 20世纪的电影神话 因为备考的原因，最近在学习张维青主编的《中外艺术史要略》，这本和大多数妖艳的艺术类图书不一样，简洁概述了文学、戏剧、美术、音乐、影视五大艺术门类，勾勒了中外艺术创作的大致景观。它的目录无比简洁粗暴：按艺术门类分篇，中、外分章，依据时间线梳理。 我新建了个文集，同步梳理书本再加上有趣的例证，一共十篇要略，和大家讨论点所谓艺术的事儿。这是第9篇。（全是电影单！）  《水浇园丁》 巴黎卡普辛路14号大咖啡馆的地下室里，一群人围着银幕聚精会神，火车从影片的纵深处向观众迎面扑来，大家惊恐地四散逃窜躲避火车。这一天是1895年12月28日，卢米埃尔兄弟第一次放映自己拍摄的《火车到站》、《水浇园丁》、《工厂大门》等10余部短片，成为电影的奠基者，在《火车到站》中已经能够运用景深镜头，而《水浇园丁》则是最早的追逐和棍棒戏剧。这一年的中国刚签订了马关条约，孙中山流亡海外，第一所大学（北洋大学）刚刚成立。 如果说卢米埃尔兄弟是事件发生过程中的记录者的话，梅里爱则是在过程结束后再叙事，开创了电影的技术道路，可被成为电影故事片的先驱。但他的许是观念还是停留在戏剧舞台的模式上，没有特写、近景的变化，都是固定长镜头，观众像是坐在戏院里看戏一样，此时电影还依附于舞台剧，后人将其称为“戏剧化的电影美学”。《月球旅行记》是他艺术的高峰。  《一个国家的诞生》 格里菲斯执导 早期英国电影的代表都出生和工作在海滨城市布莱顿，“布莱顿学派”因此得名。这个学派有一种共同的创作倾向：首次出现了移动摄影、主观镜头、远景与特写的组接和平行蒙太奇的雏形，同时他们主张表现现实生活，提出“我把世界摆在你眼前”，《祖母的放大镜》、《中国教会被袭击》等都是在电影制作史上有重要意义的短片。法国人则是最早把电影作为一门艺术而不是新奇玩意儿来认识的，他们邀请著名剧作家当编剧，聘请最有经验的导演和著名演员，选择最优秀的音乐家和布景师共同合作，《祭祀公爵被刺》就是让影片具有一流艺术家的成功范例。 电影最初的十年里，美国就显示出极强的创造力。格里菲斯的老师鲍特确立了剪辑的原则：挑选和连接分散的镜头已制作完成的影片，鲍特的《火车大劫案》占据美国银幕10年之久，美国人对它怀有深厚的感情，它不仅是西部片的始祖，更是电影史上第一部从舞台化转向电影化的影片。格里菲斯本人则是电影史上第一个伟大的艺术家，他建立起完整的电影叙事手段并发明了现代剪辑观念，在他之前的绝大多数影片只能算数一部电影中的一个段落。他通过《一个国家的诞生》和《党同伐异》两部巨片实现了自己的艺术理想并达到了事业顶峰。  《城市之光》 卓别林自导自演 另外，格里菲斯创造的“最后一分钟”必须一提，它至今仍被电影人广泛应用：在正反双方激烈冲突中，正方历经磨难屡遭厄运，最后一刻营救者赶到，正方获救反方彻底失败。在情节发展过程中，利用几条情节线同时展开、不同场景来回往复，逐渐缩短画面长度，加快速度，利用悬念，加强紧张感（￣へ￣是不是想到了看过的无数电影，自古套路得人心啊！ 在整个无声电影时期，美国的戏剧学派一直是世界独一无二的，美国影评家詹姆斯埃基把1912-1930年称为“美国喜剧电影最伟大的时代”，这个是代中卓别林是“电影界的唯一天才”，他博大的人道主义立场让影片有一种感动心灵的力量，被概括为带泪的微笑，塑造了一个孤苦无依身无分文，但又热爱生活好打抱不平的流浪汉夏尔洛的形象。