的文学修养，没有广博的文化素养，书法是上不去的，所以“书到深处是文化，书到极至靠修养”。书法技巧通过磨练可以逐步接近，而心灵的丰富程度是无穷无尽的，精神品性和文化素养的提升，比起技巧的学习更显艰难和缓慢。黄庭坚评价苏轼的书法时说：“学问文章之气，郁郁芊芊发于笔墨之间，此所以他人终莫能及耳”。他人之不及的就是苏轼高雅的文气。 　　文人对于书法既是必备的条件，又是先天的优势，只有文人与书法的结合，才能使书法步入艺术的殿堂。历代文人无论是“得意”抑或“失意”都情系书法。米芾，是一个内心风云际会之人，不如意后，一方面研习古人书迹，一方面率性任意的挥洒，终成宋四大家。唐虞世南，平生顺利，又与唐太宗神交过往，既谨于政治，又忘情书法，成为一代大家，由此可见，书法既可以成为失意者的天使，也可以成为得意者精神疲累的慰藉。在书法艺术中影响最大的王羲之也是地道的文人，所谓“东床坦腹食”的放浪，“性爱鹅”的习性、“尽山水之游”、“弋钓为娱”的情趣等等，显出一种真正的魏晋风度，这些崇尚畅意、自在平和的精神气质在《兰亭序》中，得到了充分的表现。至于其他书家如蔡邕、欧阳询、褚遂良、颜真卿、黄庭坚、苏轼、赵孟俯、祝允明、文征明、傅山、郑燮、何绍基等，他们无一不是文人，有的还是大文人，再看看笔者身边常德本土的几位书家，胡安民先生熟读诗书逾千卷，常以诗词直抒胸意，书写自作诗烂熟于心，加之扎实的书法功底，时有抒情达意之妙品，让人爱不释手。吴捷先生博闻强记，精于文史，通音律，写出来的书法作品书卷意气，爽爽有神。田绍登先生的书法，饱含名士风采，自成一家，这与他具备坚实的国画功力是分不开的。 　　二、哲理内涵 　　沈括在《梦溪笔谈》中说到：“书法之妙，当以神会，难以形器求也。”这是说书法要想达到妙境，不能仅仅从“形”的方面去寻求。“神会”就是物我两方面的契合，达到“物我一如”的境界。“形神”乃中国书法核心范畴之一，“形”与“神”的关系，在哲学思想中是指人的形体与精神之间的关系，其根本问题是形与神有无不可分离性和神对形的有无依赖性，以至形神的统一性。“论画以形似，见与儿童邻。作诗必此诗，定非知诗人”，苏轼更是注重舍形求神。强调精神的重要，是受道家“形本生于精”的影响，从形神观来看，便是以“神”为质，以“形”为用，“神”是存在于“形”的内在精神，它是要靠书法家去认识、感受和捕捉的。 　　中国书法除“神”之外还注重“气”与“韵”。“气”本是一个具有复杂内涵的哲学概念，古代用“气”来说明自然界物质的运动变化和人的生存及其精神现象，孟子曰：“吾善养吾浩然之气”。“浩然之气”是一种来自个人道德修养的精神。我国文学艺术很注重“气”和“精神”的联系，认为“清和其心，调畅其气”（《文心雕龙》），强调在创作中应顺乎自然，不能勉强，保持心平气和，精神舒畅。这对于书家感受体察生活，进行创作十分重要。具体在笔墨上，主要表现在从创作冲动、章法布局直到落笔的整个过程。沈宗骞在《芥舟学画编》中有这样的描述：“兴之所至，毫端必达，其万千气象，都出于初时意料之外”。气和精神的统一，正是书法家自身生命力、创作力的表现。“韵”既是审美境界又是艺术方法，韵是书法审美本质所要求达到的艺术境界，书法中的“韵”如果与“诗”和“乐”比较，很有些共同之处。如果说诗中之“韵”是“不着一字，尽得风流”，乐中之“韵”是“无声之弦”，“声在音外”，那书法中之“韵”则是“黑白旋律”，飘逸纵横，妙在笔墨之外。 　　