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续答疑集2（注意：3并不是第3次更新的意思，在2中仍有部分新的更新，只不过因为文章篇幅的2万字限制，而把装不下的内容放在了3中。） Scott：你好， Craig，我超级喜欢你的视频，里头有很多有用的信息！而且，我也很高兴能了解你对美术的看法。 我想给您提出几个问题，虽然它们可能会比你视频里提起的内容更涉及技巧的方面。 您作为网站头图的那张画（就是国王骑大象和他身后的军队的那一张）非常震撼！您能否谈一谈您对色调和饱和度关系在光影运用中的看法呢？我个人也有了几年的绘画经历，而我的作品，特别是缺少参考的那些，阴影总是看着脏或者奇怪。您笔下的阴影总是颇有活力，但我如今所接受到的信息是有矛盾的。 对此有任何帮助我都会非常感激。我过几天后保证我一定会问一些直接涉及到您视频内容的问题。 CM：斯科特（Scott），请放上一张你认为有问题的作品。 不然我所说的一切都也许会很抽象。 对光影的一个看法：众多的美术基础课程都会用1-2-3（黑白灰）的方法来教明暗关系。明确的分开亮部和暗部，不要弄混。这是一个不错的起始点，但我觉得不能止步于此。不能死板的认为这是唯一有效的方式。 如果不这样区分你的明暗很多人便会说看不出效果。开玩笑！看看HDR图像，出不出效果？当然出！ 也许对此比较正确的看待方式是仍然保持明暗的区分，但暗部只限于环境光遮蔽的部分。这是对成品很有效的方式，但对草稿来说就不那么有效了。草稿经常会需要更整体，更简洁的对比。 但这已经超出我们所谈的话题了。发一张作品上来，然后我会对此作出评论。 Scott：感谢您的回复。以下是一张我认为阴影画脏了的图。我并不确定是不是明暗关系出了错误，也许确实是这样，但更主要的问题是光影中调子和饱和度的关系。比起自己乱分析我更想听您的专业见解。 如果有别的建议我也很乐意接受！
举一个例子吧，看看你画的巴伐利亚城堡速写。 与其在上头继续添加更多细节，不如看看能不能把现有内容的质量提高一些？ 我说的并不是更高程度地临摹相片。 你能否用投影来表现结构？是不是靠近你的墙壁的明暗关系要比背景的炮塔强？ 你可不可以减去前景的对比来加强空间感？ 你能不能把建筑中暗部的一些形状合并，简化，从而让它们看着更有趣？把暗部统一的话观众会看得更清楚。什么区域应该是最鲜明的？ 哪个边缘是你试图描述的形体中最有表现力的？ 更加强调对比！暗部在哪里，其中的不同色调怎么办？ 这些东西不会真正在照片里出现，但在你的作品中是不可少的。 Q：我想问，您有没有打算把插画中抽象/有趣的规律在这张画上继续运用 （把这张图从“草图”变成“无暇的完成品”）。我所说的抽象就是您讲对比时所提到的。 每当我做完起始步骤后，我发现我总是会回到“以物体为主”的思维方式，然后一个个死抠这些物品。 您能谈谈怎么在完成作品中保持简单抽象所带来的趣味和新奇感呢（当我们深入形体，光影等等的时候）？ A：这有可能会有难度，是你必须试图刻意去改的习惯。如果你在听音乐的话可能会更容易掉进这个陷阱。意识到你在干什么，然后停下来！放慢速度，然后再改掉这个习惯。我认为你所说的问题可以拿黑头发落在黑衣服上作为例子。 你的脑子告诉你那是两个物体，但也许你把它们合成一个物体也并不会失去什么。一般你所说的问题是描述多余的边缘，或者让已有的显得太过突出。 Q：萨金特提起过描述事物的外表（我知道您表示他说的很随便）。比起死抠一样样单体的物品，写生时全面性的观察，正确表现基本形体之间的关系才是比较合理的。 您认为创作的时候也可以这样吗？ A：可以，但是会花很长时间。 你之前提到的一样样物品分开抠的问题，在创作时一开始会很难解决。 不过我也说过，尽量画出你能看见的东西。比如，人体中有很多很重要的标志性部位，但并不是所有时候都能看得见。如果在必要时添加了它们，这将会在形体和其它空间关系的表现上加分。 然而我目前在某些意义上反驳了我刚才说的话--去掉一些边缘的同时，却加上其他照片上都看不到的。 花时间的便是学会理解这些差异。如果写生的话，将会加快对这方面的理解。 Q：我猜想您网站的头图是商业作品，是吗？ A：是的。 Q：如果有3D建模，您会自己做一个，还是已经有准备现成的？ A：我自己做了一个非常简单的模型，大概每个模型20个面。 Q：您完成这幅作品花了多长时间？ A：这个不好说，因为我当时同时在画多个作品，所以我猜大概花费了一整个星期。 Q：我们能否欣赏一下原图？ A：我不认为客户会同意这件事。他们可是不想有盗图事件发生呢的，因为确实发生过！ Q：我看到您的笔刷有混色设置。您是怎么运用它的呢？哪些笔刷最实用，对画什么内容最适合呢（Photoshop的帮助菜单看得我眼花缭乱）？ A：我偶尔会拿它们用来增添特效，比如火焰，或者快速的加深对比度。其实笔刷只是为了方便。 Q：您真的晚上九点开始作业，然后明早六点完成吗？ A：是的。 Q：您认为商业作品画着有意思吗？ A：有些时候。 Q：您能说说您最近的几年内都画了什么作品吗？有没有您觉得特别有趣，或者觉得特别磨人的呢？ A：这个我觉得不说出来比较好，毕竟怕说了后伤感情。 Q：那么能不能看一看您最近都在画什么呢？ A：说不定我哪天就在我的网站goodbrush上更新了呢，嗯， 说不定。 Q：您的原创手绘作品什么时候会重新出售？ A：我在一个半年前卖出去了几张，因为当时CG业界情况不太景气。 但那之后商业机会重新蜂拥了过来，所以我后来就没时间关心手绘了。 我并不认为我手绘画得很好，所以卖的时候心里比较纠结。 我感觉我确实没有把足够的经历投入在传统手绘上，所以那方面的技术并不专业。