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码叔：最近应一些小伙伴的要求，精选 3 篇关于《爱乐之城》不同视角的影评，这是系列的第二篇。子戈绝对是叔所见的影评者中最走心的那一类。 正文： 任何一部热门影片，都逃不过影评界的三板斧，《爱乐之城》也不例外。 最开始，先会迎来一波赞誉，而且话说的都很满，像什么提前锁定2017年度最佳、拯救了歌舞片、革新了电影语言……每个影评人都在绞尽脑汁，找一个刁钻的角度，然后坐稳第一个说“喜欢”的人。 如果没赶上第一波的话，没关系，你还可以加入第二梯队，给这部电影泼泼冷水，比如：一部被严重过誉的电影、不过是精心包装的陈词滥调……总之那意思是，喜欢这样的电影，只能说明你没文化、见识短。 等到该夸的夸完了，该骂的也骂完了，最后还会冲上一波优越感爆表的影评人，大声高呼：无论是赞的，还是踩的，其实你们都没看懂《爱乐之城》，它应该是这样的……  8.3分(豆瓣) 爱乐之城 2016-08-31(威尼斯电影节)/2016-12-25(美国)/2017-02-14(中国大陆) 128分钟 剧情/爱情/歌舞 （我们真的不卖票） 我也是个写影评的人，如果影评在中国还能算得上一个行业的话，我只能说，我喜欢影评，但我并不喜欢这个行业。 或许是我太过愚钝了，就像喜欢传统爵士乐的小塞一样，跟不上快速变化的消费时代。 我也知道，博眼球的要义就在于尖锐和极端，中庸是不可取的。 可我还是想在这个所有人都尽力把自己削尖的时代，做一个迟钝的人，永远站在此刻的后面，和风口保持距离。 这样才不至于被它裹挟，说一些身不由己的话。 说回到《爱乐之城》。 我是在看过第一遍后，回来听原声的过程中，喜欢上这部电影的。 因为在听的时候，我看见整部电影的画面在眼前重放，所有故事、情感、温暖、遗憾，全都在音符里。 那一刻，我才意识到，这是一部“被歌舞统治”的电影，影片从始至终，都是“歌舞”在推动着叙事、引领着情绪。 而这，才是一部歌舞片，该有的样子。 一部好的歌舞片，“感官传达”是要先于“故事理性”而存在的。 这也是《爱乐之城》最先吸引我的地方。 我们看到，影片一开场，就是一段长达5分钟的歌舞长镜头。 拥堵的洛杉矶，被延宕的追梦步伐，使得一群年轻人跳出车外，用歌舞来宣泄内心的躁动。 这是对梦想主题的一次定调。 我们看镜头中的男男女女，轮番上场，在稍纵即逝的机会中，为自己争到一幅画面。 只听他们唱着，“我在群星荟萃的洛杉矶，追寻着灯光与梦想……” 梦想，就是这座城市的空气，是没有人可以停止的呼吸。 随后，在这座梦想之城里，爱情上演了。 就像四季不可逆转的更迭，我们看着男女主人公的爱情，也经历了注定的冷暖变化。 而在每一次变化中，“歌舞”始终作为“第一推动力”而存在，从未缺席。 于是我们看到： 小塞和米娅的第一次相遇，是因为琴声。米娅循声走进酒吧，看见小塞正弹着钢琴，于是人群突然暗去，一束光降临在他们之间。 小塞和米娅的第一次暧昧，是在舞蹈中完成的。那是一个傍晚，近处是街灯和长椅，远方有星河和山峦。两个人虽唱着“一个被浪费的良夜”，可是，身体却比语言诚实。只见他们默契地共舞，若即若离地追逐，所有心思都已表露无遗。 小塞和米娅的第一次约会，也是音乐促成的。那时的米娅，正心不在焉地陪男友吃饭，突然，广播里传来初次与小塞相遇时的琴声，就像是一道闪电，刺破了所有防备，照亮本心。于是米娅抛下男友，一路微笑着奔跑，赴小塞的电影之约。 此后他们的爱情不断升温，在格里菲斯天文馆虚拟的星空下，失去重力，奋舞到银河边；在爵士酒吧里，小塞弹琴，米娅斗舞，High翻全场…… 直到影片的最后，那个既温暖又心碎的蒙太奇段落，更是将曾经流淌在他们爱情经验中的每一段旋律，全部以变调的形式，混剪到了这段幻想的爱情中，从而呈现出了一种浓缩又跌宕的生命质感。 应该说，如果没有歌舞，或是换成对白，这个爱情故事是不成立的。 因为在这部影片中，歌舞是先于爱情的动作，而爱情是藏在歌舞之后的心事。 这也就解释了，为什么单纯依靠理性，很难走进这部电影。 因为在音乐和舞蹈面前，很多事情是不需要理由的。比如“相爱”这件事，当小塞坐在钢琴前，一束追光打下来，手起手落间，碎梦般的琴声响起，那一刻，爱情就已经成立了，还要什么理由呢。 《爱乐之城》第二处打动我的地方，在于它娴熟的电影语言。 这要仰仗于导演达米安·沙泽勒对于影片节奏的非凡控制力。 他在上一部电影《爆裂鼓手》中，依靠“鼓点般的快速剪辑”来营造刺激的紧张感，并呈现出了自我实现与枯燥练习间无法调和的对立。 而到了《爱乐之城》，这个速度感却几乎不见了。印象中只有两个片段吧，一个是拍米娅在咖啡馆打零工时，用三个短镜头的衔接，迅速交代了她的日常工作；另一个是拍小塞在家练习弹奏，也是三个短镜头，分别给了唱片、咖啡、琴键，交代了环境。 从这两个片段里面，还能隐约看出，这是属于《爆裂鼓手》的。 但其余的部分，完全没有了《爆裂鼓手》的压迫感，取而代之的是舒缓、从容、优雅的长镜头，这一份颠覆自我的勇气，让我非常惊喜。
