让外行人变专家的实用赏画技巧

laobing719 2017-11-18

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王胜教授的艺术讲堂已经举办了两次，

很多读者粉丝都纷纷表示颇有收获，

这一次王胜教授将从19世纪的名画讲起，

让王胜教授带着我们一起走进圣路易斯艺术博物馆吧！

开课之前，再次隆重介绍王胜教授

王胜教授，1956年出生於中国齐齐哈尔市，1983年获鲁迅美术学院油画系艺术学士，被聘在该学院油画系教授油画和素描。1987年该学院选送他以访问学者身份到美进修，研究美国的艺术教育，同时进行个人创作。他先後在伊利诺伊大学、圣路易华盛顿大学的艺术学院和芳邦大学艺术系进修并获得美术硕士MFA学位，于1990年进入圣路易斯芳邦大学艺术系任教迄今。教授油画技法，绘画色彩理论，素描和研究生的独立创作。王胜教授作品曾被《美国艺术新闻》和《美国艺术家》等报刊杂志登载，并多次获得艺术展览的大奖。

这次讲座开始前，王老师帮读者们回顾了一下前两次的内容--圣路易斯美术馆15世纪到18世纪的馆藏赏析

15世纪时绘画的繁荣以Flemish School(弗拉芒画派)为代表，那时油画技术渐渐成熟。Flemish是比利时佛兰德地区目前存在的行政区划名称。

16世纪意大利画家相继开始研究油画，慢慢艺术中心向南迁移，各画家也渐渐形成了自己不同的画派。代表人物有拉斐尔、米开朗基罗、达芬奇、提香等。

17世纪，巴洛克风格的绘画盛行，艺术中心转到荷兰，代表人物有伦布朗等，那时的荷兰绘画对风景和静物的描绘尤其突出。

18世纪的英国发展出洛可可风格的艺术，以俗气琐碎的装饰性为特点，将艺术品位拉到低谷，该时期同时出现了新古典主义和浪漫主义的萌芽。

学院派

本次讲座从19世纪的绘画开始，那时很多艺术画派开始形成，出现了现实主义，或称写实主义等令人激动地艺术作品。之后又出现印象派，后印象派，野兽派，未来主义等。

“Peace”,Adolphe-William Bouguereau

19世纪到20世纪初是艺术发展最精彩的时间段，上面这幅画的作者是19世纪末的法国学院派画家，名叫威廉·阿道夫·布格罗 (William Adolphe Bouguereau, 1825年-1905年)，在19世纪乃至后世都非常有影响力。大部分作品都是表达爱、peace等主题。看这幅画可以感受到画家强大的绘画功底，不论是画中人物的肤色、比例，还是全画的构图、色彩，都是完美无瑕，不可不堪称一副佳作。但是布格罗的作品也可以说一种“eye candy”，非常养眼、甜俗。它除了能给观看的人带来视觉上的享受以外，再无其他。他的画渐渐也失去影响力，被称为有“市民气的（法语：bourgeois）”。

圣路易斯艺术馆一直有这幅画但是不敢摆出来，博物馆也通常忌讳展览这样的画，免得拉低馆藏的品味。除此之外，他做评委的时候还曾经拒绝过梵高，塞尚等大师的作品，一切不符合学院派的绘画他都不欣赏，导致后来他的名誉也渐渐丧失。直到近几年这个画家才又慢慢被人接受，他的画也开始重新出现在各个博物馆。

王老师讲得声情并茂，以至于读者们怕自己的品味被拉低，纷纷站得离这幅画远远的。

王老师的笑，大有深意

摄影巨作出自：小编

William Orpen, Self-Portrait paintingSowing New Seed(1913)

看完胖乎乎、白嫩嫩的小天使，再对比来看这幅另一位画家的自画像，手法上不是特别写实，人物也并不是像布格罗塑造的那样美丽鲜活，但如果技术太完美就会停留在欣赏技术的层面，反而忽略了艺术家创作的态度，和作品的内在表现。

这幅画实际上在绘画手法上并不简单，脸部的塑造性很强。造型上也很是讲究，但是又不是模仿照片拍摄的效果，有绘画的痕迹。比如额头部分非常结实，强调结构本身，皱纹上也下了不少功夫。这幅画强调选择性，比如帽子造型很简单，文理高光都没有，衣袖虚开，手和肩头又相对清晰。

王老师再次敲黑板：绘画中decision making 很重要！

本作品构图也很讲究，黄色的横线起到将这些有机形态连接在一起的作用，使画面不会太松散。可能外行人并不能看懂这么细节的处理，但是画的大概主题明白就可以了。

同学们，老师对我们的要求并不高。

风俗画

Joaquín Sorolla,Under the awning, Zarauz (1910)

