 导演：丹·吉尔罗伊 编剧：丹·吉尔罗伊 主演：杰克·吉伦哈尔/里兹·阿迈德/蕾妮·罗素/迈克尔·帕帕约翰 类型：惊悚/犯罪 语言:英语 上映日期：2014年1月31日（美国） 在影视拍摄中，光的作用至关重要，无论是自然光还是人工光，应该说，没有不好的光线，只有不成功的运用。说起来，有关光的摄影技术，其实也是任何影像作品的最基础的技术。离开光，世界真的是本来无一物了，那么，具体怎么来控制和安排光，这话题有些大，或许将来有机会，咱们再更加深入地了解更多的常识，今天先就着本期的影片分析，简单聊点光的话题。  《夜行者》这部影片绝大部分镜头都在夜里的布光环境下拍摄完成，自然日光下的画面很少，正好作为我们分析学习布光技巧的一个典型案例。 概括地说，我们观看完影片，感觉所有夜景或者暗环境的光效非常逼真，甚至很多时候几乎感觉不到专门的布光，这就是本片的高明之处，也是导演控制光的能力非常强，最好的影片布光，就是让观众感觉不到刻意而为，画面的一切似乎顺理成章。  其实，越真实的光环境，越需要精心细致的布置，因此，我们要分清一个概念，那就是电影里的光，不是用来照明的，而是用来造型的，这也是本人的一贯主张，无论是主光还是背景光或者修饰光，都要精心设计，不能简单把场景照亮就算达到目的，只有快餐式的电视片才那样对付。 1、夜景噪声的控制 胶片摄影时代，由于胶片原生感光度不可能做得很高，夜景暗环境拍摄很吃力，基本靠大功率灯来解决。数字化影像是传感器来采集光线，这些年的数字传感器技术进步飞快，尤其是在低照度下的高感度方面越来越强悍，对于S35MM专业数字电影机来说，原生的ISO800为起点，甚至能够达到ISO5000起步，这样的性能已经足够大多数夜景画面的拍摄需要了。   但作为民用级别的电影机，高感光性能虽然也非常不错，但在较暗的环境下拍摄，画面的信噪比还和高端机型有些差距，也就是说，低照度下的噪声干扰还是不可回避的技术问题，因此，为最大程度改善画面的噪声干扰，务必使用各厂家机器自带的LOG模式进行拍摄，这样在后期处理的时候，会有更大的余地进行降噪和调色。比如索尼的S-LOG、佳能的C-LOG、松下的V-LOG等等。   不建议在机器上进行过度的直接降噪调整，最好留给后期流程去做，有时候，降噪是双刃剑，表面上看，画面信噪比提高了，噪声少了，但可能也因此损失一些细节，画面造成不可逆的损伤，比如层次丢失，画面涂抹的数码感增大。 2、灯光曝光的平衡 我们接着看这一组画面，主光其实就是一把手电筒的光，得益于传感器的高感光度，以手电筒的光照作为主光源，即可照亮主体面部，得到非常真实的临场感。这种光的用法，首先要测量背景现场环境光的照度，不能因为主光太亮而使得背景环境光失去辅助作用，也不能因为主光源太暗，造成背景曝光过度。   这就是一个光平衡的问题，在同一挡光圈下，主光源曝光为基准，调整主光源的强度，让它高于背景光，全部现场的光没有超过传感器的记录范围，就是最合适的。   没有主光源照射的情况下，人物面部是昏暗的，这是允许的，电影里的光最喜欢这种反差，要大胆地运用昏暗下的画面，这是符合真实环境的，我们不能因为画面暗就想办法提亮光照度，正确的做法就如这些画面一样，该暗就暗，该亮就亮。 3、布光范围和走位大场景 尤其是演员走位距离比较长的夜景，布光需要大范围设计，要在演员走位的区域范围，安排非常符合常理的光环境。我们通常见到很多电视剧或者电影，演员的环境很开阔，但整场走到哪里都是亮堂堂的，没有任何光比环境，光层次更无从谈起，仿佛在古代的夜里月亮能照明似的，或者房间内像点了电灯一样，这种所谓“夜景”完全是灯火通明的现代光环境，实际上是不可能的，画面因此也变成了为照亮而照亮，毫无光设计的目的。 