 卡拉瓦乔 圣母之死 Death of the Virgin
法国巴黎卢浮宫博物馆藏
作品介绍
Death of the Virgin (1606) is a painting completed by the
Italian Baroque master Caravaggio. It is a near contemporary with
Caravaggio''s Madonna with Saint Anne now at the Musée du
Louvre.
When he painted The Death of the Virgin (c. 1601-6),
Caravaggio had been working in Rome for fifteen years.[4] The
painting was commissioned by Laerzio Cherubini, a papal lawyer, for
his chapel in the Carmelite church of Santa Maria della Scala in
Trastevere, Rome, the painting could not have been finished before
1605-1606.The depiction of the Death of the Virgin caused a
contemporary stir, and was rejected as unfit by the parish.
Giulio Mancini thought Caravaggio modelled a prostitute,
possibly his mistress, as the Virgin.[a] Giovanni Baglione[b] and
Gian Pietro Bellori[c] attributed the rejection to the appearance
of the Virgin. The breach of decorum led to a rejection of the
painting by the fathers of Santa Maria della Scala and its
replacement by a picture by Carlo Saraceni, a close follower of
Caravaggio.
Upon the recommendation by Peter Paul Rubens, who praised it
as one of Caravaggio''s best works, the painting was bought by
Vincenzo Gonzaga, Duke of Mantua. Giovanni Magni, the duke''s
ambassador, briefly exhibited the painting in his house on the Via
del Corso, between 1 and 7 April 1607.Copying was absolutely
forbidden.
The duke''s collection was to be sold to Charles I of England
in 1627. After his execution the English Commonwealth put his
collection up for sale in 1649, and the painting was bought by
Everhard Jabach, who in 1671 sold it to Louis XIV for the French
Royal Collection, which after the French Revolution became the
property of the state.[5] Today it hangs in the Louvre. Prior to
leaving Rome, it was shown at the Academy of Painters for under two
weeks. However, by then, Caravaggio had fled Rome, never to
publicly return. During one of his frequent brawls in Rome, the
mercurial and impulsive Caravaggio killed a man, Ranuccio
Tomassoni, during a sword fight after a tennis game.
The painting recalls Caravaggio''s Entombment in the Vatican in
scope, sobriety, and the photographic naturalism. The figures are
nearly life-sized. Mary lies reclined, clad in a simple red dress.
The lolling head, the hanging arm, the swollen, spread feet depict
a raw and realistic view of the Virgin''s mortal remains. Caravaggio
completely abandons the iconography traditionally used to indicate
the holiness of the Virgin. In this cast-off body, nothing of the
respectful representation found in devotional paintings
remains.
 德国斯特拉斯堡大教堂西大门拱楣《圣母之死》雕刻（1225-1235）
The composition is arranged around the Virgin, the painting''s
central theme. Surrounding the Virgin are overcome Mary Magdalen
and apostles. Others shuffle in behind them. The compact mass of
the assemblage and the posturing of the figures guide the viewer''s
eye toward the abandoned body. He expresses the greater grief of
the former not by a more emotive face, but by hiding their faces.
Caravaggio, master of stark and dark canvases, is not interested in
a mannerist exercise that captures a range of emotions. In some
ways this is a silent grief, this is no wake for wailers. The
sobbing occurs in faceless emotional silence. The holiness of the
Virgin is discerned by her thread-like halo. Suppressing all
anecdotal detail, Caravaggio invests this subdued scene with
extraordinary monumentality through the sole presence of these
figures and the intensity of their emotions. The theatrical drape
of blood-red cloth looms in the upper portion of the canvas; a
common motif in deposition painting, here used to heighten the
scene''s dramatic effect.
The painter makes use of the nuances of light and shadow to
model the volumes of the objects, figures, and clothing. But above
all he accentuates, through this process, the physical presence of
the Virgin, struck by a dazzling light. The artist creates the
illusion of depth through a series of lighter areas: from the back
of Mary Magdalene''s neck in the foreground, the eye penetrates
further into the painting, passing from Mary''s face to the hands
and heads of the apostles.
This painting was completed at a time when the dogma of the
Assumption of Mary was not yet formally enunciated ex cathedra by
the pope, but had been gaining ground for some centuries. Pope Pius
XII, in his Apostolic constitution, Munificentissimus Deus (1950),
which dogmatically defined the Assumption, left open the question
of whether or not Mary actually underwent death in connection with
her departure, but alludes to the fact of her death at least five
times. The New Testament does not mention the matter at all. How
she passed from this world is and was therefore not a matter of
Catholic dogma, although by the 17th century, the conventional
belief among Catholics was that she was assumed alive, as shown in
the great majority of contemporary paintings of the subject. By
then most believed that she felt no pain or disease, and that she
was assumed in healthy if aged body and soul prior to "death".
