 琼·米切尔 构图 Composition 豪瑟沃斯画廊2018巴塞尔艺博会
成交价1400万美元
作品介绍
2018年瑞士巴塞尔艺博会于6月12日拉开序幕。在这一年一度如期举行的艺术盛宴上，豪瑟沃斯呈现了画廊代理艺术家、艺术资产及闻名全球的私人收藏中的一系列顶级作品。展览亮点包括琼·米歇尔（Joan
Mitchell）著名的“向日葵”系列作品《构图》（Composition，1969）。
在琼·米切尔的《构图》（1969）中，色彩是这件作品的活性剂：各种颜色在一起突进着、破坏着、颤抖着、滴注着、凝固着、漂浮着、甚至爆发着。视线在巨大的帆布画面上，从锋刃般的橘黄色切口处，飞快地跳跃到由厚颜料绽放开来的金橙色，又从繁花般弥漫着的黄色，迅速地转移到由潮湿斑块堆砌出来的橄榄绿色。在粉红色笔触与蓝紫色轮廓的辅衬下，这幅抽象画像一部色彩缤纷的交响乐，或许更准确的说，像是一捧令人炫目的花束。
 琼·米切尔 构图
Composition
《构图》是琼·米切尔的“向日葵”经典系列中的一件绚丽的作品。“向日葵”系列是琼·米切尔在1969年首轮完成的一组作品（在她后来的艺术生涯中，虽然也回归到向日葵这个主题，但是她以截然不同的风格进行创作）。在她创作出这幅作品的前两年，1967和1968年记载着她事业的重要里程碑。在这两年中，她沉浸在母亲离世的悲痛里；在纽约玛莎·杰克森画廊的个人首展中展出了她在法国弗雷米库尔街最后创作的作品；与巴黎画商让·福涅尔建立了职业上的关系；从巴黎搬到了距离城市以北65千米、田园牧歌般的乡村弗特伊
- 她在那里度过了她人生的最后时光。
 琼·米切尔 构图
Composition
明显的环境变化促使米切尔进行以向日葵为主题的全新创作：向日葵的生长轮回，在风景中摇曳的仪态，粗壮厚实的枝干和向阳生长（法语：tournesol）的扁平花盘。米切尔在她的花园里种植向日葵。向日葵是这个地方常见的植物，不同的种类有八到十尺那么高。弗特伊乡村的大画室使米切尔得以在大画幅上用厚颜料传达大地般壮阔的情怀。这些油画（她也用素描绘画和蚀刻版画的形式创作这一主题）铺满了巨大幅度的黄色和金色，并被大面积的白色拥护着，也被华丽的色调衬托着。既直接又有目的性，这些油画将靠近的观众吞噬-通常更空虚更深邃-像从未体验过那样。“这些由向日葵系列随之带来的突破”，简·利文斯顿写到，“可以被视为这个艺术家受到弗特伊田园牧歌乡村生活的引领，向全新的艺术方向转变的决心。[1]
 琼·米切尔 构图
Composition
“向日葵是一种令我产生强烈感情的东西”，米切尔说。“它们在生长时是那么美好，而凋谢时又是如此动容。”然而，她又特别指出，“我不喜欢向日葵花田。我喜欢当它们被独立出来时，当然，也就像梵高画的那样。”[2]
确实如此，艺术史学家频繁地将米切尔的“向日葵”系列与文森特·梵高的美妙画作作对比，尤其是于1889年创作的最著名的代表作“向日葵”。把两个系列并排放在一起，朱迪·E·贝恩斯德克写到：“（米切尔‘向日葵’系列中的）画面是由既大胆又抒情的潦草彩色线条呈现出来的，这让人回忆起梵高作品中那具有震慑力的起伏表面”。然而，梵高在多变的刻画中，传达着不同质地的花朵本身。米切尔却是用动态十足的笔触技法把空间塑造得立体。她的向日葵是没有实物花朵的，而是借助颜色的和谐化为整体带来一种“向日葵”
的质感。反观梵高的画，无论是主观臆断还是曲解判读，都保有一种真实的静物感。[3]
 琼·米切尔 构图
Composition
米切尔的“向日葵”系列也呈现在与克劳德·莫奈的对话中。在克劳德·莫奈搬去吉维尼的前三年中，他也在弗特伊乡村的同一个地区生活与创作过。米切尔的创作以印象派对背景颜色的抛弃理念为基础，在帆布画面上大部分留白，并秉承印象派的绘画姿态，从而达到松弛并扩展到疯狂炙热的极端。像莫奈和他的同行们，米切尔善于捕捉对自然的印象：那是具象派无法企及的一种由自然产生的力量与活力的愉悦感。
在米切尔的画作中，常常伴随着诗性的启示，菲利浦·拉瑞特-史密斯写到，“米切尔的向日葵是绽放，那是一种不可重复的瞬间的记忆…向日葵自身消融在了她那有强力的涂绘中，仿佛图像是从她的身体抽出。黄色与橘黄色汇聚成发光体，几乎完全被转化成一束纯粹的光，纯粹的感受。”[4]
注：
1) 简·利文斯顿，《琼·米切尔的画作》，加州伯克利： 加州大学出版， 2002年，32页
2) 琼·米歇尔在哈利·高的书籍《黑暗胜利》中的引述，1988年6月，艺术新闻
3) 朱迪·E·贝恩斯德克，《琼·米切尔》，纽约，纽约州：哈德逊河出版，1988年，87页
