榆城古风 / 纽约大都会 / 深度拍摄纽约大都会艺术博物馆第六篇 17-1...

0 0

   

深度拍摄纽约大都会艺术博物馆第六篇 17-18世纪的荷兰绘画

2014-06-21  榆城古风
第六篇 17-18世纪的荷兰绘画
 荷兰在17世纪初获得独立,成为欧洲最早的资本主义国家。17世纪上半叶,荷兰经济繁荣、文化昌盛,这儿已建有几所大学,开始定期出版刊物和报纸。荷兰信仰新教,人民有较多的思想和言论的自由。因此,在荷兰产生了一种不同于封建专制统治和天主教国家的文化艺术新风尚。
  信奉新教的荷兰人生活俭朴,吃苦耐劳。他们并不欣赏法兰德斯的豪华之风,在审美趣味上也没有接受多少信奉天主教国家流行的巴洛克风格。他们更偏爱淳朴、写实的严谨作风。同时,新教国家反对大规模营造教堂和偶像崇拜,艺术品的订购者不再是国家和教会。绘画从教会和宫廷转向了普通市民,真正成了商品。艺术家们努力描绘市民的日常生活和风俗习惯,为市民服务,画幅变得小巧而适合在家庭中陈列,内容也表现出忠实于生活的特点。尼德兰艺术家历来有讲究技巧精良的传统,画家必须专攻一定的绘画类别才可能达到精湛的地步。因此画家们各自选择专一的题材,独门专攻,出现了画风俗、肖像、海景、普通风景、静物等分类别的画家,这些画分类细、画幅小,美术史上就称这些画家为“荷兰小画派”,这派最有名的画家是维米尔。
  除小画派外,17世纪的荷兰肖像画也非常流行,出现了像哈尔斯这样的肖像大师。由于卡拉瓦乔写实艺术的影响,荷兰还出现了最有成就的写实派大师伦勃朗。

1223
拿水罐的年轻女子  约翰尼斯·维米尔(Johannes Vermeer)  荷兰 1662  45.7 x 40.6 cm
  约翰尼斯·维米尔(Johannes Vermeer, 1632-1675)是荷兰最伟大的画家之一,但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔1632年出生于德尔夫特(Delft)一个小业主家庭,1675年卒于同地。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画,他的画往往只有一两位人物,一般是从事着家务劳动的妇女。维米尔的画整个画面温馨、舒适、宁静,给人以庄重的感受,充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。维米尔在艺术风格上也别具特色,他的绘画形体结实、结构精致,色彩明朗和谐,尤善于表现室内光线和空间感。
     众所周知,17世纪,亦即维米尔的时代,是荷兰的黄金时代。荷兰在16世纪摆脱西班牙统治,赢得政治独立后,随着海上贸易的发展,经济繁荣国力强盛,到17世纪已成为继西班牙之后的世界头号殖民国家。当时德尔夫特虽是个只有两万三千人的中小城市,比阿姆斯特丹等世界性的通都大邑和人文荟萃之地不免逊色一些,但也相当繁荣、富足。该市仿制中国青花瓷的烧瓷工艺在欧洲就颇为有名。据一张1649年镌版刻制的德尔夫特城地图可以看到,这是一座十分整齐、清洁的城市;市中心是一座古老的教堂,教堂前便是全市商业中心的市场广场——维米尔的杰作《德尔夫特》即在此诞生。然而,维米尔的生平是怎样的,他的幼年和少年时期是如何度过的,维米尔一生从事过哪些艺术活动,人们没有掌握多少材料。人们只知道1632年的秋天,约翰尼斯·维米尔出生在荷兰德尔夫特市的一个中产阶级家庭。当过织布工人的老维米尔名叫雷伊尼埃·扬宗,娶妻丁格鲁恩·巴尔塔扎尔。在他们生下第二个孩子维米尔时,老维米尔正经营着一家“米什兰”客店,并兼做卖画生意。
    维米尔向谁学绘画?又怎样成为画家的?现存唯一可供佐证的文字资料是一首四行诗。这首诗的由来是这样的:1654年,德尔夫特发生过一件历史上有名的火药库爆炸事件,画家卡雷尔·法布里蒂乌斯当即被倒塌的房屋压死。这位画家是伦勃朗最有才华的学生,当时已有相当的名望。他的死于非命,促使他的朋友印刷商人阿诺尔德·邦为他写下一首表示悼念的四行诗:呜呼哀哉,凤凰在熊熊烈火中涅槃!归天的法布里蒂乌斯正处在光荣的顶端,幸而维米尔追踪他的足迹奋力向前,是从他的尸灰里飞出的新凤,高蹈翩然。历来的维米尔研究者都根据这首仅存的诗,把法布里蒂乌斯与维米尔的关系判定为师生关系。这当然不是没有道理的。而且,他们两人的画风,特别是在抒情格调上,也确有相似之处。此外,维米尔还拥有几幅法布里蒂乌斯的作品,这就更使人坚信维米尔是这位伦勃朗高足的弟子。
    据推算,维米尔大约在15岁时,即1647年,加入法布里蒂乌斯画室学艺。经过六七年的勤奋学习,维米尔于1653年12月29日加入圣路加公会,成为正式画师。同年的4月5日,维米尔娶了一位名叫卡塔里娜·博尔尼斯的少女为妻。新婚夫妇没有离开父母,仍住在“米什兰”老屋。披露维米尔艺术生涯的记载虽然是寥若晨星,记录他告贷、负债的字据却时为后人所发现。看来,在经济上,维米尔似乎一直处于拮据状态。到了1672年,维米尔竟不得不盘出父亲遗留下来的产业“米什兰”客店,携妻小迁出久居的老屋(维米尔的许多作品当是在那里画成),而搬到一所小得多的房子里去。1675年,43岁的维米尔正是年富力强之时,却不幸过早地溘然辞世。在1696年5月16日阿姆斯特丹的一次拍卖会上,有维米尔的21幅画。其中的《德尔夫特》卖价最高,为200荷兰盾。拍卖清单上还记载着维米尔的一幅静物,现已不知下落,这是很可惜的。
    维米尔曾经被人忘却达两个世纪之久,后来才被“发现”。18世纪的大多数传记作家都把他忽略了。到了19世纪,注意维米尔的人显然多起来;自20世纪以来,研究维米尔的人就更多了。以前,维米尔屈尊排在荷兰小画家之列;而今,他的地位扶摇直上,同哈尔斯和伦勃朗并列为荷兰三大绘画大师。世人何以要对维米尔如此前倨后恭呢?原因自然是多方面的,时过境迁、审美趣味变化、人们摆脱某些偏颇,恐怕其中重要的一条。然而,关于维米尔其人、其画,大家却始终不甚了解。维米尔的生平,若明若暗,维米尔的作品,众说不一,对维米尔的评价,至今尚无历史定论。为此,这位17世纪的荷兰画家维米尔曾经获得一个雅号:德尔夫特的斯芬克斯。
   维米尔的生前并不为人所知,但他的作品却不会被人遗忘。1866年维米尔被法国评论家托尔重新发现。在维米尔生活的年代里,德尔夫特对他的创作持歧视的态度。但维米尔死后不久,好几代对绘画感兴趣的富有收藏家认为,维米尔的作品一直有着巨大的价值。这表现在:无论何时,维米尔为数不多的作品中的任何一幅画,只要面市,旋即引来赞誉且订价颇高。然而不知何故,维米尔的名字未被收入阿诺德·豪布拉肯编撰的藏画录里,这是一本18世纪编写的有关荷兰艺术家基本状况的手册。因此,在他死后约150年后,维米尔仍然是一位有争议的艺术家。