However, during a General Audience on 25 June 1997, Pope John Paul
II affirmed that Mary did indeed experience natural death prior to
her assumption into Heaven.
Caravaggio''s painting is the last major Catholic work of art
in which Mary is clearly dead. Caravaggio does not depict an
assumption but her death. The figure, like that in nearly all
Renaissance and Baroque Assumptions, looks much younger than a
woman some 50 or more years old;[d] medieval depictions of the
death were often more realistic in this respect.
This painting illustrates the iconographic and formal
revolution that Caravaggio instigated in the late 16th and early
17th centuries. Distancing himself from the precious, affected
mannerist vogue, the artist inaugurated a frank, robust, energetic
style. He took on the task of translating people''s reality and
emotions without worrying about the conventions of representations
of the sacred. His impact on the evolution of pictorial conceptions
in the 17th century was considerable.
（维基百科）
中文介绍
是一幅祭坛画，是为罗马的圣玛利亚——德拉斯卡勒教堂所作。圣母玛利亚归天是一个传统题材，过去有不少艺术大师画过，但像卡拉瓦乔这样的圣母升天图的确谁也没有画过，可谓独树一帜。在他的画上既无飞翔的天使，也无诸神的赞颂，一切都是那么平凡，完全是人间的景象。他认为圣母的死应该和普通人的死一样。她活着的时候是贫困的，死也是贫困的。在一个破陋的农家茅舍里，死去的玛利亚躺在床上，一群农民式的人物在围着她哭泣。画中圣母玛利亚的形象可谓是欧洲17世纪现实主义艺术中最有典型意义的形象之一，在此之前还没有出现过这样一个生动真实的形象。
《圣母之死》完成于1605-1606年，是卡拉瓦乔最杰出的作品之一。圣母玛利亚升天是一个传统题材，不少大师都曾以画笔做出过出色的诠释。在卡拉瓦乔的这幅画中，我们既看不到天使回翔、诸神赞颂的雍容氛围，也看不到环佩珠玑、锦衣使徒的高华气象，这完完全全是一幅人间的图景，一切都那么平凡可近、真实可感，:破陋的农家茅舍里，死去的玛丽亚躺在床上，头上的光环模糊不清，几近不见，像一个死于贫困和饥寒的普通农家女子。她头发蓬乱，面色苍白，脸部略显浮肿，仿佛留有忧愁生活的影子;身上穿的应该是当时农家的衣衫，而周围一群貌似乡野村夫的使徒在哭泣。
如果仔细观察，圣母的形象从容，双手十分优雅，而脸部自然流露的悲苦，正是一般平民沉重的表情，令人观之哀婉。画家将她安置在一张很短的小床上，赤裸的双脚悬空，隐隐诉说着深入观者心灵的哀痛。画面下方一位女子垂首啜泣，面前摆放着一个铜盆。“房屋内的陈设品是居住者的自画像”，这个铜盆虽然是画面上唯一的静物，但这一简单的物体却为画面褪去了伟大的荣光，平添了浓厚的生活气息，使人联想起圣母生前生活之清贫。
确切地说，作品中圣母玛利亚的形象可以称得上是欧洲17世纪现实主义艺术中最具有典型意义的形象之一，在卡拉瓦乔之前还没有出现这样一个极其贴近生活而又生动且真实的形象。
