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是的，摄影艺术是不可复制的--听着夏书亮老师侃侃而谈，我忽然有了这样的结论。 N年前，我也曾是摄影圈的编外人士--因为工作的关系，经常约请一些摄影师做一些阳春白雪的展览或是讲座。 基于器材厂商的立场，在约展时除了考量摄影师的专业地位，说到底更顾及的是--这些照片用的是我们的什么器材？体现了哪些功能特性？ 所以，当时最在意的是：1.照片的美观度；2.打印后的细节还原。布展时每一幅作品都会标注器材型号、拍摄参数、甚至输出设备。是的，这些作品就此成为了我们的广告。来观展的人们总是会矜矜业业地拍下那些作品以及拍摄参数和拍摄地点，相互约定下次带着同样的器材去采风。每一次摄影讲座，相机的卡嚓声此起彼伏，活动后总有人投诉说：为什么某一幅照片没有标明参数呢？希望下次改进！ 也因此，总有一个问题困惑着我--摄影是可以复制的吗？ 在此次夏老师的分享中，他强调说：比起技能，摄影创作更需要投入思考，这个思考是拍摄之前之后的思考；通过长期的思考积累，逐渐摸索出自己的个性，用独特的眼光发现可贵的瞬间。  ▲夏书亮摄影作品--来自一次旅途中的抓拍。夏老师说：看见这一家五口上来参拜，觉得有戏，马上一步跨上前抓拍了这一张。  ▲夏书亮摄影作品--同样来自旅途中的抓拍。夏老师说：街上正在举行祭礼，我就一路跟着这个旗手拍。很多人看到照片后说应该把照片反转处理一下，那这个“道”字就可以正过来了。但我觉得既然大家都已经认出来是道字了，还有什么必要特意去反转呢。  ▲夏书亮摄影作品--来自一次商业摄影间隙的即兴创作。  ▲夏书亮商业摄影作品  ▲夏书亮人像摄影作品。巧妙的将远山与近处人物的肩膀融为一体，且色彩上层层递进，夕阳余晖映照下的人物剪影被赋予了更丰富深沉的内涵。 让我们再来看一看夏老师在讲座中提到的被誉为“最后的现代主义者”、“哲学摄影家”杉本博司的作品。 他的海景（Seascapes）系列，拍摄了世界各地无数的海域，地平线一律居中，均匀地将天空和水面一分为二，没有云朵，没有飞鸟，没有船只或海岛，除了光线、海水和空气。完全无视摄影教科书里呼吁的三分法构图和突出主体的要求。 1980 Caribbean Sea, Jamaica  1980 Seascapes  1982 Atlantic Ocean New Foundland (303)  1982 Ligurian Sea, Saviore  1982 North Atlantic Ocean, Newfoundland  1985 North Pacific Ocean, Oregon I 咋看之下，似乎只是不断的重复、画面单调乏味，细看之下却是连绵的倾诉。“我的海景系列和时间概念有很大的关联。我想最早的人类所看到的风景，应该就是海景。然后我又思考最早的人类意识到自我的时候，所看到的海又是怎麽样的？所以这不但是追溯我个人记忆的方法，同时也重叠了全人类共同的记忆。”--杉本博司这样解释他的创作。因此，当我们注视着这些画面，内心逐渐平静、又逐渐涌动，那种纯粹的感受、那种原始的力量震撼涤荡着心灵。 很显然，这样的摄影艺术是不可复制的。因为即便复制，也已经失却了它本来的精神和意义。 真正的摄影作品是有意境的，是形神兼备的，是引人遐想深思的。它们正来源于拍摄者对于创作的长久思考、厚积薄发。 或许摄影最初诞生的目的是为了记录。因为有了相机，我们可以把当下那一瞬无比真实地定格，也可以在此之后对照着照片反复回想回味。但除了底片、数据的复制，摄影艺术本身，有被复制的可能吗？不，事实上拍摄的那一瞬，无论从摄影者还是被摄对象来说，都是不可复制的。 这才是摄影艺术真正的价值所在。而正因为这种不可复制性，才使得摄影作品的出版、发行、收藏成为了必要。  ▲夏书亮H2O系列摄影作品 |
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