三、传统内涵 　　书法有法，这个法就是几千年先贤的创作积累，书法法则，因而学习中国书法的最大特点，自古以来就是临摹，就是今人照着古人的方法写，正是这样才保持了上千年中国书法的传统关系。历代书家无不在学习、临摹前人优秀传统方面花费大量精力，甚至退笔成冢，池水尽墨，可以说书法未有不学而成名成家者。 　　作为汉文化特有的艺术，书法所赖以生存的对象是文字符号，而文字的符号由六书而隶变，由隶变而楷则，基本上定型化，它给书家所留下的创造性余地是非常之小的，所以对于书法继承传统的主要方式是临摹，虽然临摹、模仿不一定能出名家，但名字的个性独创，正是从临摹、模仿的传统继承而来，临摹不要怕重复，其实每一次重复都是一次新生，艺术有一句话叫做重复就是力量，贝多芬的命运，九个乐章一直在重复一个旋律。 　　在学习书法的过程中，有些传世法贴，可由“法”的角度切入，通过临摹，不断掌握，如“二王、颜、柳、欧、虞、赵”。而有些书家的作品只能以“意”的角度学习其思想、胆识，继而领略其以笔墨为载体的心灵和人格之美，如张旭、苏轼、八大、徐渭、傅山等，学这种法贴如依样画葫芦，终将不得要领，难寻法迹。这类似李杜两大诗人。“李、杜二家，其才本无优劣，但工部体裁明密，有法可寻；青莲兴会标举，非学可至”。 　　临帖学古未有不变者，不同的人临同一本帖，因习者不同个性而结果个个不同，即使同一个人临同一本帖，当临习者着眼点不同，或取其势，或取其韵，或取其度，或取其体，或取其用笔，或取其行气，当其有所取，则精神往往专注某一端，结果不仅与原帖不会完全相同，而且也肯定个个不同。 　　关于书法创新问题，有人建议，要想创新，千万不要急，厚积薄发，六十岁以后再说。 　　四、审美内涵 　　前面已经说到过，中国书法是哲理，而不是推理，如果套用西方审美标准来衡量中国书法，那必将走入死胡同。中国人在儒道互补的文化环境里，天生就有诗性思维和艺术态度，在“似与不似之间”获得那种“只可意会，不可言传”的审美体验，概括说来包括简约美、气韵美、中和美。 　　书法简单到只有黑白、只有点线，但是能够点画生精，形外有意，风流韵致。唐朝张怀灌在《文字论》中说：“文则数言乃成其意，书则一字已见其心，可谓得简易之道。”关于气韵为美，在一些书论中，气常指形势、气格、气骨、气象，指的都是作品具有活跃的精神姿致，王羲之说过，书法“扬波腾气之势，足可迷人”。韵用于书法，指制品的点画、字、行搭配恰当，布置停韵，形成和谐、美观、有力感、韵律感的整体，书法之美是气韵二者的化合物。清朝刘熙载十分推崇书法气韵之美，“高韵深情，坚质浩气，缺一不可以为书”。 　　中和是儒家提出的一种伦理道德规范，在书法创造方面中和之美的一般含义是抒发感情要有所节制，和谐适度的处理情意与物境、情境的关系。中和不是平淡，书法是人的心境流露，反对“粗、野、狂、俗”。书法中的奔放是率意的放纵，但是能纵能收，是求奇履险，但又能化险为夷。郑板桥的书法，有如“乱石铺街”，书中行书、隶书、草书杂出，但杂而不乱，变化而不突兀，寓不整齐于和谐之妙趣中。 　　简言之，书法创作的最佳状态应是，寓古寓新，不古不新，见古见新，亦古亦新，始终与传统保持一种一脉相承、难割难舍的因缘关系，同时又产生一种若即若离、似是而非的天然境界，方能够愈积而愈精，气弥炼而弥粹，酝酿已久，炉火纯青，不期然而适然得之。
收藏0 分享0 顶0 踩0 转发到微博
	回复 引用 举报 返回顶部

‹ 上一主题|下一主题 ›