这幅画是西班牙大师赛罗拉在20世纪初的作品，后期有些受印象派的影响，使用了很多鲜艳颜色，也有很多写实的作品。总体有点像美国著名学院派肖像画家萨金特，技术也非常了得。下面这幅画就是萨金特的作品。

The Wounded Sea Gull,（1878）

风俗画主要描绘具体生活场面，没有理想化，也不表达宗教含义，没有主题，只是单纯表现日常生活场景。本幅画作者法国画家布雷东，被认为越来越有自我回归和象征主义的倾向。上面这幅作品就展现了一个女子抱着受伤的海鸥，眼神略带忧郁，是一个很平常的场景，却给人留下深刻的印象和无限的遐想。

拉斐尔前派

“Ophelia” by John Everett Millais, London

在18世纪末到19世纪初出现了拉斐尔前派, 他们认为可以比拉斐尔画得好，他们反对风俗画，这一点也影响了后来的学院派。拉斐尔前派强调故事性，文学性，经常使用小说，例如莎士比亚文学作品里面的情节作画。这是一个很大的突破，因为在这之前基本是以古罗马古希腊为题的作品。

达芬奇也曾提出绘画是不出声的诗silent poem，主张要细细推敲。

新古典主义

Jacques-Louis David, Oath of the Horatii (1784)

拉斐尔前派以后，新古典主义出现了，代表人物有大卫，《荷拉斯兄弟之誓》。他们极端反对巴洛克和洛可可风格，主张回归古典（古罗马，古希腊）的简洁冷静，作品构图中也很少有装饰。他们主要进行主题性绘画，欣赏这些作品有点像看话剧，他们把浓缩的情节放在一幅画作中，这就要求观察者要分开解读每一部分。已上图为例，左边表现三兄弟要去打仗，他们慷慨激昂，义愤填膺，但右边坐着的三个妻子刚好是从敌对国嫁来，面对两难的选择非常悲伤。

浪漫主义

安格尔也是新古典主义的一位大师，然而当时另一位新兴的浪漫主义大师与安格尔展开了世纪之战。

Eugène Delacroix, The Death of Sardanapalus

新古典主义正在发展的同时浪漫主义诞生了，德拉克洛瓦是浪漫主义的创始人，他强调戏剧性，passion，不是冷静的，造型上也并不严谨。以上面的作品为例，国王得知战败，在自杀之前命人杀掉爱马和爱妃，虽然他冷静的躺在床上，但不难猜测他的内心是怎样波涛汹涌，不能自已。

安格尔当时是学院派里面的大师，无论是技术还是艺术修养上都十分受人尊敬。

王老师点评：一看就是一张有学术权威的脸！

自·带·光·环

安格尔责怪德拉克洛瓦素描不优秀，德拉克洛瓦声称安格尔不懂色彩。

他们在历史上都很有名，学术地位也很高，两位大师还能否好好一起玩耍呢？如果你想要了解世纪之战的精彩过程，

请自行Google！

好，

认真听课的同学们，

我们继续讲浪漫主义

先上个图

Edwin Henry Landseer, Attachment, (1829)

Sadak in Search of the Waters of Oblivion, John Martin, (1812)

第一幅图讲述的是主人从悬崖掉下，自己的狗非常伤心绝望，趴在主人身边。第二幅图也同样有一种悲壮的感觉，并且造成了不知主人公能否爬上去的悬念。这都是浪漫主义运用戏剧性表达方法很好的体现。

不过小编发现浪漫主义画派对悬崖还真是迷之偏爱

终于知道爱情悬崖有多浪漫了

此刻王老师又出名言：

作品超越技术本身，我们一开始提到的布格罗虽然曾经非常流行，但作品如果要经久不衰，技术不是全部，而是必须要打动人。

巴比松画派.写实主义

Gustave Coutbet, The Valley of Ornans, (1858)

在这之后出现了巴比松画派，并与学院派共存，成为了写实主义的起点。虽然这并不是主要艺术运动，但是巴比松的走出象牙塔，画真实风景的主张冲击了布格罗惯有的精细和甜俗。巴比松可归于写实派，但不同于印象派，他们作画不研究光，只是画看到的风景。库尔贝是写实主义鼻祖，他的画非常solid，不使用虚实，并且一向小心选择出现在画中的重要的静物。上面这幅画并不是特别精细，据王老师·福尔摩斯推测是库尔贝quick study作品中的其中一幅。

王老师·福尔摩斯

Gustave Courbet, The Artist's Studio, (1855)