我当时好像在Ebay上卖了三张？ 最后一张的买家买了后竟然摧毁了那幅画，而且出于某种原因告知了我。（变态）这件事并没有让我之后对手绘抱有什么热情了。 Q： 您推荐什么您比较喜欢的读物（小说/纪实）？ A：我非常中意杰姆斯.米切纳的夏威夷，特别是序言中描述岛屿的那一段。我一般会读我感兴趣的纪实类作品。热带农业是我的一大爱好。 Q：您有没有打算公开您在梦工厂的作品？我们对此很有兴趣。 A：我很久以前给他们做了一些东西，但都是比较原始的玩意儿。 Q：您是怎么投身于影片方面的工作呢？比如从动画到游戏等等。 A：我其实并不是很对影片那方面感兴趣。 我并不在体制内（不在工会组织里，属于私人接包商），而且我每次为了影片做作品都会变成一种灾难。对我来说游戏更适合我。 Q：我认为您两次进入Art Center学校是很厉害的一件事，分别为了工业设计和插画。您是怎么挺过来的？那个过渡容易吗？ A：并不容易，我当时感觉我的作品中很难去掉工业设计的感觉。我当时被老师和插画师都冷嘲热讽过。 Q：根据您网站上“绘画技法”的部分，您在不久的将来会不会放出关于绘画的综合性文章呢？ A：并没有这个打算。外面的世界里已经有太多这方面的优秀信息了，而且还能免费、随意地得到。我实在是想不出我还能在如此庞大的知识存库里面再添加什么了。我经常会认为我并没有任何资格去教导别人。 Q：是不是画背景的时候，您也会和画人物一样采用一个抽象性的方法？ A：是的，不如说我会把人物想成背景中的一个物体。 Q：您最喜欢吃什么？ A：印度餐和日本餐。 Q：您将来想怎样发展您的美术职业？目标是什么？（比如当老师之类的） A：其实我会愿意花五年时间完全把自己从美术隔离掉，然后去抽个彩票什么的。然后看看自己之后会怎么样。或许我会去尝试雕塑——夏福利特兄弟的雕塑预览超级酷的！ Q：您好，克莱格。 我认为任何作品都会有快和慢的部分，而且我认为速度和轻重之间的差异非常重要。但您是怎么做到让一幅画中必要的平静的部分看着不重复，不乏味呢？能请教一下您的笔触是如何在作画全过程中都显得很有新意呢？您是不是同时画好几副作品，从而达到这个效果的？ A：我认为你需要刻意的去在意这些事情。你需要狠下心去抹掉哪怕是特别大，完成度特别高的部分（如果认为它们变得碍事的话）。而且我还说过不要听音乐，不要被音乐催眠。这也是非常重要的。 Q：当你第一次准备对客户的要求下手开始做准备工作时，你的脑内会不会有特定的思维方式？有没有你留意到的思想规律？ A：我有时候一下就知道他们想要什么， 因为他们经常会引用其他电影，游戏之类的作品。但是，设计是一个很长的过程。你认为你从一开始就知道成品会是什么，但成品通常会是一些意想不到的惊喜。我个人喜欢在睡觉前在脑海里做构图。 Q：我理解您想从各种不同的渠道来提取灵感，比如科技，景观等-有没有您经常回去观赏的东西，比如一本书，一幅画之类的？ A：我经常会去看古典油画，这是我的最爱。 Hello Craig： 谢谢你参加这次活动分享你的心得！我不确定要怎么问这个问题^ ^。从三年前，我开始真正对艺术感兴趣，把我的想法具现化在纸上，这是条艰难但是有趣的路。我在大部分时候学习透视、人体，研究色彩和照片，……有的时候画原创看看我学到的东西，然后我又回去学那些我觉得我应该做得更好的部分。最近我开始在坐火车、坐公交、或者在学校的时候画周围的人。 但是我想知道，你在艺术领域的“第一步”是什么样的，和我的像吗还是完全不一样？我通过听其他艺术家讲他们的经历，他们的“道路”，获得了很多动力。希望你不介意。我也想知道能不能请你看看我的画，给我一些建议，什么建议都行。我觉得我一直在原地打转，没有进步。 你可以在这看到一些作品， (http:///index.html)， 如果你还想多看看，那你能看下这个画集就太好了，(http://www./forums/sho...d.php?t=108183) 也欢迎大家提出一些批评、建议、观点。我想我们都是来这学习的。 希望你不介意，谢谢建议！ Lino （以下是CM的回复） A：我想你已经有一个好的开始了。我说不了多少特别的。我觉得你需要多画，并且画得更精准。我说精准不是指要画更多细节。你图形概括得很好，但问问你自己怎么让他们更好、更有描述性、设计得更好、组织得更好、更清楚。再听一遍不同的演讲。多练。什么东西越简单，或者说你越概括它，它就要越精准，因为那就是一切！看看我网站上的萨金特笔记，他说到让头和躯干之间的关系精准地正确。在你所有的画里都用上这个想法。“松散的，简单的，艺术的”——它们并不代表不精准！ 下面是一些关于dvd的事情——这些dvd非常得贵（此处应该指的是CM给gnomon录制的视频DVD），如果换做是我，想去从别人手里买这些dvd的话，我会期待从里面得到巨多东西——至少得有人生的秘密，又或许是人们正缺少的，能让自己变得完美的东西……好像“买我的dvd就可以学到所有你需要的知识...”——我感觉我不能做到这些。关于绘画，有太多确凿可信的知识，它们是免费的，并且已经被重复到恶心的地步，令我觉得制作这个东西（dvd）根本就不能帮助到任何人。真的，我不觉得我有所谓的”魔法般的技巧”可以贩售。而如果这些技巧没有魔力的话，想必早就已经在外头流传许久了。 就算我有能力讲述从新手到大神——从握紧铅笔的尾端到获得illustration west 的金牌的过程，要说的东西依然太多了。何况，我再说一次，这些知识已经在外头流传许久了。我不是loomis的粉丝，但是在他那里有很多非常棒的知识。世界上有数不清杰出的绘画书籍。就算这个dvd是来自叫做gnomom的公司，那也不意味着什么。 我也做过相当多的讲座和演示，全都非常糟糕。