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本次内容文字较多，大家先耐心看完，最后的演示视频会包括所有本课中的谱例。 1, 离调和解决，From Dissonant to Resolution 借用前北京u圈现混迹上海u圈的非著名ukulele玩家‘道长’的话来描述爵士乐的旋律：“这玩意儿听着全是走调儿啊！” 诚然，音符上频繁出现的大量升降号，让爵士乐听起来确实就是“走调儿”的感觉。然而和偶然弹错唱错的跑调儿不同，爵士乐中的不和谐感有着他独特的味道，那些不存在于我们熟悉的自然大调音阶中的音符实际上和伴奏的和声契合的相当讲究。这其实就是爵士乐的最大魅力之一。 所谓离调，其实并非爵士乐独有的概念。古典乐理上，音乐作品中的短暂出现的变化音（升降号），让和声或旋律的产生了调性色彩变化，之后又恢复到了原来的调性上，那么这种短暂的变化就称为“离调”。 如果这种变化没有恢复，而是发展到了新的调性上，那么就叫做“转调”——注意，转调这个词说的并不是“这首歌我G调唱不上去谁帮我改成C调”这件事儿。 不太严谨地翻译成大白话，离调就是短暂的给do re mi fa so la ti中某些个音加上升降号，完事儿再去掉升降号；转调就是重新直接变另一个调，比如某一句开始fa变成升fa不再变回去了（C调变成G调了），再比如大家耳熟能详的While my guitar gently weeps就是开头C小调，副歌部分转为C大调了。 爵士乐的理论其实就是传承于古典乐理的，离调和转调的概念字面上基本一样，最大的区别就在于使用的频率。古典乐的调性相对爵士更为稳定，一个调往往持续整个段落篇章，转调时的巩固、发展、结束相对的清晰明确；而爵士乐更为自由随性，一个调性只持续一两个小节是常态。 例如即便在同一个调的ii-V-I进行里面，也可以采用变化音阶（Altered Scale）一次性换掉四个音来进行离调。Altered Scale以后会有单独的课程来讲。 并且，对于玩儿现成的爵士standard来说，如果不自己进行和声重排的话，转调的时候我们只需要跟着领谱的固定和声结构考虑旋律的连接就好了。 再举个主观的栗子，古典的离调和转调就好像说，写东西要写清楚“起因-经过-结果”，顺序、插叙、倒叙的时候结构也要清晰明了。而爵士的离调就好像脑洞大开的散文，不断的插入跳脱的题外话，甚至是装b的插入外语（比如突然使用中东音阶）。当然，这些题外话和主题的契合度，以及把歪了的楼拽回来的方式，到底是影响阅读，还是增添趣味，就完全取决于作者的能力以及读者的品味了。 然而，正如前面概念上的字面描述，转调是去别的调继续发展了，离调是要短时间内回来的。听觉上，离调所用的音是有一种不和谐（dissonant）的感觉的，这种不和谐的冲突感需要被化解掉听起来才会舒服。换一个角度说，正是因为有了不和谐，后面的和谐才更和谐。 总而言之，爵士乐的旋律和和声，讲究的就是：强化不和谐，然后把不和谐解决到和谐，并且不断的重复这样的过程，从而创造听觉上的戏剧性变化，让听者感受演奏者的情绪。 本章节标题中的“解决（Resolution）”，描述的就是这个过程，如果大家有兴趣去youtube找教学视频的话，一般都会用到resolve这个动词形式。 虽然性质上不太贴切，但是离调和解决大概就是下面的配图这么个意思。 ~(￣▽￣)~ 2, 一切，从自然大调音阶起步 好了，道理讲了很多，我们应当如何开始练习呢？ 首先，要离调，我们还是要先准确的掌握“不离调”的样子。让我们从C大调开始，一步一步的先把指板记熟： 再次推荐 http:///php/scale_generator.php 这个网站，不论ukulele还是吉他，乃至其他带品格的弦乐，都可以随意的设置生成你想要的指板图。