﹀ 浅谈书法作品的欣赏 文/程小宏 现在社会上学习和欣赏书法的氛围很浓厚，这是个好现象。大家都有个共同的期盼，就是如何尽快把字写好，写得有品位。这方面，除了平时自己临池学习外，提高欣赏和品评书法作品的能力很重要，只有眼高才能手高，才能写出自己满意、大家认可的作品。此外，没有从事书法创作的人也希望能提高自己的鉴别力和欣赏水平，让自己得到美的熏淘与艺术享受。由于目前社会上传媒渠道多种多样，谁都可以随时随地在网上发表作品，谁想举办书法展随时也可以办，没有谁拦得住你，各种各样的书法作品令人眼花缭乱，鱼龙混杂，而且往往吹得出劲的，我们觉得好像并不怎么样，这就让很多人犯糊涂了，什么样的书法作品才是好作品？下面，我结合自身的书法实践，谈谈书法欣赏的话题。 书法欣赏可以帮助观者开阔眼界，领略其中蕴含的美。任何一幅作品，我们一眼就可以扫过去，甚至也评论一番，但这不能算是真正的欣赏。艺术欣赏要有一段时间用来感受、思考、理解，从而加速心理活动的运转，尤其是对于经典作品，更应反复观赏、玩味，方可有所得。书法欣赏的过程，是观赏者与作品乃至书家精神交流的艺术再创造的过程。 中国各艺术门类的艺术审美标准都有其共通之处，就是对立统一，矛盾和谐。这符合人的心理和生理习惯，就是喜变化，忌重复。如何变化，延伸开来，有很多共同的特性，比如节奏感，韵律美，秩宕起伏，变化自然。我们品评一幅书法作品，其实就是按照这基本标准来衡量的。书法作品如何欣赏，我认为，具体可从整体和局部两个方面来看： 一、作品的整体把握 学习书法先从基本点画开始，然后学习结体，再是章法布局。而欣赏书法作品，与创作相反，则必须从整体开始，再到局部，继而深入内核。正如听一个人的名字就联想到这个人的音容笑貌、整体风采一样。一幅优秀的书法作品，首先应能从整体上感染欣赏者，如果失去了整体美，局部的美也失去意义。就像合唱队里的各声部演员，即使每个人的声音都高亢、优美，但失去了旋律，不管高、中、低音，也就失去了音色和谐的美。 书法作品的整体美，包括了书法作品的分行与布白、落款与印章等多方面的处理关系，即一幅作品，集点成字，集字成行，由行联篇，构成章法布局之美，章法安排是否均衡协调，照应严谨，是一幅作品的成功与否的重要因素。一幅作品就是一个整体，它通过字形的大小、长短、伸缩、开合以至用笔的轻重疾徐，墨色的浓淡枯润变化，在笔势的管束下，至终篇笔意顾盼、首尾呼应，在布局上达到了上下承接、通篇团聚不散的艺术效果。 整体把握如何看，主要有： （一）形式创作是否得体。作品用在何处，横写或竖写，尺幅大小，颜色选择，庄重还是活泼，采用何种字体，都要得体。比如楷书、隶书、篆书等静态书体，适宜表现庄重的内容，以平正、均衡为主。比如庙堂之上的匾额，一般来说应当是正书体，且相对要厚重一些，体现庄重严肃的环境氛围；行书、草书等动态书体适宜表现活泼内容，要以错综变化、跌宕起伏为重点。作品的内容如果是激情澎湃的，就不宜用正书等静态书体书写了。作为文人往来的书信手扎，如果出现涂改等痕迹，正是率性自然、真情流露的表现，但如果在碑文刻石上也出现涂改之迹，当然就不应该了。 （二）章法布局是否合理。总体布局是否主次分明，疏密有度。整体处理首先要考虑知白守黑，白与黑、疏与密，构成了点画线条对空间的分割关系，古人说要“密不透风，疏可跑马”，要求字与字、行与行之间疏密得宜，上下承接，前后相连，呼应贯接。楷书、隶书、篆书等静态书体虽然字字独立，但也应笔断而意连，如乱石铺路，相互顾盼；行书、草书等动态书体可字字连贯，游丝牵引，但要引接自然。整行的行气还应注意大小变化、欹正呼应、虚实对比，这样，才能血脉畅通。在行与行的布局中，不能四平八稳，应重点突出、欹正相生，疏密、枯湿变化明显，达到整体平整均衡。