《摩登时代》中对技术压抑人性的控诉，《大独裁者》中呼吁和平自由的布道，《舞台生涯》中对人生道德的说教等等都创造了世界喜剧电影不可逾越的高峰。  《战舰波将金号》中的著名片段：奥德赛阶梯 苏联“十月革命”成功后，出于政治考虑，新生的苏联政府将发展民族电影放在极重要的位置，促成了“苏联蒙太奇学派”，由苏联电影工作者全面阐述和充实了由法国人让·爱普斯坦提出的“蒙太奇”概念，并形成了研究和实验“蒙太奇”理论的库里肖夫、爱森斯坦、普多夫金等为代表的电影学派。在旧俄电影的废墟上，爱森斯坦的不朽杰作《战舰波将金号》以其全新的革命内容和精湛的艺术形式震动了世界影坛，至今是人们认识蒙太奇理论的经典。随着《母亲》、《土地》、《成吉思汗的后代》等影片相继出现，苏联电影学派达到了它的鼎盛时期。 在1917年到1928年，以法国和德国为中心，先锋派电影占据辐射了整个欧洲大陆，在形形色色的思潮中，最具代表性的非印象主义莫属，几乎贯穿了整个先锋电影的始终，他们认为艺术传递表达的是经验而非真实，所以艺术家的个人观点以及情绪而非故事应该成为电影中心。莱皮埃的《黄金国》、冈斯的《年轮》、德吕克编剧、杜拉克导演的《西班牙的节日》等等都是印象主义电影的代表作。  爱森斯坦 德国表现主义以电影史上被人说的最多的《卡》为代表，影片中叙事被淡化，表现主义的理想得以实现，紧接着出现了《泥人哥连》、《三生记》、《吸血鬼诺斯费杜拉》等一系列暴力、死亡、谋杀主题的影片，在表现主义的氛围中构筑了一个不同的世界。抽象主义电影是形式的极端主义，从对线条、光线、色彩的体验和研究中感受节奏和韵律的意味（完全摈弃情节和叙事的逻辑性）。如维京·艾格林（瑞典画家）在德国摄制了《对角线交响乐》、《平行线交响乐》、《地平线交响乐》都是运用各种形状的线条来表现一种律动感，汉斯·里希特则用黑、白、灰的矩形跳动形象构成画面。相比德国充满使命感的抽象派不同，法国抽象派充满了浪漫的诗意和快乐的幽默感，比如曼·雷伊的《回到理性》。 超现实主义艺术家视艺术创造为一种偶然性的启示或悲剧式的预言。他们热衷于表现病理感受、病态的情欲和人们的迷狂状态，以安德烈·布雷顿的《超现实主义宣言》和弗洛伊德的精神分析学为理论依据。该主义的电影以谢尔曼·杜拉克的《贝壳与僧侣》公开上映为开端，到了《一条安达鲁狗》达到了顶峰。 苏联电影的兴起加速了先锋派趋向于纪录电影一途，画家瓦尔特·罗特曼摄制的《柏林——一个大都会的交响乐》开创了新的纪录片类型并确立了它们在剧场上演的地位。20世纪20年代，四位“纪录电影之父”出现，分别为：弗拉哈迪，代表作《北方的纳努克》；格里尔逊，代表作《漂网渔船》；维尔托夫，代表作《内战史》；尤里斯·伊文思，代表作《力量与土地》。  《关山飞渡》 海报 华纳兄弟在1927年拍摄的第一部有对白的黑白电影《爵士歌手》首映，标志着有声电影的诞生，这样才加快乐叙事的节奏、拓展了表现力，才出现了3、40年代最流行的歌舞片，增加了爆破枪声等等声乐，更关键的是为好莱坞大工厂化生产制度的出现和确立起了重要作用。1900年的时候好莱坞不过是个离洛杉矶十几公里的一个人口稀少的小镇，到了1928年好莱坞已经形成了“八大影片公司”一统天下的局面（派拉蒙、华纳、米高梅、福克斯、环球、哥伦比亚、联美、雷电华）。 