当初没有发现这个网站的时候，笔者是在本子上自己画指板图的。 对于一般的high G ukulele调弦来说，我们在练习音阶的时候只要关注1-3弦就好了，1弦最高3弦最低，品格越高音也越高这样的规律非常简单清晰，方便我们的记忆和思考，所以solo的时候加上4弦的highG的话那根本是裹乱！ 当然如果是用lowG的话那就一定要带上4弦一起记忆了，solo的时候可以施展的更自由一些。不过如果没有多余的琴又不想换弦的话也不用担心，乐器的音域宽窄并不是限制，爵士ukulele大师Abe的琴就是high G的。 接下来，我们可以跟着节拍器，用前面两课提到的C大调ii-V-I（Dm7 G7 Cmaj7 Cmaj7）四个小节为循环录下自己的伴奏（别忘了第二课的Swing节奏），然后跟着伴奏去摸索音阶。再次安利！练习音阶用iReal Pro很方便！ 上面的谱子只是举例，大家可以自己设计练习的模式，但要注意，不要因为记熟了指板上C大调的那些音以后就无意识机械的乱弹。在练习的过程中，我们要用心去聆听自己弹出的每个音，辨识音与音之间的关系、识别音与伴奏和弦之间的关系，体会他们之间的差别。用自己的耳朵告诉自己：什么样的音最和谐，什么样的音还可以，什么样的音冲突感强烈。 在练习前，笔者有以下几个建议： a，一定要掌握和弦琶音： 现在开始，我们不要再局限于伴奏时的和弦指型，而是要掌握他们的琶音（琶音，Arpeggio，这里说的是分解弹出和弦的构成音的意思，不是指轮指或者快速弹响同一个音的手法，那个是Tremolo），把他们像音阶那样弹出来，同样，可以借助上面那个网站生成指板图： 一下子这么多套路肯定是不容易记住吧？不要被吓住，我们可以拆分开来一步一步的去熟悉： 一个小节只弹同一个把位的四个音： 或者只关注根音和三音： 又或者根音和七音： 再者三音和七音（这两个音是七和弦的灵魂！）：
是不是容易很多？接下来我们自己去把练习扩展到整个指板吧～ 和弦琶音的掌握至关重要，在笔者看来，他的重要程度是高于音阶的。因为如果我们忽略琶音，只是弹出当前和弦所在的音阶，那弹出来的真的就只是乏味的音阶，而不是跟着和弦进行在活动的乐句。就好像我们的英文再初级，跟老外打招呼的时候也要说“哈喽”, 而不是给人读一遍H、E、L、L、O五个字母。 关注和弦琶音这件事情其实也会体现在将来要讲的“调式”的概念上，这次先不展开讲这个内容。 b，关注和弦间的连接 让我们还是把目光放在这三个和弦的构成音上：
如果我们在练习的时候，将前一个和弦的七音放在小节的最后一拍，将下一个和弦三音放在小节的第一拍的话，就能强烈的勾勒出这个ii-V-I进行中最基本的连接感。
当然，这样对旋律进行处理并不是表达和弦连接的唯一方式，但却是体会爵士和声关系的一个基础核心。还是那句话，让我们用耳朵去仔细体会这些音符的效果，把它练熟，最后吸收为自己的词汇。如果忽略了和弦的连接点进行练习的话，将来进行曲子的练习时会发生虽然音阶弹的很溜儿，但是不知道自己弹到哪儿的情况。跟乐队一起jam的时候，这样会很尴尬哦！不过不要怕，大家都是这样一步一步过来的！ 在练习的最初，即便我们把节拍器开得很慢，依然有可能会错过两个和弦间连接的时机。回忆一下我们最初学习弹唱的时候，练习左手切换和弦的过程吧，别灰心，还是那句话，坚持开节拍器练习，用不了多久，律动和音符就可以在你的血液里融会贯通了。 c，注意避免音（avoid note） 每一本爵士教材都会提到这个概念，所谓避免音，指的是在某一个和弦上弹奏这个音符会造成强烈的不和谐感、冲突感。但是，我们在前面讲了，爵士乐要的就是制造冲突并解决的过程。所以所谓的避免音并不是说我们绝对不能弹奏，而是不能在这个音上作太多的强调或者说最好不要停留太长时间，应当把他作为经过音来处理。（比如“E F G”这样连续弹过去，F只是经过不停留不做重音强调，本课最后会讲具体概念） 在C大调ii-V-I中，一般认为：