我花了很多个小时在这上面，结果看起来很糟糕，所以我不知道我的dvd能做到多好。不过我决定再试一次——我想，这次会有点帮助吧。 Q：关于画小稿子（此处的小稿子指的是起步时并未拟好主题，而是经由随意摆放的笔触形成的一些形状，以得到具体可以画什么的灵感的小草稿），你有什么诀窍吗？ A：缩小一点画面再画，然后经常性地切换你的笔刷。不要重复同一个笔去画和去涂抹——任何『看起来像是各种形状的组合』都是由不同的笔触构成的。加减色法是一种很有用的方法（加色与减色，在PS的图层特效里基本被分为了两栏）。这对于制造有趣的形状是有帮助的——至少是随机和复杂的，于自然界中可见的形状也很有帮助。 （以下部分图片缺失） LOTOR，别期待别人一定要赞同你的个人审美或者来拍你马屁。 我知道这听起来有点残酷，但说这话不是想讲难听的而让你火大。我理解你的挫败感，但是了解主观现实是趟最美妙的旅程。 可能我作为一个传统的插画家这么说有点怪怪的，但这确实是我的真实想法。 顺道一提，此时此刻我正在看贴在墙上的康威尔的画儿，他真是个大神。 我认为，外轮廓才是难点，深入之前形要打准。形如标志，无论大小，它的形状先让人一目了然。在这个透视角度上，你把头和身体以及骨盆的躯块画得太平了没有结构关系。新手就先别急着把他们叠一块来画。你看，你画的左腿的影子恰恰落在另一条腿该在的位置上，这得让人多花好几倍力气去看清楚它到底是影子还是右腿啊。别觉得这些问题搁置就能在后面的细化过程中解决。如果这是插画，你的自我标准估计会更严格，除此之外，你要解决的是你的基础造型问题。试试更宽广的视角吧，可能对你有些帮助。 只要设计出彩，画得就不仅省力而且出色。 B.G，个人觉得你画里的颜色对比处理得非常漂亮，我在想，色彩变化是不是可以从压缩图片后的颜色中选取出来。这算提了个挺有趣的点子。画点啥，然后把它缩到100像素，然后再把它拉回原样那么大，这样一来就可以抛开分心的细节而看到自己的取色。光模糊的话，只能把边缘消掉而看不清楚取色。（好主意） 骑士这张我画得很快，也就三十分钟吧。笔触节奏对动势的把握是很有帮助的。你在评论里提到了骑士的脚，我觉得提到这个挺有意思的,J，因为我画的是考虑到他的右脚腓肠肌受伤了所以让他的右脚搁在地上。他的脚应该是处于紧张状态的。你试试跪在地上然后保持你的脚掌贴地的姿势，矮油疼死了。。我想他应该是一边保持着那种预备——瞄准——射击的姿势一边盯着落下的恶龙。 这张画我没找参考，所以画的时候有些差错而且构思不够充分。 我喜欢你思考的方式。我也觉得漫威式套路已经有点过时了。 总体来说我觉得有点奇怪的一点就是龙的大小分割。你想让它在画面里占更多面积么？可是角色和地面的关系处理得不够张力，两个角色之间空间留得太多了啊。在速涂里，我试着在周围加一些次要的趣味因素，它们并不太重要。画到最后的时候加点让人能思考的东西。 但是鉴于我同意Rinaldo的想法，所以不接受这条建议也可。 我画图的过程中享受的是考虑如何让画面变得有趣，或者从更广点的方面说，是考虑什么才能让画面变得有趣。怎样另辟蹊径去解决这种“漫威套路”已然解决了的问题。 我理解个人基本功限制了脑洞是多么纠结，但是你现在要纠结的不该是这个。所以呢，现阶段还是顺着漫威套路来吧，但是用的时候要去思考，为什么这个套路奏效，而不是死用而让自己以后被这个套路给限制住了。 或许摆这种姿势会更有张力。随便拿个扫帚棍去浴室的等身镜前观察自己的姿势吧。记得要把门关好啊哈哈哈。看到自己躯干向前的倾斜角度没有？腿是分开的，膝盖是弯曲的。 此刻我正在看着Fred的达斯魔，画里沙漠的光线也略有趣。记得有人跟我说过，因为没有颜色，正午直射的阳光是索然无味的。可我个人倒是有点喜欢，正午阳光这种强力的填充感对绘画来说还是蛮有帮助的。 关于背景，我对你的唯一建议就是多找点背光尘埃的图片看看。太阳光只要够强烈，就会穿透尘埃，非常美丽，会在你画的物体上投下一些微妙的影子。 这是个展示照片、绘画与肉眼之间区别的好例子。 假设这张图是真的而且你就站在那儿吧。 照片——要么就把背景曝光，让物体呈剪影状。要么就让物体适当受光而背景暗下去。这种胶片曝光宽容度简直恼人。看照片看多了，就让我们觉得照片呈现的就是我们看到的原景，然而并不是这样。 肉眼——人眼能正确曝光整个场景。你能看得清亮面与暗面上的各种色彩与光线。绝对不会出现全黑的地方。 这就是日常写生至少是偶尔写生为什么如此重要的原因了。画写生是画自己看到的东西，而不是照片展现出的死的画面。如果你非要照着一张照片画，也行，但是你要知道自己干嘛要这么画，这么画的原因和目的在哪，然后你就会控制自己的绘画意图，而不是单纯的“不为嘛，我就得按照片这么画”。 所以，我觉得我想表达的是，处理黑色剪影的时候一定要小心小心，如果你更加认真考量，你可以加入比自己想象得更多的颜色和图形对比。如果你觉得我讲得太虚太宽泛不大理解，我乐意做个草图范画。 哇哦，这些图都很棒。。我能假设他们不是当代作品么。。惊讶的是我居然未曾耳闻。这幅画颇具Henrich Kley的神韵。。线用得比我好多了，佩服佩服。Manchess是当代的？看起来像Fixler-esque。。（扯淡内容= =。。） 这张图是受到了sparth先生的启发画的。Photoshop 8感觉变得很不一样，现在用的还不太好…… Q：我有个一直想问但是一直忘记问的问题：你的作品绝对是属于传统插画的，它们就像是可以用眼睛看到的故事。但我在想你为什么总是和你绘画的主体保持一定距离。就是说，我几乎来从没有看到过你刻画清晰可见的人物表情 (喜怒哀乐，沉思等等)。也许这是因为你最近着迷于捕捉人物的整体形状，因此你试着完全用肢体语言去表达人物的感情？