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在很长一段历史时期，当人们创作艺术的时候，他们是试图将出现在他们周围的事物描绘出来。然而大约在100年前，一批艺术家，不再这么做了，起初他们的作品令人震惊，被认为不是艺术应有的样子或作用，并没有任何指南，来带领人们认识这人全新的艺术形态——抽象主义，诠释它，欣赏它。 现在看抽象主义就没起初那么震撼了，但依旧让人不安和困惑，我们应该如何完全不受现实物质世界的限制，来看待和理解艺术？更重要的是，我们为什么需要这么做？本文和大家来探讨抽象艺术。 需要注意的是，美术史不是一下就直接进入完全的抽象艺术的，比如透纳的海景画，展现了现实世界中的事物，也可以看起来很抽象。 透纳《退役的铁梅雷尔号战舰》 然而，随着19世纪工业革命的展开，以及摄影技术的发明，欧洲和美国的城市生活发生了巨变。所以，关于这些生活的描述，也随之发生了变化，艺术家们越来越喜欢以非自然主义的形式来描绘事物，开始把事物抽象化，也就是说，从世俗的主题入手，但却让它风格化、简单化、平面化。 修拉《大碗岛上的星期日》 到了20世纪，马蒂斯和安德烈·罗兰都在用一些不同寻常的方式描绘一些寻常事物。 马蒂斯《生活的欢乐》 如此强烈的色彩和不羁的笔触，被评论家称之为野兽派。 毕加索和乔治·布拉克开创了立体主义风格，描绘了很多常见的景物场景，但将物体拆解为几何形状，将画面分解，并将一个物体的不同侧面同时展现出来。立体主义所展示的比人眼所见到的更多，融合了多个视角和时刻，同时也将关注拉到画布平面本身上。 毕加索《弹曼陀林的少女》 意大利的未来主义艺术家们希望展示，现代都市生活的速度和过度模仿，以及将时间和空间瓦解在一张画面里。 德国的表现主义画家恩斯特·路德维希·克尔希纳，用抽象和丰富的虚幻色彩，来表现城市街道弥漫的混乱和焦虑。 克尔希纳《街道》 和克尔希纳同时代的弗朗兹·马克、瓦西里·康定斯基，受到不同文化的影响，如非洲的部落艺术、中世纪的木刻艺术、俄罗斯的民间艺术、新艺术运动，以及儿童画。 马克作品 然而，马克追求的是，将抽象与自然世界相联系；而康定斯基的兴趣是与精神的东西发生关联，他认为他的艺术就是“观众在画面中形式和色彩的组合的影响下，所经历或感受到的东西”。 康定斯基作品 对康定斯基来说，抽象并不是现实主义的对立面。抽象就是现实主义，毕竟，总有一些真实的事物是无法被看到的。情感和意识就是真实存在，或许它们也能被画下来。 卡西米尔·马列维奇将他的抽象风格称为至上主义，他说画面中单个的和经过排列的几何元素，构成了一种极简的形式，在这形式之上是“纯粹的艺术体验的至高性”。 马列维奇作品 一战爆发前几年，所有这些名字的团体给人们带来了一种错误印象，以为它们的出现是连贯的或有组织的。实际上不是，抽象化确实是出现在一群国际艺术家相互借鉴的创作中。但后来，我们知道瑞典画家希尔马·阿夫·克林特早在1905年就主要创作抽象作品了，通过绘画来与精神世界进行交流。克林特的抽象来自于她对精神性、神秘性，以及科学的兴趣，也来自于她对不可见能量的描述。 克林特作品 通神论者安妮·贝赞特和查尔斯·里德比特，在1901年发表了他们称为“思想形式”的图像，来阐明他们的想法，认为思想、情感和声音，能以视觉形式呈现。康定斯基和很多其他人看过这个作品，也在音乐中看到相似情况，一种自主的艺术形式，不再需要描绘现实世界中的事物。 弗朗齐歇克·库普卡也在音乐和绘画之间建立强烈的联系，他认为，如果没有主题的扰乱，艺术可以直接作用于灵魂。 但罗伯特·德劳被音乐和噪音“吓坏了”，还说“我从来不讨论数学，也不探讨精神性”，他更关心直接性，以及色彩和对比所呈现的画面真实。 