值得一提的是，爵士乐手很喜欢在maj7和弦上使用#11这个音，也就是Cmaj7上使用#F，这个也会在以后细说，最后的演示中会有用到笔者为本课现编的这个例句： 再次强调：避免音不是绝对不能用，而是应当慎重处理！ d，打乱音阶进行的方向 一般说4到5个品格的范围是一个把位，即左手不需要大幅度动作，仅靠手指活动就能够到的范围。 我们在记忆和练习的时候肯定是一个把位一个把位的熟悉，然后再向两边扩张，最终把所有的把位联系到一起，掌握整个指板。 但是，不推荐在练习的时候永远都从指板图上左下角的那个最低音开始往上爬，或者从右上角的那个最高音往下走。如果养成了这个习惯，一方面这会让你形成记手型不记音名的盲点，同时也会使将来的即兴演奏中不自觉的出现一些可预料、缺乏惊喜的手癖。 所以，挑选每一个音作为启动的音符，还是那句话，弹奏的时候仔细的聆听这个音带给你的感觉。 在这个基础上，我们也可以尝试不同音程间隔的模式，比如像下面的谱例，“1 3 2 4 3 5 4 6”或者“1 3 4 2 3 5 6 4”诸如此类的规律化的排列组合，自己设计排列顺序，设计练习内容。
和琶音一样，我们自己慢慢把这些练习拓展到整个指板吧。 总结一下： a，注意力放在和弦构成音上； b，关注和弦之间的连接； c，记住C大调ii-V-I上的两个避免音； d，随机挑选音符启动，并设计各种排列组合。 切记：不要单纯靠手指肌肉的惯性去机械的爬音阶！ 3, 目标音x趋近音x经过音 Target Notes，Approach Notes and Passing Notes 接下来，我们来看看怎么玩儿最简单粗暴的离调音。 人的耳朵是存在“惯性”的。举个最简单的例子，我们在琴上演奏随便一个大调的do re mi fa so la ti（1 2 3 4 5 6 7）之后，紧接在后面那个高音do其实已经呼之欲出了，我们会不自觉的存在一种期待，感觉后面那个do是理所当然的。 还是用语言来举例，就好像说“要学会弹琴你必…” (￣▽￣)# 那么，C大调中，我们把B到C的这种期待感放到每一个音符上，也就是在练习音阶的时候，弹出低于每个音符一个半音的音： bD-D、bE-E、E-F、bG-G、bA-A、bB-B、B-C 同时，这种期待感也可以引申为从高一个半音的位置下行到调内： C-B、#A-A、#G-G、#F-F、F-E、#D-D、#C-C 这种具有导向性的、和目标音相邻的音，叫做趋近音（Approach Note）。 跟随其后的那个音作为我们要强调的音就叫做目标音（Target Note）。 a，趋近音-目标音练习 我们先把和弦构成音作为目标音来练习：
听起来有点别扭么？没关系，还有更别扭的，(=′?‘) 我们还可以先弹目标音后弹趋近音，为什么这样也可以呢？ 因为样这字打家大实其是也以可懂看的。 但是注意，这种用法放在句子里面的时候，最后是需要解决的，也就是说用这种方式勾勒出和弦的效果之后要记得用合适的目标音来收尾。
当然，实际应用的时候，我们不可能通篇在每个音符上都这么操作，并且，我们也可以用滑音的方式来让效果更为悦耳（尤其是目标音是和弦三音的情况下，滑音格外好听）。 b，趋近音-相邻音阶-目标音练习 接下来，我们可以加入在当前调内、与这个音相邻的、高一个音阶的音来练习，这个音可以放在趋近音前面也可以放在后面。 拿C大调中的Dm7的根音D来说，就是形成“bD-E-D”或者“E-bD-D”这样的排列。 具体请看下面这些谱例：