1224
拿水罐的年轻女子(局部特写)
以下内容由 情枭的黎明 于 2014-2-6 11:35 补充
 从绘画的技法来看,这幅作品足可证明维米尔此时的风格已臻于成熟。在他画这幅画时,态度则始终一致,保持了相当的敏感度,并在一定的色彩范围内,使用不同的透明油彩。
  这种细致入微、耗费时日的画法,正是他此后十年全部作品的标志,而他最优秀的杰作,也正是在这十年间所创作出来的。
  运用这种技法,可产生极为宁静与明快的感觉,这正是所有这些安宁的室内画之所以感人之处。铝窗又是位于画面左侧,明净的窗玻璃上映出窗外蔚蓝的天空。
  窗边的少女似乎踌躇于窗口与水壶之间,好像要洗手却又拿不定主意。画中桌布鲜艳、银盘澄亮,其余则一色简朴,二者对照分明。在这幅画里并没有明显的象征意义,只因这一片宁静,不免又会令人再三寻味、捉摸一番。 
1225
拿水罐的年轻女子(局部特写) 
1226
年轻女子的画像 约翰尼斯·维米尔(Johannes Vermeer)  荷兰 1665-67  44.5 x 40 cm
尽管有关维米尔声望的争论持续了一个多世纪,但他的作品却不容忽视,且备受尊重。令人困惑的是:这些大多以描绘17世纪一个有着25,000人口的荷兰小城——德尔夫特家居生活为内容的绘画,怎么会成为欧洲人关注的中心。维米尔好像是个慢工出细活的人。他一生没有画很多画,其中也很少表现什么重大的场面。很难论述到底是什么原因使这样简单而平实的画成为古往今来最伟大的杰作之一。它的神奇特点大概还能够被描述出来,不过很难解释清楚。
    维米尔绘画的艺术特点,就是他无意于情节上的引人入胜,而是着力从平凡、普通的生活场面中发掘诗意。维米尔显然没有伦勃朗的雄厚博大,也不如哈尔斯那样豪放不羁,但却颇能以朴实真挚的抒情打动人心。这位在德尔夫特土生土长、很可能从未出过国门一步的画家,画的是自己身边的生活和女性。有一幅名为《写信的女人与女佣》作品,描绘的是在房间的一个角落,光线从窗户照射进来,两位女子站在一帧大幅油画前——在桌旁写信的女子和婷立远眺的女佣。人们会注意两位女子间的差别:女主人和卖弄风情的女佣,上下两个不同的阶层。然而,维米尔也注意到穿着相似的艳俗绿色衣裙的两位女子之间既有区别又有联系的关系。女主人低头写信,侍侯她的主人,却抬头往别处张望。人们也许会想到:绘画的艺术促使维米尔考虑到一个女人的两面性而把她分解成两个造形来表现。
      但在最初的视觉印象之后,人们开始注意此画的奇妙之处。再看画中的人物,维米尔向我们展示了更多的东西:颇具魅力的女主人的袖边和她左肩上的衣饰是灰绿色的,而右肩已变白。她左肩后面的墙是令人惊异的苍白,墙上坑坑洼洼的表层与暗色的袖子形成反差。而对照右肩袖子亮白,墙上呈现一片灰朦朦的调子,从窗户射入的光线并没有对画面起什么效果。
     一般说来,在维米尔的作品中,人物周围的光线和显示人物轮廓的光是很杂乱的。在这些精心构思的作品中存在着混乱的说法也许让人难以接受,然而,这种光的效果在这幅画中明显地表现出来,但人物的精巧构图分散了我们注意力。各种各样的恐怖潜藏在没有光线的阴暗之中,我逐渐感到维米尔画中的人物都向往着消除恐惧的柔和光线。
     维米尔绘画的艺术特点还包括他的表现手法中运用漫射光线的微妙变化。维米尔在表现物体的质地、色彩和形状上达到了煞费苦心的绝对精确,却又不使画面看起来有任何费力或刺目之处。像一位摄影师有意要缓和画面的强烈对比却不使形状模糊一样,维米尔使轮廓线柔和了,然而却无损其坚实、稳定的效果。正是柔和与精确二者的奇特无比的结合使他的最佳之作如此令人难以忘怀。它们让我们以新的眼光看到了一个简单场面的静谧之美,也让我们认识到艺术家在观察光线色彩时有何感觉。
   维米尔画中的室内景物始终是那些:“米什兰”老屋及新居的房间;左侧的窗扇;土耳其桌毯、蓝天鹅绒靠背的椅子、镌刻着“音乐是欢乐的伙伴、是医治忧伤的良药”一语的那架古钢琴及其它几件乐器、墙上挂着的荷兰地图,以及不同质地的日用器皿等……。但是,引人注目的是每幅画的光线都不一样,都有晨昏昼夕和强弱明暗的变化。这不仅使画面充满空间感,而且给他的狭小的天地抹上一层抒情的色彩:明亮而温暖的阳光给人以宁静的愉悦之感,朦胧而晦暗的冥色使人生出惆怅、忧郁之情。维米尔的光线就有这样的妙用。他的风景画在追求光的效果上,同样达到了惊人的造诣。《德尔夫特》堪称是一件“通体发光”的作品。考虑到维米尔比印象派对光的研究要早两个世纪,这就使人不得不对他表示由衷的钦佩。除了光线与色彩之外,维米尔的造型也颇有独到之处,似可用“简洁洗练、朴实凝重”个字加以概括。他注重用大色块描绘近似于几何形的大形体,而不屑于在细枝末节上作纤毫毕露的刻画。由于他的写实功力极深,他的作非但不失之于简陋单调,反而给人以深成大气的印象。《包头帕的少女》、《读信的蓝衣女子》、《用珍珠项链打扮自己的少妇》以及其它不少作品,都是“以少胜多”的典范。
     维米尔也许并不能吸引后现代时期的艺术家,许多评论家认为:当今众多的艺术著作——将他奉为成功的典范,是迫于维米尔绘画的卓尔不群,甚至是神秘莫测。现今的评论家和艺术家是以同样的方式与世界相联系,报刊上随处可见艺术家表述自己作品的言论。但维米尔的绘画根本不需要语言,将这些绘画作品转变成语言是非常困难的,尽管它们已被大量的文字评论过。当人们一眼瞥见《德尔夫特》一画时,它最惹人注目的是什么?人们理解为什么普鲁斯特在《追忆似水流年》中有关作家伯戈特死于信仰的著名描写竟不能与维米尔画中一小块黄颜色的墙面(实际上是被阳光直射的屋顶)等量齐观。法国人在评论维米尔时就是这么认为的,他们将《德尔夫特》当作绘画典范加以崇拜。这种感觉是完全源自于作品的本质,而并不需要人们去经历画中表现的一切。别的绘画作品能够这样吗? 
高清大图 
1227
弹鲁特琴的女子 约翰尼斯·维米尔(Johannes Vermeer)  荷兰 1662-63  51.4 x 45.7 cm
高清大图 
1228
弹鲁特琴的女子(局部特写) 
1229
天主教信仰的寓言 约翰尼斯·维米尔(Johannes Vermeer)  荷兰 1670-72  114.3 x 88.9 cm
高清大图 
1230
忏悔节的寻乐者 弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals) 荷兰 1616-17   131.4 x 99.7 cm
弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals  1580-1666)是荷兰早期艺术的代表,哈尔斯是一个极有个性的肖像画家。我们对哈尔斯的生平所知不多,哈尔斯一生都比较贫困,靠画肖像画获得不稳定的收入来生活。弗朗斯·哈尔斯是一位嗜酒如命的人,天生一付豪放乐天的性格,在哈尔斯的画中总是充满欢快奔放的情绪,健康愉快的笑脸,富有感染力的生气勃勃的市民形象。因此有人称哈尔斯为“笑的画家”。
      弗朗斯·哈尔斯的油画技法也别具一格,他的用笔轻快敏捷,流通奔放,带有明显的笔触,给人一挥而就的印象,作品就像速写似的生动。哈尔斯那短促、跳动的笔触,用于描绘那些醉酒的男子、蓬松的卷发、歪戴的帽子和欢快的场面是再恰当不过了。
      弗朗斯·哈尔斯的肖像画范围十分广泛,从军官、行会理事,到市民、渔夫、乐师、儿童甚至流浪汉。哈尔斯熟悉普通人的生活,深入地观察和描绘他们,给我们展示了17世纪上半叶荷兰人民的生活风貌。弗朗斯·哈尔斯的作品主要有《吉卜赛女郎》、《微笑的骑土》(1628年)、《哈莱姆养老院的女管理员》、《新婚夫妻》(1621年)等。
高清大图

