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第一次被舒曼的音乐打动，还要承蒙那位俄国老顽童——弗拉基米尔·霍洛维茨之赐，那是一段影像资料，1986年4月20日下午，已经阔别了祖国整整61年的钢琴家，在莫斯科音乐学院大礼堂，以舒曼钢琴套曲《童年情景》中的“梦幻曲”返场。 这早已不是霍洛维茨第一次弹《童年情景》，大师似乎对舒曼的作品格外偏爱，早在1965年那次纽约卡内基音乐厅的历史性回归音乐会（此前大师归隐了整整12年），他也祭出了这个脍炙人口的曲目。当时光的指针拨到1986年时，霍洛维茨已经是82岁高龄的老者，21年前那种能在轻中弹出许多极轻的精妙控制力，已然弱化了许多。然而，现场一曲尚未终了，摄像镜头切换到观众席时，我看到无数人的脸上已挂满了眼泪。
现场带来的感动和震撼，绝非任何影音记录所能替代的，然而面对这段影像，还是让人难以保持平静，因为它让你看到了音乐的力量，哪怕音乐本身是这般柔弱。此刻，在任何技术层面上探讨这版梦幻曲俨然失去了意义，已入化境的大师，弹指间所营造出的朦胧音色，赋予了音乐更多的沉思和冥想，完全是一派人约黄昏的意味。这里没有天真少年的奇思，甚至也非爱情中的舒曼为克拉拉写下的情诗。这里有的只是，一个沧桑老人的追忆，这里的每一个音符，说的都是他自己的故事。 4年后大师仙去，遗体被葬在米兰托斯卡尼尼（岳父）的私人墓园。伴随这位20世纪最后一位浪漫主义钢琴大师入土的，正是舒曼这支《童年情景·幻想曲》。 大概所有的浪漫主义者皆殊途同归，148年前写下这部钢琴套曲的罗伯特·舒曼，同样说的是他自己的故事。 唱片推荐——童年情景 虽然名为《童年情景》，音乐也宁静纯美得如同安徒生的童话，然而藏于音符深处的感伤，却绝非孩子所能承受。五味杂陈的爱情长跑让彼时的舒曼，欣喜和憧憬之余，又常常陷入绝望和沮丧，正如其自己所言，是带着对克拉拉的爱恋写下这些乐章：
和20世纪大多数钢琴家的做派不同，霍洛维茨从不屑于完整地录制某位特定作曲家的特定曲集，兴之所至地于某个时刻弹上一曲“正好”想弹的，才是大师典型的表达方式。所以，这张唱片是CBS公司将1963至1969年期间，霍洛维茨在各种音乐会上所演奏的段落收集起来，制作成的“完整版”《童年情景》曲集（其中包括65年在那次重返卡内基）。 如果要说最接近我心中舒曼原本样子的，大概非这个时期的霍洛维茨莫属。和早期多少有些浮夸的，追求强大力度与速度表现的所谓“雷神时代”不同，进入中期的大师，更强调对音色和情绪的精妙控制，同时那种自带神经质的特性，又与舒曼何其相似，这让这版《童年情景》显得极富色彩感和幻想性。 No.1：异乡和异乡的人们  No.7：梦幻曲  No.9：木马游戏  第一曲《异乡和异乡的人》，平稳明亮的四分音符夹杂着略带神经质的附点节奏，伴奏部分也充满了微妙的色调变化，似乎是身处异乡的舒曼本人，交织着好奇和憧憬，却又带着焦虑与不安的真实心境的写照。第七曲《梦幻曲》，渗透着梦境般静谧甜美的诗意，却又潜藏着一份淡淡的忧伤，那种妙到颠毫的弱奏，作实让人销魂。后面的第九曲《木马游戏》，在快速的切分节奏下、大师用强大的力度对比展现出丰富的音色层次感，转瞬间化为率真的小骑士。 唱片推荐——森林情景 和《童年情景》一样，《森林情景》也是承载着舒曼无边幻想的钢琴曲集。实际上钢琴套曲正是舒曼受当时浪漫主义文学影响所创造的一种体裁，也是最能体现其音乐特质的表达形式。其间每一首曲子都是一个独立成章的小品，且摆脱了古典时期按音乐上的调性逻辑统一起来的传统模式，转而寻求一种文学上诗意的关联。这里，每一个段落都有自己独立的标题，引导你进入几乎每一个十九世纪德国艺术家心中的森林浪漫主义世界。
舒曼的钢琴作品中感人的精神刻画与无休止的愁绪并存，在晦涩艰深的同时又极具张力，而对于演奏者来说却是一个巨大的挑战。对于钢琴家来说，两个先决条件或许必不可少。首先是对弱音的控制，能够捕捉每一个稍纵即逝的细节，从而表现出细致的情感色调。其次是节奏感，能在疾风骤雨和缓慢静默中无痕转换，从而传递出内在的诗意和充满矛盾冲突的两极。 一直以来，我心中最完美的舒曼钢琴诠释者非李赫特莫属，这两点也恰是乌克兰人的特质。然而，音乐聆听就是一场偶遇，无意中接触到克拉拉·哈斯姬儿在1947年留下的这个不常被演奏的舒曼晚期作品，让我收获了全新的体验。在这个《森林情景》中，哈斯姬儿没有李赫特那般慑人的力度，也没有火花四溅的技巧。然而，幻想和梦境却被推向了极致。 No.3：孤独的花
No.7：知更鸟