当然，和前面的音阶一样，练习模式远不止这些，各种半音上下行、全音上下行、音阶上下行，都可以交叉放在一起设计为练习内容，就不在这里穷举罗列了。 这些趋近音的练习其实是在帮助我们形成一种思维模式，锻炼把我们脑中设想的音符作为目标，然后在前后加入趋近音、相邻音阶，从而把华丽的、碎碎念的、爵士味道及时的加入到我们的演奏中去。 c，在演奏中加入经过音 所谓经过音，顾名思义，就是从一个和弦构成音进行到另一个和弦构成音之间，经过的那个音。
也就是说在弹奏音阶的时候，我们可以随意的用上“D bD C”, 'A bA G'这样的形式。 当然，把方向反过来，趋近音自然也可以像'C #C D', 'G #G A'这么用。 请看下面这个用到大量半音经过音的例句：
很絮叨的、酷酷的感觉，对吧？ 最后，和上一课中的复合节奏类似，我们可以把上面所有这些要素，按自己的喜好揉合到一起，穿插到音阶练习中。 4, 演示视频和本课结语 练习音频示例（文件大小：低清晰度约20M，高清约70M，推荐wifi下用电脑或平板来看，谱子会比较清晰）： 视频地址：http://v.qq.com/x/page/x03346zu477.html 好了，本课内容先到这里。笔者在写这次的课程内容之前犹豫再三，是否要先写最基础的音程、固定调和首调、和弦命名、和弦构成这些基础乐理内容。 考虑这些内容随便都能在网上搜索到很详尽、很系统的教学资源，因此最后还是决定暂时跳过不做赘述，而是先给出一个练习的方向。如果有需要，大家可以直接搜这几个名词，这些概念是所有的乐器、风格都通用的，并非局限于爵士范畴。而爵士乐乐理必须的和弦扩展音，变化音，调式等等概念，以后的课程中肯定会进行详细的解说。 音阶练习和熟悉指板不是一朝一夕的事情，甚至可以说对于任何人（包括世界顶级的爵士大师）都是可以持续练一辈子的题目。希望本次的内容能帮助大家先有个练习的方向。 另外，有好几位琴友都跟我提出了希望每一课留一些作业。其实笔者个人感觉这次课里上面所有需要练习的内容以及谱例的类推和拓展熟悉指板都可以当成是作业了，内容其实很庞大了。Anyway，还是在这里提一下综合这三课的作业内容吧： 1，把Dm7 G7 Cmaj7 Cmaj7用第二课的复合节奏弹出伴奏，要求每四小节都和紧挨着的前面四个小节不同（第三个四小节允许和第一个四小节相同），然后录音录下来，作为自己的伴奏音轨，跟着依次练习第三课的音阶内容，每次把上面第三课每一个小标题的模式至少坚持练习十分钟。记得开节拍器！ 2，把Fly me to the moon和Autumn leaves照着第一课的和弦谱，用第二课的复合节奏弹出伴奏，同样，录音，然后，弹奏主旋律。最后，尝试把第三课的趋近音、相邻音阶、经过音加到主旋律上面去。同样，记得开节拍器！ 如果大家愿意的话，可以把自己满意的音频或者视频上传，在这篇文章下面留言。 Again，感谢北京ukulele音乐沙龙的群友路桑和漫步的审阅--漫步就是这次封面的那个专（dan1）业（shen1）播音主持； 文中的谱例使用Guitar Pro 6的mac版制作； 视频中的节拍器和伴奏音效来源于iReal Pro，音频的演示者是笔者LeoNerd。 还是那句话，内容如有错漏，欢迎留言指正讨论！ 欢迎大家加入北京ukulele音乐沙龙的Q群，或者到线下活动中当面交流讨论： 北京Ukulele音乐沙龙 同名微博，豆瓣小站、小组，优酷视频 |
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