《圣母之死》表现了作者对下层人民深厚的同情心，也反映了他那朴素唯物主义美学思想。这幅画的明暗对比不如前期绘画那样强烈，人物和背景却笼罩在柔和的自然光中，更增强了画面的真实感。正是由于这种明显的革新精神，此画比其他作品遭到了更大的攻击和诋毁，甚至订货主拒绝接收。鲁本斯却极力推崇此画，劝曼都阿公爵把此画买下来，使此伟大之作得以保存下来。人们未在尸身周围。在这个房间里，他们一定觉得很热。画面中有太多红色。他们厚重宽大的外衣密集地落在地上，一些光线从上面打在他们头上。他们的脸远不如身体语言重要：站立的方式透露出的信息，超出他们的表情，毫无疑问，这是因为悲伤让他们的身份失去意义。他们都是谁，包括面前躺着的女人，什么都无法改变。名字可以等等再说。赏画者马上就能认出画中的场景，就算还不知道画中事件发生的时间和地点、他们在哀悼谁。这场景在哪里都是一样的，无论那人是谁。而且，这些人不怕被看到，也不关心我们怎么看待他们的穿戴。他们紧握双手，捂着眼睛，痛苦让他们低下了头。他们就在那里站着，几乎一动不动。他们也做不了什么。卡拉瓦乔没有描绘生命最后时刻的强烈情感，或是紧接而来那排山倒海的哀恸，他画出的，是此后的事情：惊愕、空虚，还有与死亡相关的仪式开始之前那些手势，它们的徒劳无功令人幻灭，而活人的生活还是要继续。后面的一些人物已经开始说话，表现出所剩无几的愤怒。每个人，都以自己的方式陷入悲痛。我们可以听见他们不出声的抽泣。
 卡拉瓦乔 圣母之死 Death of the
Virgin
画中一个年轻女子坐得离我们很近，低头哭泣，脸埋在手里面。然而，尽管她的痛苦十分真切，但最先打动赏画者的，却是她明亮的脖颈、褐色的头发，还有她琥珀色衣服发出的光辉。在所有的悲哀中，她的美丽似乎有些不协调，有点不合时宜。我们的眼睛停留在她身上，找到一些慰藉。我们允许自己忘记，但是不能太久。大铜盆召回这乏味的现实。它挡住了我们的去路：几乎要把我们绊倒。沉思的时刻结束了。尸身需要摆放整齐。前面这个年轻女子知道应该做什么。
画中人像其他世人一样哀悼死者。尽管画的标题确定无疑，我们还是要凑近努力观察，才能看到那个光晕，一圈细细的金线，漂浮于横躺在我们面前的这个女性头后面。《圣经》一字未提圣母玛利亚之死，但在传说中，门徒们奇迹般地被传送到她面前。我们这里看到的就是他们，赤着脚，疲惫不堪。其中站在右边这位，手撑着头，在忧愁中沉思。这是圣约翰，根据惯例，在耶稣死后，他来照顾圣母玛利亚。笼罩他全身的黑色布料，强调出他的决心。黑衣也说明他在哀悼，把他身体的一部分隐藏起来，但他仍是最警惕、最正直的，他与身边站着的其他人都不一样。
背景中，一道斜线将墙分开，反映出落在人们头上的阴影的重量。和卡拉瓦乔其他画作一样，他用背景表现画中人物之间、或是他们自己内心的关系和张力。在某种意义上，背景可称作是这些张力的抽象实现，简化成光影的几何关系，反映出它在我们面前展现的一幕幕戏剧。
圣母玛利亚躺在桌子上，岁月在她的脸上留下皱纹。衣裙掀起来一部分，露出脚踝。一条毯子匆忙搭在她身上。赏画者由此看出：这是某种事故的场景，她并非安详死去。似乎哀悼者们必须临时想办法，把尸身安顿好，因为不能让她躺在地下。这个场景如此真实，实际上太过真实。在1607年，神职人员们甚至不敢看这幅画：这些门徒的惊愕从何而来？那受胎告知的天使的善良何在？圣母玛利亚死前的默念和祈祷呢？那些把门徒带到圣母玛利亚面前、而且要把圣母玛利亚送上天堂的云彩哪里去了？卡拉瓦乔本该将这个时刻诠释为向天堂的过渡，充满喜乐，而不是生命终结本身。但他没有展示给我们这些，他也没有画出基督。按照惯例，在这类画中，基督本该手里抱着以儿童面目出现的东西，实际上那是他母亲的灵魂，不久后，这灵魂就会受到天国的欢迎。
这幅画中，圣母玛利亚的图像不仅令人惊讶，而且让人不安，几乎是对神明的亵渎。她那永恒的青春和贞洁，本是上帝宏伟计划的一部分。但这幅画中，丝毫没有表现出上帝赋予的庄严和荣耀；圣母玛利亚毫无生气的表情，一点也看不出将要发生的喜悦情景。
既便如此，画中却不缺少类似作品应有的设定：巨大的红色幕帘主导了整个场景，在所描绘的现实中，这幕帘带来一种奇怪的戏剧风格。几个世纪来，这已经是已成惯例的附属品，提升整个场景的气氛，说明其属于某种更高贵的现实，即使那现实只不过是某一幅仪式用肖像中必须表现出的威望。然而，在其戏剧化含义背后，它还令人回想起教堂圣殿中的帐幔，用来庇护教堂内殿免受世俗异教之亵渎。
