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上图中的文字，便是舒山先生在书画方面提出的观点：“以诸子精华为基，拜自然万象为师。化前贤笔墨奥妙，于无为处而为之 。” 以诸子精华为基 “书画是视觉艺术”，舒山常说：“书画的最终目的是要挂在墙上让别人看的”。俗话说：“外行看热闹，内行看门道”。这个“门道”就是该作品的真谛。看热闹者切不足论，看门道者通过细心地品味，会清楚地发现作品中的含金量：即作者对传统文化的理解有多深;书画的功力有多厚;要向观者表达什么信息和传达信息所表现的手段等，都会一览无余地展现在观者面前。唐太宗言：“书者，小道也”故舒山在《舒山书画社志》中写道：“书画者，小道也。不过是用来养家糊口而矣”。然这个小道真正能走好，作品真正能传留后世，并非易事。首先要具备有深厚的文化底蕴、高雅的格调、民族的自信、爱国的情怀;其次要具备有：熟练精益的笔墨技巧、虚实得体的谋篇效果。落笔要有刚正之骨，浩然之气;谋篇要有宾有主，有轻有重，并且要注意到：疏密聚散、穿插交错、收头聚尾、呼应开合等。要想作出相应完美的作品，应该是意在笔先。这个“意”就是立意。立意就是主题，当你选择主题时就需要认真考虑先哲圣贤的教诲。所以，舒山强调立意要以诸子精华为基。 拜自然万象为师 “自然天成，妙趣横生”人们常用这八个字来褒奖某件书画作品。舒山在《画马略论》中评述道：“赵孟頫画马源于自然，画于自然，生动活泼，活灵活现;徐悲鸿画马源于自然，高于自然，自成面目，超越前人。叶醉白画马源于自然，超于自然，四蹄腾空，大有飞天之姿，开辟了《天马画派》”。古往今来，不管是什么流派，不管师承何人，也不管你是逸品、极品、神品，必须源于传统、源于自然。舒山少年辍学，但他幼受庭训，天资聪明，勤奋好学，年仅十四岁已初步掌握以画谋生的技能。1957年春，他肩背书袋画夹、告别乡井老母，浪迹天涯，发足无定处地走街窜巷，以画谋生。十年间，他步履大江南北、黄河内外，足迹遍及大半个中国，吃百家饭、读千里书，饱食人间冷暖，探源古代先贤。他曾漫步孔林，攀登武当、借宿少林、临摹于敦煌，“望先贤而兴叹，观古今而图强”(摘自《舒山日记》)。有时，舒山行到无人处就露宿野外，听鸟鸣、品流泉、望月亮，看云变。心随物象游，手随物象转，呼吸着自然灵秀，沉睡于草木之间。十年间，他结交了许多文人雅士，见识了不少古人真迹，他牢记着“三人行必有吾师”的教诲。他虚心向智者学习，向知者求教，取人之长，补己之短。 数十年来，舒山只拜知识，不拜权钱。常以“人以鄙视，付以笑之”而过往。他自知虽“行万里路”，但未“读万卷书”而倍加努力地求知探索。“三更灯火五更鸡”日复一日，“衣带渐宽终不悔”年复一年。他喜欢于弄清自然界的一切事物，大到电闪雷鸣、惊涛拍岸、山崩地裂;小到青蛙排队，蚯蚓集合，蚁群厮杀。他总是仔细观察，从不放过任何细节。舒山的艺术来源于大千世界的自然造化，植根于民族传统文化。他出生于书香世家，得家教启蒙，从家教走出，虽得到许多名师指点，但从不拘泥于师门，只是见贤思学、厚积薄发，形成自己的风格。正像沈鹏先生对他评价的那样：“他刻苦用功，虚心好学，向古代经典学，向现代精英学”，又说“他广泛涉猎中国传统文化，并注重哲学、美学修养。”所以，他认为“拜自然万象为师”是获取知识与灵感的最佳选择。 化前贤笔墨奥妙 民族传统、书画同源而异流，二者之间存在着息息相通的内在联系。都讲究节奏、韵律、干、湿、浓、淡，追求气息贯通，境界高雅，布局得当，意义深远等，要达到这些要求，必须靠笔墨去表现。 用笔：舒山通过几十年对书画的研究认为：构图有宾主之分，用笔有主宾之别。画中突出的那一笔为主，旁接的其他笔为宾。宾易轻，主易重，主要严谨，宾要悠扬，二者相合，切莫相抗。运笔，贵不动指，指动则腕松。腕松就会使线条轻浮;相反，指不动用腕运行，容易气沉丹田，划出来的线条格外雄厚有力。在一幅画中最忌笔笔平均，要有轻有重，有收有放，有长有短，有虚有实，否则画面就会出现神固气死的板滞。 笔繁：不要气促，气促会使人眼界不舒感觉情俗;笔简：必须气壮，气壮会使人感觉有神而风格高尚。舒山常说，线条不可过分追求秀致，也不可过分追求苍老，秀致易弱，使人感觉骨力不足;苍老易野，使人感觉缺少文雅之气。总之，中国文化讲究的是：中庸平和，阴阳均衡，需要善学者慢慢品评。 用墨：墨分五彩：干、湿、浓、淡、焦。