《盛夏》 Midsummer
摩尔最重要的代表作品之一。他结合了等待的王者和被动的睡眠者两个概念。女人们袍服的亮橙色唤起对七月酷热和耀眼阳光的记忆。这一切又由扇子的铅绿色，背景设置的冷色调银色和灰色得到反衬。而构图的建筑结构带来静态的平衡稳定感，加强了主题“休憩”的含义。王座下的一片落叶代表季节向秋季的转化。在希腊一书中探求一生的摩尔，从形式美的秘密中也领悟了希腊哲学所揭示的事物中隐藏的奥秘，特别是死亡在永恒自然中的位置。
《花期》 Blossoms
摩尔在去附近的荷兰公园的时候，被正处在繁花怒放的花期的白樱桃震惊了。他的震动来自樱桃花在和暗色墙壁对比的情况下出现的闪亮的窗花格结构。于是在此图中，他把这种结构作为背景。和他在其他作品中使用的用自然植物做装饰的织物背景相比，他感到自然本身中会出现的抽象的装饰性的结构也毫不逊色。二者都通过一种活泼的点饰，来对照形象的袍子上那些节奏缓和的褶皱。
《夏夜》 Summer Night
摩尔终于取消了他作品中作为背景的那堵墙。他把它变为交织的花串和一个露天棚架的金银饰柱。他那与外界隔绝的、人工的环境让位给一种紧紧联系着人类场景和自然的背景。花环后有苍白的云浮在海面漆黑的天空中，光线破水而出，从倾倒的人体直到远方的一座海岛。为了创作此画，摩尔当年几乎什么也没展出。事后有人赞赏地认为：“他总保持他作为纯粹艺术家的本色，总追求最好并坚守原则——他自己的艺术原则。”
《贝壳》 Shells
摩尔在这幅作品中又采用新的方法来获得一个更有感染力的画面，确切地说，是“画的表面”。当他将人体轮廓和大致色彩画到画布上之后，就用精致的短鬃刷在整个作品表面涂一层白铅。然后加进细节，然后再按与头一次相反的方向涂一层白铅。然后再画衣袍。以此类推，每个步骤之后都涂抹白铅。最后达到一种效果：质感复杂而不紊乱，有方向相反的细腻纹路，使有如贝壳内部的那种层晕的光感和色感得到充分表现。
《杏树》 Almond
这幅画在构图中大胆地引进了受浮世绘影响的因素。比如图左上方如建筑花饰般出现的长方形，包含天空和植物的叶子，是典型的浮世绘图中开小框的方式。还有图右互相平行的枝叶，唤起我们对日本艺术家钟爱的斜线的记忆。摩尔还有意用浅近处的一堵墙堵住了透视空间的远缩。对近景远景的省略，线形的视角震动了英国人的眼睛。他当然没有放弃用罗马壁画的迷人的“干巴巴”，即在颜料中只加入极少的油质，把这一切呈现出来。
《百合》 Lilies
这个白衣女人的姿态准备了后来在《大理石椅》中的女性姿态，而摩尔这两幅作品又深深影响了惠斯勒在他比较失败的作品——《白色交响曲第三号》中女人的姿态。惠斯勒最开始曾把自己的作品称为：“沙发——给摩尔大理石椅垫上的版本”。两个人的作品都以白色为主，间以桃粉和蓝灰，都加入日本室内装饰，放置鲜花，铺上小毯等。但惠斯勒的人物不论从姿态，还是神情都显得要生硬和蹩脚。
《三色堇》 Pansies
这幅画是对休憩中的女性的形象的再探索。正是此画将摩尔带入主流画家的阵营，因为在皇家美术学院展览时受到拉斯金的赞扬。拉斯金极为欣赏他对各部分之间的内在平衡的把握，认为这是“一堂关于构图的课”。认为听者应该藏在女人的头巾里或扔在篮子里的丝巾上的忍冬纹里，来体会一切是怎样安排的。他还欣赏摩尔对自然光影的细致观察，但也批评他不要把一种“上彩的图画”视为真正的美术。
《风和四季之爱》 The Loves of Winds and Seasons
摩尔一生中最大也是最后的一幅作品。在这里他倾力表现了人们心理的，特别是爱恋的因素。在此画的创作过程中，他的健康不断恶化，他封闭的工作间里，常去看他的是一位可爱的女画家。尽管体力不支，摩尔还是一丝不苟地按照他的原则进行创作，并且亲自题诗与画相配。诗与画都与希腊神话有关，将自然现象当做人类罗曼史的叙事。摩尔的大多作品反对人类情感的介入，压抑一个生命存在对另一个生命存在的欲念，但在他最后的艺术宣言中，我们却听到这样的声音，像四季循环之于自然一样，爱之于人类是永恒的中心。