或者是我过分关注人物的脸部了。 （网友询问CM为何比较少见他深入刻画面部表情。） A：不过说真的，我认为我现在还没有能力那样做（完全用肢体语言表达人物感情）。我很高兴我能通过手势、形态和动作来传达一幅作品的信息，这是一个需要学习的巨大领域。另外，也可能是因为我受到了很好的教育的地方是工业设计，而不是插画。那个不幸的插画项目在我进去的时候就已经在走下坡路了。我上过一个头部绘画班，是的，只有一个。那段时间应该持续了两个学期。我确实有一些非常优秀的老师，但都和我走得不近。所以我一直自己试着把剩下的课程串联起来。 但我也确实很喜欢画处于环境中的人物。如果你画了一个头，那他就成了主体。但你提出了一个很好的问题。我看到过周围很多非常非常好的作品，它们刻画了人物造型、头部塑造、表情、还有环境。我想还有一点是因为我很喜欢快速出稿，而做一个非常完善的东西就像十月怀胎然后分娩。此外，我也似乎很容易在完成构图和草图后就丧失了兴趣。如果我能在给定的时间里作出更多的图，那么剩下的时间就是坐着默默挑选更合适的。以及，你已经花了那么多时间，要是它还是很烂，怎么办？啊！还有摄影啊模特啊，也是我不想去面对的事情。 Q：我好喜欢这个作品，明度使用的恰如其分！我知道背景的对比度比较低，但也会涉及亮度的变化吗？你是一开始作画就使用低对比度还是你会使用明度/对比度工具进行调节？再赞一下，很棒的作品！（下图） 这就是我画它的原因。就对比而言，这是一个有趣的问题。脑残客户有时会要求把所有的大气透视放置在一个独立的图层。OK啊，那那个两英里外门口的阴影处就应该是黑色的？根本不可能这样干。记住了：客户都是原本能比你做得好得多，但因为现在得去干真正要紧的事，所以才只能让你来画（讽刺）。恳请他们高抬贵手吧，不过话说回来他们现在又有了一些专家头衔，『嗯，这二缺插画师是画了这东西，但我一调色彩平衡，就棒呆啦！要是没有我对图像审美的牛逼天赋，我们都不知道他们会做出些什么？』Photoshop的附加产品之一就是让艺术总监能够糟蹋一件艺术作品。永远不要习惯这种方式。他们千篇一律地要求加大对比度，去掉背景，或者让你画一个逆光举着电锯的人物，等等。 而且记住，画蓝色的，亮闪闪的东西总没错。（开玩笑地吐槽） 所以我特别重视好客户，而且好客户其实很多。不好的“通常”是例外。 解决的方法就是在绘画的时候绘制一定量的大气环境，然后在顶部加一些滤镜，这样之后就能多次尝试。 所以关于你问题的答案就是，你看到的我的画里大部分都是所见即所得，再加上后期的些微调整。（大部分大气透视的对比减弱感是直接画出来的，后期微调） 比如对于我的奶奶来说，Thomas Kincade（美国职业画家，擅长风景画）在她眼中就比Michelangelo（米开朗基罗）还要优秀。她在看Thomas Kincade的作品时表现出的艺术审美和一个高水平的画家欣赏Rothko（美国抽象派画家）的作品时的表现都有的一拼。 艺术是一种人为的产物；本质上没有类别之分，类别或流派都是由人们自己主观定义的。 你可能会说“但是大哥啊，你的作品就很学院派啊，而且看起来有欧洲学院派传统的底子的说。。。”是的确实是这样，但是，我可以保证我的审美无论如何都是基于客观标准的。这一点也是我很看重和欣赏的。我觉得有很多人会认定某种艺术形式很优秀，然后就会一直画这种形式的东西，因为他们觉得“这才是正确的路线”。 那哪个更好呢？东方艺术还是西方艺术呢？我觉得这种问题想都不该想。 难道艺术就一定要被精确的衡量、比较、量化的定义吗？我认为艺术是人类文化的体现，你仔细想想就会明白这样做没有任何意义。 你可以说这个好啊那个不好啊，这没问题，但是你要明白这只是你的个人看法，不代表别人也这么认为。不要因为自己的观点得不到别人认同，就觉得只有你才是对的别人都是没文化的村炮，只是人家可能一直认为XX才是最棒的。 但是，如果你一旦完全认同了某一派别的理论，好啦，和你们的理论有冲突的东西都是不好的，对吧？你就被束缚在条条框框里面了。看看Schiele（席勒）的作品，你能说它们不好吗？这些作品同样是欧洲学院派体系的东西，但是这些作品造型很夸张，席勒的性格很怪，他本来应该画那些所谓真实，美好的东西，所谓的真正的艺术是吧？我的天，看到了吧？一点点的门户之见都可能对艺术家造成不可估量的负面影响。这样做和那些通过给人洗脑来成就自己的事业的资产阶级政治艺术家有什么区别？恕我直言，这是艺术的灾难。 嗨Jason和Wayne~（大部分是给Wayne说的） 我想聊一聊“真正的艺术”这个话题。我是一个插画师，而且我从不怀疑自己的艺术品位或者普世价值观。我认为人们都是根据自己的喜好行事，于是就创造了一个由人类主宰一切的世界。人们最喜欢干的就是总结规律。根据自己的喜好总结然后得出结论‘奥~原来是这样的’，但是这种结论不适用于所有人。我觉得『绝对主义者』和『相对主义者』合不来，就是因为他们没法逼迫相对主义世界的人们崇拜他们。 我在学校的曾经时候上过Burne Hogarth（伯恩·霍加斯）的美术课，一周一次，从早上9点到下午4点。整整一早上听到的都是有关于艺术的无意义的废话，有些拗口的词汇他自己都搞不清。我有一次跟他说：要是我们全都认同你的理论那你就成了有史以来最伟大的艺术家了~他半开玩笑的说“我本来就是好吧!!”。 如果有人想像我一样成为插画师，虽然我总是大概提到一些基础概念——【素描】、明暗、色彩等等。但是你要清楚的是像生活中的其他事情一样，任何事情都有两面性。这种训练方法会逐渐影响你的思维方式，而且你很有可能永远都摆脱不了它。就像是温水煮青蛙一样，它会渐渐的渗入到你的骨子里。而且甚至自然主义艺术也有这种问题出现。