以下内容由 情枭的黎明 于 2014-2-6 20:59 补充
这可能是一幅没人出钱的自娱创作。也可能是酒馆儿老板为增加酒馆儿知名度,免了画家的酒钱画的?不知道,总之画家画了。成天泡在酒馆里的画家,自然不免要描绘一番自己的同伴。在一系列酒友肖像中,最出名的无疑是《忏悔节的寻乐者》。哈尔斯在表现这些人物时,显然不是以一个旁观者的身份来描绘他们,如果你仔细看那些离了歪斜的人形中你一定能找到哈尔斯。我们先不讨论酗酒的事,我们先说哈尔斯感觉和处理特定的环境和气氛的能力是惊人的。色彩的把握令人有种红黑褐之间的交错晃动感,断断续续的白色花边儿给人以变形的闪烁感。在构图上大的X形将视线引向画面的四个角,感觉画面中人物可以向画面以外任何一个方向移动,进一步造成了意识的混乱。这些视觉语言的创造除了天才任何理性和推理都显得如此苍白。这就是哈尔斯,我们真不知道生活的重负将他的天赋泯灭了多少;我们也不知道如果上帝把悠闲的生活和伟大的天赋都给了他,他会给世界留下什么?哈尔斯记录了他的无奈和迷惘。尽管快乐的酒徒也面呈微笑,但让人感到特别勉强,强睁的惺忪的眼睛,显然找不到生活的方向,只有丝丝醉意,才能驱走满心的惆怅。 
1231
弹鲁特琴的男孩  弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals) 荷兰 1625   72.1 x 59.1 cm 
1232
酒吧里的青年男女 弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals) 荷兰 1623  105.4 x 79.4 cm
高清大图 
1233
留胡子的男子画像  弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals)  荷兰 1625  76.2 x 63.5 cm
弗朗斯·哈尔斯(约1581—1666)是荷兰现实主义画派的奠基人,也是17世纪荷兰杰出的肖像画家。1581年至1585年之间诞生于安特卫普一个毛纺工人家庭,大约1585年之后,随父母迁居荷兰,定居于哈勒姆终其一生。他年少时便拜在名画师门下,曾参加过反对西班牙帝国统治的荷兰独立战争,战争造就了他倔强孤傲且好酒恃才的性格,据说古怪的脾气使他在人前口碑很不好,曾经因为虐待第一任妻子被告上法庭,妻子也因为郁郁寡欢而早逝。哈尔斯终生都生活在社会下层,八十多岁时还因为生活所迫而接受美术家协会的补助,他和第二任妻子寄居在养老院中。但画家的毅力又是惊人的,一生在艺术的道路上勤勉不辍,创作了作品二百五十余幅。今天10荷兰盾钞票上的头像就是他。 
        哈尔斯主要画肖像画。很少有人能像他那样运用洒脱而准确的笔触来塑造形体,使画中人形神兼备,成为有性格的典型人物。迄今还没有发现过哈尔斯的素描稿。这或许是由于画家作画速度慢,习惯于不打底稿,就胸有成竹地在画布上直接画油画。 
哈尔斯可能于1600年前后曾从样式主义画家兼评论家卡略尔·凡·曼德习画。1610年或1611年加入哈勒姆圣路加公会。留存到今天的最早署有年代的油画,为《雅各布·扎菲厄斯像》(1611,哈勒姆,哈尔斯博物馆)的一块残片。以此画的风格为依据,基本上可以确定,哈尔斯的另外几幅油画,包括《持头骨的男子肖像》(伯明翰,巴伯美术专科学校)等亦属早年作品。 
      这个时期正逢荷兰人民革命斗争获得胜利之初,荷兰共和国处于蓬勃向上繁荣以展时期。哈尔斯早期与盛期的作品中充分表现了荷兰市民健康、愉快、充满生命力的形象,反映出革命胜利后荷兰人民朝气蓬勃的精神风貌。 
     约1616年,哈尔斯的独特画风终于形成。《圣乔治射击手连军官们的宴会》(1616,哈勒姆,哈尔斯博物馆)等突破了传统的荷兰团体肖像画程式的束缚,画中人不再显得呆板,而富有性格特征,画面气氛热烈,洋溢着荷兰人的乐观主义。这类油画不仅色彩响亮,而且笔法流畅,从中可以察觉出不久后他即将运用的笔触分割画法的迹象。 
     20~30年代,哈尔斯绘制了许多带有肖像画性质的风俗画。这些画流露出民主思想和对人民形象的浓厚兴趣。他塑造了从军官、富裕的中产者一直到社会底层人物的各种典型人物。这类风俗画充满了欢乐而爽朗的情绪,画中人看上去大多是健康而愉悦的。例如《微笑的军官》(伦敦,华莱士)、《吉普赛女郎》(约1628~1630,巴黎,卢佛尔博物馆)、《马莱·巴贝》(俗称《哈勒姆女巫》)等。画家以非凡的准确性抓住了人物瞬息间的表情和心理状态,尤其善于描写那种往往会转化为大笑的微笑。画家喜欢选取半身近景的构图,刻画人物时,特别注意面部表情,善于表现人物的性格特征和心理状态,画面生动活泼,不矫揉造作,画中的人物仿佛正无拘无束地自由活动着。虽然多为单人半身肖像,却常常使人联想到画面之外还有其他人物,构成一个情节,洋溢着浓郁的生活气息。有如一幅风俗画。 
     《弹曼陀林的小丑》描绘了一位滑稽演员的形象,他歪戴便帽,手捧曼陀林,热情洋溢地演奏着,他那斜睨的眼神透露出幽默机智,随着乐声韵律面摆动的身躯仿佛更显示了内心的欢乐。这科热烈的情绪对读者产生了极大感染力。 
      留存到今天的哈尔斯的团体肖像画总共有8幅(1616~1666), 全部陈列于哈勒姆哈尔斯博物馆中。前期的团体肖像画,如前面提到的《圣乔治射击手连军官们的宴会》等,色调鲜艳明快,充满愉快情绪;但是团体肖像画的订件者往往要求画家对每个人都给以平等的表现机会,这使画家不能安排中心人物和一定情节来统一画面与构图,由此不能不造成某种缺憾。哈尔斯尽量将人物安排得错落有致,突破了传统的呆板、平整的布局,努力营造出一种极其热烈的气氛,仍然贴切地体现了哈尔斯肖像画的风格。这时期,哈尔斯创作的肖像画中充满一种乐观向上的情绪,在绘画上技巧上也别具一格,运用流畅奔放、挥洒自如的大笔触表现了豪爽自信、形神兼备、栩栩如生的人物形象,这是哈尔斯肖像画的突出特点,构成哈尔斯伟大不朽的肖像画艺术的独特风格。最后两幅团体肖像画《哈勒姆养老院的男主持人》和《哈勒姆养老院的女主持人》(均作于1664年)则以灰暗色调,渲染了人物深沉、含蓄、内向而细腻的内心活动,画面上洋溢着为画家后期创作特有的悲剧性气氛。 
     哈尔斯的创作,标志着欧洲现实主义肖像画发展的高峰,是荷兰美术史中现实主义肖像画和风俗画的奠基者。其油画突破传统画法的束缚,运笔洒脱,色彩简朴而明快,对后来欧洲绘画技法的改进有较大启发。他的弟弟D.哈尔斯以及5个儿子均为画家。 
哈尔斯家族中的这些人以及可能是他弟子的画家A.van奥斯塔德、A.布鲁韦尔、J.M.莫莱纳尔等,被后人称为哈尔斯画派。他死后曾长期被人们忽视,直到17世纪西方现实主义和印象主义绘画运动先后兴起,哈尔斯才被重新重视,被公认为仅次于伦勃朗的17世纪荷兰大画家。
高清大图 
1234
男子画像  弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals)  荷兰 1636-38  80.6 x 66 cm
1235
男子画像  弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals)  荷兰 1650  110.5 x 86.4 cm
高清大图 
下面这幅哈尔斯绘画,堪称神作,可以看出此画创作之随意迅速,画中人神态气质皆呼之欲出,真是大师手笔。