《象征一年十二个月的形象》 Figures Emblematical of the Months of the Year
为一个农场住所的天花板设计的装饰砖。用人物象征一年十二个月，配以相应的农业活动，这是希腊和中世纪传统中都时常出现的。摩尔当时还处于崇尚拉斐尔前派时期，线条的质朴拙硬深深受到影响。最后一幅图表现农人牵着公牛去屠宰，被认为毫无疑问地受到帕特农神庙残留的大理石雕塑的影响，其实也表现了年轻人牵牛献祭。作为大英博物馆保存最好的希腊雕塑残片，它对摩尔一代的艺术家产生了深刻影响。
《休息的舞女》 Dancing Girl Resting
是《舞女》的姐妹作品。表现舞女背靠大理石休憩的场景。这两幅作品标志画家首次从以前文学历史性的，关注男性形象的画风改变过来。在情绪的基础上表达一种自足的视觉经验。舞女半张着嘴喘息，手臂和身体姿势不失优雅。虽然全身披挂，但身体的曲线优美，在透明的织物中显露无余。旁边的伴舞女郎全身赤裸，蜷躺的姿态代表一种更彻底的休憩。整幅图用休憩的气氛来传达刚刚结束的舞蹈所消耗的激情。
《维纳斯》 A Venus
《维纳斯》并不是自然表象的再现，而是在一个理论体系中对色调组织的一种实验。摩尔由粉蓝和白触发，几乎推延出所有可能的色调，粉红和白也作了同样繁衍。暖棕和暖黄在途中某些点上，锚一般稳定整体。但遗憾的是，摩尔精妙的、科学的平衡，被悬挂在这幅作品周围的那些俗艳花哨的色彩破坏了。但接受它的皇家美术学院的西德尼·科尔文还是大加赞赏，认为摩尔给架上油画带来一种壁画的抽象的平衡。
《苏拉米特》 The Shulamite
《旧约》中的《雅歌》，由于它丰富的想象力和爱意表达，而成为19世纪60年代如摩尔一样关注纯美和内部景观的艺术家青睐的资源。摩尔为了再现旧约时代的浓重的情绪和戏剧性而将此画幅度做得甚至超过他以前的某些建筑装饰画。他没有直接描绘新娘对她爱人的想象，而是表现了她的听众的姿态。这些侍女大多不自觉地相拥或挽起手，处于一种被动的、着迷而愉悦的状态。对情色之美的直觉反应就是物理的亲密和相互的好感。
《花园》 A Garden
《花园》中女人的姿态唤起我们对画家另一些作品，例如《杏树》、《杜鹃花》等的记忆。采摘花果，是摩尔的情结，其中深刻的原因之一，来自他对古希腊和罗马陶瓷及壁画的由衷热爱。用罗马壁画的方法在花架上画，他无限热爱旧蚀的绿色和其他一切淡弱的、渐渐消逝的色调，总能找到具体的作为灵感来源的古典作品的主题，使自己创造像出土文物一样给我们带来匿名感和时空的错乱。当时的人曾写到，摩尔的作品风格“在时间和空间中都找不到确切的定位”。
《珠子》/《苹果》 Beads/Apples
是摩尔色彩美学探索的整体作品。他继棕叶扇之后发展沉睡的女性的主题。在精密安排了形象，衣饰和环境之后，他再次表现了对“题材”的轻视，而用完全相同的场景构图体现不同的色感。在《沙发》中，他发展了棕叶扇里的色调，用奶油色中微妙变化的色系和由棕色渐渐向橙色和黄色暖去的色彩。在《苹果》和《珠子》中有更大胆的尝试，比如斑驳的绿色和蓝色，和着焦糖色，棕色，白色和炭笔的重音。这组画体现了摩尔在对美学问题的探索中，坚持用最美的肉体来实现理论的骨架。
《杜鹃花》 Azaleas
以真人大小来绘制人物，在英国画家中是罕见的。摩尔的能力与他做建筑装饰画的经验有关。他会将人体本身化为一套抽象的、几何的线条集合，这样构图将从这套集合内部产生。当他决定主要线条的走向之后，就由它们来决定线的分布。他曾说：“自然不过就是平行和视觉的平衡。”图中可见明显的日本和中国的影响，着色方法受毛笔皴法影响，瓷器是东方的，蝴蝶和落花的平衡效果也受浮世绘启发。
A Reader 1877
A Musician 1867
A Garland 1888
A Reverie 1892
A Sleeping Girl 1875
