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欧普艺术/奥普艺术Op Art： 光效应艺术或视幻艺术，也称为光学艺术Optical Art，意思是光学的艺术。这是一种基于光学知识的心理试验艺术，是一种利用在理解和视觉之间的交互作用而产生错觉的艺术形式。创作者通过精确校正的色彩和几何形制造出有动感的光色效果，代表艺术家是布里奇特·里列Bridgei Riley和瓦萨雷里Vasa-relev。欧普艺术作品是抽象的，很多欧普效果强烈的作品是黑白的。欧普艺术既有绘画也有摄影。它主要使用反差强烈的对比，采用黑白或者彩色几何形体的复杂排列，交错和重叠等手法造成各种形状和色彩的骚动，有节奏的或变化不定的活动的感觉，给人以视觉错乱的印象。欧普艺术作品，按照人的视觉的一定的规律，当观看的时候，会由平面形成立体，静止变为运动，隐藏的图像显示，闪烁，震动，图案，膨胀或歪斜，交替或同时出现种种幻象。造成刺激的眼观效果，达到视觉上的亢奋。欧普艺术是一种精心设计和创作的“纯视觉的艺术”也被称为“视觉效应艺术”或者“光效应艺术”和“视幻艺术”。 欧普艺术起源于德国的包浩斯学校的构成主义者的实习。这所学校由建筑师沃尔特Walter， Adolph Georg Gropius（德国，1883-1969）创立，强调在理性的范围内分析形式和功能的关系。学校教导学生注重设计，整体构思，统一风格。包浩斯学校1933年被纳粹强迫结束。大部份的教师逃到美国芝加哥，最后落地生根在北卡罗莱那州艾希维尔Asheville的黑山学院Black Mountain College。欧普艺术运动也就带到了美国。1964年十月，欧普艺术第一次出现在时代Time杂志上。虽然在此好几年之前欧普艺术的作品已有出现。举例来说，瓦萨雷利Vasarely, Victor（法籍匈亚利裔1906-1997）画的斑马（1938)，完全地是展开黑白曲线的斑纹而不见连续的轮廓线。结果，马斑纹跟周围的背景构图融合为一体。在1956年，伦敦当代艺术学会Institute of Contemporary Arts（ICA）的创始人之一，艺术家，社会学家麦克海尔McHale，John （英国，1922-1978)在“这是明天”的展览中把使人眼花的黑白嵌板安装在他的班多尔琴Pandora系列上，成了当时欧普艺术最早的趋向性原形的示范。麦克海尔在英国创立的独立团组Independent Group进行二战后大众艺术活动，是美国波普艺术PopArt的前身。欧普艺术风格于20世纪60年代在欧美流行。它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派。首次使用“欧普艺术”这一名称是在1965年，当时在纽约现代美术馆举办的一次由普林斯顿大学现代艺术史教授，纽约现代美术馆油雕部馆长赛至Seitz C. William（美国，1914-1974）题名的主题为“眼睛的反应”TheResponsiveEye展览会上，陈列出大量经过精心设计，按一定规律排列而成的波纹或几何形绘画，这些作品给参观者以强烈的视觉刺激，达到了震撼人心的艺术效果。展出的作品涉及很广，包括著名的极简主义和迟绘画性抽象艺术家和印刷家史戴拉Stella，Frank（美国，1936-)和硬边绘画家凯利Kelly，Ellsworth （美国，1923-) 的极简抽象派艺术，艺术家和出版家利伯门Liberman，Alexander Semeonovitch （美籍俄裔，1912 -1999) 那平滑的可塑性, 阿诺尼玛团组 Anonima Group 的协同合作的作品，阿诺尼玛由黑维特 Hewitt，Ernst Benkert, Francis和米至库斯基Mieczkowski，Ed.1960年在克利夫兰创立，和著名的欧普艺术家瓦萨雷利，艾纽斯基维至Anuszkiewicz， Richard （美国，1930-，)和蕾丽Riley，Bridget（英国，1931-)，马列维基Malevich,Kasimir（乌克兰，1878-1935)，瑙兰德Noland, Kenneth（美国，1924-2010)等人的作品。