1236
吸烟的男子 弗朗斯·哈尔斯(Frans Hals)  荷兰 1623-25  46.7 x 49.5 cm
高清大图 
1237
我在大都会艺术博物馆的欧洲绘画展厅里边看边拍,边拍边走,不经意抬头时,一瞬间被深深震撼了。梦里寻他千百度,暮然回首,伦勃朗巨作就在眼前。 
1238
亚里士多德与荷马半身像   伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  1653   143.5 x 136.5 cm
 伦勃朗的这件油画作品《亚里士多德与荷马半身像》表现的是他对大哲学家亚里士多德的一种诠释。在作品中,大哲学家亚里士多德的右手轻轻按在古希腊著名的盲人诗人荷马的胸像上,荷马那失明的眼眶中放射出穿透黑暗的目光。一缕暖光照在何马的头上也反射在亚里士多德的脸上,而哲学家的眼神,与其说在凝视,不如说在神思。这让观赏者在欣赏作品时会自然而然的融入他的思考之中。
     画面的很大部份是伦勃朗一贯坚持的浓重的黑色,唯有亚里士多德的脸部三角形的区域和她双臂的衣料是亮色的。画像上,亚里斯多德佩戴着亚历山大大帝赠与的金色链条,它的的重量,透过漫长的岁月,承受着时光的洗礼。却依然闪烁着金黄色的光辉。
          伦勃朗·梵·莱茵,英文名:Rembrandt Harmenszoon van Rijn,俗称伦勃朗,出生于1606年7月15日,死于1669年10月4日。伦勃朗是17世纪荷兰最伟大的画家之一,台湾把伦勃朗翻译为林布兰。伦勃朗早年跟从荷兰历史画家皮尔特·拉斯特曼学习绘画,1625年在家乡开设画室。伦勃朗作品题材广泛,擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。伦勃朗一生留下600多幅油画,300多幅蚀版画和2000多幅素描,以及100多幅自画像。
      伦勃朗1606年生于荷兰莱顿的一个磨坊主家庭,母亲是面包师的女儿,除伦勃朗外,他们还有8个孩子。 
      伦勃朗青年时期就已经声明鹊起,可以说是少年得志。14岁进入莱顿大学;17岁去阿姆斯特丹向历史画家拉斯特曼学画;1627年21岁时伦勃朗已经基本掌握油画、素描和蚀刻画的技巧并发展了自己的风格,回家乡自己开画室招徒作画,期间画了许多自画像;1631年伦勃朗离开莱顿去阿姆斯特丹,30年代就成为阿姆斯特丹的主要肖像画家。伦勃朗的肖像画风格人物安排具有戏剧性,深深打动人心,伦勃朗以神话和宗教故事为题材的作品供不应求。伦勃朗对戏剧很感兴趣,经常利用如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物。
     伦勃朗代表作之一:《杜尔博士的解剖学课》。从1640年代开始,伦勃朗经常到乡村漫步和作画,创作了许多反映大自然的素描和版画,风格质朴。1661年是伦勃朗作画最多的一年,创作了包括素描、油画、版画在内的大量作品。1663年以后伦勃朗作画较少,此时他结交了许多中下阶层的市民,眼界更为开阔,技巧更为成熟,创造力达到顶峰。 
     伦勃朗生命中苦难的转折点是从他的名作《夜巡》开始的,在绘制《夜巡》的过程中,伦勃朗固执的想要打破当时的传统,他的这种做法在当时并不被世人所接受,从此以后,找他订画的人越来越少,画家的生活也逐渐变得潦倒。
     伦勃朗和他的妻子生有4个孩子,只有最小的一个孩子泰塔斯存活,但他妻子在生孩子后不久去世,伦勃朗和女仆韩德瑞克住在一起,女仆为他生了一个女儿,起名叫科尔内利亚,为此受到教会的谴责为“罪恶的生活”。由于伦勃朗为了画画经常采购大量的衣物和绘画工具,从不计较财产,所以很快就到了破产的边缘。1669年伦勃朗在贫病中去世,身边只有女儿陪伴,死后葬在西教堂一个无名墓地中。 
    伦勃朗的油画一贯采用“光暗”处理手法,即采用黑褐色或浅橄榄棕色为背景,将光线概括为一束束电筒光似的集中线,着重在画的主要部分。这种视觉效果,就好像画中人物是站在黑色舞台上,一束强光打在他的脸上。法国19世纪画家兼批评家弗罗芒坦称伦勃朗为'夜光虫’,还有人说他用黑暗绘就光明。
   伦勃朗对光的使用令人印象深刻,他独到地运用明暗,他灵活地处理复杂画面中的明暗光线,用光线强化画中的主要部分,也让暗部去弱化和消融次要因素。伦勃朗这种魔术般的明暗处理构成了他的画风中强烈的戏剧性色彩,也形成了伦勃朗绘画的重要特色
高清大图
1239
亚里士多德与荷马半身像(局部特写)
伟大的人生,才有伟大的作品。看伦勃朗坎坷的一生,彷佛依稀看到了曹雪芹、八大山人的身影。