舒山认为：中国画历史悠久，流派纷呈——有先淡后浓再加焦擦以取妥帖者;有先浓后淡再晕水墨以取湿润者;有浓淡写成略加醒擦以取明净者;有一笔分出浓淡不加擦染以取简古者;有由淡加浓或焦或湿连续反复以求深厚者;有重叠焦擦以求秋苍者;有纯用淡墨清水以取雅逸者，总之，古人用墨深浅厚薄随类而施，应该作到：墨淡，用浓衬托;墨浓，用淡抵消，达到中庸平和的美学效果。 于无为处而为之 舒山在上世纪五十年代的日记上写道：“笔投华夏，墨流东西”，八十年代，又在“舒山书画社”室内中堂处自刻木匾，上书：“艺海弄潮，拾遗补缺”。这个“缺”就是指历史画卷中的空白之处。可见他自幼就横下决心，要身体力行。舒山认为：书是画的缩写，画是书的延伸。中国书画同源而不同功，书法者，传承之;国画者，发展之。 他说：“书法到了我们这一代，只能传承，已没有多少发展和升华的空间。因为历史的原因，中国古代朝堂常以书取仕，作为应试考生必须把字写的漂亮。否则，阅卷老师就把你交的考卷当作废纸一张。其二，是工具的改变，我们常说的文房四宝，即笔墨纸砚，在现实生活中大多数人都用不上。其三，随着社会的进步，高科技的发展。以后的人们除了签字以外，甚至连笔都用不上了。怎么办?传承，必须传承!否则，愧对祖先，愧对我们的民族。对于中国画而言，舒山认为大有发展空间。因为纵观中国绘画历史，一代一代都在进步，一代一代都有发展。从《中国传世名画》中，我们可以看出历经先秦两汉，魏晋南北朝，隋唐五代，两宋，元明清，再到近代，可以说中国绘画源远流长，从岩画，陶绘到壁画，墓壁画，漆画，画像砖，画像石，再到卷轴画，扇面画，装框画等，大量的作品构成了琳琅满目的多彩画卷。到了魏晋南北朝以后，绘画开始分科，构图、技法、笔墨设色，都朝着更加娴熟，更加符合大众审美方向的发展。 隋唐绘画是中国绘画成熟时期，最大的特点是民族文化的非凡信心和巨大包容。消融了外来文化并成为自己的营养。人物画由清瘦机智转向雍容大度，山水画也独立成为画科。五代开始出现了宫廷画院机构，山水，人物，花鸟无所不精。宋代更是宫廷画院兴盛，职业画家活跃，文人作画趣雅，画坛繁荣的情况下，进一步分科，除了山水画、人物画、花鸟画外，又出现了年画、版画、宗教画、杂画等。 画家更注重笔墨技巧，于勾勒挥洒中，或见理趣，或见禅意，或抒志向，或表童心，汇成多元主题。中西绘画艺术由此开始鲜明的区分开界限。元代初期的文人画家怀才不遇，为躲避现实，大多以梅兰竹菊石为画材，并配上诗书来安慰漂泊的心灵。中后期的画家大多是为自我表白人格情绪，对笔墨技法的追求进入到一个空前变革和创新的阶段。明代初期大兴文字狱，使绘画表现出刻板、拘谨和匠气的特点。中后期，画风跳出孤芳自赏的范畴，朝向雅俗共赏的方向发展。同时，版画、插图画、年画也已盛行，绘画成为大众艺术。 清代画坛的风格各异，流派纷呈，文人画家强调：诗书画印的完美统一，并重视人品才情的修养，提倡“士气”，贬斥“匠气”，创作上讲究“师造化”，独树个性。“古典派”要表达淡泊、宁静、与世无争的情怀。“革新派”要张扬个性，“外师造化，内得心源”，反对循规蹈矩。“海派”画家要以书法融入绘画，讲究笔趣墨韵，别开一代新型画风。随着西洋的明暗、透视和中国线条、笔墨、宣纸熔为一炉时，也独具韵味，受到国人的赞誉。 进入近现代以来，中国画坛出现三种现象：一是坚持民族传统，守住笔墨底线，融入书法功力，创造出雅俗共赏的新型作品;二是主张引进西方艺术，实行中西合璧，以素描为基础对中国画进行改造。三是以西方印象主义，光影效应，将生命中的自我感悟用中国画的水墨加色彩直接泼洒在纸上，再少加挥擦，形成自我欣赏的独具特色的“国画”。 若论中国绘画历史，犹如浩瀚大海，大有后浪推前浪之势，时隐时现的飞溅出光辉耀眼的浪花，动人心弦，叹为观止，不断丰富中华民族的艺术宝库。他说，在这五彩缤纷的书画长廊中，有的虽贵为皇帝、皇亲、贵族，或 书画官员，但多数则一生失意，穷困、潦倒，甚至因穷而饿死，因忧患而自毙，因失意而癫狂。无论处于何种境地，他们都用自己的手，拿起饱蘸深情的笔墨， 挥洒着一腔热情，将自己心灵的震颤绘成不朽的作品，感动着一代又一代的华夏子孙。 舒山在深入探索前人的基础上，把干粉擦笔技法创造性的融入到水墨线条之中，形成了独特的艺术效果，把“于无为处而为之”的构想，化为佳作昭示给后人。 |
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