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我以为真正的美丽，是可以通过时间考验的东西。时间，有着压迫、不赦免任何人的腐蚀力量，以及将所有事物归还土地的意志。能够耐受这些而留存下来的形与色，才是真正的美丽。 ——杉本博司《直到长出青苔》 已经69岁的杉本博司， 长期活跃于国际舞台， 是日本当代最著名的艺术家之一。 「摄影界哲学家」「现代美术家」 「建筑师」「古董收藏家」 「最后的现代主义者」等都是他的标签。 他将镜头 对准自然历史博物馆、老式影剧院 以及世界各地广阔无垠的大海， 呈现出一幅幅冷静凌厉的作品， 黑白的影像世界于宁静无声处震撼人心。 他尤其喜欢南宋画僧牧溪的画作。 牧溪的风格大多自由放逸， 在当时被视为且有悖传统而不被主流认可， 却在日本备受推崇。 杉本他开玩笑地自称为“宋朝摄影师”， 用摄影模仿他的观念。 石舞台 他的创作将东西方史学 哲学和美学带入摄影， 并将摄影作品提升至艺术品层次。 他的作品非常平静， 黯淡的画面虽毫无生气， 给人一种冷冷的感觉， 却使无数人驻足于他的作品之前。 《音乐课》 杉本博司的摄影作品， 几乎看不出拍摄时间、拍摄地点， 或者时代背景什么的。 他的镜头从不瞄准活物， 也不关心具体的人和事。 快乐、赞叹、痛苦、伤悲、哀愁， 这些情绪在他的图片中几乎无迹可寻。 黑与白所构成的画面呈现出的 是气势磅礴、令人生畏的场景， 暗示着生与死，还有时间。 《自然博物馆》系列 当人们看到杉本博司拍摄的 《自然博物馆系列》时， 很容易信以为真， 以为镜头下的凶猛的北极熊、 嬉戏的海洋生物、 翱翔的鸟类都是活物。 然而杉本博司告诫观众：“所见即空”。 事实上， 这个系列均取材自纽约自然博物馆。 广角镜头下， 冻结在时间里的动物们 显得栩栩如生，神态自若， 如果不是猿人出现， 几乎就像一张张精彩的动物摄影作品。 但是这种真实却让人缺乏距离感， 没有前实后虚， 也没有通常拍摄野生动物时的小心翼翼， 更多的是置身事外、从容不迫。
杉本博司认为， 标本或蜡像虽然都不是活物， 但在镜头下却有活生生的感觉。 他通过拍摄这些事物从而探索时间的起源， 旧时光由此获得重生。
《剧院，Theaters》系列 如果说杉本博司的博物馆标本 是企图“欺骗”人们的视觉， 那么他的剧院系列则是真实地截取时间的片段。
“一个晚上， 当我在美国自然历史博物馆拍照片的时候， 忽然有一个想法，我问我自己， 如果把一整部电影在一张照片上拍摄出来会是什么样？” 这就是杉本博司著名摄影作品 《影院》系列创作灵感的来源。
杉本博司的《影院》系列， 整组照片每一张画面的正中心 都是一块方方正正的正方形， 这块规整的正方形是一部完整电影的痕迹， 是某段时间一种有形的记录。
曾经热闹非凡的电影院， 在一部电影终结时， 当观众陆陆续续的散去， 谈话声消失了，哭笑声消失了， 脚步声消失了。 静静的，唯一依然存在的 是那播放过无数电影的屏幕， 仍然残存一丝人体温度的座位 和属于影院建筑中的一切， 它们见证了时间的流逝。
他所选取的电影院多数建成于20世纪初， 历经半个世纪依旧保持着始建的豪华装修。 现场观众则化为难辨身份的点或线， 宛如幽灵， 与散发着苍白光芒的屏幕、豪华的剧院 形成一种凄美的历史感。
正如日本经典文学《方丈记》开头所言： 江河流水，潺湲不绝， 后浪已不复为前浪。 浮于凝滞之泡沫，忽而消失， 忽而碰撞，却无长久飘摇之例。 世人与栖息之处，不过如此。
《海景》系列 “我拍摄的是物的历史。 在《海景》系列里， 我要处理的对象是水和大气。 这两样可说是至今为止 对人而言变化最少的东西吧。 其他世间万物都随岁月的流逝而变化。 我的艺术的主题是时间。” ——杉本博司
有评论者对此系列作品的评价是： “大海终于回归了人类未曾触摸的原始状态。 杉本博司的海景不再是海的照片， 它们最终成为 从黑暗的过去升起的某种东西， 是一种时间机器捕获的 超越我们存在的视觉， 那些海的物质如水 和空气暗示我们生命的起源”
在42年的摄影生涯里， 杉本博司还创作了《佛海》、 《建筑》、《肖像摄影》、《观念之形》、 《影之色》等摄影系列。
YSL圣罗兰邀请杉本博司为其经典款拍摄的照片， 一直是画廊展出和拍卖会上焦点。 对于观看者来说， 可能永远无法猜透摄影师 按下快门的刹那间的所思所想， 重要的是， 拍下的照片能引发怎样的思索。
看杉本博司的摄影作品， 无论你是何种皮肤、何方来客， 都能感受到其中蕴含的刹那与永恒， 生命的短暂与兴衰。 它们无关国籍、无关地域， 承载的是人类全体的记忆。 责任编辑：子曰 图片来源网络，如有侵权请联系删除。
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来自： 君悦2015 > 《摄影,美术,书法欣赏》