                                     伦勃朗生平及主要作品

      1606年7月1 5日,伦勃朗·哈尔曼松·梵·莱因(Rembrandt armenszoon Van Rijn)出生于离阿姆斯特丹不远的莱顿。伦勃朗的父亲是个磨坊主,母亲的娘家是开面包坊的。3年后,宗教改革引发的西班牙和尼德兰共和国长达40多年的战争宣告结束,双方签订了停战12年的协议。尼德兰共和国连同年幼的伦勃朗注定要一起迎来他们的黄金时代。在伦勃朗的青少年时期,阿姆斯特丹聚集了欧洲各国的商贩,靠发行股票而筹集到巨款的探险家们蜂拥到印度的殖民地成立东印度公司,他们又从印度赚取了源源不断的金钱运回欧洲。
     在这个普遍信奉新教的越来越富裕的共和国里,用以装修豪华的宫殿和富丽的教堂所需的大型绘画并不走俏,但画家们的主顾依然众多。腰缠万贯的巨商和大量生活富足的中产阶级、商人和富有的市民热衷于买画装饰他们的家庭和办公场所,不让一面墙空着。他们视购买艺术品为天经地义,当时的殷实之家往往还要单独设一间陈列室来展示绘画和其他艺术品。英国人约翰埃·弗琳写道:“在这里,图画是非常普遍的,没有哪一家做生意的不挂上几幅画。”人们可以从画家那里直接买画,也可以从画店订购或在拍卖行竞价购买,在集市上也有卖画的摊点,在这种形势下.贴近当时现实生活的肖像画、风俗画、风景画、静物画流行起来,成为荷兰美术的主要体裁。17世纪的荷兰产生了大量的画家,市场的要求也使画家们在创作的样式、体裁、题材上专门化。
     伦勃朗14岁进入莱顿大学学习法律,很快他发现自己不适合做一名律师,就退学改学绘画。伦勃朗首先在本地著名的画师雅各布·凡·斯旺恩布尔赫(Jacob van Swanenburgh)的画室学习了3年,打下一定的绘画基础后,去了阿姆斯特丹,跟随皮尔特·拉斯特曼(Pieter Lastman)学习油画技法,学了6个月,就回到了莱顿。由于伦勃朗刚出道,订单并不多,他在莱顿开设自己的画室教画画赚钱,同时也进行创作。伦勃朗少年时曾在莱顿的拉丁语学校学习宗教,对《圣经》很感兴趣,最早的一批作品都是《圣经》题材,效果上受到老师拉斯特曼的影响,背景明亮,但人物塑造是伦勃朗式的,如雕塑般结实又有些朴拙,《托比特和安娜》(Tobit and Anna)、《巴兰和他的驴》(Balam and His Donkey)等是这个时期的代表作。
     1628年后,伦勃朗开始对“光”感兴趣,卡拉瓦乔的明暗对照法给了他很深的影响。《神庙里的献礼》(Presentation in the Temple)便是这一改变与过渡时期的作品,兼有两个时期的特点。此后,伦勃朗的画面的明暗对比开始变得强烈起来,这也成了伦勃朗最具特色的绘画原则。此后,伦勃朗的才能终于被普遍地承认了,他离开莱顿到阿姆斯特丹发展,那是个商业气氛浓厚的城市,伦勃朗在与当地画商接洽后,开始大量画穿着华丽服装的肖像画,顾客很满意,伦勃朗也日夜忙碌,以至于觉得去意大利学习是浪费时间。
     1632年,阿姆斯特丹公会和慈善机构要装饰他们的会议厅,伦勃朗应邀创作了《杜尔博士的解剖课》(The Anatomy Lesson of Dr.Nicolaes Tulp)。在这张油画中,卡拉瓦乔式的光影效果被运用得炉火纯青,这张油画给伦勃朗带来了巨大的成功,使他名声远扬,订单源源不断,画价也节节攀升。
     事业上走上正轨的伦勃朗在个人生活上也进展顺利,两年后,也就是1634年,伦勃朗终于追求到贵族少女萨齐亚并与之完婚,他为此创作了《与萨齐娅的自画像》(Rembrandt and Saskia in the Parable of the Prodigal Son)。接下来的几年中,伦勃朗画了很多萨齐亚的肖像画,两人的感情生活很好,但萨齐亚的身体状况并不乐观,还得了肺病,这种病在潮湿的荷兰是很难治愈的。这段时间里,伦勃朗成了命运的宠儿,富有的伦勃朗买了紧俏地段的豪宅,又收集了很多古董和珠宝,他尤其喜欢古代的衣物和精美的小饰物,这些都被用作作画时的道具。
    1632年到1642年,伦勃朗享受了10年顺利富足的生活。
    1642年,阿姆斯特丹射击手同业公会委托伦勃朗绘制团体肖像。团体肖像是当时荷兰盛行的绘画题材,是由行会团体成员集资请画家绘制集体像,哈尔斯和凡·德·赫尔斯特都画过类似主题。伦勃朗在油画《夜巡》中没有像当时通行的那样让民兵军官们一字排开或集中到宴会桌上,而是选择了描绘他们在中午走出军械库去执勤的场景。伦勃朗以几个被照亮的身躯把众人分成了几组,一部分人被推到了暗调子的背景中,突出了焦虑不安的现场氛围,造成了具有戏剧性的深邃空间。
    说到这里,不能不提伦勃朗的用光,他继承并发展了卡拉瓦乔式的明暗对比的戏剧性光的美学法则,表现构图上的主次关系和画面上丰富无比的节奏运动,他利用光亮突出画面的主题内容,也让阴影弱化和消融次要的因素,并且利用明暗的错综交替来表现深远的空间感觉。伦勃朗先于同时代的很多画家认识到光是一切形体和色彩的依据,没有光也就无所谓形和色。时隔近400年,我们仍然可以在杰作《夜巡》和很多其他的画作中看到伦勃朗笔下的色彩好像是随着光线的变化而变化的,光线照射在物体上,使之焕发出光辉,并闪烁着灿烂的色彩。
    然而,1642年的粗鲁的民兵们对此无法认同,他们对于自己出了同样的钱却没有露出一样的脸感到迷惑和愤怒。难道出了一百银币就是为了让画家画一个后脑勺,或者被别人遮住一半脸吗?有人甚至幽默地说自己出钱不过“做了一片富有生机的阴影”。射击手公会拒绝接受这一作品,继而将伦勃朗告上了法庭,这事闹得沸沸扬扬,公众还给伦勃朗起了个绰号——“黑暗王子”。此后,很少有人和团体再来请伦勃朗画肖像了。祸不单行,伦勃朗的爱妻萨齐亚在这一年的夏天因肺病去世了,而且是在她刚刚生下一个儿子后不久。在这之前,这对夫妇已经生下了3个孩子又送走了3个孩子,这个唯一留下的儿子成了伦勃朗唯一的安慰。毋庸置疑,这一年对于伦勃朗来说是人生的又一个转折点,这一切不幸对他来说仅仅只是漫长噩运的开始,也是伦勃朗的艺术观与荷兰中产阶级艺术趣味之间不可调和的矛盾的开始。
    对于绘画理解的深入伴随着初尝人世艰辛的体验,使伦勃朗的画风发生了改变。伦勃朗逐渐放弃了细腻平滑的画面效果,开始用较厚的颜色塑造对象,再用透明色加以罩染,使得黏稠的油画颜料产生出独特材料美观。伦勃朗的画作具有如此美妙的画面肌理,只有后世的梵高(Van Gogh)和弗洛伊德(Lucian Freud)能与之媲美。但超越时代的审美往往无法拥有合格的欣赏者,同时代的人看惯了细腻光滑的肌理的和典雅的色调,对伦勃朗那浑浊的色彩和粗放的笔触很不理解,戏言说伦勃朗的油画可以被牵着鼻子走。