此外，片中的大部分歌舞段落，都是用一个完整镜头呈现的。 看的时候我就在想，这也太难为这些非音乐专业出身的演员了。 因为在长镜头里，你根本没有找舞替或掩盖失误的机会，完全得靠演员自己，一招一式都马虎不得。 不过，最终的效果还是很不错的，高司令和石头姐在唱跳方面都完成得很好。
另外，在电影语言方面，还有一点让我很兴奋的，就是：单纯用镜头讲故事，回归到电影语言的本质。 影片中，我最喜欢的三场戏，都是完全依靠镜头来铺陈的，没有多余的对白，没有过分的情绪渲染，但却异常精彩。 第一场戏，是两位主角的相遇。 记得塔可夫斯基曾经说过： “如果忽略了为相遇所做的准备，那么相遇将是苍白的。” 在相遇之前，米娅和小塞的处境都很糟糕。 他们是两个失落的追梦人：米娅是个渴望被认可的演员，却在试镜中屡战屡败；而小塞则为古典爵士乐痴狂，但无奈爵士乐已近消亡。 影片采用双线叙事的方法，从这两位主角的视角，分别逼近这次相遇。 最终两条线汇聚在了一点，酒吧里，被琴声吸引的米娅，见到了沉醉于演奏的小塞。
接下来的那个镜头棒极了：小塞在食客嘈杂的酒吧里弹奏，没有人在乎音乐，但从米娅的眼神看过去，人群暗了，噪音消失，一束光从头顶洒下来，灼灼地落在小塞的侧脸上。 只这一个镜头，就表明了他们之间爱的缘起：作为一个活在别人眼光里的演员，米娅被眼前这个目空一切、宠辱不惊的男人，彻底吸引了。 她仿佛看到了一个精神偶像般的存在：有梦的人，无需喝彩，便自带光芒。 而一个人最糟糕的时刻，在另一个人眼中却熠熠生辉。还有比这更浪漫的邂逅吗？ 第二场戏，是在演唱会的现场。 为了现实生存，小塞加入了一只流行乐队，开始了无休止地巡回演出。 而在演唱会的这场戏里，导演单纯运用镜头的语言，为我们呈现了一场无声的争吵： 一开场，舞台上一束追光打下，小塞独自弹着钢琴，那一幕，就像是米娅和小塞初遇时的场景，一切还完好如初。
可突然间，镜头拉到远景，全场的灯光亮起，流行乐的节奏点燃了现场。 之后镜头马上给到了人群中的米娅，只见她诧异地看着享受其中的小塞，眼神变得陌生。
她看着这个曾经执着于爵士梦的男人，如今却在欢呼的人群中，迷失了自己。 而此刻全场的灯光，又与她内心只投射给这个男人的那束光，形成了鲜明的对照：虽然现场灯光无数，但在米娅心里的那束光，却正在暗淡。 在下一个镜头里，米娅被欢呼的人群不断地向后推，她的身体在一点点远离着小塞，而比身体更远的，却是心里。
此后，屏幕“啪”的一黑，一切戛然而止，当再次亮起时，已转场进入“秋”的段落。 这段镜头语言，真是精彩！ 第三场戏，是一段平行剪辑。 导演将两组同时发生的镜头，混剪在了一起：一边是米娅在观众寥寥的舞台上，演着独角戏；一边是小塞在摄影师的要求下，做着配合的表情。 无需说明，其义自现：那一刻，两个人实际上完成了一次身份的换位。 曾经懦弱的人，站上了舞台，哪怕没人喝彩；曾经勇敢的人，跌下神坛，为了别人的喝彩。
这种视觉上的对位，绕过了语言逻辑和大脑反应，直指人心最软弱的部分。 而它背后预示的裂痕，更是一种难以痊愈的隐痛。 这三场我最喜欢的戏，恰好又穿起了小塞和米娅的感情线索。 这不是个逼迫男女主角在爱情与梦想间作出选择的故事，相反，他们的爱情和梦想，是一体的。 当梦想失落时，爱情也就不可能存续了。
这就是我喜欢《爱乐之城》的原因。 它是一部以歌舞来推动叙事的歌舞片，更是一部依靠镜头语言来讲故事的电影，它让我看到了属于电影的独特魅力，更让我回想起，当初自己爱上电影时的那份激动。 而它的故事，又是这样简单。在现实中无法完成的爱情，那么就造一场梦，让它实现。 这，不就是电影的意义吗？  8.3分(豆瓣) 爱乐之城 2016-08-31(威尼斯电影节)/2016-12-25(美国)/2017-02-14(中国大陆) 128分钟 剧情/爱情/歌舞 （我们真的不卖票） |
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