4)
菲利浦·拉瑞特-史密斯，《小记琼·米切尔》，收录于《琼·米切尔》，爱丁堡/英国：因弗利斯，爱丁堡皇家植物园，2010年
画家简介
琼·米切尔（Joan Mitchell，1926-1992），又译为“琼·米歇尔”或“琼安·米契儿”。美国
抽象表现主义画家兼版画家，被公认为第二代美国抽象表现主义者中的主要人物。生于芝加哥，并于芝加哥艺术学院获得艺术学士学位（1947年）和艺术硕士学位（1950年）。跟德库宁与克莱因(Franz
Kline)学过画，后来去了法国巴黎，认识了加拿大画家黎奥佩罗(Jean-Paul
Riopelle)，两人自此共同生活创作数十年（晚年离婚），虽然他们工作室是分开的，但艺术创作相互影响。黎奥佩罗家境富裕，夫妻二人生活优渥，可以完全不需工作、不管艺评如何评论，更不必攀谈策展人的脚跟，全身心专注于创作。她是她时代少数几位获得批评和公众赞誉的女画家之一。
琼·米切尔于1949年迁往纽约，并积极加入艺术圈交流。自1955年开始，她来往于巴黎和纽约两地，并在1959年彻底搬到巴黎生活。1968年，米切尔在巴黎西北部的小村庄维特伊（Vétheuil）定居，同时继续在欧洲和美国举办展览。在维特伊，她开始定期邀请处在职业生涯不同阶段的艺术家驻留，为他们提供场地和支持以帮助他们发展艺术实践。米切尔于1992年去世时，她的遗嘱指定其部分遗产应用于成立基金会来直接支持其他视觉艺术家。米切尔的画作和版画可以在美国和欧洲的主要博物馆和藏品中看到，包括纽约现代艺术博物馆
; 惠特尼美国艺术博物馆，纽约; 芝加哥艺术学院 ; 明尼阿波利斯沃克艺术中心 ;
琼·米切尔是美国第二代抽象画家里为数不多的女画家。20世纪50年代，她被认为是纽约画派的领军人物。早年的画作受到塞尚、康定斯基、梵高、莫奈等人的影响，后来受到弗兰兹·克莱恩、威廉·德库宁和让
-
保罗里、奥佩尔等人的影响。她的画作很大，通常由两个画板组成，以风景画为主。她经常在未涂底漆的帆布或白色地面上作画，采用手势甚至是暴力的笔触，她将一幅画描述为“一个在空间中转动的有机体”。在1960年至1964年期间，她远离了早期作品的全方位风格和鲜艳色彩，而是使用阴沉的色调和密集的中央色块来表达早期和原始的东西。据说这些作品中的标记非同寻常：“油漆被甩到画布上，溢出并溅到表面，并用艺术家的手指涂抹。”
艺术家自己将在20世纪60年代早期创作的作品称为“非常暴力和愤怒”，但到了1964年，她“试图摆脱暴力阶段并进入其他目的。
“第二代抽象表现主义画家”是琼·米切尔无法甩掉的标签，她深知这其中的意义和无形的束缚，但是她决定让标签的问题随风而去，选择沉浸在创作中。“我的绘画无关乎那些所谓的艺术话题，他们关乎于一种感觉，是我对外界对风景的直观的感受…另外，绘画和创造它的人也没有什么关系。我的绘画仅和感觉相关。”米切尔说道。她后来的传记作者曾经披露出了她不为人知的一面：琼·米切尔具有联觉和遗觉记忆。这也展现在她的画作上，因为在她的世界中，音乐激发出视觉化的颜色和形状，加上过目不忘的病症都是造就她成为杰出艺术家的重要契机。米切尔超越了第一代抽象表现主义画家，因为她不仅找到了属于自己的独特风格，还将绘画中强调动作的部分与颜色相结合。她把从物体中得到的感知和马蒂斯、梵·高的灵韵相互交融。根据艺术史学家Linda
Nochlin的说法，“米切尔图片的意义和情感强度”在结构上产生了一系列的悖论：密集与透明的笔触;网格结构与更混乱，特殊的结构；重量画布的底部与顶部的重量；光与暗;波涛汹涌与连续的笔触；和谐与冲突的色调并置——所有这些都是意义和感觉的强烈迹象。
（阴山工作室根据维基百科编写）
作品资料
作者
名称 《构图》（Composition）
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来源
阴山工作室
本文图片及英文资料均来自HauserWirth画廊，局部细节图片及中文资料系阴山工作室所加。某些英文单词中的分割线和中文被大写拼音替代的词是为了规避网站非法字符审核。参考译文由Google翻译插件自动生成，或有疏谬在所难免。
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 琼·米切尔 构图 Composition 豪瑟沃斯画廊2018巴塞尔艺博会
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