     伦勃朗对于自己的不合时宜并非没有认识,相反地,他对自己的艺术观和人生观进行了清醒的剖析,他详细描述了他在试图适应外部条件时的内心挣扎,他说:“曾经有一个时期,我常常假装自己是个大贵族,那是我刚刚结婚的时候,我喜欢穿得阔气,喜欢想象自己是真正的上流人士,当然,萨齐亚是,而我是一个磨坊主的儿子,我的哥哥是个鞋匠,全世界所有的绫罗绸缎和一切的装饰打扮都决不会使我有任何改变,那段时间里,我刚刚结婚,一年后有了我们的第一个孩子,我需要钱,所以我要拼命挣钱,但是,这只能使我做一个很好的工匠。我不希望这个样子。这就是我按照自己的方式作画的原因。当然,我应该讲求实际,按照他们的要求去作画。但是,好多时候,我自己也曾经偷偷地试过,而且很下工夫地尝试过,但是我做不到,一点也做不到!这就是为什么我有些癫狂了……我并不想责怪那些人,因为我听说,人们在指责我太骄傲或者高傲,不肯改变我的绘画方法。事实上不是我太骄傲或者太高傲,我只是改变不了——这就是全部实情。所以,我固守自己的路线,而且我想,我要固守到走进济贫院或者坟墓为止。如果有人在我的坟墓上立一块碑,并且在上面写上'这里埋着一个傻瓜’,那么,在这个人的一生中,可能在他订制的这块碑的那天他做得最正确。”
    在艺术上的自省与要求使得伦勃朗无法再画那些可以让他很快摆脱困境的画:失去妻子后,不善料理日常生活的伦勃朗和女仆住在了一起,并生了一个女儿,为此,他被教会谴责过着”罪恶的生活”,更没有人来求画了。放高利贷者频频光顾伦勃朗曾经光鲜的大宅子。1657年,走投无路的伦勃朗卖掉房子来抵偿债务,家具和油画也低价卖掉了。
    贫困潦倒的伦勃朗开始更多地关注自己的内心世界和身边的形形色色真实存在的人,屠夫、厨娘、乞丐、瘸子、盲人等等,经常地出现在他的速写中。也许与他早年的宗教教育有关,伦勃朗创作了大量的宗教题材作品,他让身边的这些小人物穿上古代的服装,扮演《圣经》和神话的形象。波提切利、拉斐尔笔下的人物多健壮而俊美,强调形象的唯美,张扬人的魅力,与文艺复兴时期的大师不同,伦勃朗则更倾向于现实:《达那厄》(Danae)圆滚滚的身体就是个健壮的乡下女孩:为以色列王大卫垂涎的《入浴的拔士巴》(Bethsabee)在伦勃朗画中是个身材不怎么样的中年妇女;等待托比的莎拉像是个粗手粗脚的女仆;《甘尼美德》(Ganymede)被鹰抓住后一边大哭一边吓得撒尿——最为孩子气而又传神的是手里还抓着几颗樱桃……甚至在描绘圣家族的作品中,伦勃朗也都融入了世俗家庭生活的细节,把圣人安排在清洁而朴素的荷兰家庭。所有这些神话和宗教人物都不再是唯美或理想的人的形象,他们是具体的有血有肉的荷兰底层的民众。伦勃朗开始越来越多地选择那些反映深刻人性的题材,认真揣摩他的模特,然后在画中细腻地展现他们的心灵,伦勃朗在宗教题材中注入了父爱、怜悯、宽恕的情感,也寄予了自己的坚定信念。
      找不到模特的时候,伦勃朗不得不画他的儿子、女儿、好友和自己。伦勃朗不喜欢美化被画人,更反感站在画架前被人指挥着画画,画自己和这些身边的人就不用担心被提各种要求,可以安心地按自己的想法画。目前,可以知道的是伦勃朗一生画了90多张自画像,他喜欢将自己装扮成各种角色,从意气风发的少年到风月场上的浪子,从身着戎装的武士到文艺复兴时代的廷臣,从土里土气的农夫到古代东方的圣徒,伦勃朗意味深长地刻画了不同姿势和身份的自己,直到并不如意的生活在他脸上留下深刻的印记。伦勃朗对描绘老人特别有兴趣,早年就画了不少父母的肖像。也许是从老人的脸上更容易窥探出人世的沧桑和表现深沉的人性,面对着那些布满皱纹、愁苦中透着无奈的面孔,我们确实感受到一种前所未有的内在的美,一种深刻地体味和包含人性的美——在这一点上,即便是鲁本斯或是委拉斯贵支也远为逊色。200多年后的梵高曾经说:“如果能够让我在伦勃朗的这些画像面前待两个星期,即使没有面包我也愿意。”
     伦勃朗生命的最后阶段可以用穷困潦倒来形容,但他的艺术造诣并非没有知音。80岁的哈尔斯(Hals)曾托朋友把自己的奇异发现告诉伦勃朗:“贫穷是任何一个画家都可能遭遇的最好的事情,因为你穷了,你就买不起年轻时你父亲出钱买的那种昂贵颜料,你必须仅仅用两缸或三缸的颜料,而且只有在这个时候你才学会不用红黄蓝等原色来绘画,你会用色彩来暗喻事物。”
     1662年,伦勃朗接到了人生中最后一幅订件,为阿姆斯特丹的布商同业公会画一幅群像。布商们在阿姆斯特丹的画家中犹豫不决时想到了伦勃朗,伦勃朗也想通过这幅画恢复自己在画坛的地位,他精心创作了《取样官员》(Members of the DrapersClub),画作精心设计了布商开会的场景,人物也被表现得十分自信。但这幅油画作品并没有受到布商们的青睐,他们认为画中的自己“太一般了,而且姿势也不够端正”。
    1668年,伦勃朗和爱妻唯一的儿子提杜斯因急性内出血而死,伦勃朗大病一场。1669年10月4日,伦勃朗在贫病交加中去世。
    随着1675年维米尔的去世,荷兰绘画的光辉时代结束了,又过了将近二百年,伦勃朗的名字才享有广泛的声誉,他那现实主义的深刻的心理描绘,他那无与伦比的运用明暗的技巧都是美术史上无法逾越的高峰。
    伦勃朗一生留下600多幅油画.350多幅蚀刻版画,1500多幅素描。伦勃朗的一生跌宕起伏,经历过一个画家渴望拥有的辉煌的世俗成就,但与大多数的平庸画家不同的是,伦勃朗对于自己在艺术上的选择始终坚持遵从自己的感受,不向世俗的趣味让步,这种坚持给他带来了悲惨的下半生,也给他带来了卓绝的艺术成就。 
1240
男子画像  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  1632 75.6 x 52.1 cm
高清大图
1241
拿扇子的女子画像  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  1633 125.7 x 101 cm
高清大图 
1242
男子画像  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  1632 111.8 x 88.9 cm