展览的焦点所在是艺术的知觉方面，起因于运动的幻影和彩色关系的交互作用上。当时展览在艺术界引起轰动，但批评家们却比较少表示赞赏。某些批评家轻视欧普艺术为工笔墙纸，或愚弄人眼的诡计。不管如何，欧普艺术在民众中名声与日俱增。很多欧普艺术图像被一些商家利用作为商业用途。蕾丽控告过一家美国公司，因为使用其欧普艺术画当做织物的基础设计，但没有胜诉。 欧普艺术家是要通过绘画达到一种视知觉的运动感和闪烁感，使视神经在与画面图形的接触过程中产生令人眩晕的光效应现象与视幻效果，以此来探索视觉艺术与知觉心理之间的关系，试图证明用严谨的科学设计也能激活视觉神经，通过视觉作用唤起并组合成视觉形象，以达到与传统绘画同样动人的艺术体验。事实上，欧普艺术就是出于这一目的，摒弃了传统绘画中一切的自然再现，而是在作品中，使用黑白对比或强烈色彩的几何抽象，在纯粹色彩或几何形态中，以强烈的刺激来冲击人们的视觉，令视觉产生错视效果或空间变形，使其作品有波动和变化之感。欧普艺术家一方面认为抽象表现主义太随意和偶然；另一方面又认为波普艺术太鄙俗。他们主张要吸引观众，但却不能让观众卷入艺术之中；既不联系具体，也不表达感情和体验，而基本上利用视觉变化来造成一种幻景。这种视觉变化主要由两方面来完成色彩的变化和形态的组织，欧普艺术家们在创造自己作品的同时也在不断地观察着这两方面在视觉中产生的各种幻觉，试图挖掘潜藏在这种幻觉表象后面的基本规律。在这种风格的形成过程中，欧普艺术家们可谓是博众家之长，如在空间透视方面，可以看到印象派美学的影子；在抽象形态的组织上，可以追溯到立体主义、未来主义、螺旋主义及康定斯基和克利等画家；而在色彩的相互关系方面，又受到新造型主义、构成主义的影响；此外，德国的包豪斯和鲁道夫·阿恩海姆的着作《艺术与视知觉》也给了欧普艺术家们很大的启发。 欧普艺术可以称得上是一种挑战人类视觉的智力游戏，从而带领观众进入了一个变幻莫测的幻觉世界。艺术评论家弗波帕曾给欧普艺术作了一个较为科学化的解释：用各种不同的几何体的周期性结构，纬线叠积或色彩排列，同时运用各种不同的艺术手段和使其产生光焦度现象的科学方法--放射光的波纹形效果和色彩的扩散，它的强度分离又并行对比、连续或交叉，色彩和色调的增大或减少，色彩的互相干扰等等，所有这些现象都会对视网膜引起刺激、冲动、振动和其它对视觉的混合、重叠等强烈反应（如图像和背景的颠倒、前部暖色与后部冷色之间的相互渗透关系），造成一种含义不明的圆体和一种持久的不稳定的造型。欧普艺术几乎同时兴起于欧美各国。其最杰出的代表是法国画家维克托·瓦萨雷里，他从50年代起就开始创作具有运动感和闪烁效果的绘画，成为法国欧普艺术的主流。其它具有影响力的欧普艺术画家有美国的艾伯斯Josef. Albers （美籍德裔，1888-1976)和安纽斯克威斯Anuskiewicz， R（.美国，1930）及阿格姆Y. Agam （以色列， 1928-）、萨图Soto，J. R. （委内瑞拉）等。虽然欧普艺术盛行的时间并不是很久，到二十世纪七十年代就走向了衰落。但它变幻无穷的视觉印象，以强烈的刺激性和新奇感，广泛渗透于欧美和日本的建筑装饰、都市规划、家具设计、娱乐玩具、橱窗布置、广告宣传、纺织品印染，以及芭蕾舞、电视观赏等到多种设计领域，在国际上产生了很大影响。