如果你认为对于艺术而言概念的原创性是最重要的部分，就不要去学那些“基础理论”。如果你喜欢19世纪的艺术的话（就像我），基础理论多得你学也学不完。 但是要知道你只是接触到了艺术世界的冰山一角。我也只是初窥门径而且这已经让我很开心了。有很多醉心于艺术的人可能跟你有不同的理解，但是你不能说他们是错的，同样他们也不能说你是错的。 我们又扯回价值观了。哪种价值观更好？正义还是仁慈？自由还是秩序？独创性还是延续性？人们对于这些问题有着不同的理解，这很正常。你可能会说这些问题是有确切的答案的，然而并没有。 Pyle（此处应该指的是插画家Howard pyle）的理论是很好的，但是绝对不能算本质，它只适用于一种表现形式，如果觉得Pyle的理论就是艺术的本质的那真是太天真了。我只能说【素描】在插画这一狭隘的领域中确实算一个非常基础的概念，但是绘画的方法实在是太多了。表现造型的方法有很多种，如果要说自然艺术有什么基础理论可循的话，那就是各种表现造型的方法。比如说，明度理论体系已经非常完善了，可是在很多种插画风格中都没有明度的概念。Pike的作品是依靠形状来表达而非明暗。所以Wayne我觉得你过于信奉Pyles的理论，这样是很不好的。我看了你发的图，虽然你copy了他的作品，但是你依旧没有真正理解他的理论。 如果你给插画一个更宽泛的定义的话，那就是“用视觉形式表达想法”。有很多种表达的方法甚至是Pyle做梦都想不到的。看看六七十年代的插画期刊，他们为了表达感受和想法尝试了很多种方法。这才是你真正应该考虑的问题，不要局限于某一种表达方式。 虽然我之前提到过，但是我还是要问，你怎么看待东方艺术呢？一种原始的随意的涂鸦吗？还是一种你根本不理解的思维方式呢？假如你的观点是对的——任何艺术形式都是基于相同的基础理论，那东西方的艺术形式就不会这样截然不同。 还有一点，你不是在用你的眼睛观察，你是在用你的大脑观察。不掺杂个人理解的话，映射在你视网膜上的形状本身是没有任何意义可言的。 1. 6b铅笔有点粗，所以不适合画尺寸比较小的画，会留下6b铅笔难以细化的那种颗粒状的纹理。以后画这种小草稿的时候试试用2b铅笔在复印纸上面画。 2.虽然我还没怎么看，但是Betty Edwards的书非常好，我强烈推荐。 3.这种方法我已经建议过很多次了，而且早期对我自己也帮助很大——模仿大师的作品。我在多佛买了一本萨金特的肖像画的书还有一些不同硬度的炭笔，然后尝试去尽可能准确地模仿大师的作品。不要试图掺杂自己的想法，也不要只是粗略的模仿，而是要画的像一副完美的赝品一样。一定要完全一致。这样你就会开始慢慢理解为什么大师要这样画。我现在有时候还会做这种练习，如果你想理解大师的思维方式，这是最好的办法。 额。。假如你说的是对的的话，那我们还在这讨论什么呢？你干脆直接把别人打一顿，告诉他你说的才是真理好了？这真的会让我很郁闷。 我认为在个人喜好这个问题上我们都会有这样的错觉——“只有这个才是对的”。和其他人一样，我也总是觉得我是对的，但是只有我一个人是正确的这种情况几乎没有发生过。很多人就是不愿意接受这个事实。 当然我也有很多自己的看法，但是我能控制住自己客观的看待它们。因为我的认知和经验是有局限性的，所以在个人喜好啊、品味啊、艺术之类的这种问题上是没办法给出一个确切的答案的。有一次有一只虫子被我的车窗撞得稀碎，然后我用抽象的审美去观察它，真的特别的好看。 我认为一个艺术家应该养成从平凡中寻找美感的习惯。循规蹈矩会严重阻碍你的提高。 举个例子~有一天我在铲鸡屎的时候突然发现，鸡屎看起来很像土壤。我随即陷入了沉思：粪便只是部分腐烂的有机物，这是一些原本有生命的东西死了之后变成了一种由基本元素以一种更简单的形式组成的东西。土壤也是如此（确切地说，土壤当中还含有一些含量不同的无机矿物元素）。但是从某种角度来讲——土壤和粪便其实是同一种东西。土壤的气味经过很长时间已经消散了所以没有难闻的味道（与粪便相比土壤只是经过了更长时间的分解的过程），但是它们本质上还是一样的。我极目远眺望着延绵起伏的大地，突然意识到我们就生活在一个表面覆盖着一层粪便的巨大的球体之上。看到这有些人可能会觉得这个说法很恶心。如果你坚信高贵的神创论这种观点，这么说可能是一种亵渎。但是对我来说，我把这种看法当作对于生命存在之类的问题的一种理解。所以我改变了我对shit的看法，我再也不会说“ I don’t give a shit”（“我不在乎”），因为它是我们赖以生存的一部分，人们愿意花钱来收购它，就像我也会购买鸡屎一样。 这让我想起，我今天在写生课上的时候发现模特就坐在那里，但是大家都在埋头看自己的画。我猜这可能是一种偶然情况，所以我出于好奇又观察了5分钟，发现大家仍旧一直埋头苦画，偶尔瞄模特一眼，然后继续自己画自己的。好像他们瞄模特一样只是为了确定是不是到了休息时间了。 在下笔之前一定要先观察模特然后认真思考。 色彩是有规律可循的，但是也有可能是只是随意的装饰性的添加。只要你明暗没有问题，色彩再错也不会错到哪里去。Ceenda（网友名），绿色的草就是一个很好的例子。观察真实的草，它确实是绿色的，但是其中含有非常多的变化，有些死掉的草会变成褐色（也不是准确的褐色，就是那种灰暗的橙红色）。我想你会渐渐发现这些映射到你眼中的明确的固有色是非常有价值的东西。还有，由于叶片是透明的，所以在强光下的背光叶片会透出一种鲜亮的黄绿色。叶片表面也是有一点反射率的，所以叶片会反射天光从而使叶片笼罩在一种好看的蓝调子里面。所以你多去考虑这种色彩形成的原因，而不是一味的把草画成绿色。