今天，画中场景的设置会慢慢令人感到稍稍不安，因为它让人想起某种诡计，对其中现实产生怀疑。赏画者之前可能还对画中人物产生同情，但现在可能会想：那只不过就是一次作秀。
但如果我们退后一点，再次观看，此时就会发现：一切都恰如其分。圣母玛利亚的脸，光打在上面，是我们唯一能完全看清的脸，而其他人的脸以不同方式被阴影遮挡，告诉我们：他们还是这尘世的一部分。然后就是她的衣服，掉落在桌子边缘，在华丽的幕帘下方。行将遗弃的破烂衣服与它上面的华贵幕布，二者之间的对比，象征穷困与庄严，死亡与变容。幕布，这剧场中不起眼的道具，现在突然承担了异常重要的责任，因为在它和圣母玛利亚的身体之间，卡拉瓦乔建立起一种权威性的平行关系。
画家打破了所有既定规则，人物现实的情感将他带到另一个世界，远远超越空洞传统的世界。如果卡拉瓦乔在尘世和天国之间建立对话，这也是用他自己的言语。如果那巨大的幕帘是衣服的反映，也是因为它提供了对来世的承诺。布料仅靠自己没有意义，它只是标明超越的可能性。圣母玛利亚和她廉价、破烂的衣服承担现实的残酷，但是幕帘让它们改观。画作产生的这个时期还诞生了歌剧，它是对音乐和戏剧的全新组合。当时的绘画作品，同样随之呈现戏剧化的空间，回响着更深的含义。幕布升起，如歌高昂，升向天国，意味着一种比当下更高尚的生活，一种自由的生活，像咏叹调一般纯洁、有力。也许，这还不是这出戏剧的最后一幕。
 卡拉瓦乔 圣母之死 Death of the
Virgin
呈现在人们面前的是这么一个场面：在一个破烂的农舍小台子上，躺着一位久病无钱医治而死去的中年妇女，她被穷困糟蹋得头发蓬乱，面容憔悴，死时连一双鞋袜都没有，赤着一双脚，躺在一个小木床上，圣母的躯体有一半还伸在床外吊挂着，逼真地再现了一个意大利穷苦家庭的悲剧。
前景那位垂首哭泣的少女像失去母亲般地伤心，她是圣徒抹大拉。使徒们被描绘成从各方来奔丧的亲朋友邻，一个个掩面落泪，悲痛不已。画家毫无顾忌地将普通劳苦贫民请进了神圣的艺术天地。
在这幅画中既没有宗教气息，也没有臆造虚构，它朴素得就像是生活本身，画面上唯一显得华丽的帷幕，是按订件人的恳求画上去的。难怪教会和贵族骂他是“粗野的自然人”。
据说订件人拒绝接受这件作品，理由是没有把圣母的崇高、伟大和荣光描绘出来；学院派也指责他将圣母画成赤着双脚太不雅观。倔强自尊的卡拉瓦乔是决不妥协的。最终是鲁本斯劝曼都亚公爵买下这幅画。
卡拉瓦乔的现实主义艺术创造不是个人的随心所欲，而是当时对现实批判思潮的反映。布鲁诺曾说过，宗教根本不能算作真理，一切都应该去大胆怀疑和探索。卡拉瓦乔的画就是大胆怀疑和批判当时宗教社会的形象反映。
卡拉瓦乔不想给社会制造丑闻，也不想表明他对美和传统缺乏尊重；他是一位内心直诚但痛苦的画家，他不想制造轰动。
他的这幅画似乎是对宗教的不恭，但实际上却是有深刻宗教精神的：神性是在普通的人和事中被揭示出来的，诗（或是其他艺术也都一样）是内心生活的表现；同理，神性也应存在于现实之中，并自现实中提炼出升华的最真正的含意。
因此，在他的诸画中，为圣者或圣母祈祷的人物就像我们一样的普通人，甚至是更卑微的和不幸的人。然而，为什么被劳动弄得红肿的手和沾满灰尘的脚会被看作是丑化了呢？为什么圣母在死亡的时刻有着和其他妇女死亡时的所有痛苦和悲哀的特点就认为是被丑化了呢？在面对着“死去的、肿腹的女人”，圣母——取自一位溺水而死的妇女的形象时，圣玛利亚·德拉·斯卡拉教堂的教士们竟以他丑化了圣母形象为由拒绝了卡拉瓦乔的这幅画。
是因为丑化，或更因为他表现有关耶稣故事——他来到尘世是为了救赎世人的罪过——是否因此一定要把耶稣表现成人类中的某个伟人，或某位体面的父亲或兄长呢？在这幅《圣母之死》的画中，他们怎么看不到死亡的意像呢？在绝望地哭泣着的姑娘（马达莱娜）和聚在周围的亲属们（使徒们）的身上，特别是在死亡的显现和上帝的存在中，在日常的生活中，在卑微和不幸的悲惨事件中，他们怎么看不到卑微的人们在痛苦中真正的相互关系？
如果不是卡拉瓦乔向我们揭示出这种死亡的深刻和神秘意义的光，我们会认为这是任何一天的死亡的场景：在显示哭泣、痛苦、爱和死亡的这束光的上方，像云或像华盖一样的褶邹超越了地点和时间，笼罩着死亡的场面。（来源：北京文艺网）
