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蒙娜丽莎是意大利最早的一幅半身画像，画中人物坐着并把交叠的双手搁在座椅的扶手上，从头部至腰部完整的呈现出半身形体，一改早期画像只画头部及上半身、在胸部截断的构图，为日后的画家及摄影师树立新的肖像图基本架构。 达·芬奇使用金字塔结构来将画中的女士简单而充满地放置在画中。她的叠在一起的手构成金字塔前方的角。她的胸部、颈部和面部焕发出与她的手同样的柔软的光芒。这些有机部分的光芒的变化显示出肉体的丰满和柔润，包括上述的笑容。西格蒙德·弗洛伊德将这个笑容理解为画家对他母亲的感性的怀念。其他人将它描写为天真的、诱媚的或甚至于出神的或悲伤的。应该指出的是达·芬奇当时的肖像画多半带有这样的微笑。 神秘的蒙娜丽莎除了以其微笑著称，画中人物的眼神也相当独特。无论你从正面哪个角度赏画，都会发现蒙娜丽莎的眼睛直视着你，这使人感到蒙娜丽莎的眼睛仿佛是活的，会随着观众的视角游走，并对所有观众抱以永恒的微笑。 虽然这幅肖像的手法简单，但人与背景之间的和谐使这幅画成为历史上最著名的、分析得最细致的一幅画。画中妇人的头发与衣服的曲线与背景中山谷和河流的弯曲相称。整个画的和谐性体现了达·芬奇对人与自然界的联系的观念，使这幅画成为达·芬奇的世界观和他的天才的永久的记录。 在人的背后，一个遥远的背景一直延伸在远处的冰山。只有弯曲的道路和远处的桥梁显示着人的存在。模糊的分界线、潇洒的人物、光亮与黑暗的明显的对比和一个总体的冷静的感觉都是达·芬奇的风格。 《神奈川冲浪里》是日本浮世绘画家葛饰北斋的著名木版画，于1832年出版，是《富岳三十六景》系列作品之一。它描述巨浪威胁神奈川冲（神奈川外海）的船只，与该系列的其它作品一样，以富士山为背景。]图中描绘的惊涛巨浪掀卷着渔船，船工们为了生存而努力抗争的图像，远景是富士山。这幅作品是北斋最有名的作品，也是世界上最有名的日本美术作品之一。 《神奈川冲浪里》有着三角形构图，它乍看之下是日本画，其中隐含的却是葛饰北斋多年关注西方油画的心得。因此，当19世纪中叶日本艺术进入欧洲市场，葛饰北斋的巨浪一下子就吸引了当时最前卫的艺术家们，德加、马奈、凡·高、高更等人都临摹过他的作品。1871年，库尔贝画了《海浪》。1887年，凡·高画了《圣马迪拉莫海景》。1905年，德彪西创作了三首交响素描《大海》，当时，他的书房里就挂着一张《神奈川冲浪里》。 本作品高25.7厘米，宽37.9厘米，是一副大画幅横绘画作 是由大浪、3只船以及背景的富士山这三个要素构成的画作。作为富岳三十六景主题的富士山被绘于画面中央靠下的背景中。对于日本来说，富士山是神圣的国家的象征 也是美的象征 将本来雄伟的富士山画得很小，和前景的巨浪形成了鲜明的对比 地平线附近的暗色和仿佛被照亮的，被雪覆盖的山顶，表达了现在是清晨，而太阳是从观赏者这侧升起的。上空的积雨云让人感觉现在应该有暴风雨，然而画中却并没有下雨。 船 画面中描绘了3只被巨浪翻弄的船。这些船是当时运送活鱼的押送船 ，船上有8名抱紧船桨的划船手，在船头还能看到2名以上的乘客，画面中大约有30人 人们僵直在船中，和运动的浪形成对比。 浪 画面截取了大海波涛汹涌，风大浪高的瞬间。构图中大浪的曲线描绘成弧形，令富士山成为这弧形的中心。浪尖飞散出的浪花四溅，仿佛降在富士山的雪。最后面的船和浪高几乎相等，押送船一般长约12到15米，北斋将垂直高度伸长了30%左右，因此推测浪高应在10到12米 。 .