爱纽兹凯维兹 黄色辐射教堂 Temple of the Radiant Yellow, 1985: From the series of 'Temple' paintings in the 1980's that were inspired by a visit Anuszkiewicz made to Egypt 光艺术Lighi Art： 灯光雕塑Light sculpture，光艺术是以光作为主要媒体表达的视觉艺术形式。首创艺术家为纳吉László Moholy-Nagy（匈牙利1895-1946)代表人物是艺术家弗莱温Dan Fla-vin（美国，1933-1996）。有很多的光艺术活动频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。光艺术借助科学力量创造新成果，科技力量介人艺术发展。在整个人类建筑历史上，光已广泛应用于创造建筑的美学效果。然而，光艺术这一现代艺术概念的的发展与出现人工光源的实验成果有关。艺术评论家HilarieM。认为黑暗和光的相互作用是从文艺复兴时期的绘画和希腊，罗马的雕塑一直到现代电影的实验始终从存在的一个主题。随着科技术的先进，从电灯泡的发明到电脑，艺术家一直在用光作为材料来做艺术试验和作为艺术主题。灯光雕塑是雕塑的另一发展方向，上世纪60年代的艺术活动中，艺术家瑙蒙Flavin, Bruce Nauman和屠瑞尔James Turrell创作以日光灯和霓虹灯漫射和辐射的环境雕塑。今天，年轻的光艺术家不断寻找超越他们的前辈的新方向。其中佼佼者有安Chul Hyun Ahn，弗莱温Dan Flavin，爱利松Olafur Eliasson，屠瑞尔James Turrell，库勃Waltraut Cooper，蒙罗Bruce Munro，斯得拉提密罗维克 Aleksandra Stratimirovi，考马洛 Austine Wood Comarow，索比爱奇 Tim White-Sobieski等等。
Makoto Tojiki 光艺术： 幻想现实主义Fantastic realism： 奥地利画派，有时简称维也纳幻想派。第二次世界大战后，维也纳美术学院Academy of Fine Arts in Vienna的教授居特斯洛A. P. von Gütersloh培养了一批幻想现实主义艺术家，在1946年创立了维也纳幻想现实主义美术学校Vienna School of Fantastic Realism。其中有富克斯Ernst Fuchs（奥地利1930-)，他是画家，版画家，雕塑家，建筑师，舞台设计师，作曲家，诗人，歌唱家在972年建了富克斯博物馆（1988开幕)。布劳尔Arik Brauer （奥地利， 1929-)，是画家，版画家，棋师，诗人，舞蹈家，歌唱家和舞台设计师，也是维也纳幻想现实主义美术学校创始人之一。豪斯纳Rudolf Hausner （奥地利，1914 -1995) ，他是画家，版画家，棋师，和雕塑家。他被称为超自然写实主义者psychic realist首位精神分析画家。胡特尔Wolfgang Hutter（奥地利，1928-)居特斯洛的儿子，随其父及教授安德生Robin C. Andersen学习，维也纳幻想现实主义美术学校创始人之一。1954获联合国教科文奖United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization （UNESCO) prize.维也纳实用美院教授。勒姆登Anton Lehmden （奥地利，1929-)，他是画家，版画家和棋师。维也纳幻想现实主义美术学校创始人之一。维也纳美术学院教授。1966年他买下文艺复兴时期的德意志克罗伊兹城堡至今在修复中。简斯卡Fritz Janschka （奥地利，1919-）画家，雕塑家。 这些艺术家形成了一种新的表现样式--幻想现实主义。他们继承超现实主义传统，但始终选择具象的道路，通过华丽的色彩和精密的描绘技法，创造出文学性极强的绘画世界。总体上，他们显示出对意识下领域的强烈憧憬，以沉郁的幻想和启示录式的幻觉为特征。这个画派出现许多后继者，60年代以后，在国际上受到重视。这种艺术把超现实主义同借自于中世纪幻想艺术、19世纪学院艺术的成分结合在一起，带有神秘的宗教色彩和象征主义情调。