我猜如果你让你的客户看过这段之后就算把草画成紫色的他们也会买账。但是它还是看起来怪怪的。你可以这样练习——在保证明暗正确的情况下让你的颜色丰富起来，看看怎样会使颜色比较自然，怎样会让颜色看起来有些奇怪。然后观察你周围的环境中的颜色，好好分析这些颜色形成的原因，这样能有效的帮助你理解记忆。就像学解剖一样，要持之以恒的观察总结。 接下来我要讲一个大师级插画师的不传之秘，别告诉别人是我给你们说的。叫做“平行短轴排笔”——大部分形状都有一个长轴一个短轴，插画师的运笔方法就是这样平行短轴运笔。但是有的人这样画的时候就像抽风一样。萨金特不这样，但是他有自己的理解。（下图是我们负责的翻译者主动绘制的，致敬） 看看Remington的画 我说这些可能有点自以为是，而且可能确实对你并不适用，但是对我很有效果——别再看电视打游戏了，对我来说，不能再打高尔夫了。 我大概在五六年前重新制定了我的职业规划，因为我发现matte painting（遮罩绘画）这个行业可能会有大变动。我想学习多方面的技能，不但是为了更好找工作，我也想要挑战更多有新意的东西。但是我画人实在是画的不怎么好。所以就是这样，黑客帝国项目之后我就再也不画matte painting了。 去上Vilppus的课程，不要找借口！5年时间，每周都去，除非被人打断腿，要么一节课都不能少:) 找个好老师比找个好学校重要。 关于商业插画，我跟一位从纯艺转做商业插画的艺术家聊过。她说区别是显而易见的，这倒确实如此。学院派的东西没什么错，但是它会固化你的头脑，而且是在你不太知情的情况下。恩，就像温水煮青蛙。我本人是工业设计出身，你不知道我花了多少年才摆脱那些臭毛病。现在我搞商业插画，这方向不太会变了，我个人感觉还好。 我知道你受到学院派教育体系的影响，人们会无视学院派体系中死气沉沉无趣的方方面面。所以尽管对我的观点持保留态度。我跟无极黑的Jason Manley 专门聊过。他觉得学院派的训练应该建立在基础训练之上， 我认同这个看法。 每个人都知道二头肌从三角肌的下方插入，学习知识是一种手段而不是目的，也许你知晓一些规律的目的正是希望打破这些规律，但我目前只能通过这种方式来画出它，这可能是我自己存在的局限性或是学术训练的结果。我很佩服其它人能做到这一点，并使其发挥作用。 但是我却做不到。 我对自己说，不要以绘景matte art（MP遮景绘画）作为主要维生手段，现在绘景工作3D手法占到越来越多的比重。这也是我为什么会跑来sijun画了这么多速写并同时也在有意识的接触商业美术的其他领域。尽量扩宽自己的领域，你很难预料到你需要做的工作是什么。情况也是一直在变化。也许某一天由于时间的因素，你会大量的使用照片素材，要知道---最后镜头出来的效果才是最重要的，而不是某人的绘画能力。3D场景中的天空并没有现实中那么远。而从事数字绘景方面的工作让你成为一个很好的画面组织者。或者你会负责远景或背景中一部分又一部分的绘制工作，或者在模型贴图上画肌理。 这行里最有趣最长久的角色我个人觉得还是概念设计师。只不过你不得不跟那些自认为自己也是设计师的土老帽客户搅在一起。我的性格是：找个地方藏起来投降说你赢了，我改。但这样是不对的。你得有能力说服你的客户。 抓型：试着在你的画作和模特对象之间来回极快速的切换目光。你肯定会发现不对的地方。 去想想视觉感受最基本成因。心中带着形状和明暗的概念去再观察。边缘和色彩？都统统靠边站吧。形状和明暗，视觉盛宴里他们的戏份占90%。 当你外出办事空闲的时候，比如排队看大夫的时候，试着做这个练习。找房间的一角盯着看十分钟，期间试着分析下视觉产生的那些因素。想象下，如果没有任何光，肯定是一片漆黑。那么是哪些光源使你看到了你所看到的景象？有几个光源？把他们找出来。是点光源还是散射光？是偏冷还是偏暖？他们之间的相对强弱，等等。并且试着合理地解释每个形状和明暗产生的原理。别放弃。。。。直到你可以做得到这些。（天哪我几年前做了这件事很长一段时间） 然后你回家后默写白天分析过的场景。坚持做这个练习一段时间，你会发现你的视觉记忆能力提高了。我的一位老师当时就提倡这种练习，他的课我只能勉强及格，相当不好对付的家伙。 这就像在头脑中构建一个调子。像HSB色彩模型一样。理性的从明度，色相，饱和度来确定调子。如果你最终想自如的实现脑中想法，这一步是必不可少的。 如果你看过Frazetta（弗雷泽塔：著名插画家）的书你就会知道被委托任务（可以理解为接外包）是一种怎样的体验以及他处在怎样的境地之中。实际上，你很难找到很多对你胃口的工作，一个客户也许会来问你：“Mr.Frazetta，我们真的很喜欢这种残忍的野蛮人形象，但是他能把这个洗发水瓶子举高一点儿，笑得更开心一些吗？让身体动起来，然后再多说一句，这些女孩们则要表现出蓝色的比绿色的更好……”Mr.Frazetta 非常努力地试图满足这些要求，但是他很想知道为什么这幅画看起来这么的……糟糕。然而客户经常就是喜欢这样的！ 这里有个小建议，当你进行生活创作或者涂鸦时，不要只画一个孤立的形体，在这个形体的周围构造一个空间，使其形成一个多元化的整体而不是一些随意摆放的头和躯干。当你画了成千上万个形体之后，你会发现你所完成的就是艺术品。这种技能是通过不断练习而掌握的，在任何领域都一样。 另一个方法是在这个形体的周围画上其他形体和物体，尝试一下如何把它们整合得更好，或者你可以一次整合一部分，这需要你进行实验。 这些问题里所提到的『出名』究竟是什么？它是怎样、何时发生的？我只知道数码插画这个领域里的情况。一个优秀的数码插画师听起来其实就和一个『非常优秀』的过气色情明星一样——脱离这个圈子来说，谁管你是谁？实际上在主流插画行业中，数码插画是会遭到很多质疑的，所以说，不要太关注这些。 广告行业并不是一个彰显个人风格的渠道。