作品细节
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Virgin
画家简介
米开朗基罗·梅里西·德·卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da
Caravaggio，1571-1610），意大利著名画家。出生于意大利北部伦巴底省的卡拉瓦乔村，因此人们称他为卡拉瓦乔。父亲是庄园主家管事，早年去世，11岁的卡拉瓦乔移居米兰，师从于自称为提香弟子的西蒙·彼得查诺，他是当地样式主义的代表画家，继承了意大利北部现实主义民俗画的传统，并受到威尼斯画派的影响。在米兰期间，卡拉瓦乔肯定看过达芬奇的《最后的晚餐》，无疑熟悉文艺复兴时期大师们的艺术，他的艺术生涯是在意大利文艺复兴盛期的诸大师相继逝世后开始的。
卡拉瓦乔1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、马耳他和西西里。他生活贫困，与劳动者为伴，性格暴躁、孤傲寡合、狂放不羁，很难与人相处，这种个性使他处于流浪作画境地，在一次争斗中因误杀了对手而被迫离开罗马到那不勒斯过着流浪的生活，卡拉瓦乔到处与不理解他的人发生矛盾冲突，常因斗殴受到法庭审判，坐牢、逃跑、作画，使他永远处于社会底层，正因如此，卡拉瓦乔对底层劳苦大众的生活和形象更加熟悉，观察理解更加深刻，这为卡拉瓦乔革新传统艺术，创造新艺术形象，使普通平凡的劳动者走进神圣的艺术殿堂提供了难得的生活基础，为他开创了一个艺术的新纪元。在16世纪末到17世纪初的几十年间，罗马一直在建造巨大的教堂和宏伟的宫殿，需要大量画作。当时反宗教改革派教堂在搜寻正统的宗教艺术以还击新教的威胁，因为此前统治艺术界近一个世纪之久的风格主义不足以担此重任。卡拉瓦乔带来的是一种激进的自然主义，兼具近乎物理上精确的观察和生动甚至充满戏剧性的明暗对照画法。在卡拉瓦乔手中，这种新风格是达到真实性和灵性的工具。
以卡拉瓦乔为首的那波里画派（也称卡拉瓦乔画派），兴起于意大利南部的那波里地区，曾受到了尼德兰绘画的影响，它反对学院派僵化的教条和巴洛克美术夸张的浮华；追求朴素、清新、直接面对自然的表现方式；以单纯、强烈的明暗，严谨、结实的轮廓，以前所未有的朴实无华的作风为15--16世纪文艺复兴时期的人文主义绘画向17世纪现实主义绘画的转型起到了关键而重要的作用，对同时代的西班牙、法国、荷兰以及19世纪的现实主义美术思潮都有着深远影响。
卡拉瓦乔通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。卡拉瓦乔死后的几个世纪里被人们完全遗忘，直到20世纪的末才被重新发现。尽管卡拉瓦乔影响了风格主义衰亡后几乎所有的艺术风格，但对新兴的巴洛克艺术才是真正的影响深远。安德烈·贝恩-若夫鲁瓦（保罗·瓦乐希的秘书）评论道：“坦率地说，卡拉瓦乔的作品标志着现代绘画的开始。”
参阅
作品资料
作品：圣母之死 Death of the Virgin
作者：米开朗基罗·梅里西·德·卡拉瓦乔 Michelangelo Merisi da Caravaggio
年份：1601－06 年
材质：油彩画布
尺寸：369 x 245 cm
馆藏：法国巴黎卢浮宫博物馆
阴山工作室
本文图片及英文资料均来自法国巴黎卢浮宫官方网站和维基百科，局部细节图片及中文资料系阴山工作室所加。某些英文单词中的分割线和中文被大写拼音替代的词是为了规避网站非法字符审核。参考译文由Google翻译插件自动生成，或有疏谬在所难免。
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卡拉瓦乔 圣母之死 Death of the Virgin
法国巴黎卢浮宫博物馆藏
卡拉瓦乔 圣母之死 Death of the
Virgin
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阴山箴言
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