马丁 Brigid Martin 教堂的飞翔 Flight of the Churches 具象艺术Figural art： 或当代写实主义Contemporary realism，是一个当代艺术用词，在概念上与传统的写实主义Realism相仿，但是出现的时期是在当代，表达的意识语言和形象观感也与传统的写实主义大有出入。具象艺术指艺术形象与自然对象相对相似的艺术。具象艺术家所追求的具体形象含有独特的个性。这与写实主义和超写实主义作品有所区别，具象艺术的形象虽与自然对象十分相似，但是主观意识带有主导作用，在某些细节上会有情绪性的夸大或忽略。具象的形式从古代的石壁画，木棺画和宗教壁板画早有之；直到中国的敦煌壁画，文艺复兴时期的古典主义，都以生活中的具体星星作范本，艺术作品中所创作的形体力求神似，以使所表达的作品主题根有说服力，我们把现代主义之前的这种尊重现实，利用现实的风格定为写实主义。至今它仍是艺术创作中重要风格。具象主义与写实主义及现实主义极为相仿，所以往往被混为一谈，但事实上有着实际的差别。现实主义是与理想主义相对立，理想主义也往往用具象的方法，去表达理想中的概念，然而现实主义却更多地用具体想象来表达现实中的美与丑。具象艺术中的基本形象往往是艺术家在生活中多次接触感受又浓缩了的形象，这些形象可以是实际形象地记录，更可以是出自于记忆，反映出艺术家的情感特征心理过程。具象与抽象是对立的单时也有着思维的关联，具象在创作过程中需要概括和抽象思维，提取精华，过滤，综合。抽象艺术不以表达生活中的任何具体形象为宗旨，但抽象思维是通过典型的艺术形态表象的创造来表达艺术家的个人心理和观念的结果，这种形态表象严格来说也是一种具象，只不过是带有更多的艺术家的主观意识。真正的抽象是看不见摸不着的，是语言也无法表达的。 我们很难把具象的表达来归结于人的较低级心理水平，而把抽象表达归结于人的较高级思维素质。事实上这种抽象和具象是人类活动中反复假体出现的思维活动在艺术上的体现。文字实际上是一种高度的抽象，中国文字在起始时是具体形象为基础的。而西方文字以与具体生活中毫不相干的字母来代表物件或意思，这就是高度的抽象。具象艺术中的意味相对来讲较为显而易见，往往蕴涵着与实际生活相关或神话童话中的故事情节，它可以用文字语言直接来描述，所以具象艺术除了表达作者的主观意识外，还具有记录，记忆的功能。
劳伦斯 Geoffrey Laurence Quetzal 照相写实主义/超级写实主义/高度写实主义Photorealism，Purerealism,Photographic Art， Hyperrealism： 1970年代发生于纽约，以照相为标准的的写实主义。受电视和电影等的刺激感官的延伸，依赖照相术，是都市生活形态的产物，呈现的是“人工的自然”。代表画家有泊尔斯坦 Pearlstein，Philip（美国，1924-），科洛斯 Close，Chuck，（美国，1940-），唐艾迪 Don，Eddy，（美国，1944-），爱斯特 Estes, Richard （美国,1932-)，彼得森 Peterson，Denis （美国，），弗拉克 Flack，Audrey （美国，1931-），弗洛伊德 Freud，Lucien（英国德裔，1922- ）等。泊尔斯坦是美国新写实主义流派中几乎不使用相片及幻灯片影像进行创作的画家之一。他常让模特置于室内场景中，采用室内自然光进行客观细致的描绘。其物象堆积的近距离理性刻画、抽象而严谨的结构形式、戏剧性的光影、对照性的室内空间及富于节奏性的画面，给予观者镜头影像般的感受。这无不与他的早年求学和工作经历有关。克洛斯根据照片画成人像和城市街景，从此照相写实主义便成为一种明确的创作倾向走进绘画。克洛斯以人物肖像作为创作题材，他的肖像完全是照片的复制，不光是细致精确到极点，而且尺度非常大，如《琳达》，画面是274.3×213.4cm。