章法还应包括题款与钤印，比如上下款是否用得恰当？名章与闲章是否盖到合理的位置？等等，都是值得考究的方面。 （三）作品是否有艺术性。写字与书法是两个不同范畴的概念，很多人以为写得很均匀，很正，很光亮，“象印的一样”是好作品，殊不知这正犯了书法的大忌，古人说，“状如算子并不是书”，就是这个道理。书法的核心品评标准之一就是要有艺术性，而艺术性的体现很重要的方面就要追求变化，让人有联想的空间，让人在不断变化的线条点划中体味乐趣。因此，书法家们很重视作品的节奏感，这是评价和欣赏作品的重要内容之一。书法线条的节奏也像音乐中音的长短、高低、快慢一样，不能平铺直叙。体现在书法上，不但表现在线条的长短、轻重上，还表现在行笔的快慢上。无论是何种书体，运笔都不是“匀速”运动，而是随着书者的情绪和章法的要求调节运笔的快慢，使欣赏者从作品中受到书者情绪的感染。这就要求在用笔中要体现提按、有起、行、收的动作，有点线面的变化，有大小参差、连断的处理，等等，这些整合起来节奏感自然就来了，艺术性就强了。 （四）作品品格是否高雅。书法审美要求既得古质，又有法源。品格是否高，主要看作品是否有取法，能否高古。很多人以为，只要天天拿毛笔写字，时长日久，自然就能写得一手好字，其实是一个误区。如果信手为之，以自己的习惯而书，或以自己的审美为美，这种书写时间越长，习气越大，品格越俗。其实，书法的公共审美标准，就在经典法帖之中，书者要写得有品位，就要做到“翰不虚动，下必有由”，处处呈现经典法帖的影子，哪怕就是按古人原笔划、原字构重现和组合，也是很有水平的作品。因此，聪明的书家，就是要把临帖、学帖作为日常书法学习的日课，不轻言创作，而一旦创作，就要善于把经典法帖的元素体现在作品当中，这样才古雅，才能出现为读者所欣赏的作品。 （五）形质神采如何。书法作品的欣赏，更高级的方面是要体现作者的神采，这是指点画线条及其结构组合中透出的精神、格调、气质、情趣和意味。作品内容的选择要典雅，要体现作者的审美趋向，书写时的心理状态，书家的学识修养、审美气韵和心性情感，这是气韵神彩的层面。书法中神采的获得，一方面依赖于创作技巧的精熟，用笔是否熟练，能否放得开，过渡自然，这是前提和基础；另一方面，只有创作心态恬淡自如，创作中心手双畅，物我两忘，才能写出真情至性，融进自己的知识修养和审美趣味。学识修养的积累对于每一位书法家来说都是必须的，尤其是书法方面的知识，如书法文字学、书法哲学、书法理论和笔墨纸的使用规律等等，都直接影响着书法水平的发挥。例如，在欣赏作品时，若出现了“硬伤”错字，或简化字、繁体字共存时，其艺术含量就大打折扣，即使其他方面做的比较好，也弥补不了它的遗憾，更谈不上什么美感了。书法作品创作一般应使用繁体字，也不能用繁简混用，因为这种规定是约定俗成的，是书法界共同认可的。而造成这种后果的原因，就是不了解文字学和书写不规范造成的。 二、作品的局部分析 书法作品的整体效果是由局部的、单个的字与线条构成的，如果单个的局部的字与线条不美，那么整体的美也就无从谈起。如果单个的线条是美的，组合得好，就达到了更高的美。在这里我从字法、笔法和墨法三个方面来谈。 （一）字法。字法即字的结构安排，也就是“集点画成字”。通过正与斜、疏与密、增与减、向与背、松与紧、平与险、避与就的处理构成美的汉字形体，变化是否合理，出奇不意又在情理之中，这就是理想的字法。历来书家都把字的结体列为书法技巧中最重要的因素。因为章法再美，只是一个形式感的问题，而字的结体不好，也难称得上好的作品。有经验的书家都善于把经典作品的字法加以适当改造移用，做到翰不虚动，下必有由。不自出已意，这才免俗。 （二）笔法。