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现在玩电影头已经成了风潮，解像力更高、色彩更棒、味道更好是电影头给人的第一印象。大家知道，画幅越小，对镜头的分辨率要求越高；画幅越大，分辨率要求越低。例如，如果120（中画幅）镜头的分辨率是60线，片幅更小的135镜头（下面按大众习惯，称之为全画幅）需要做到100线，才能同样清晰。因为35毫米电影画幅约是全画幅的一半，16毫米电影画幅比4/3系统还要小，所以，电影头必须具有比相机头高得多的分辨率，才能用于电影银幕这种大面积显示。由于电影头是工业品，制造成本允许较高，不像民用相机头那么抠门，镜头的实际像场常做得比标称画幅大，以截取中央部分的最佳成像。通常，40mm以上焦距的35毫米电影头，像场几乎都可以覆盖135全画幅；100mm以上焦距的，像场大多可以覆盖6×6厘米的中画幅。我还测试过75mm和100mm焦距的电影头，其像场居然比许多全画幅的同焦距镜头还大，可以覆盖645画幅。有了较大的像场和比全画幅高得多的分辨率，这就是电影头具有更高解像力的先天优势所在。 一部电影该在什么时机，什么样的因素？来选择合适的镜头语言，呈现给观众呢？下面要来和大家聊聊不同的镜头距离与主题数量的变化，对电影的故事走向中有何决定性的影响。 
距离产生美，人生与电影亦如是 “距”是用来表达两物之间相隔的远近，用电影语言来解释“距离”二字，大致可以分为三种。单就以物质形式来说 明，指的是时间距离与空间距离，时间流逝的早与晚、快与慢、长与短，若单一镜头的时间愈长，画面会愈显得深沉，时间愈短节奏愈明快；若谈空间距离，则是远 与近，天与地，室内室外等，用肉眼与标尺都得以量测的。 若以非物质形式来说，则是心理距离，亲密或疏远，生死离别。人与人之间靠太近会觉受侵犯，但太远又感到孤单，表 达心理的空间看似无形，但却是摄影创作的灵魂。所以谈到电影的摄影距离，通常并不是指单纯的“站在原地”用变焦镜头在那缩进或拉远感觉拍的美美就大功告成 了。往往还要思考，如何掌握有形与无形的距离分寸，传达给观众画面中所蕴含的情感。 摄影机与被摄体的距离不同，造就主体在荧幕画面中所呈现出的范围大小区别，一般可分为五种，由远至近分别为远景、全景、中景、近景及特写。若有心观察早期的电影，会发现摄影机距离变化并不多，在1918年前甚至还没有“特写镜头”的出现。 
▲大卫·格里菲斯（D.W Griffith）的作品。第一位在电影上使用特写镜头的导演，大胆的镜头开创手法也被誉为美国电影之父，著名作品有《一个国家的诞生》。 初期的电影摄影，不少只是围绕在摄影机身边活动或跳舞，没有风格没有主题，看到什么，就拍什么，单纯觉得活动的 影像很新奇。进入有声电影初期，为了能清楚的收音，摄影机也固定着无法像现今随意移动，能够自由自在的拉远拉近拍摄，这中间真不知花费多少人的心酸血泪， 才造就现今历史性改革，也灌溉出丰富多变的电影语言，或许你也将成为下一位传奇的推手。 横看成岭侧成峰，远近高低各不同 下面仅已概括性内容介绍，电影最常用的几种人物镜头让大家做认识。 单人镜头 顾名思义整个画面中只有单一人物的镜头，这种电影镜头可说是主要角色的特权之一。愈多单人镜头，愈可以感受到重 点描述对象，此镜头的优点是注意力较不易分散，能让观众马上清楚谁是焦点，但使用太多很容易枯燥乏味，过于单调，相信很少有人会愿意整场戏看了二三小时， 却只有一个人物在那儿晃动吧！ 现今的电影几乎会和其它不同类型的镜头做组合变换，有时大牌演员互演对手戏档期无法配合时，会有当天A可以前 来，B却不可前往拍摄现场的时侯，拍摄方式其实也是单人镜头的运用，有些明明看似二人在对话，但却用单人近景或特写的画面来呈现，这其实是分开拍摄在后制 剪接完成的。 
▲其实只有单一人物的镜头，反而得更花巧思在构图，以免布局显得过得简单，取自电影《听说》。 单人全景镜头 全景是最接近平常肉眼所观看出去的景色，在电影中用来表现场景的全貌或人物的全身动作，虽然人物从头到脚几乎都包含在画面内，但绝不是要角色呆呆傻傻的站在那让人拍，这种全景真正的特色与魅力，其实建立在人物与周遭的空间。 全景会让观众意识到画面中四季的变幻，是早晨或黄昏，在室内或室外？举例来说《孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪》，一个 披着蓑衣、戴着笠帽的老渔翁，驾着小船，独自在白雪纷飞的寒江上垂钓。若拍摄画面用特写，我们可能只能看到个老渔翁或某个景色的局部画面，但把镜头拉远 点，多带点环境和整体动作，就看到一个渔翁独自在皑皑白雪中垂钓，既写意又杼情。 