可以看到库尔贝《画室》这个作品处理非常精细，除了表现他几年来的艺术生涯之外，画中还集中了上流社会各个阶层的形象，表现一个法国社会的缩影。

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提到写实主义不可不提到柯罗，他也是法国有名的写实主义画家和肖像画家，但是他的风景画会比普通的写实主义带给观众更多的联想。可以看到上面的作品中微风吹动，一切的风景都呈雾状，朦朦胧胧，若隐若现。柯罗的作品在巴黎、纽约等地收藏颇多。

Jean-François Millet, The Knitting Lesson,(1869)

米勒也是巴比松画派的代表人物之一，他同时也是法国最伟大的田园画家。他的画有浓浓的'earthy smell'，这样的作品在国内非常推崇，符合大众的欣赏眼光--质朴，亲切，不追求华丽。

梵高早期收到米勒很大的影响，例如《吃土豆的人》这部作品就有着很强的田园风格。

Vincent van Gogh,The Potato Eaters,(1885)

Théodore Géricault, The Raft of the Medusa, (1819)

席里柯是法国浪漫主义的先驱，对浪漫主义和写实主义都有很大的影响。上面这幅作品是《梅度萨之筏》，这幅画描绘了法国海军的巡防舰梅度萨号沉没之后生还者的求生场面。当时人们坐在筏上漂流了好多天，几乎失去希望。大家可以看到筏上到处躺着已经死去的人，还有的伤心地揽着同伴的尸体陷入沉思。这时突然看到不远处有一艘船驶来，大家欢呼雀跃，希望之火又被点燃，他们挥舞着手中的衣物来求救，画家捕捉到这个场景，将画面所表现的主题推向高潮。《梅度萨之筏》是典型的浪漫主义绘画的代表作。德拉克洛瓦，就是前面提到的与安格尔开展世纪之战的浪漫主义大师，看到了这幅画赞叹不已，回到画室一连几天画不出自己的作品来。

他当时的表情八九不离十就是这样

印象派

Claude Monet ,Charing Cross Bridge, (1904)

莫奈最爱伦敦的雾，他画中的伦敦也都别有一种雾蒙蒙的美。上面作品中的查令十字桥莫奈画过无数，每一个都呈现在一个不同的光影作用下。印象派果然是很擅长研究光，这要归功于本来与艺术没有什么联系的科学研究了。

绘画艺术与科学有三方面合作：透视(Perspective)，照相机投影(Camera Projection), 和光学原理(Optical Principle)。印象派画家就充分使用光学原理，莫奈就非常喜欢研究草垛、教堂等景物随着时间和光线改变而呈现出的不同样态。

王老师解说到：“白光由赤橙黄绿青蓝紫几种颜色的光组成，有光就有色，没光就没有色。视网膜可以投影红黄蓝三原色，光的投影的颜色是光的对比色，例如黄光下的投影是蓝紫色的，也就是由三原色另外两种光--红光和蓝光的颜色组成，还有比如红光的投影是由蓝黄组成的绿色，等等。”这也是印象派画家最常使用的光影原理，通过研究光在人眼中呈现的不同状态来作画，就形成了这样一幅幅带给人心灵的震撼，同时也值得人细细品味的作品。

Claude Monet ,Water Lilies, (1915-26)

这幅睡莲是莫奈最好的三幅睡莲中的一幅，另外两幅分别在堪萨斯城和克利夫兰。细细观察这幅作品可以看到画面并不是静止的，而是颜色在颤动。这是因为画家使用了不同的颜色但是明度相近的色彩来作画，于是就产生颤动的效果。王老师指出，这样的多层叠加的画法很难复制，虽然毕沙罗(下方作品)也同是法国印象派大师，但他的画也最多只有三四层的覆盖，而莫奈的画多层叠加，甚至可以从侧面看到他画的厚度。

Camille Pissarro,The Louvre: Morning, Sunlight,(1901)

这时候一个粉丝瞪着纯真的大眼睛问：老师，可以用X光照出来一共画了几层吗？

王老师内心：

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于是此刻王老师决定下一期讲座主题：《如何做到不体罚学生》

王老师平静了一下，我们继续回到课堂。

说到绘画的保存，老师提到古典绘画家使用调色油，这样画面很润不容易干。而印象派的绘画是颜料层层叠加，不加任何调色油，这样就导致画面容易皲裂。现在的办法是在画的表面加一层树脂来保护。印象派的作品是美国的收藏最好，他们也占了一战的便宜，当时希特勒由于自己在艺术方面的不得志而非常憎恨现代画派，于是低价拍卖买了很多。

