  在德国艺术史中，十六世纪前后通常被称为“丢勒时代”。不同于阿尔布雷希·丢勒（1471-1528）这样的开拓者或者说真正的文艺复兴艺术家，与丢勒同时代的几位伟大的德国雕塑家——蒂尔曼·里门施耐德（Tilman Riemenschneider），汉斯·莱因伯格（Hans Leinberger）和维特·施托斯（Viet Stoss）——可以说是最后一批传统的维护者。从他们所作雕塑的主题到功能，都符合过去几个世纪的传统；而与此同时，他们又冲破局限，让这些艺术品展现出丰富的情感和新的生命。在这场讲座中，查普伊斯博士就提出并试图解答以下的问题：这些艺术家到底应该算作晚期哥特还是文艺复兴雕塑家？甚至说，我们是否应该提出这个问题本身？ 蒂尔曼·里门施耐德《圣血》， 德国罗腾堡雅各布教堂,1501-1505年 Tilman Riemenschneider, Holy Blood, Jakobskirche, Rothenburg 这是在圣雅各教堂的《圣血》祭坛雕塑。与其他十五、十六世纪的很多雕塑一样，它们显然不是为了放在博物馆里陈列而作的，甚至在当时不被当做“艺术品”，仅仅具有礼拜、基督教仪式功能而已。小一点的雕塑则通常是私人的财产，很多也是礼拜时用的。有些放在精致的有鎏金边框的柜子里；有些被祭拜者反复不断地触摸和亲吻。 《圣母与圣子》，斯特拉斯堡， 约1470或1480年，25厘米 Virgin and Child, Strasburg 上面提到的《圣血》，不仅是里门施耐德的代表作，其实也是能帮助我们更深刻理解祭坛装饰作品及其从教会财产到博物馆藏品的转变过程的典型例子。在十五、十六世纪之交，里门施耐德已经是维尔茨堡地区家喻户晓的雕塑家。因此在1501年4月15日，他与罗腾堡市政府签订了一份合同，协议完成《圣血》。与当时很多雕塑一样，《圣血》是单色雕塑作品——唯一有彩饰的是黑色的虹膜和瞳孔，以及红色的嘴唇和伤口。接近完工时，雕像还被加上了一层半透明的、轻薄的着色层，让作品呈现出一种琥珀的光彩。而里门施耐德的特殊之处就在于，他找到了其他的方法来突破单色雕塑的局限，即通过在教堂位置摆放的考量、白天光线的变化等来调动观众的体验——祭坛背部是镂空的，又放在柳叶形的窗户下面，充分利用自然光线让作品的不同部分在一天的不同时段凸显出来：早上光线从左边照过来，作品前排的形象就最被照亮，后排则在阴影当中； 《圣血》局部 下午光线从玻璃窗射进来，后排的雕塑就清晰地显现出来。而在博物馆，照明是控制不变的，这种效果就不复存在。 柏林雕塑藏品的大部分来自于德国南部，那里是十五到十六世纪雕塑真正发展的地方，如斯特拉斯堡、乌尔姆、纽伦堡等的大型建筑、教堂等都需要很多雕塑。当时常用的是椴木，艺术家一般在可调整角度、可旋转的工作台上完成作品。 通常艺术家会根据作品最终放置的位置来调整视觉上的比例变化。有很多雕塑会被放在很高的地方，如建筑物的外墙上。 德国南部，《伊甸园中的亚当与夏娃》， 十六世纪中叶，苏赫芬石，24×17.8厘米  另一位同时期的德国代表雕塑家，汉斯·莱因伯格，他的作品非常的坦率，能唤起观众的情绪与共鸣，给几个世纪来的老题材以新感觉。 汉斯·莱因伯格《解救耶稣》，  统筹|顾婧 讲座整理|王圣雨 |
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