高清大图 
1243
贝娄娜(Bellona)  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1633  127 x 97.5 cm
贝娄娜(Bellona)是罗马神话中的女战神
高清大图 
1244
女子画像 伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1632  111.8 x 88.9 cm 
1245
女子画像(局部特写)
1
2
1246
贝娄娜(局部特写) 
1247
贝娄娜(局部特写) 
1248
贝娄娜(局部特写) 
249
旗手画像 伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1654  140.3 x 114.9cm

可以看到17世纪50年代,伦勃朗后期作品风格与其年轻时的变化。 
1250
Hendrickje Stoffels 画像  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1650  78.4 x 68.9 cm
  所画是画家伦勃朗原先的女仆亨德里克,后来成为他的妻子。 伦勃朗晚年穷困潦倒,在极度窘迫的情况下搬到了一所破烂的小房子里。在这位女仆的供养下才不至于是完全悲惨的结局。伦勃朗后来又画了几副伟大的作品,对这位女仆,他充满了柔情。 1662年,这位女仆在伦勃朗去世之前就去世了。那时候伦勃朗的儿子也已经去世了。伦勃朗变成了一位彻底孤独的人。伦勃朗死的时候除了简单破烂的衣物就是圣经。而留给我们的却是无与伦比的作品。 
高清大图 
1251
花神  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1654  100 x 91.8 cm
花神弗罗拉头戴插着鲜花的帽子,身穿洁白的衣衫,在暗色调的背景前更显得美丽、端庄。她和波提切利《春》中的花神一样,左手提着兜满了花朵的衣裙,右手持着鲜花,似乎在向画面外的某人献花。左前方的强烈光线,使她白色的上衣和典雅的侧面在暗色的背景上分外鲜明,而周围的一切物体却随之融入暗调子中。尤其是她的一双手,以及前臂、肩、颈等部位不仅融入暗中,而且,甚至连轮廓线也难以分辨。画面上的女性既然是花神,那为什么帽子上的鲜花、手中的花枝,这些对花神来说非常重要的部分都隐入暗色调中呢?而那毫无花迹的洁白上衣却突出在画面上?这和波提切利笔下的那身上缀满花朵的花神太不一样了,我们不禁会怀疑起她到底是不是花神弗罗拉了。
    如果我们回顾一下过去,如此朴素的、不加修饰的弗罗拉还是有过先例的。譬如,富有盛名的、藏于佛罗伦萨乌菲齐美术馆的提香的那幅《弗罗拉像》。其中的“花神”和伦勃朗这幅画中的“花神”一样,长长的金发披在肩上,裹着一身洁白的衣衫,右手持着一束鲜花。无论主题还是立意,我们都可以明显地感到提香对伦勃朗的影响。 但是,毕竟那幅威尼斯的花神像中的弗罗拉衣襟敞开,轻盈艳丽。而这幅荷兰的弗罗拉像中,弗罗拉却仪态庄重,俨然象一位家庭主妇。这就是阿尔卑斯山南北两边的差异,这差异也体现在提香与伦勃朗的个性差异上。伦勃朗除了这幅藏于大都会博物馆的《花神》外,描绘花神的油画至少还有三幅。一幅作于1634年,现藏于列宁格勒爱尔米塔日博物馆。另一幅作于1635年,现藏于伦敦国家美术馆。还有一幅作于1641年的,现藏于德累斯顿美术馆。加上这幅作于1657年左右的《花神》在内,伦勃朗一生共创作了四幅花神像。由此看来,伦勃朗一定是非常喜欢描绘花神弗罗拉这一形象吧。
      把伦勃朗的这四幅花神像按时间顺序排列起来比较一下。我们将发现一个极为有趣的情况。首先,从最初一幅到最后一幅。虽然时间上相隔二十多年,但是它们却包含着一个奇妙的共同因素。而且,伦勃朗艺术表现样式随着时间流变化而有所变化的过程,我们也能够在这四幅画中非常清楚地感受到。它们的共同之处就是同一的主题和同一的立意。(主题是作品的中心思想。立意就是表现主题的绘画造型构思。譬如.“维纳斯的诞生”这一主题,波提切利在画中表现为一位站着的裸女,而路德维西王位上的浮雕却以一位着衣女性的半身塑像来体现。同一个主题可以有不同的立意。同样,同一个立意也可以表现不同的主题。“站立着的裸女”有时可以是维纳斯,有时也可以是夏娃,或者仅仅是素描习作。) 这四幅花神像的立意是基本相同的,它们都是女性的半身像。左手有时在胸前,有时放在腹前抱着花朵,右手总是向前伸着。提香的花神像也是如此,这种姿式后来成了表现花神的一种固定模式。当然这四幅画还存在着一些明显的不同之处。同样都是着衣的女性像,人物的服装有时华丽、豪奢,富有青春气息。请看十六世纪三十年代的那二幅,豪华的刺绣上衣闪着光彩。相比之下,后来的两幅在服装上就显得朴素多了。尤其是晚年的这幅——藏于大都会博物馆的《花神》,弗罗拉的上衣是单一的白色,手饰也仅是单色的珍珠项链和耳环。(藏于德累斯顿的弗罗拉像,除两串项链、耳环外,还戴有其它手饰。) 除此之外,初期的两幅花神像中,弗罗拉的右手都持有插满鲜花的手杖,而在后期的两幅画面上,花却是直接拿在手上的。德累斯顿的那幅,弗罗拉手中只有一枝花。这幅大都会博物馆的花神像中,弗罗拉也不过在手中拿着几枝花,并且还隐在暗部,不引人注目。随着年月的流逝,豪奢渐渐地变为质朴了。这是这四幅画给人们的总的印象。 
       这四幅作品所具有的共同点还不仅仅限于主题和立意。把它们与法国、意大利这些拉丁系国家的画家们(象波提切利、提香、普桑等)笔下的花神像相比,我们还会明显地感到伦勃朗笔下的花神带有更深的人情味。在伦勃朗的世界里,既没有波提切利的理想国,也见不到提香的官能美,那里充满着普通人的丰富的真实感情。伦勃朗十四岁时,曾在拉丁大学附属拉丁语学校就过学,但时间极为短暂。他在那里曾阅读过奥菲提俄斯、凡尔他利奥斯等人的书。因此他对弗罗拉、培尔罗娜、米纳尔瓦件古代神话中的人物还是较为熟悉的。可是这四幅画中所描绘的花神却不太象神话中的女神,也许说她们是十七世纪荷的家庭主妇更能令人信服吧。也就是说,她们并不居住在古代的雅典城或奥林匹斯,而是和我们一样生活在凡人的世界上。
      我们再来看一下伦勃朗的生平,一切就会显得更清楚了。在他漫长的六十三年生涯中,1642年是一条分界线。它把他的人生分成明和暗二个部分。富贵荣华的前半生中,陪伴着他的是他可爱、漂亮的妻子萨斯基亚,而和他一起共度生岁月的,却是庄重的翰德里克。就是在萨斯基亚过早地离开了人世,离开了他,同时也给改变了他的人生。在伦勃朗的传记中,一般称翰德里克为他的第二任妻子。其实,当时他们并没有正式结婚。因为在萨斯基亚的遗言中曾这样写道,伦勃朗如果再婚,他将失去萨斯基亚财产继承人的资格。同时,伦勃朗在生意上也每况愈下,最后终于破产。所以对他来说,萨斯基亚的遗产是不可缺少的。于是,翰德里克在表面上一直只能作为伦勃朗家的佣人。当然实际上她就是伦勃朗的妻子。这种情况使翰德里克遭到教会的责难,最后还被赶出了圣餐会。对此伦勃朗本人是爱莫能助的,所以他才无数次地怀着深情,以动人的笔触为他的爱妻画肖像。翰德里克从此得到了一点精神上的慰藉。我们了解了伦勃朗的家庭境况,再来看一下这四幅画。他的生涯在这四幅画上体现得非常清楚。在1630 年所作的两幅早期作品中,我们能够感到这是他一生中最成功的时期。萨斯基亚穿着华丽的衣裙,她年轻、漂亮,毫无生活之忧。可是作于1604 年,藏于德累斯顿的那幅,情况好象有所变化,背景上豪华的装饰效果消失了,萨斯基亚的脸上流露出忧伤的表情,画面上出现了一种不祥的预兆。实际上,这一年萨斯基亚生下了第四个孩子苔德斯。从此她的健康状况明显下降,次年,她就与心爱的丈夫和不满周岁的孩子永别了。(前面的三个孩子因病弱而早早夭折,最终只有苔德斯健康地成长起来。这也许是因为萨斯基亚把自己的整个生命都给了这个孩子的缘故。)
      在最后的这幅翰德里克花神像上,一切表面的豪华都己消失。女神没有以华丽的服装和鲜艳的花朵来装饰自己,她以她的深沉的、内向的人间情感抓住了观众的心。如上所述,这幅伦勃朗晚年创作的《花神》,以它独特的情调和表现方式区别于其它几幅作品。然而,在这幅画中仍然存在着提香的强烈影响。伦勃朗一生中一直没有机会去意大利,但一个偶然的机会使他直接看到了提香的作品。在1641年左右,阿姆斯特丹有所叫做唐·阿尔劳索·芬佩斯的私人艺术品收藏室,那里藏有提香的作品。这位收藏家还常常聚集起城里的知名人士来鉴赏他的艺术收藏。这才使伦勃朗作于1641年的《花神》受到了提香的影响。当然,他俩画中所表现的内容是完全不同的。在西欧的文化传统里,“花神”这一形象并不是受赞赏的形象。奥菲提俄斯曾强调过弗罗拉的“官能型”性格。在他之后,薄伽丘在他的《著名女性传》中也称弗罗拉为“道德不纯的女人”。因此,在弗罗拉身上似乎一直贴有娼妇的标签。薄伽丘甚至在《诸神的系谱》中直接称弗罗拉为娼妇。
     这一切当然并非薄伽丘的个人创造。早在古罗马,弗罗位和希腊的莱丝就一同被视为娼妇的代表。就是在著名的波尔达尔克斯的《英雄传》中,彭培奥斯事迹中也曾有自称弗罗拉的娼妇出场。由此可见,对文艺复兴时期的人们来说,弗罗拉是古代的一位非常美丽的娼妇。从提香开始,威尼斯画派的画家们描绘弗罗拉一般都遵循着这个传统观念。她敞开前襟,手持花枝,眼里含情脉脉。提香的那幅弗罗拉像,赞美的也只是一位娼妇的妩媚。巴尔马·伊尔·威启奥以及丁托雷托等在他们的作品中就更直接地描绘了这种性格。通过以上对弗罗拉系谱的追述,再来看这幅受到提香强烈影响的伦勃朗的《花神》,我们立刻就能发现这幅画与其它作品的截然不同之处。在这幅画中,提香等人的“官能感”、“风俗性”全然消失了。翰德里克身穿素白的上衣,外表整洁,举止大方。持花的动作与其说带有挑逗性,不如说更充满了人间的爱。那在柔和光线下端庄的侧面,会使我们感受到画家对模特儿的深深的爱。这绝不是对外表美和风俗性的描绘,而是表现了人们内心共同的爱。伦勃朗把曾对萨斯基亚有过的爱情都倾注在这位充当花神模特儿的翰德里克身上。同时他也就从此改变了弗罗拉的形象。 
高清大图 
1252
花神(局部特写) 
1253
穿东方装束的男子画像 伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1632  152.7 x 111.1cm
高清大图 
1254
持花女子  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1660  92.1 x 74.6 cm
高清大图 
1255
拿手套的男子画像 伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1648  80.6 x 67.3 cm
高清大图 
1256
持放大镜的男子画像  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1660  91.4 x 74.3 cm
高清大图 
1257
女子画像   伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1633  67.9 x 50.2 cm