一战后有一个人物我们不可不知，就是德国画家马克斯·贝克曼 (Max Beckmann), 他在战争结束后搬到圣路易斯，在华大教了几年书，因此他的作品在圣路易斯艺术博物馆中收藏的最好。贝克曼是本世纪最主要的表现主义画家之一。

Max Beckmann

Max Beckmann's Paintings

后印象派

后印象派的三个代表人物是高更，梵高，和塞尚，他们分别代表后印象派中的象征主义，表现主义，和立体主义。

高更和梵高这一对CP大家多少都有些了解，他们的友谊夹杂着尊敬和仰慕以及敬爱和迷恋，是非常复杂的，也是让人无法琢磨的，据说梵高失去耳朵就和高更有关。下面这两幅作品分别叫做《高更的椅子》和《梵高的椅子》，就是梵高在高更离去后画成的，这其中的孤寂感和幻灭感不难体会。

Paul Gauguin, Landscape with a Horse, (1899)

高更是很富有的人，他后来厌倦了城市的富裕生活，一走了之。他的作品也如他的人一样潇洒，跳脱束缚，象征性很强。例如下面的作品《我们从何处来？我们是谁？我们向何处去？》就是用梦幻的手法带领大家进入时空以外的思索。

Paul Gauguin, Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going? (1898)

Van Gogh, Factories at Asnieres Seen from the Quai de Clichy, (1887)

Vincent Van Gogh, Stairway at Auvers,(1890)

梵高是大家非常熟知的后印象派大师了，他也被认为是不折不扣的表现主义画家。上面提到的以两把椅子为中心的画作就是他用实物来表达他内心的主观感受的典型。一把椅子在普通人眼里可能只是造型和颜色可以吸引人，但在梵高眼里这两把椅子以及椅子附近的物品都能勾起他对感情和命运的思考。

Cezanne, Still Life with a Basket,(1888)

塞尚也是公认的后印象派大师，他的画作特点是非常理性，经常使用橘色绿色黄色和蓝色。同时他也更追求立体性，因此也被后世归为立体主义画派。

后印象派与印象派相比，除了颜色同样都是使用小色块以外几乎没有什么特别的联系。后印象派不追求印象，而是追求自己对画面的理解，不是根据视觉规律而是根据色彩规律来作画。后印象派更强调个性和感受。

野兽派. 表现主义

Max Pechstein,Indian and Woman,(1910)

野兽派属于表现主义画派，强调自我内心感受，艺术家们经常使用强烈刺激的颜色，例如上图中的绿色，红色，橘色等等。

Henri Matisse, Bathers with a Turtle, (1908)

马提斯是野兽派的代表，他的画有鲜活的生命力。画中人物造型将就，看似笨拙的线条其实在有限的空间里塑造了无限的趣味性。他不强调通常的流畅美，而是反其道行之，上图就是用稚拙的，简单的线条体现小孩子的稚趣。画中人物经常不使用司空见惯的人体造型，而呈现肢体扭曲的姿势。从上面的画作中也可以看出马提斯在作画时不断修改，人物边缘也有很多struggling的地方，这也体现了他的艺术哲学：完美和非完美的对比。马提斯著名的作品还有Dance(下方画作)等。之前我们提到的一战后搬来圣路易斯的德国画家Max Beckmann画作中所使用的黑线就是从马提斯这里来的。除此之外马提斯还强调剪影的效果，人物的边缘不是很自然地与背景融为一体，而是脱颖而出的感觉。他的画作通常也要修改几遍，作画的process非常不好模仿。

Henri Matisse，Dance, (1910)

Lovis Corinth, Nana-Female Nude,(1911)

德国画家洛维斯·科林斯是印象派兼表现主义，上面的作品虽然写实，但是更侧重于表现内心。画中人物的姿势让人不由得联想到罗丹的思想者，手指用力抓自己的身体，整个肢体都在用力，显示出思考时的困顿。这幅画为我们展现不只是一个模特在画室里面摆姿势，而是真的有个人的情绪在绘画中，这也是最震撼人心灵的。

未来主义.立体主义

野兽派. 表现主义野兽派. 表现主义野兽派. 表现主义

未来主义也是表现主义的一种，画家们主要是表现城市化和工业化的速度以及战争环境给人的不良影响。

立体主义的风格有时会融合在未来主义的画作中，他们主要使用的颜色是红和绿。

Otto Dix, 'The Felixmüller Family' (1919)

说到对痛苦的表现，在这里插入卢奥大师的绘画作品

Georges Rouault, Singer with a White Plume, (1928)

乔治·卢奥就是现代画的大师，很多人将其归于野兽派，总的来说他属于表现主义。他的作品中大多使用强烈的色彩和扭曲的线条来描绘人类的痛苦。

现代超现实主义