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其实关于“好”与“坏”，不光是摄影，对于任何一种艺术种类来说，都很难说清。因为每个人的生活经历不同，阅历不同，当看到不同的画面，或者感受到不同的情感时，内心受到的冲击程度也会截然不同。 即便同样是顶尖摄影师，观看同一张摄影作品时，也会作出不同的判断，就好比“一千个读者，就有一千个哈姆雷特” ，其实是类似的道理。 但当我们的摄影进入到瓶颈期的时候，发现每天拍摄的照片都大同小异，也找不到拍摄灵感或者是突破口的时候，或许应该静下来好好想一想，从一般概念上来讲，自己的照片与所谓的“好照片”有何差距，或许就能够有所提高。 那么今天这篇文章，好机友摄影就和大家从不同的角度来分析一下，“好照片”背后的那些相似之处。 从属于比赛标准谈好照片 说到如何定义一张好照片，那么摄影比赛的标准相对来说更客观一些，当把大量作品放在一起后，不同的画面对视觉带来的冲击力上的差别就显而易见了。 在这里，我们以美国摄影协会（Photographic Society of America）的裁判规则为例，来看看筛选好照片的方法。 1、美国摄影协会（PSA）评分规则 PSA采用五分制： ➤1分：烂片。片子在对焦或曝光上就有很大问题，构图也是杂乱无章。 ➤2 分：照片亮度合适，画面清晰，但却没什么值得看的。这是评委对一个摄影爱好者的最低要求。 ➤3 分：不错的片子。照片亮度合适，画面清晰，能够看出照片的主题。这应该是一个摄影爱好者对自己的最低要求。 ➤4 分：好片。没有明显技术问题，而且技术上能克服环境造成的困难。所有元素不冲突，有缺陷也不妨碍主题。如果是打破常规，那是为了增加震撼力。 ➤5 分：杰作。技术完善，所有元素互相呼应而突出主题。如果是打破常规，也是为了增加震撼力。 说了一大堆模棱两可的废话，其实也就是说1分是烂片，5分是杰作。因为即便有了这些规则，其实也都是些模糊不清的内容，比如“所有元素互相呼应”，做到这种程度其实并不难，尤其是一些画面元素比较简单的照片，难道评委就会给打5分吗？ 当然不会，PSA的评委也是阅片无数了，要想让他们打出5分，照片肯定要有过人之处的。那么问题来了，评委是根据什么打出的分数呢？ 2、PSA评委打分的根据 ➤震撼力。震撼力最重要，但是又最主观。对一个人的震撼，也许对另外一个人来说可能是味同嚼蜡。但是能抓住评委或读者的眼球，其他方面的不足能掩盖不少。技术和构图的目的无非是为了一个作品的震撼力。 ➤创造力。是不是有自己的新想法，或者对别人拍烂的东西有新的视角，而不是前赴后继地去重复别人的劳动。 ➤构图。所有元素安排合理，相互呼应为的是突出主题。 ➤表现手法。是数码还是胶片，是用HDR还是景深合成，都是为了突出主题的妥当选择，而不是为手法而手法，与主题冲突。内容决定形式。 ➤色彩或灰度的和谐。这也是为了突出主题而不是与主题冲突。一个作品给读者的印象应该是它的内容，而不是一片人为的色调。 ➤看点。一张成功的片子需要有看点能留住读者的视线。当然也有一类片子没有特定的看点而是有意识地引导读者的视觉游动于图像之中，但这绝不等于杂乱无章。 ➤光线。没有光就没有摄影。光影的掌握是摄影最重要的环节之一。 ➤故事性。要打动读者，无论动物还是风光，无论扫街还是肖像必须要有内涵。 说到这里大家可能会发现，评委为何不会考虑拍摄技术或者后期手法难度上的问题？一张摄影作品是作者用最终的成品展现给读者，谁会管你的产品是怎么生产出来的？被评价的是成品，只要有人喜欢就行。 3、理性看待摄影比赛的标准 说到摄影比赛，好机友摄影在这里一定要强调一下。我们从摄影比赛的规则以及裁判的评判标准看到的只是一张好照片往往会具备的一些优点。但如果你过于看重这些所谓的“获奖点”，那么反而会被它们束缚住。 艺术本身又哪里来的标准呢？所以，如果你不知道该如何提高了，那么可以看看这些所谓的“标准”中，有没有目前你所欠缺的，或者是从来没有想过的，可以丰富你拍摄思路的点。 