我被雇来了解客户的想法（我越来越精通此道啦（黑色括号里是CM自己的注解……）），并且做一些他们想做但是没时间自己做的事情。这就是现实。关键一点就在于，尽管没人关心没人理解，我们为什么还要做大量的工作来提升自己的技术水平。其实这种观点不太正确，我们的技艺越娴熟，在工作中就越游刃有余，并且越能灵活解决客户的难题。如果绘画风格有些特点那就更好了，这会让事情变得更加容易，因为客户会对你的作品有个相对明确的期待，我是说，你的工作会变得容易许多。 对于一个黑色背景来说，你可以使用任何颜色去丰富它。而我经常使用的是紫色的阴影和粉红色的体块。 你的建议是对选择客户挑剔一些，这点我同意。 我曾经和Bungie Software（一个公司）合作过很长一段时间。那时候我在一个小领域里很出名。Marathon Heads 知道 CM的画是什么样的。因为这样，Bungie从没限制过我的工作。他们只是让我去画，然后告诉我“又有新的来了！”这有些像一种品牌的操作模式。有趣的是，我刚刚好每月画一副游戏光晕2的封面。后来EGM（电子游戏月刊）开始要求Bungie换一种风格的插画。对于他们来说，重要的是我画的是什么而不是我叫什么。 我完全同意Joachim所说的话。如果我想把自己包装成一个品牌，我需要多干一些能够提升ID知名度的工作，这在某些把作者当成卖点的领域比较容易达成，譬如漫画这类的。我很想知道像Mead和Frazetta这类的艺术家是不是也会用其他笔名做一些别的领域的工作。 我经常想象如果刨除生存问题，我的工作会是什么样子。我起初喜欢的是Hudson river school, klimt,mucha, sargent（哈德逊河派，克里姆特，穆夏，萨金特——一些画家和流派）。插画并不是我的兴趣所在。但是我不可能像玩游戏一样重新开始，然后说这才是我的生活。 然而另外一方面，更有趣的问题是为什么你现在不去做你想做的事情呢？就像弯曲一棵小树，许多年的插画生涯已经深深影响了我的大脑。你已经不可能把这棵树恢复成它“最初”的样子了。这段弯曲会成为这棵树本身不可分割的一部分。 插画工作的协作性是很吸引我的。你不能仅凭自己『天马行空的想象』去解决一个问题。这种协同工作的情境促使你去成长。一个艺术家会根据自身情况有选择的工作，这本身看起来没什么问题，但是我认为他们最终会因为自身的局限性而停滞不前。我曾经听说过家庭会促使你成为一个真正的人，因为你无法选择他们，因此你只能去适应他们——这个道理是一样的。 我同意你的看法，就像我说的，我们在这个大环境下，甚至在艺术领域里，都是微不足道的。你看你曾经把所有的时间精力都投入到你在工作室的工作中去了，你知道，你可以选择用每天8小时的工作把东西揣进别人的兜里或者把东西揣进自己的兜里（我指的并不只是金钱）。自由职业是朝着自由方向努力的重要一步。我曾经非常小心地避免任何承诺约束到我自己的选择。我知道很多人把毕业后挖到的第一桶金换了一辆保时捷。然后他们不得不为了报酬而工作，然后你也许有了个可爱的姑娘和一份抵押贷款，你不得不维持一份稳定的收入来偿还你的账单。这对一个普通的工作室员工来说就是现在和未来的样子。我们很难脱离这样的困难，只有一些人成功了。看看那些不断冒出的小商店能存活多久你就知道了。 所以这个话题对我来说，就是你要做什么去提高你的财务自由的能力的问题。版权、雇佣条款、行业惯例，都是谈判里重要的东西，你不得不去做你自己的律师，因为和你交涉的那些人会凭着自己的喜好来攻击你。我不觉得这是自我意识过剩的产物。一次可以，但是太过频繁就不能接受了。你完全可以进行交涉。然而由于我并不是一个很好的交涉者，有专人来为我处理这些事情。一个迪士尼的律师要来找我喝早茶（交涉），他们一次又一次地用傲慢艺术家的方式来对待我。别太在意，他们只是在虚张声势，大多数情况下，胜利者会是你。如果你不屈服，客人就会对你的工作水平更在意。我曾经有过一些客户拒绝和我一起工作，就因为我表达了我自己的想法。你需要用价格和条款来吓跑20%左右的客户。然后你就差不多实现自己的正确定位了。当然，前提是有充裕的工作找上你，不然我们还是要回到市场或者之后的品牌化的问题上来。 但是要像Thomas Kincaid（一位风景画家）那样（经营100多个美术馆）的话，我会吐血的。相对来说，我更喜欢经营一家便利店。但是，这是我的一个缺点，也许我所骄傲的正是你所鄙视的。所以，我要克服这些问题。你也一样。 我希望这听起来不会像是我有优越感或是其他东西，我知道你很专业并且经验丰富，所以，如果你已经知道这些了，就原谅我吧。 Aliasmoze，我从没觉得我现在或者我的潜能可以和那些老兄相比。我不是那类的，我也不会成为那类的。更何况，我喜欢的图画风格有明显的倾向性。我猜Frazetta也是这样的，但是他的传奇之处就在于他创造了一种广为流传的新流派。当然，Rockwell比Frazetta出名的多，但是他的主题和风格都是为了迎合大众而进行设计的。 哦，忘了光晕的事吧。那是在非常紧迫的情况下完成的，大概只用了一个周末的时间。这个镜头是Bungie的选择，我还是有点儿喜欢它的。我的客户EGM认为主体与背景太过粘连了，并不倾向于使用这个方案。其实我自己更喜欢这两者（主体与背景）的松散组合。