当一个刻画精细而又尺幅巨大的肖像，突然出现在人们面前时，油然而生一种征服感。科洛斯原来是画抽象画的，但它总象别人的东西。为了抛开抽象艺术给人的感觉而转画照片的，他将照片放得极大，通常没有表情，这种超乎寻常的创造，是急功近利者所难为的。他使用工匠式的打格放大照片，一张单色照片要画4个月，彩色的将花14个月时间。他的画幅大，远看逼真，近看局部却很抽象，不真实，他用逼真的画面揭示出一个真实的虚幻。弗洛伊德是德国出生的英国画家，潜意识心理学大师弗洛伊德之孙，其画如实地展露裸体模特儿的细节，几乎令人尴尬。代表作《女孩与白狗》（1951-52，伦敦泰德画廊）、《熟睡的裸女Ⅱ》（1968，私人藏）。超级写实主义代表雕塑家：韩生D.Hanson，（美国，1925～96），雕制的人像姿势非常呆板，好像僵立不动的样子，反应精神空虚的物质社会。代表作《清洁妇工》（1995，多媒体组合，私人藏）。安德利亚J.Andrea，（美国，1941～），用多元脂树脂和油彩制作栩栩如生的男女裸像，例如《坐着的女人》（1978，纽约OK哈李斯画廊），《斜倚之姿》（1970）法语术语 Hyperréalisme 由布拉克Brachot，Isy（法国，1915-）创建于1973年。它是当年在他位于比利时布鲁塞尔的画廊的一个主要的展览的标题。该展览主要是由美国照相写实主义画家组成，包括拉尔夫·戈因斯Ralph Goings、科洛斯 Chuck Close、唐埃迪 Don Eddy、贝克特尔 Bechtle，Robert 和 麦克琳 McLean，Richard。它还包括其它一些有影响力的欧洲艺术家。自此以来，'Hyperealisme'被欧洲艺术家和经销商用于形容受照相写实主义的艺术。通常从摄影工作开始，是绘画和雕塑的一个流派，其风格类似高分辨率的照片或实物。21世纪初，超级写实主义在照相写实主义的美学基础上成立。美国照相写实主义画家彼得森 Peterson，Denis的开拓性超级写实主义作为被普遍认为是照相写实主义的代表。汤普森Thompson，Graham认为1960年代末期和1970年代初期，照相写实主义作品获得成功，是一种表现摄影的绘画方式加入到艺术世界。它也被称为超级写实主义，超级写实主义可以看作是照相写实主义的发展。然而，20世纪末期，超级写实主义和传统的照相写实主义处理方式形成对比。超级写实主义的画家和雕塑家使用照片作为参考，创造一个更加明确和详细的渲染的作品，不像照相写实主义，往往直接的叙述和描写。照相写实主义画家希望模仿照片，为了符合照片整体设计，常常省略或者抽象一些细节。他们经常省略人物的表情、政治价值和叙述元素。照相写实主义风格演变自波普艺术，作品通常紧凑精致，线条分明，突出重点。超级写实主义则与之相反，虽然本质上参考照片，常常对描绘的主题处理得更柔软更复杂，使之表现成一个生动的对象。超级写实主义作品中的对象和场景描绘得非常精致，创造出原始照片中没有的一个新的现实的幻想。这并不是说他们是超现实主义，因为这种幻想是一个令人信服的描写现实。纹理、表面、灯光效果和阴影画表现得清晰，比参考照片甚至实物还要鲜明。 超级写实主义作品对象包括画像、具象艺术、景物、风景、城市风景和叙事场面。近期由于对细节的描写和对社会、文化或者政治主题重视，超级写实主义风格比照相写实主义更加文学性。新的照相写实主义延续避免照片异常，因此两者形成鲜明对比。超级写实主义画家模拟并提高精确的摄影照片，在社会和文化的背景下，使之产生有光学说服力的现实幻象。在纽约的华人艺术家韩相宁，司徒强，夏阳，姚庆章等均有出色的表现。超级写实主义的哲学根源自让·鲍德里亚的理论，“模拟的东西永远不在现实中存在”。（the simulation of something which never really existed.）因此，超级写实主义创建了一个虚假的现实，是一个令人信服的幻想，是基于现实的一个模拟。