好莱坞和新好莱坞电影讲起来要单开一个专题才可以，只类型片就能说很多。像西部片的代表是约翰·福特，代表作有《铁骑》和《关山飞渡》，歌舞片有至今仍让人难忘的《绿野仙踪》、《让我们都跳舞吧》、《雨中曲》，满是套路却让人欲罢不能的悬念片以希区柯克的《后窗》、《39级台阶》，还有传记片等等··· 好莱坞电影遵循的是一种戏剧电影的美学模式，可概括出四点，这个以后开专题来讲，只说被称为好莱坞“第一巨片”的是《乱世佳人》、被称为“现代电影的纪念碑”的是《公民凯恩》。好莱坞至今都汇集了最杰出的人才和最尖端的科技，永远年轻而充满活力，创造了一个属于20世纪人类的电影神话。在此不多赘述，留个小尾巴~  《广岛之恋》海报 全世界面对战后重建问题的时候，电影也面临着电视的冲击，一部分发展向意大利的“新现实主义”和法国“新浪潮”，更贴近生活，另一部分发展向以伯格曼为代表的第二次电影思潮，走向内心化。 法国诗意现实主义的象征与首领是让·雷阿诺，他所拍摄的《托尼》和《郎吉先生的罪名》被认为是“法国电影的转折”，“标志着法国电影的复兴”；格里高利·丘赫莱依的《第四十一》与他后来的《士兵之歌》、《晴朗的天空》合称为三部曲，被认为是解冻期“苏联新浪潮”电影的先声；意大利新现实主义始于1945年罗伯特·罗系里尼的《罗马，不设防的城市》上映，该流派的两个口号可以让我们完整感受到新现实主义电影的重要创作倾向：还我普通人、把摄影机扛到大街上。  《无法松的一生》 安德烈·巴赞是法国战后现代电影理论的一代宗师，他参与创办的《电影手册》影响了一代人的电影研究，是在电影史研究、电影理论研究和批评研究上最重要、最有影响力的人物之一，他认为长镜头和景深镜头的优势是不言而喻的。“新浪潮”的主要人物即所谓的“电影手册派”，特吕弗以主要人物的姿态出现在影坛，代表了真正的法国电影精神，26年导演生涯中共拍摄了24部影片，《四百下》、《野孩子》、《美国之夜》等都是为他赢得国际声誉的影片。“左岸派”则以阿伦·雷乃的《广岛之恋》和《去年在马里昂巴德》、亨利·科尔皮的《长别离》为代表。 日本电影在1951年黑泽明的《罗生门》轰动世界之后，在国际影坛骤然上升到显著地位。沟口健二的《西鹤一代女》、《雨月物语》，衣笠贞之的《地狱门》、黑泽明的《七武士》、市川昆的《缅甸的竖琴》、金井正的《暗无天日》、稻垣浩导演的《不守法的阿松的一生》连续在威尼斯、柏林和戛纳三大电影节上获奖。  “好莱坞第一巨片” 《乱世佳人》 外国电影说到这儿，10篇中外艺术史也完结了。西方现代派电影、新德国电影、新好莱坞电影都没来得及讲，后期会在“瞎扯电影”的文集里讲讲中国电影“第六代”的事儿，讲讲好莱坞究竟如何形成了全球电影的语言霸权。啃完60万字的书，码出3万2千多个字儿，平淡日子里一件不大不小的事儿，庆幸不擅坚持的自己并未半途而废，然后两手一摊不作为。 在快时代里慢慢码字慢慢读，坚持下来，怎么看都是一种修为。谢谢每位读者，谢谢自己。 一篇文章绝不足以概论，有大神愿意讨论的话，评论区热烈欢迎！ |
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