画作的灵感来自一个在霍普居住地，纽约格林威治村的餐厅。霍普在珍珠港事件后不久就开始画夜游者，因为在珍珠港之后，他深深地感受到笼罩着美国的一片愁云惨雾，而他也把这种感觉融入这幅画作里。在餐厅外，城市的街都是空空如也的，在餐厅里的三个人也没有对对方谈话或看着其他人，但都在自己的世界中迷失了。左边的两人是情人，背对的男人孤独地坐着。而餐厅内的唯一一个侍应生，虽然有抬起头来，但似乎是望着顾客们后面的窗户。各人看似身处同一幅画面，但又其实各自活在自己的空间中，跟雷内·马格利特的Golconda有异曲同工之妙。 画作描绘了现代城市生活的苦闷、孤独；这是霍普一向惯用的主题。如果细心一点看，会发现餐厅没有明显的门口可以让客人走出去，突显了画作的另一个主旨：囚禁与限制。霍普否认他是故意画成这样的，但他承认“也许，我的确是无意识地在描绘一个大城市的孤独。”在画作完成的那个年代，萤光灯技术才刚刚出现，或许可以解释为什么画中的餐厅对比窗外空空如也而又漆黑的街道，会发出一阵怪异阴森的光。在餐厅的上方有菲利士烟草的广告。
《大碗岛的星期天下午》（或译《大杰特岛的星期日下午》；是法国画家乔治·修拉最著名的代表作之一，同时也是一幅典型的点彩画派作品。 作品描绘的是大碗岛上一个晴朗的下午，游人们在树林间休闲的情景。在画面中共有四十个人物。 这幅巨大的绘画作品创作共耗时两年多。修拉为了创作这一幅作品绘制了四百多幅的素描稿和颜色效果图，以研究构图和色彩。在这幅作品中，修拉采取点彩画法，用大块的绿色为主调，杂以各种经过仔细分析处理的紫、蓝、红、黄等色点，经过一年的时间点满在画布上。作品中的大碗岛实际位于法国巴黎塞纳河畔讷伊和勒瓦卢瓦-佩雷之间的塞纳河畔，与现在的拉德芳斯商业区有一小段距离。在1884年修拉刚开始进行创作时，这里是一个远离市郊的休息寓所。这里多年前也曾经作为工业场地，不过现今已成为了公共花园和住宅开发用地。这幅画首次于1886年展出。现藏于美国芝加哥艺术学院内 《戴珍珠耳环的少女》，十七世纪荷兰画家扬·弗美尔的作品。画作以少女戴着的珍珠耳环作为视角的焦点，现时画作存放在海牙的毛里茨住宅中。 基本上，对弗美尔本人或者他的作品，后人所知的都不多。画作署名“IVMeer”，但没有日期。没有人知道这幅画作的代理权谁属，甚至不知道作者有没有交付过代理权给任何人。近年有专家指出此画作可能是一幅“tronie”，即17世纪的荷兰流行的头像，而这种头像严格而言算不上是一幅画作。于1994年的修复后，画作精密的颜色运用及画中少女对其观察者的亲密目光更被专家所留意。无论如何，这一幅画都不只是普通的肖像画。画家可能在尝试捕捉这个女孩（身份不明，但一般相信是弗美尔的女儿玛丽亚）对刚发现的某人回眸的样子。
《朵拉与小猫》（法语：Dora Maar au Chat）是毕加索于1941年创作的一幅油画作品。它描绘了朵拉·玛尔，也就是画家的情人，坐在一个椅子里，一只小猫停在她的肩膀上歇息。 最近一次公开拍卖为2006年，由苏富比于纽约卖出，当时作价9500万美元，成为当前世界上最贵的画作之一 《吻》是奥地利象征主义画家古斯塔夫·克林姆的代表画作之一，是他在黄金时期所创作的作品，他在此时期常使用金箔来作画。《吻》是一幅正方形的画作，呈现出一对相拥在一起的恋人，他们的身体借由长袍缠绕在一起。这种表现手法同时受到同时期的新艺术运动及艺术与工艺美术运动的影响。古斯塔夫·克林姆在传统的油画上覆盖金箔，让画作的现代感更加突出。《吻》目前收藏在维也纳美景宫内的奥地利美景宫美术馆，被广泛的视为是20世纪早期的经典。《吻》是象征主义的代表作品，也是古斯塔夫·克林姆最受欢迎的作品。 这是一幅装饰性壁画，也是一幅广受好评的艺术杰作。画中大量使用了金片、银箔等 装饰性要素，使画面看上去熠熠生辉、金光闪闪。在这种金色的背景下，一对恋人在开满鲜花的柔软草地上，热烈拥吻。 男人的双手轻柔而充满爱意地抱起了女人的头，正富有激情地吻着她的脸。女人的左手握着男人的右手，闭着眼睛，沉浸在无尽的幸福和浪漫的想象中。画中的男子乌黑的头发，黝黑的皮肤，突出了男子的健壮和阳刚之气，而女子白皙的皮肤和红润的嘴唇显示她的娇柔和美丽。男人和女人身上充满了各种各样的图案纹样，除了女人有完整的身体曲线外，男人则完全处于这些图案的包围中。而这些长方形、螺旋形、圆形的各色图案有着很强的装饰效果，也充斥着神秘的象征意义。有人认为这幅画其实就是强烈的情欲的象征，这些各种形状的图案是史前人类充满神秘意义的符号。而画中的女人娇柔地依偎在男子的怀中，向他献上自己的脸庞和嘴唇，甚至无视环境的危险，是一种性的暗示。但是这种情爱在这种金黄色彩的衬托下，在鲜花和各色图案的包围中，让人没有一点邪念和粗俗的感觉，将人从一种世俗的观念和道德的约束下解脱出来，只感到一种温馨、浪漫、富有激情的生命冲动！
此幅作品是达维特第一次刻画现世的英雄，此前，作者只塑造和歌颂古代和已故的英雄，由此可以看出他对拿破仑的崇拜之情。本画的妙处在于，远景的简约和近景的细腻，色彩的冷暖对比极为强烈，人物和战马的细节刻画非常到位。对于这个理想化的形象，拿破仑本人也十分满意.
《被拖去解体的战舰无畏号》是英国浪漫主义风景画家，著名的水彩画家和版画家约瑟夫·玛罗德·威廉·透纳在1839年创作的油画作品。 《被拖去解体的战舰无畏号》的油画作品意在表现当时日渐衰落的英国海军，以及老式风帆战舰在蒸汽动力出现之后的没落。油画中可以看到，无畏号仿佛在雾霭里一般朦胧，桅杆上的帆紧紧收着，驶往东方，渐渐远离平静的海面，以及太阳落下的地方，一个时代的结束了，古老的荣耀与激情而今被新的历史覆盖。小小汽船拖动巨大的战舰，劈风斩浪，让人惊叹蒸汽机强大的同时，也显示了工业革命和科技的力量。此时，汽船带动的不仅仅是战舰，更是整个世界。透纳的原意是想唤起对失去的感觉，并不是只是为了记录这个事件。大笔渲染的日落和古战舰在同一个水平线上，而新生代的蒸汽拖船则鲜明有力!
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