超级写实主义绘画和雕塑作品是数码相机拍出并在计算机上显示的超级高分辨率的照片的副产品。就如照相写实主义效仿模拟摄影，超级写实主义利用数码照片并扩展之来创造一个新的现实的感觉。超级写实主义绘画和雕塑使观众得到高清晰度图像的幻觉，但是比图像更细致。超级写实主义作品更多地关注细节和对象。超级写实主义绘画和雕塑作品并不是照片的严格诠释，也不是某一个场景或主题的文字插图。相反，它们利用其它的，往往是微妙的绘画元素来创造实际上不存在或者人的眼睛不能看到的现实幻觉。此外，它们可能包括情感、社会、文化和政治主题要素作为视觉错觉的扩展，与照相写实主义有所不同。根据现代哲学中的距离论的观念，认为传统的写实是基于作者的主观意识，观众了解的可能性较小，若用大家共同的眼睛（照相机）来观察和反映，则能为更多的观众所了解，传达的范围也就更普遍。 照相写实主义的作品常常把对象放大5～10倍，改变日常事物的尺寸，造成一种异乎寻常的美学和心理效果。具有严峻和冷漠感的形象，能传达出当代西方社会人与人之间的疏远、冷漠和无人情味，并且为商业广告开辟出一条新的途径。 超级写实主义画家和雕塑家使用一些机械方式使图像转移到画布或者模具上，包括预描或打底和制模。幻灯片投影仪或者多媒体投影仪将图片投射到画布，网格等基本技术也被应用来确保精确性。]雕塑采用聚酯直接应用到人体或模具。超级写实主义需要高超的技术和精湛的技巧来模拟一个虚假的现实。因此，作品往往结合并利用摄影的局限，如景深、透视和焦点范围。数字照片会出现一些异常，如碎片，一些画家也利用这一点来强调其数字源，如查克·克洛斯、丹尼斯·彼得森等。超级写实主义的绘画和雕塑通过微妙的灯光和阴影效果，创造出有形固态和实际存在感觉。超级写实主义的绘画作品往往是原始参考照片的10倍或者20倍，但保留了极高的色彩分辨率，精确度和细节。许多作品通过喷笔实现，用丙烯酸树脂、油或两者兼而有之。缪克Mueck，Ron的生动的雕塑作品比实际对象大很多，通过对聚酯树脂和多种模具的细致使用，使作品细节非常有说服力。 有些超级写实主义艺术家通过遗留的仇恨和不容忍叙述描写，揭露极权主义政权和第三次世界军事政府。丹尼斯·彼得森、戈特弗里德·郝文和毛岚Maulan，Latif在作品中描述了社会腐朽的政治和文化偏差。丹尼斯·彼得森作品关注散居的犹太人、种族灭绝和难民。郝文对发展了一种非常规的叙事方式，作品针对犹太人大屠杀的过去、现在和未来的思考。毛岚的作品主要批评社会对弱势群体的无视。主题包括种族灭绝的图像，其悲惨的后果和思想意识的结果。这些有争议的艺术家通过作品激进地对抗人权状态。这些栩栩如生的作品是对人类的荒诞行为的历史评论自20世纪中期以来，在美国和欧洲作为一个独立的艺术运动和艺术风格发展起来。
蒙克斯 Alyssa Monks 大众超现实主义Massurrealism： 是一种艺术形式，它源于与大众传播媒介相关的艺术和超现实主义图像的结合，是一种在科技和大众传媒为催化剂的基础上进一步演变的超现实主义的艺术倾向。‘大众超现实主义’一词是由艺术家詹姆斯·西哈夫James Seehafer在1992年创造出来的。此艺术形式吸引了越来越多的新媒体艺术家，是由于当代艺术家在二十世纪末/二十一世纪初所使用的创造性工具已转向综合使用更多的电子媒体和方法。它从开始的一个基层艺术风格，逐渐在美国形成的了一个小团体。大众超现实主义同时也受到大众传媒通讯的影响，其中受超现实主义影响的图像表现于：印刷媒体、电影和音乐录像。
三小时旅游 Three hours tour 反写实主义Anti-realism或反现实主义： 从哲学角度来分析，反现实主义是用来描述任何实体的客观现实之否定，无论是真实的还是虚假的。对于他人证实过的过去、未来、共性、数学实体（例如，自然数）、道德类别、物质的世界的全否定，否定他人的想法和逻辑推理，反对通过事实的引证和结论。从艺术角度来研讨，包括视觉艺术、写作、音乐和歌曲，反写实主义主要是反对一味描述现实，反对历史传统上长期以来一成不变的的模仿现实。反现实主义在视觉艺术中有时指超现实主义。