如果你对以上内容已经了然于胸，那么记住，你需要做的就是不断去提高自己照片的“震撼力”。 所以说到底，你拍的照片能不能震撼到观者，能不能与大多数的观者产生共鸣，如果可以，那么就是一张杰作。而至于上文讲的打分根据中的第2点到第8点，其实都在告诉你，如何让一张照片更有震撼力。 多一分耕耘 多一份收获 在上文我们通过对PSA裁判规则的分析中了解到，如果从绝对客观的角度来看，一张优秀的作品需要具备的特质。但光知道有那些特质，并没有用，重点是了解如何拍摄，才能让照片具有这些特质。 在这里大家一定要记住：多一分耕耘 多一份收获。 你为了拍摄一张优秀的照片，做了多少准备、经过了多久的思考、等待了多少个日出与日落，学习了哪些前后期技术来呈现画面，你所付出的越多，在这些付出之后，你拍摄的照片也就会越震撼。 摄影中绝对没有“捡漏”这么一说。任何一名摄影家都不是靠运气拍摄的那些作品，而靠的都是汗水和坚韧的内心。 也许你认为，当你站在那个位置上，面对这样的风景，也能拍出同样的照片。但你可能不知道，为了站在这个位置上，摄影师看了多少遍的地图，磨破了多少双鞋；为了面对这样的风景，摄影师等待了多少个日日夜夜。所以一分耕耘、一分收获，这在摄影上同样是如此。 一位街头摄影师曾经跟我说过：你等待的时间越长，拍摄的次数越多，拍出的照片就会越精彩。 然而绝大部分摄友其实还处在拿着相机走马观花的状态中，似乎从来没有静下心来思考过，静下心来计划过该如何去拍摄，也没有重复的对一个题材进行反复拍摄。那么自然得不到多么震撼的作品。 甚至很多摄友对于一些基本的前期拍摄和后期技法都不愿意去学习，觉得学习是一件枯燥的事情，远不如拿着相机边玩边拍来的轻松。 事实上好机友摄影其实一直在为各位摄友轻松学摄影而努力，例如在好机友摄影学习U盘中，老师详细地为你讲解器材，分析摄影原理，让大家更轻松地理解、掌握一些看似很难的前后期拍摄技法。从而将更多的经历放在制定拍摄计划以及思考如何呈现出一幅富有震撼力的画面上。 让视线停留的关键 对于我们普通摄影爱好者，并不是为了获得多高的奖项和荣誉，其实更多的是希望观者在看到我们拍摄的照片时，能够多看那么1、2秒，并在内心中说一句：“拍的不错啊”，这就足够了，也就达到了好照片的目的。 那么如何才能让视线多停留1、2秒呢？关键在于要立刻将观者的视线引导在主体上，而不是把读者的宝贵时间浪费在不该停留的地方。没有争取到起初的半秒钟，读者的视觉便会立刻离开画面而去。 1、在画面中等一个人 对于一个人来说，哪些物体最容易被关注呢？第一便是人。人与人之间的共鸣是与生俱来的共性，无与伦比。 北美的风光摄影一般要求作品中杜绝人的痕迹(hand of man)。这样做是因为人在画面中出现，无论多么渺小，人所带来的视觉吸引力是其它自然界物质所难以匹配的，这必然使之成为作品的主体。 这样的风光作品已经不能算是纯粹的风光摄影。但是人也是天地万物之一，不一定非要站在自然界的对立面不可。一个摄影师如果恰当地利用人在风光里的地位，往往会给作品带来意想不到的震撼。 2、具有代表性的平凡景物 似曾相识的共鸣也可来自身边似曾相识的景物所特有的亲切感。如今很多摄影期待远行，追寻人所未见的景物，往往却忽略了身边平凡的奇妙。 例如要表现秋天，那么是不是可以利用一片红叶？家门口的一片红叶，没学摄影时觉得好看，摄影进步了反而觉得它平凡。 但是这时候再静下心来领会，发现造物者并非厚此薄彼，知秋一叶便可，何须舍近求远？我们往往说一张作品接地气，便是指这种给观者的似曾相识的亲切感。这秋色便在观者的后院。
3、画面的陌生感 平凡的景物可以让观者感受到亲切，但平凡却不意味着平常，只有将画面拍摄得似曾相识却又不尽相同，才会给观者以更多的遐想和视觉上的独特感受，而这就是陌生感。
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