|
“我看到中国现状的悲哀，自焚以求公平，开肺证实自己得的是职业病，中国世界工厂的代价，其中就有，仅仅在珠三角企业，每年发生断指事故，被机器切断的手指头超过4万只。”蒋志为此创作了《哀歌》，成为这个展览的一部分。这里的一切随时都在改变，就像光一样，在视网膜上匆匆走过，永远不会有相同的轨迹。
外滩十八号18画廊有一个艺术展，叫《在视网膜上弯曲的光》。 展览很简单。 入口进去一条昏暗的走廊——这也是展览的一部分，55台由摄影师王宁德自己研制的幻灯机，以极短的速度投射着一张张黑白图像，转瞬即逝，画面上是被摄者在闪光灯前眯眼的状态，据说全是来自网上的贴图，组成一条直线。这构成了王宁德此次的参展作品《55×18%》，18%是摄影里面的一个概念，是一个标准的灰度。如果走廊更长的话，幻灯机的数量可以无限制地增加，他曾经同时使用过125台。短短不到10米的走廊就像时光隧道，而幻灯成像在王宁德看来是弥补了摄影师的遗憾，因为他们在拍摄的时候刚好是看不到东西的，他实际上是和光影玩了一个游戏，与其说投射出来的是图像，不如说是“幻影”。 身处这样的走廊，你大概就可以想象即将看到的其他展示都不会是特别正常的“光”的作品。走廊尽头自然导向两个空间，往右是陈文波和蒋志的图作，往左是尚一心、姜吉安、徐渠的装置艺术。 陈文波三幅作品《狂欢》、《左派光源1》和《左派光源2》略显普通，讲述物体如何在光的折射下发生微妙的变化。倒是蒋志的《哀歌》颇有些含义。我们经常说“光线”，不仅有“光”，还有“线”，这是中文的语境里才存在的表达。当蒋志把“光”具体成“光线”连接于各种肉体之上时，观者感觉的不是被照耀的温暖，而是一种似乎快要被撕裂的疼痛感。《哀歌》系列中，光看名字，可能会有不一样的想象，你怎么可能想到“有时跳舞”会是两只被截断的猪蹄，而“撕裂有时”则是一只等待宰割（或者已经被宰割）的羔羊，那两道光线，就像蒋志自己说的，“这种光，不是照亮，而是施与力量，刺入，拉扯……”整个系列充满了末日般的凝重，无需把这些动物以及动物的骨干替换成人，就已经能感受到社会观察的无声置入。“我看到中国现状的悲哀，自焚以求公平，开肺证实自己得的是职业病，”蒋志解释，“中国世界工厂的代价，其中就有，仅仅在珠三角企业，每年发生断指事故，被机器切断的手指头超过4万只。”这就是与机器共舞的代价！
走进另一个空间，迎面是尚一心的装置《组织.悬浮在空中——传递》。N颗石块用螺杆支撑固定于墙面，处于悬空状态。每块石头规格相近却又大小不同，质地同一却又形态各异。光看这墙面、这石块，都是极普通的，它们在同样普通的两个灯泡的的照射下，却出现了不寻找的效果。原因是灯泡置于一个机械动力装置的两端，随着灯光的摇摆，墙壁上石头的影子也随着摇摆，不时重叠。更妙的是，机械装置的速度可以调节，于是影子的移动速度也随之变化，如果快的话，那些光影有近乎催眠的作用。在这个作品中，“灯光”某种意义上扮演了一个指挥家的角色，它借助对“影子”的控制从而控制着“石块”，“石块”们成了“灯光”的追随者。 另一幅叫《海平线》的作品恐怕是最简单的，三块蓝色的板，中间是根白色的光管。当中意思很直白，不言而喻。它的创作者徐渠是在游览西沙群岛的时候有了这个想法。他说，当你坐在“琼沙三号”补给船上缓慢的驶向深海，在你面前呈现的是无止境的各种蓝色……天气大好的时候，你会看到天边或是海的尽头处有一条温和的线。更妙的时候，这三根光管每天都会一齐变动到某一个位置，有时“海”高一点，有时“天”低一点。  最后一件作品是来自姜吉安的《两居室》，也是本次展览中我最喜欢的作品，耗费了作家两年的心血。本次展览的策展人鲍栋先生曾为这部作品做了长长的评述。当人站于“两居室”外，并不觉得它有多么神奇，但你要走进去。身处其中，才发现：这个两居室里每一件东西的影子都是静止的，而且只要你仔细对比各件物品的投影，会惊讶：如果以现实的光影投射原理的话，它们是互相矛盾的。为什么是出现这种状况？原来，两居室里一切物品的投影都是艺术家根据各自的受光状况添加进去的，换句话说，那不是灯光的投影，而是像画素描一样画上去的。最后，你再发现，行走于其中的人是没有影子的，仿佛是艺术家刻意在保持这个空间光影的纯粹。于是，现实和荒诞混合在一起，原本普通的空间成了艺术的实验室。正如之前说的，这是一个简单的展览，如果快的话，不到十分钟就可以看完。但它又不是静止的，这里的一切随时都在改变，就像光一样，在视网膜上匆匆走过，永远不会有相同的轨迹。 展览时间：4月7日—5月27日 周二至周日11:00-21:00 展览地址：上海市黄浦区中山东一路十八号四楼18画廊 |
|
|