▲使用全景镜头，背景会占据较多的画面以外，和观众的视觉与心理距离也较遥远，会显得人物充满单独渺小与寂寞感，取自电影《海角七号》。 另外一些特技动作的惊险场面，也爱用全景镜头，除了用来表现环境的险恶以外，使用替身也较难被识破，因为拍摄距离愈远，依稀可以看到肢体动作，但太远的话，脸孔已经较难辨识了。 人眼焦距固定120度，集中注意力时约为五分之一，即24度，所以我们虽然看的范围很广，但却不见得都“看”进去了，因此全景镜画面包含很多细节时，你会发现电影镜头的移动速度会很缓慢，例如一些富丽堂皇或壮观的景色，镜头就慢慢的推移，是为了让观众能看的更清楚。 
▲这个全景镜头强调在于全身的肢体动作展现，但因演员做出常人无法做出的柔软度，所以明明是全身镜头，却能拍摄成像近景镜头一样贴近，取自电影《翻滚吧！阿信》。 
▲这个并非单人全景镜头，特别提出来是因为一样的体操动作，但巧妙运用在不同的时空背景，在剧中就变得荒谬和搞笑，象是穿着西装在田里种菜一样，不同的背景和服装的组合设计，其实在视觉和认知上是充满冲突性的，取自电影《翻滚吧！阿信》。 单人中景镜头 取景范围指的是腰部或膝盖上方的镜头，但注意拍摄不要正好卡在膝盖，摄影相当忌裁切在关节处，因为整个影像在收 边处会有被切断的感觉。若全景适合表现场景，中景则适合表现在事件，因为和全景相比，在视觉上又靠近人物主体，观众能更看清楚人物的肢体动作，可清楚明白 角色所正在做的事情。 从演员在剧中的穿着与肢体动作，观众可以感受到此角色的性格、气质……等。例如，衣着华丽者自我显示欲强。其实在一部戏中同个角色随着戏剧内容的改变时，甚至会有衣着上的变化，穿衣风格的更改，也代表了心态上的转换。 可以认真观察自己或他人的照片，不同年纪和时期会酷爱某种穿搭，例如电影《翻滚吧！阿信》主角从一开始身着体操服的运动选手到变成街头混混的打扮，有时电影不用任何言语，甚至不用浮夸的表情演出，从服装就开始透露一切了。 
▲头上戴着蛙镜手上拿着蛙鞋，观众可以感受到小朋友在幻想的空间里游泳，取自电影《囧男孩》。 
▲画面中只有一个小女孩，但若仔细观察，竹竿挂的衣服和花色可推断是位老奶奶所有，背景是早期的建筑，观众可以隐约感觉到也许这想讲述的是祖孙在乡下间的故事，取自《生命无限公司》。 单人近景镜头 取景范围从胸口或腹部以上拍摄的镜头，观众可以开始看得相当清楚，演员脸上任何表情，眼神的流转，此种镜头也主要用在人物的表情反应，另外这种画面的距离，是我们和朋友与熟人对话的距离，所以会在心理形成某种亲切感，甚至感同身受。 认真研究东西方不同国家的电影，可以感受到亚洲电影在表情上的反应是较为保守内敛的，喜怒不易形于色，所以莫怪西方电影都把东方人塑造出一堆面无表情的角色，因为在他们眼中，那简直是神祕到高深莫测（绝对不是因为眼睛比较小）。 不过，没表情不等于没感情，有时这甚至是更细腻的表现，例如，愤怒悲哀或憎恨至极点时也会微笑，是皮笑肉不笑， 女生不能太露骨地表现自己的好意，所以明明很在意，却还要假装冷漠，或明明气到极点却要装出无表情，眼神透露出一股杀意……由此可知，察言观色是很有学问 的技巧。 题外话，虽然面无表情，但很妙的一点是亚洲人在拍照时的手势特别丰富，国外甚至有网站整理了意指亚洲人在拍照时常做的动作，也请一些外国人士来挑战摆这些POSE拍摄。 
▲在迎接最悲伤的死亡时，他们嘴角郄都带着一抹微笑，这代表是解脱还是满足，留给观众一种无限的想象空间，取自电影《艋舺》 单人特写镜头 拍摄范围在人体肩膀以上，脸部的表情，某动作的细节或是重要的物体，功用是让观众能快速发现某个细节。和全景镜头比较起来，特写画面的时间其实很短，电影利用这些局部画面，来暗示情感反应，也许是一滴滑落的眼泪，或是慌张的咬指甲。 因此特写画面并不局限在脸部表情上，从肢体动作中往往泄露出的讯息，比表情反应还来得真实，常用在剧情中的关键 时刻。特写不能过度滥用，有的特写画面根本是肉眼不可能达到的，如果有兴趣你把拳头或一些东西拿到眼前不到3到4公分的距离，会发现太近出现视差，眼睛根 本无法聚焦，不管你有没有近视看起来都是糢糊的。正确来说特写画面接近人眼从放大镜看出去的效果，所以又被称为“细节镜头”。 
▲这特写片段我们看不到主角的脸，但可以从流血的手，感受到他伤的很重，除了强调重点以外，特写也让观众想象画面以外的空间，取自电影《诡丝》。 心不在焉，视而不见，听而不闻，食而不知其味 相信每个人在重覆观赏同一部喜爱的电影时，都会注意到很多之前没留意的部份，只是几个镜头距离的变化就可以谈怎么多，并不是要教大家成为像福尔摩斯或名侦探柯南那样的人物，而是摄影本身是一门“看”的艺术。 你能拍出什么，取决于你看到了什么？你能拍出多少深度，就取决于你能看到多少深度？你看了，但你其实不见得都看到。魔鬼就藏在细节里（Devil in the Details），善于洞察细节，你就会发现突破盲点了。 
来源：DIGI PHOTO 作者：鴻雲 |
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