大师的琴声带我们穿越梦境，遁入一片从未在现实中存在过的秘林，这里精灵出没，每一个场景和生物都自带魔力。哈斯姬儿没有刻意追求轮廓上的清晰，而是灵巧地应用踏板，带出朦胧的和声，营造出含义晦涩的神秘氛围。轻巧晶莹的触键，捕捉到独属于舒曼的生动想象力，让每一颗音符像被精心打磨出来的宝石。强音的出现，亦非找寻力度，却存有一份古拙的效果。特别是其中的第七首《知更鸟》，诗歌般层层递进但又有些微妙变化的律动感，在美丽之外还掺杂着些许古灵精怪的童真，作实妙不可言。
哈丝姬儿的人生是个悲伤的故事。少女时代就天赋秉异的她却在18岁花季的年龄查出硬化症，8年后才恢复公演。二战期间她又罹患脑瘤，好容易找到的一位脑科专家却身陷德占区，直到有人冒险带医生偷渡至马赛，才得以成功施行手术。 战后，哈斯姬儿终获声誉，还在50岁那年买下一架属于自己的钢琴。然而命运弄人，她又被一种叫'慢性脊髓炎”的病缠上。这一切都让这位传奇大师的演出和录音生涯支离破碎。同时，孱弱的身体也令她难以驾驭那些需要消耗大量体能的作品，这倒促使她在莫扎特和舒曼的作品中找到一块独属于自己的天地。 我常常觉得，这位克拉拉似乎是在以对舒曼作品“梦幻般”的诠释，冥冥中在向19世纪另一位克拉拉——克拉拉·舒曼（罗伯特·舒曼的妻子），另一位伟大的女性钢琴家——致意。舒曼的幻想世界，大概只有克拉拉最懂。 唱片推荐——C大调幻想曲 这部完成于1836年的《C大调幻想曲》堪称舒曼钢琴独奏作品的巅峰，音乐所呈现出的激烈甚至略显狂躁的情感，隐隐暗示出舒曼对与挚爱克拉拉分离的不安与悲痛。其间具有典型的超复杂节奏，正是舒曼标志性的音乐语言，也是音乐家无边想象力的投射。
如果说哈斯姬儿的演绎是一种浪漫与古典的综合，是用和谐和梦幻超越了纯粹的私人情愫的话，那么李赫特则是个彻头彻尾的浪漫主义者。极强和极弱的对比和节奏的无穷变化，让李赫特的钢琴发出带着强烈个人色彩的“不稳定”音响，却完美地诠释出琢磨不透，变幻无常的舒曼气质。 第1乐章
现场掌声平息下来后的第一个音就以突兀的最强音的方式出现，没有准备的心脏或许难以承受。紧接着分解和弦的洪流被释放出来，而强度和速度渐弱，爆烈的洪水慢慢汇成涓涓细流，充满诗意。然而舒曼的神经质却在后段反复出现，时而温情恬淡时而狂飙突进。李赫特的随心所欲地把握着自由速度，音色和力度层次如万花筒般翻转，让人应接不暇。 第3乐章
最后一个乐章是货真价实的“幻想曲”，李赫特展现出对弱音妙到颠毫的控制，和点到即止的强音形成清晰的明暗对比。音乐表面呈现出来的结构貌似松散，情感也似乎始终在徘徊找不到归宿，然而孤独和冷峻却构成了作品精神上明确的内核。这个精神内核是如此诗意，他是属于浪漫主义的，也是属于舒曼的。 唱片推荐——诗人之恋 这部声乐套曲写于1840年5月底，一周内完成。就在这个月，舒曼和克拉拉统一了立场，决定通过法庭解决克拉拉父亲对两人婚姻的长期阻扰。这也让音乐家心情大好，开篇的第一支就起名为《在可爱的五月中》，仿佛这段人生本该是一首深情的歌。而舒曼更是将歌曲和钢琴伴奏完美地融合在一起，成为不可分割的整体。于是不经意间，继舒伯特之后，德国艺术歌曲终于迎来了一位新巨人，不同的是他比舒伯特更纤细敏感，情感的变化也更加细致入微。
1977年的迪斯考正处于能力和造诣的最佳平衡期，对嗓音的控制可谓炉火纯青。更关键的是，大师在每一段乐句中都注入了真挚的情感，声乐技巧融化在娓娓道来歌声中，其间那份只有经过时间历练的男人才拥有的成熟气质，绝非翁德里希那辈年轻歌唱家可比。艾森巴赫的钢琴也相当活跃，在装饰音细微的音色变化中，传达出丰富的情感讯息。于是，我们触摸到的是一本关于舒曼的爱情日记，内心无休止的纠结和冲突在大师无限深情的演绎中褪去，真挚细腻的情感化作音乐中诗意的表达。 No.1：在可爱的五月中  在可爱的五月中 No.10：我听见亲切的歌声响起
我听见亲切的歌声响起 我爱的人曾经唱过 深沉的渴望驱使我走进树林深处 在这里我的泪水能融化我深重的悲苦
在男中音行列中，迪斯考未必是绝对嗓音能力最强者，却能敏锐地把握那种深深植根于德奥艺术歌曲中的诗之意境，从而深刻地表达出歌词中的诗意，并以几近完美的歌唱技巧，唱出歌曲的内在精神。这也使他成为战后影响力最为巨大的艺术歌曲之王。 苹果手机禁止了微信部分功能 如果您喜欢我们的文章，请使用苹果专用二维码 支持我们的原创
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来自： alayavijnana > 《影音文娱》