大家看这两组镜头，人物都是径向面对镜头行走，光的强度和影调，随着行走的过程有着丰富的变化，这是在一个固定范围内固定大环境光的作用。因为径向行走的透视感需要，必须通过这些不同层次的光来加强观众的视觉引导，观众会感受到行走的距离感，而周围的光效，也随时跟着演员的走位，变得忽明忽暗、迷离而飘动，使得画面的影调变得丰富多彩。试想，如果全部采用大范围平光照明，画面的层次就没了，光影的作用也没了，那就更不要谈光的动态造型了。 4、带密度的自然光 拍摄夜景，全黑的画面在胶片里就是没密度，而全黑画面对于数字摄影机来说更麻烦，传感器很难把全黑画面记录得非常干净，也就是噪声总会是有不同程度的干扰。因此，拍摄夜景或者低照度的画面，最佳的时刻是在日出或者黄昏，这时候，天空还带着密度，不会变成一团大面积死黑，画面的层次也能够得到保证，色彩的丰富度也很高。 毕竟，外景自然光，是最动人也是最容易把握的，因为外景没有机会加光。只能依靠自然的光影变化。大家可以参考一下这几组画面。 5、屏幕光的拍摄 拍摄这样的带电视屏幕画面的曝光，有几点要注意，第一，要保证屏幕的分辨率尽量高，避免拍出像素网格。第二，屏幕的色温要和摄影机相符，避免屏幕偏蓝，整体色温从全景到近景保持一致，现场环境光为辅。第三，摄影机的快门速度与屏幕的刷新率保持一致，不要在屏幕上出现扫描场的线条。如果器材所限，难以达到以上要求，可以单独拍摄环境画面，后期在电视机上添加内容，那样就需要精准的画面匹配和色彩调整。 6、借鉴摄影的光法 电影拍摄之所以称为摄影而不是摄像，是源于电影本来就是与平面静态摄影一脉相承的，而平面摄影的最基本或者最常用的光法，运用到电影画面拍摄中，也是顺理成章的事情，比如这一组经典的伦勃朗光法，使用外反拍来完成。画面中的人物立体感很强，造型的艺术化非常到位，由此我们要多多借鉴传统经典的平面用光技术，打好摄影的基本功，灵活应用到电影动态画面创作中，是最好的途径。 7、控制光影的层次 合格的曝光，应该是高光有层次，暗部有细节。除了特殊画面的创作，我们影片大部分画面应该是正常的曝光，就是要保证影调的丰富。 这一组对话，大家看两位演员的布光，非常精致细腻，明暗反差柔和而又质感突出，影调过渡自然，色彩也因此饱满厚重，同时，人物的眼神光也恰到好处，而环境的背光既可以作为修饰光照明人物轮廓，又明显低于主光，把环境压暗，突出了主体光下的人物。 8、地光的应用 地光也叫底光或者脚光，这种光线主观性很强，造型力度突出，比如图中一组使用地光向上照明的技术，让人物面部变得有些不正常，甚至有些“恐怖”，从而烘托了现场的紧张气氛，加强了人物间对话的冲突味道。在情绪上，也是会起到强化故事高潮点的作用。当然，这种光法还是要谨慎使用，避免过度渲染，要结合环境的道具等细节，做到尽量接近真实。 9、顶光的应用 与上面地光相反，这一组镜头则是完全使用顶光的效果。顶光照射，会有一种神秘感，画面具备一种无形的压力，对于角色也好，对于观众也好，都是一种视觉上的施压。通常这类光法多用于直接的面对面的冲突，演员需要根据故事情节，在情绪控制上，使用仰视或者俯视来改变光效，同时也改变了面部情绪状态的表达，这种光的使用，更多要依赖演员的面部与身体的角度变化，当然，演员使用什么样的姿态取决于当时情节，使用得当，也是很有艺术感觉的光设计。 |
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