从字面上看是用笔的方法，从书法欣赏的角度讲，应该是以正确的用笔写出形态规范的点画。点画自然因书体的不同而不同。什么样的点划才是有笔法呢，简言之，如果没有起、行、收的动作，就可称之“无法”，比如平铺而过的划就无笔法，一个点没有轻重变化也无笔法。古往今来，很多人都认为“凡是能给人以美感的用笔都应是有力度的”。这种力度，在传统书学中称为“笔力”。那么，如何判断点画有无“笔力”呢？我认为主要是以“圆”和“涩”为标准的。 圆，是一个立体的而不是平面的概念。圆的线条饱满、结实，具有浮雕感，给人的感觉是力透纸背、入木三分，能表现出充实圆劲的力度。圆的线条是中锋用笔的结果，是“令笔心常在点画中行”写出来的笔画。有人常将作品对日而视，常发现有一缕浓墨正当其中，这就是质量高的线条，也就是古人所说的“折钗股”“锥画沙”“印印泥”所比喻的效果。如果用笔偏侧（指一偏到底），写出的线条、点画则扁、薄、浮、弱。其实，如果书法功底不行，用笔则常常出现不受控制的状态，当然就易出现偏锋了，抛筋露骨，就无美感可言。 涩，是观赏者对作品中线条的感觉，涩的线条给人以力感与苍茫感。书写中，书者通过调控笔锋，使其在纸面上遇到阻碍和抵抗，造成笔划迟行，摩擦涩进。这种行进与反行进表现得越充分，线条就越显示出力感。如“屋漏痕”是古人孜孜以求的笔划，因为它不仅是圆的，而且也是涩的，符合笔力的要求。屋漏的水沿着墙壁往下流，它不像在平整光滑的玻璃面上没有阻力，而是由于墙面沙粒和土灰的阻力，使下流的水线产生了或左或右、直中见曲、似滞还流的水痕，这正契合了书法线条涩的表现。这样的线条沉着，不轻滑，不飘弱。现在很多书家为了追求作品的涩感，专门用表面较粗糙的土纸、皮纸创作，就是为了增加笔与纸的摩擦力，造成凝重、苍劲老辣的效果。
作品的笔法体现还与其点画精良度有直接的关系，点画的入笔与收笔要到位，不能有头无尾或有未写完的感觉，中间还要体现起伏的变化，同类笔划起收笔不能类同，走向也忌平行同向，这些也是应当注意的。此外，笔划之间的引带呼应也要自然，粗细长短要适中，特别是小字，笔画的精微之处，更要体现笔法的丰富性，进而促进整幅整行的错落有致，使结构与笔画的变化随类赋型，各具特色。 |（三）墨法。墨法即用墨的技巧。墨大致可分为浓、淡、干、湿、焦五种，但也不能过分悬殊，应在看似变化不大的墨色中，写出使人感到变化极为丰富而又保持“润”的特点，才是理想的用墨。没有墨色的变化、配合，用笔效果就难以达到。字缺乏血肉，也就没有了生命。唐孙过庭说：“带燥方润，将浓遂枯”，也点出了用墨的关键处。“燥”“润”“浓”“枯”又是矛盾的法则。用墨不可太枯，枯笔多了则燥；又不可水分太多，湿度太大会肥浊不清。明了这一道理，我们在创作中就要防止每写一个字醮一次墨，这样出来的作品乌黑发亮，没有黑色变化，就失去书写性和艺术性。 墨色的变化要自然。现代厅堂张挂的书法作品，要让人远远望去就受到吸引，很多书家善于将绘画中的浓淡干湿、墨分五彩的理念应用于书法之中，一改小心幅作品的用墨习惯，浓处很浓、淡处有墨，飞白之处，枯而不燥，使整幅作品中的韵味无穷。特别在创作连绵不断的草书中，墨色的变化更能起到出奇制胜的效果。通过娴熟的草法运笔，将个人的性情表现随着笔墨的自然流露，由浓重的入笔一直写到飞白枯墨处，有笔有墨，有骨有肉，使欣赏者随着创作者的运笔而笔走龙蛇，婉如走进了墨分五色的诗情画意之中，把玩再三，爱不释手。现代书法创作中，很多书家写大条幅作品都喜欢用生宣，主要是用它书写作品，容易出现洇墨与枯笔飞白效果，使之墨色变化丰富，引人入胜。 2016年5月 |
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