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一、中西绘画审美的观念及表现形式的差异 就“观念”来说，中国人向来感性，向来善于寄托情怀，中国画是按照中国人特有的表现形态发展而来的。中国古人写诗大都抒发感受情趣，文化系统也离不开情感，很少有物质独立的东西，比如说表现一条河一丛花草一只动物都会有意无意中透漏出人的情怀，一幅中国画里面贯穿的始终是发自人内心的感受，非常注重对生活的描绘，一座青山一顶茅屋若隐若现在万树丛林之中就是一种烟火不食的境界，他们认为生活是什么样子，画面就应该从属什么意境。而西画的观念总是脱离不了“科学”，理智的思维表现出同样理智清晰的画面，它们无须着重反映人的情感，房子就是房子，关乎的是建筑方面的知识；人就是人，强调解剖看重形体关心一些可能存在的物理变化，他们始终把自然科学摆在首位。这种观念上的差异长此以往影响着中西绘画的总体。 从中西观念上虽然谈已经涉及到了“意境”和“趣味”的问题，但是从他们的表现形式来看，中国画偏重“写意”，西方的趣味在于“写实”。 中国画把意境作为第一位，画面上呈现的不是一部分物质而是整个人性化的意境。而西方却觉的描绘物质的构成渊源更有趣味，他们认为事物是什么样子就应该在画面上真实的表现什么，比如完成一幅风景创作，西方关注画面与实际景致想吻合，画肖像追求与模特的外形想吻合。其次是着重点不同，表现方式也不相同。中国画着重于把结构形态和神韵合而为一。以上说国画注重表意，并不是说国画的表现就不重视对造型的把握，而是在国画的创作过程中貌似简单的线条描绘已经包含了形体的精准，一幅好的作品永远是在造型完整的前提下才能充分的表现出其情感的。貌似简单的国画，每一次运笔都是历经日积月累才能体现出其如生的一面。作为的中国画大师无一不是在刻苦磨练中锤炼自己准确的造型能力然后才能游刃有余的驾驭画笔从而才能创造出一批又一批生动美妙的画面。所以说结构与神韵的完美结合对国画 创作尤为重要，表现方法主要依线条为主，一条线包含了结构造型囊括了所有情感。而一幅好的西画首先具备的是“真理”，更偏重于对内在结构的描绘强调客观现象。他们看重素描关系，立体效果，明暗调子，注重用点,线,面相结合的原理来描述对象和营造气氛，一幅好的素描里必然出现鲜明的调子充足的结构关系。从古典画派的经典之一安格尔的绘画中就能看出着一点，他的油画把素描关系放在第一，充分的利用点线面的相互结合来塑造画面来驾驭色彩。还有德国画家德加的素描，看过荷尔拜因的素描的人无一不为他对人的造型精准而折服，但看德家的素描却常常被他用明暗用明确简单的素描关系所营造的气氛所感染，我们会不经意的感受到画面的真挚与诚恳。 二、中西绘画审美在空间表现上的差异 在空间的表现上，中西两方也存在着分歧。我们在前几个方面都不同程度的说国画注重意境，其实国画之所以给人强烈的意境效果还有个空间分布上的原因，国画上的树是成片的，山是成群的，主要用分散的视点来塑造画面空间。这样的分散能形成一种气氛，放眼看去就是一片气息，没有过分强调某个个体，而是着重去强调群体带来的视觉效果。让人感觉到树不仅仅只是树而是处在被树环绕的一息境界之中，着重境界中有大气，有飞禽走兽，有大地万物，有无声无息正在繁衍着的生命。国画用分散的眼光看世界，看到的不是一花一木的繁荣而是一种生态一种世故人情的风情万种。而西方绘画拿集中的眼光看事物，他们有他们 准确的焦点，有明确的定点，他们会合理的安排光线来自何方，和国画恰恰相反他们尊崇自然，画面事物有主次之分，相对国画而言更为直接和理智，西画研究焦点有让事物更为清晰更为真实可信的目的，他们会为一个局部费上很大一趁功夫，会把一个事物完整的描述出来，服从来源于大自然的一切实物。 其实不管从各自观念各自趣味意境还各自特有的表现手法和不同的空间关系上来说这些分歧都是作为在同一种艺术范畴之内必然要存在的一些各自的特点，就像我们都从属于人类但各自都有特征是一样的道理。不管是在中国还是在西方，绘画在热爱绘画的人们心中的地位是一样的。它所具有的伟大禀性不分地域种族不分贫富贵贱。它就如同普天之下热爱绘画的同仁唯一共享和热爱的一片天空。我们研究他们的不同是为了更好的认识和驾驭，以此来增强我们对绘画的理解，以此来缩短我们与人类文化的距离。 三、中西方绘画艺术审美的比较 1、绘画元素的基本构成 在绘画艺术当中，中国画主要以线+色+白+散点透视等为最基本的构成元素，讲究笔墨的运用，在国画的“色”上是随类赋彩，中国画的白即留白，布局谋篇，主张“天人合一”，“似与不似”和“有无之间”。这是追求物质向精神飞跃的和谐美，追求动态之中矛盾对立统一的合二为一的平衡之美。而西洋画则是以面+色+光+焦点透视为最基本的构成元素，是基于科学的再现艺术的绘画，是超现实主义，抽象主义的再现,这是将矛盾的两个方面独立并强化，也就是一分为二，追求静态中的单一美。 2、思维方式 中国画以意象思维为主，如画“飞天”、“常娥奔月”，不画翅膀。而西洋画则以逻辑思维为主，如画“天使”必定画翅膀。 3、色彩运用及色彩感受 中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。再者:西洋画是表象的，非常写实的。中国画是写意的，这个写意写的是意象，写的是理想，写的是画境、意境。所以诗中有画，画中有诗。所以中国画不仅需要绘画功力，还得有文化涵养。涉及到诗、书、画、印各方面的修养。 绘画本来就是一种源自心灵的感动，这种感动支配了形象的生成，使得画面上的色彩、线条、肌理、结构、空间相互共鸣，与画家的心灵共鸣，继而与观者的心灵共鸣。于是，便产生了一种被中国先哲概括为“天人合一”的绘画——纯粹的绘画。绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律。在绘画的创造上，中国传统一向推崇的是那些不以绘画为专门职业，但擅于绘画的文化人。被称为文人画家的画家，首先应该是一个在文化上有修养的人，同时又具有绘画技能。所以，绘画艺术的最高价值正是隐藏在艺术家无功利的动机之中。 中西绘画艺术最大最本质的区别究竟是什么呢？很难给出一个明确答案，实际这是一个非常复杂的问题也非三言两语可以说清。我们通过对其审美视角之异同的比较，的确是认识和理解中西绘画艺术不同的关键核心。 对于有着几千年历史、画种繁多、作品纷呈的中西绘画，通过对照、剖析、探寻，发掘，相信我们至少可以坦然面对不同文化的冲突，它们的变迁和融合，而学会用更加浅显、生动、平易、自由的心态，开启爱美、审美的大门。 |
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