皮特·蒙德里安找到了自己通向抽象化的道路，将他最喜欢的对象，比如树和建筑，转化成网格状的排列形式。空间的错觉被他所谓的“真理”所取代。对他来说所有东西都能被处理成水平或垂直的线条，通过二元对立来揭示世界的结构。 所以，抽象艺术从来不是单一的。 蒙德里安作品 经过一战的创伤，艺术家们有意识地从物质世界转身离去，在德国军队中服役的保罗·克里在1915年写道：这个世界变得越可怕，艺术就会变得越抽象。 战争结束后，克里和一批抽象主义艺术家在包豪斯学院任教，该学校1919年成立于德国魏玛，学校的办学宗旨是技艺与艺术同样重要。他们在建筑和艺术中探索如何提升生活品质，既关注功能性，也关注形式。这一理念也被杜斯伯格和其他荷兰派运动成员所运用。那时产生了“一种新的造型艺术”，这是一种简单的几何风格，可被当成日常生活中一种普通的艺术语言。 抽象绘画整体上还将继续前进，各自受到不同方面的影响。二战期间，很多欧洲艺术家逃到美国，在那里工作，并带来了全新的关于抽象艺术的创作方式。这些前卫理念的涌入，被看作是纽约1940—50年代，抽象表现主义兴起的先决条件。
抽象表现主义大师全家福 很多艺术家在古代神话和古代文化中搜寻永恒的主题，并受到荣格心理学和爵士乐的影响。这种几乎即兴式的创作方式，赋予作品一种即时性和直接性，通过大尺幅或动感的姿态，或是大片的色彩，来唤起内心强烈的情感反应。 日本的具体派也将画布当作行动的舞台，白发一雄甚至用自己的脚来作画。
白发一雄作品 之后还有海伦·弗兰肯特尔、莫里斯·路易斯为代表的后绘画性抽象。
弗兰肯特尔作品 还有硬边抽象绘画，还有奥普艺术，还有极简主义艺术，似乎把艺术消减到其最基本的材料。然后是后极简主义，强调的是非传统的材料和创作的物理过程。 1980年代兴起新表现主义，1990年代有观念抽象艺术。 因为篇幅所限，我们跳过了很多重要且有意思的作品。但是，当我们快速来到当下，就能发现抽象化已经被广大艺术家源源不断地运用。抽象化已经不是一个打破旧习的选择了，但尽管如此，它也证明了自己，对那些有志于此的人来说，是一片丰富多产的沃土。 如今，最引人注目的抽象艺术作品，通常是建立在媒介的传统之上，重复和重新阐释先前的方式，而创造一些新的东西。抽象化可以用来思考科技，它的形式和功能。并且通过对触感和呈现方式的强调，来思考对科技的否定。 抽象化还不断向我们提问：什么是艺术创作的正确和错误的方式？我们还能用什么方式来引发关注和思考？ 今天，貌似繁荣的艺术市场是如何不公平地让抽象绘画享有盛誉，有人对此颇有微词。但这里面还有一些重要的东西。抽象艺术可以包罗万象，而不仅仅是一样东西。它可以是一门镜子或一扇窗户。它可以根据谁在看、在哪观看、何时观看而发生变化。它在被完满完成的同时，也包含缺憾。但正是这充满开放的阐释空间的弹性，也让它在市场上吃香，也变得国际化。 当它是一件商品的时候，它获得了更长时间的关注。当你改变的时候，它也发生变化。但这种广度也让人受挫，因为它太广阔了。但如果我们将它缩小来看，我们就能看到，我们和世界交互的很多核心方式，都是抽象的——宗教、市场、货币。人类一直以来都喜欢抽象化。我们在早期的洞穴雕刻、瓷器和纺织品上，都能看到抽象的图案。几何的标记和形状一直都伴随着我们，但通常只是被看成装饰或手工艺品。当我们没发现或没接受它的时候，就认为它没有被创造出来。而从另一角度来看，或许人类没有接受抽象的那段时期才显得奇怪。 天价抽象作品：
白发一雄：
康定斯基作品：
弗兰肯特尔作品
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