高清大图 
1258
沐浴中的拔示巴 伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1643  57.2 x 76.2 cm
 这幅画描绘的是圣经旧约中的一段故事:拔示巴(Bathsheba),是《圣经》中的一个重要的美女,她原来是大卫下属的军官乌利亚(Uriah the Hittite)的妻子,有一次大为在房顶上行走,看到拔示巴在裸体洗澡,他就爱上了美丽的拔示巴,诱奸拔示巴怀孕后,大卫借故杀死了乌利亚,使她成为大卫的妻子。上帝没有惩罚大为,但是上帝杀死了他们通奸而生的长子“以示惩罚”。大卫成为以色列国王后,拔示巴成为王后,他们的孩子就是著名的所罗门王。
高清大图 
1259
自画像  伦勃朗·梵·莱茵 (Rembrandt van Rijn)  荷兰  1660  80.3 x 67.3 cm
在伦勃朗的肖像画作品中,自画像占据了极为重要的地位,其数量之多在欧洲艺术史上堪称第一。据不完全统计,就现藏于世界各地博物馆的伦勃朗自画像来看,伦勃朗现存世上的自画像有90幅左右,其中60幅油画,20幅铜版画,以及10幅素描自画像。如果按照其后来的遭遇以及他被迫拍卖家产的情况看,应该还有一些散失在私人手里的自画像作品。有人计算过,伦勃朗大约每年平均画两幅自画像,如果按照这样测算,伦勃朗一生中的自画像总数在百余幅以上。有研究者说,伦勃朗虽没有留下他个人生平的自传性文字,但他的许多自画像就可以被看做一部人生的历史。从自信得意的青年时代,到怀疑和坚毅的中年时代,再到衰老忧郁的老年时代,可看到人生际遇的磨难对他的精神影响。伦勃朗的自画像的非凡成就在17世纪,甚至在整个西方艺术史上都是首屈一指的,他的肖像画显示了他的绘画从外部描绘和性格描绘到最深刻的自我剖析和自我审视的逐渐变化。在终其一生的时间内,他将自己每个时期的精神都以绘画的形式留存下来,尽管数目众多,但这些自画像的人物安排和表情极少重复,尽管是不同年龄的自画像,但都深刻地刻画出人物的内心世界,这让伦勃朗的自画像已经超越了一般的艺术的世界,而进入了一个精神的世界。
        有研究者认为,伦勃朗之所以对自己的肖像表现出如此执著的兴趣,是因为两个原因,在早期,“他是为了方便起见而以自己的肖像为模特儿来研究表情的变化”。正因为这个原因,伦勃朗形成了以画家的眼光观察自身的习惯,但是,仅凭这个原因是不能解释他为什么要创作那么多具有深刻意义的自画像的,因为观者或者购画者没有这个需求。因此,可以推断出的第二个原因是:“伦勃朗似乎已经意识到要想润察人的内心世界的秘密先得认识自己。在他自身中的这种精神现象如在其他人身上一样强烈地吸引着他,看来这种深刻的自我意识是使他接近精神与先验世界的必不可少的因素。”实际上,在伦勃朗的所有作品中,对于人物内心世界的洞察和表现,都是最为重要的内容,这使得伦勃朗的自画像充满了精神的特质。
    直到现在,我们依然赞叹不已——在最后10年中,伦勃朗的艺术却显现出前所未有的创作高度。事实是,伦勃朗晚年时期在生活上贫困交加,在生命结束的最后几年,第二任妻子亨德丽吉和他的独子都先他去世,他的财产早已被拍卖,不得不搬入犹太区一处狭小的公寓里,靠经营一些小古董和廉价出售作品为生,这一时期,画家常和一些下层人民来往,并经常在犹太教堂寻求精神上的慰寂。然而,尽管他穷愁潦倒,但在艺术上却更加不顾外界的干扰了,他依循自己探索的道路前进,明确地追求着自己的风格。
  伦勃朗在最后10年的自画像中所蕴含的不朽意义是通过更为丰富的绘画形式和更有力的笔触表现出来的。尽管他晚年的痛苦经历,他的破产,名望的衰落以及他自身的孤独通常都和他晚期很多作品中沮丧的情绪相联系,使这些作品都呈现出一种沉郁的色调,但我们也不能全然地把画中的情绪和画家生活中的现实联系起来。“我们感到画家以强大的客观性记录了自己的情感并使之典型化,这种客观性不受个人恩怨、自怜、伤感的反应和其它任何琐事的形响,并且有时表现出一种讽刺性的幽默。”值得注意的是,在伦勃朗的晚期自画像,他的眼睛变得很大,在画面上占有显著地位,这给肖像注入了更多的精神气质,他不仅只看到形象的表面,而且到是从自己身上看到那种处于更广阔和更普遍的联系之中的个人生活,在早期作品中体现的自我观察力的基础上,他又加上深刻的思想。通过这些自画像,我们可以见到看到那种根于执著地追求真理之中的庄严感,看到了艺术家的外部形象与精神实体的紧密结合的完美体现。材料的丰富性能和笔法多变的表面增强了画面的感染力。与五彩斑斓的色彩相对应的是丰富的心理内容。伦勃朗坚毅而一意孤行的个性隐藏于画面安祥的外表,正如在平稳、严密的布局下表现出的鲜明、令人振奋的艺术技巧一样,它带给观众一种坚忍不拔的精神力量。
     从上述伦勃朗各时期的自画像中,可以感受到一个伟大的艺术家所显现出的艺术奇迹,凭借色彩和光影,构图与造型,伦勃朗带给世人一种无与伦比的艺术魅力,尽管遭受困苦,这位伟大的画家却从没有失却对艺术精神的追求,他遗留给后世的这些不朽的自画像,在展现出一种崇高灵魂深处放射出来的瑰丽光芒,而他所创作的自画像,也成为世界艺术史上永不会磨灭的精神标杆。
高清大图 
1260
自画像(局部特写)
  伦勃朗曾经说过,眼神是人类奥妙心灵的折射,我相信我的作品在300年之后会被人接受与认可的。他果然做到了,
1261
在伦勃朗的画作前久久不舍离去。 

1262
年轻的牧民与奶牛  阿尔伯特·库普(Aelbert Cuyp )  荷兰  1655-60   112.1 x 132.4 cm
Z阿尔伯特·库普是荷兰画家,生于1620年10月20日,卒于1691年11月15日。阿尔伯特·库普是一位17世纪荷兰黄金时期的杰出的风景画家,著名画家雅各布·格瑞兹之子,作品具有极大的影响力。
        阿尔伯特·库普出生在荷兰的多德雷赫特,一个绘画世家,并且被认为是家族中最优秀的画家。父亲是一位著名的肖像画家,爷爷和叔叔都是当时著名的风景画家。遗憾的是,关于阿尔伯特·库普的历史资料很少,所以我们也很少了解他的童年时期。1658年,阿尔伯特·库普和科妮莉亚结了婚,这段婚姻对他艺术生涯的结束起了一定的作用。结婚后,阿尔伯特·库普成为了一名牧师,从此不再绘画。阿尔伯特·库普死后,人们在他的家中没能找到他所创作的作品。
         阿尔伯特·库普的代表作有:《河畔骑士》等。
高清大图 
1263
麦田风景 雅各布·凡·雷斯达尔(Jacob van Ruisdael)  荷兰  1670  100 x 130.2 cm
 与维米尔同时代的荷兰小画派画家雷斯达尔,擅长风景画,在他的作品中表现了尼德兰风景的特色:苍茫的暮色,湍急的山溪和江河,巨大的风车和林立的磨房,阴云密布的天空等等。在这些风景画中画家充分表现了个人的感受和情绪。他一生创作了数百幅风景画,代表作有《埃克河边的磨坊》、《哈雷姆景色》、《急流》、《森林中的逐猎》。
      雅各布·凡·雷斯达尔出生在荷兰哈勒姆市的一个绘画世家,并且被认为是家族中最优秀的一位画家。在很小的时候,就开始接受父亲和叔叔的指导,创作自己的作品,然而,他的作品风格却受到了同时期其他画家的极大的影响,尤其是尼古拉·贝尔尚。
      雅各布·凡·雷斯达尔的一生不仅仅是一位画家,1676年的时候,雅各布·凡·雷斯达尔还获得了医学学位,并且在阿姆斯特丹从事医生的工作。 

























    本站是提供个人知识管理的网络存储空间,所有内容均由用户发布,不代表本站观点。如发现有害或侵权内容,请点击这里 或 拨打24小时举报电话:4000070609 与我们联系。

    猜你喜欢

    0条评论

    发表

    请遵守用户 评论公约

    类似文章
    喜欢该文的人也喜欢 更多