基础讲师是谁？他们能够自己创作自己教书吗？你喜欢这种职业吗？它是深思熟虑过的还是只是一些想法？你喜欢完成这些工作吗？这些计划灵活吗？你能为了你感兴趣的领域付出努力吗？（这是一把双刃剑，你喜欢的东西可能会改变，你可能不得不去学习大量的课程） 尽可能和最近毕业的毕业生们谈谈。去获取学校的联系方式。奖学金？现在AC（一所院校）好像是一万美元一学期。 我会考虑Fred Fixler这类的学校，你可以把它们作为补充。它们很棒，但是你需要比他们能够提供给你的更广泛的基础知识。就我所知，ACCD的建模好评率比普通工作室要高很多。你可以考虑上一些ID课程。如果在最后的几年你有选修课，可以把所有的基础绘图课重修一遍。 我也非常喜欢你画的森林，oDD。比这张更好的作品需要慢慢来制作，参考图在这里。oDD的森林激发了我的灵感。光线扩散并穿过树叶。树木就像上部带有巨大球体的圆柱（笔触柔和），并且影子非常微妙。 树干是以暗色的垂直面表现的（这里的桉树有各种变化，看起来就像烧焦过一样）。他们正好在叶片组成的球体下面。这使他们的颜色和地面比起来非常暗。我试着让这种效果显得更夸张一些。 我有两个显示屏，并排放着，以及一个6*9的wacom手绘板。因为wacom连接这两个显示屏，这导致了一个事实，那就是我其实是在一个4.25英寸宽的平板上作画，而且屏幕的长宽比过于扭曲。平板上的一英寸的横长在显示屏上要长于其纵长。我一直没有注意到这点，直到我突然转到另一台机器上工作，因为没有调整期，我感觉我就像是错戴了其他人的眼镜，你可以想象得到。 <有人进入了artcenter，就此事cm发表了自己的见解> 关于艺术中心... 恭喜你！你永远不知道将来会发生什么。许多人去了那里，毕业，然后找了一份和艺术无关的工作。我有个老师这样总结道：“你的成功和你的绘画能力成正比。”那些画得不太好的人，我认为，其水平没有超过基础素描课程，于是就只好说绘画对他们的艺术不那么重要。他们中很多人最终转职了，这对他们来说确实是最好的。 现在的艺术中心不像我那个时候那么强调绘画了。在以前，概念性的内容更重要，现在似乎不是了。我们先是学习绘画基础技巧，然后才走上成为造福印刷业的优秀艺术家的道路。例如：以前有一门（一门专门的）头部绘画课程。 因此头两年的基础素描、人体素描和油画我认为对我来说最重要。头两年是工业设计课程，我尽我所能地不要落下任何东西。接下来两年你会有些选修课程，我建议你重新学习基础素描，这时候你才能理解那群家伙当初到底在说些啥，以及一些必修课程，包括基础塑造。 不要太关心“技巧”而忽视了学校提供的其他有用的东西，这些东西会帮助你成为一个真正的艺术家。二十一世纪确实到来了，这是件好事。我要强调的是，我所看到的关于FredFixler式画室的缺点。不要有我刚才提到的那个人的问题，即：作品集全是一堆漂亮脑袋，裸体，其他几乎什么都没有。我一直在和这个问题做斗争。尽量用你习得的技能去做一些有意思的东西。既然你要投入设计类工作，某种程度上这会迫使你向这些方向努力。所以不要太抗拒学校让你学习的那些课程，尽管它们看起来没什么短期利益。 我希望我听起来不古板，但是根据你想达到的目标来看，我觉得这个规划对你会很好。 对我来说，天赋、想象力、眼界等才能产生美妙的构思，并使得Photoshop，maya之类的软件能表达远远超过程序所能产生的东西。学习电脑的工作方式可以让你意识到创造出这些东西的思想的美妙。总之，这是我的感受。 假设有个名叫天赋的东西，但是在我看来，它被强调得太过头了。 或许呆子仅仅指那些兴趣完全在社会活动之外的人？他们的关注点可以是艺术的也可以是技术的，或者涵盖两者。 <>M在评价某个人的画，但原图是私链，已经找不到了> 很好，你不是在描绘原图的轮廓线，而是在试图找出原图的结构线，使造型更准确，尤其是头部刻画。不要照抄二维图片的亮部和暗部，要去理解物体形状，光线和材质是如何造成这种形状的。我知道这点听起来的确很难，但随着你的深入学习，你会习惯这么做。 如果你对待绘画非常认真，应该画生活中的东西，而不是照片。照片，尤其像这样的照片，皮肤反射太暗，前照光太刺眼，会造成你对光影的困惑。 如果你太累，或者太忙，太懒去上一节写生课（但愿你有个好老师带着），那就先临摹大师的作品，接着画自己的手，设一个点光源，背景为较暗的房间。 千万不要画成下图这样，我觉得我要去画一个海盗了。 <下面这幅图，作者认为是失败品> 虽然我觉得这幅速写可能一点儿都没达到你想要的效果，但是希望你觉得他有意义/有趣。 别在意脸部，我通常仅对下巴和头发稍作处理。 某人画了一只青蛙，要求点评，CM发表了一下意见> 让你的中间调（位于亮部而非高光的区域）更深一点，并保持高光的明亮、平滑、干净。一个全反射的物体不同于漫反射和暗部的处理方法。画中的青蛙，像99%的物体一样，有粗糙的区域，也有光滑的区域。 有人画了一个小偷偷东西的场景，CM评价了一下图> 兜帽沿着脸颊的投影是最重要的。对这个投影继续处理，使之精细利落。如果你让这部分对比最大、最锐利，你就可以根据它来判断其余部分的色调。下颌线的形状是一个大弧形，因此，将下颌处理的柔和，细致。如果你仔细观察你脸部被照亮的区域，它的边缘线具有相似的特性，广度和柔和度。 我会在暗部加入更多变化，但是暗部的边缘和对比总是要次于亮部的边缘和细节。越亮的地方，要呈现越丰富的细节，色彩和对比。我有点喜欢在速写中夸大这一点。比如画嘴唇，在亮部画了更多信息，但是在暗部什么都没做。 在人体素描中，早期的绘画大师有一个概念，即：没有所谓的凹面。你可以认为物体只由凸面或者是能转化为凸面的形状组成。凹面可以看成由两个凸面相遇所形成的形状。据此想象鼻孔，鼻孔并不是在鼻子下挖个洞，而是由若干复杂的形状组成。我也很强调鼻子的刻画，这是个棘手的问题。 远端的鼻孔在鼻子中心之后，在图片中很难看到，但是它存在。思考图1中的鼻子是怎么造成图2中鼻孔的形状的（图片缺失）。 |
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来自： 一个久火 > 《cm大大问答汉化》