反写实主义 Anti-realism 恐怖艺术/芬克艺术Funk art： 是针对无对象nonobjectivity的抽象表现主义的反应。作为一种反抗运动。芬克艺术开始画主题是比喻如杰克逊·波洛克的抽象表现的形式等。该运动的名称是从时髦和古怪的爵士音乐词派生的。描绘激情、感性。很多人认为芬克艺术是粗俗的艺术风格，芬克一词也有消极内涵，因为这个词与臭味有关联。在1960年代和1970年代，整个芬克艺术是受欢迎的艺术形式，主要是在美国加利福尼亚湾区。
芬克艺术 挪用艺术Appropriation art： 理查德-普林斯是这种“挪用艺术”的先驱人物之一，他自上世纪70年代开始涉足此项艺术形式，他从拍摄诸如钢笔、家具之类的广告摄影作品入手，然后开始拍摄更注意表现力的广告，如万宝路广告。他认为，拍别人现成的摄影作品，可以得到他自己创造不出来的画面。他有一次甚至打了比方，说这好比从收音机里听一些曲子，感觉上总好过自己一个人在家里用音响放出来的效果。1992年，他曾为自己的艺术手法辩护说：没人关心这种作品。如果说到偷，要想偷东西，当然是去银行了。理查德-普林斯这种作法，在开始时，确实并不受到太多人的注意，因为他的“艺术造诣”还不高，名声也不响。但随着他“挪用”的作品越来越多，受到了艺术界的关注，他作品的售价也不断上涨。2005年，他的一幅“万宝路牛仔”的“挪用”摄影作品，创下了摄影作品的拍卖纪录，达到120万美元！据他称，此后，他收到过威胁信，也有法律纠纷，并曾和一个摄影师在庭外合解。对于那些被挪用了作品的摄影师们来说，更多的是无奈。吉姆-克兰兹看到自己拍的万宝路牛仔被当成别人的艺术作品作成海报，还以9.95美元一张的价格在博物馆的商店出售。他希望，所有看这个展览的人，能明白，在这些展出的作品后面，还有众多真实的原创作者，而不要误认为这些作品就是展览作品的人的原创。“我不是一个无聊的人，”他说。“我只是希望得到他人的认可和理解。”“如果被模仿是一种被别人夸奖的方式，那我只能接受这种赞赏了。”据吉姆-克兰兹回忆，有一次一个女士到芝加哥他的摄影室参观，看到一幅他拍的万宝路牛仔图片，这位女士惊讶地说：“哎呀，理查德-普林斯有一幅作品，和你的这张一样！”2003年，理查德-普林斯“挪用”的一张他拍的万宝路牛仔的照片，在佳士德拍卖行，以33万2千3百美元售出。虽然这张照片被夸张性地放大了，但其实其每一个像素都与原作一样。理查德-普林斯的艺术手法，让万宝路牛仔照片的原作者吉姆-克兰兹愤怒。他近日在接受《纽约时报》的采访时表示：“我所有的问题，其实就是希望有署名，让大众知晓我是原作者。一个艺术家竟然不懂得自己创作作品，我真不太理解。如果我用斜体字抄一遍《白鲸记》（注：MobyDick，美国著名小说，作者为赫尔曼-梅尔维尔），是不是就可以说这部作品就是我写的？”虽然今天挪用艺术已广泛地存在，但对于挪用艺术的定义，挪用的方式，创作和抄袭在挪用观念上的尺度，还有着很大的争议。
挪用艺术 录像艺术/录影艺术Video art： 是60年代中期兴起的前卫艺术表现形式，延续至90年代仍然为世界许多美术家所热衷。录影艺术是指艺术家通过录影的手法来创作艺术品作品。艺术家并不全是把录影当成媒体的性质，而是将录影当成表现技术和方法加以运用，来表达他们的艺术创造意念。许多观念艺术、装置艺术、身体艺术、地景艺术等艺家，都曾藉录影艺术传达他们的作品给观众。
录影艺术 At the Hyde Park Art Center, the gallery starts on the side of the building with a projection screen for video art |
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