作为通往世界的窗口或通往遥远地方的门户，照片有能力把观众带到任何地方，任何时间点。Angel Albarrán（1969年生于巴塞罗那）和 Anna P. Cabrera（1969年生于塞维利亚）从1996年开始在巴塞罗那作为艺术摄影师合作。Angel 的主要专业是计算机工程；Anna 的专业英语语言学。在过去的二十多年里，他们一起创作作品，在世界各地展出，并以同一个名字一起应对新的挑战和技术。对于每一个新的主题，两人都在一个更广阔的理念中展示各自独特的愿景。一种关于记忆和经验的丰富的内在哲学—— 以及对摄影版画的一种炼金术般的好奇心 —— 指导着他们的审美实践。受东西方思想家和艺术家的影响，他们的照片对我们对时间、地点和身份的假设提出了质疑，以激发我们对自身经历和感知的新理解。Angel Albarrán 在日本生活了很长时间，他们在日本的旅行极大地影响了他们作品的美学内容和使用的印刷技术。在他们的作品中，贯穿始终的问题是，图像如何在观者中触发个人记忆。根据他们的社会文化背景和个人经历，观众对图像的感知方式完全不同。Angel Albarrán 将他们的照片视为独一无二的物品：他们使用传统的印刷方法手工制作照片，比如铂和卤化银，或者发明新的印刷方法，比如在金箔上涂上颜料，创造出独一无二的复制品。这些版画的诗意和感性是无与伦比的工艺的证明。Angel Albarrán 对摄影的热爱是受到他祖父的启发。Albarrán 的祖父是一名木匠，在自己从事这项艺术之前，他为本省的摄影师们制作了相机。Anna Cabrera 在16岁时发现了自己的激情，当时她的父亲把他的福伦达（Voigtlander）相机借给了她，让她去巴黎进行一次学术旅行。自开始合作以来，他们参加了很多研讨会，向亨伯托·里瓦斯（Humberto Rivas）和托尼·卡塔尼（Toni Catany）等大师学习。他们通过文学和科学的世界，通过在东亚和西欧的广泛旅行，加深了自己的个人信仰。受到文学、绘画、电影、科学和哲学的启发，Angel Albarrán 特别运用摄影媒介来传达他们的世界观：摄影（正如日本剧作家 Chikamatsu 曾说过的艺术）Albarrán Cabrera 孜孜不倦地试验各种印刷工艺，如铂、钯、氰化物和明胶银印。艺术家们经常用硒、棕褐色或茶来给他们的暗室版画调色，同时他们也发明了自己的方法来增加作品的色调深度。艺术家们用手工制作的甘皮纸加上金箔或云母来制作颜料版画，这些颜料版画散发出类似日本丝绸绘画的光芒。Albarrán Cabrera 使用传统印刷方法和他们自己开发的混合技术，从摄影这个介于真实和虚幻之间的媒介概念中获得灵感；看到什么是隐藏的一种手段。他们说，无论是用金箔制作颜料版画，还是在印刷品的最后进行实验，他们的工作都是为了找到方法来发挥观赏者的想象力。 奎师那之口 / The Mouth of Krishna Albarrán Cabrera 在8 -10世纪的印度文献《薄伽梵往世书》（Bhagavata Purana）中看到的一个故事启发了他们创作「 奎师那之口 」（Mouth of Krishna）系列。故事开始于年轻的奎师那（Krishna） —— 爱、同情和温柔的神 —— 和其他孩子一起玩耍。孩子们错误地指责奎师那吃土，他被他的母亲亚索达（Yashoda）骂了一顿。当他张开嘴，他的母亲看到了整个宇宙和内在的永恒。每一张照片都反映了这个故事的寓言，展现了艺术家周围环境的一小块碎片，象征着自然世界的迷人之美和人类生活的谦卑。有一个婴儿奎师那（Krishna，又译克里希纳）的故事，被错误地指责吃了一点泥土。他的妈妈亚索达（Yashoda）摇着手指走到他面前，斥责他说：「 你不应该吃土，你这个淘气的孩子。」「 但我没有，」这位无可争议的万物之主说，他伪装成一个受惊的人类孩子。Krishna 那就照他说的去做。他张开嘴，Yashoda 倒抽了一口冷气。她在 Krishna 的嘴里看到了整个完整的、永恒的宇宙，宇宙中的所有星星和行星，以及它们之间的距离，地球上的所有陆地和海洋，以及其中的生命；她看见昨天的一切日子和明天的一切日子；她看到所有的思想、所有的情感、所有的怜悯、所有的希望，以及那三股物质；没有一颗卵石、一支蜡烛、一个生物、一个村庄或一个星系不见了，包括她自己和它真实所在的每一粒泥土。在宇宙的任何部分都有一个完整的宇宙 —— 哈姆雷特简单地看到了无限的空间；威廉·布莱克从一粒沙子看到一个世界，从一朵野花看到一个天堂，永恒就消融于一个时辰。这些照片美得闪闪发光。每一种思想都在重新排列着宇宙。照片的解读方式是主观的，与观者的文化、经历和记忆有关。这意味着我们，摄影师，可以解释非常复杂的主题或它们之间的关系，而不需要使用特定的语言，遵循由符号和意义组成的语言代码。Albarrán Cabrera 七年前第一次来到日本，之后每年都回到日本。Albarrán Cabrera 将镜头转向日本的风景和人物，通过他们对主题的选择和图像处理的创新方法，通过他们的图像提供了一个关于这个国家的新视角 —— 他们将现代和传统的印刷技术结合到他们的实践中，如日本纸和金箔的添加，为他们的彩色版画带来了独特的温暖和独特的色调。在日本各地 —— 东京、京都、镰仓、日光、四国、濑户内海、仙台和岩手 —— 都拍过照片之后。多山的轮廓，开花的树木，寺庙和乌鸦都出现梦幻图像中，但没有任何老套的暗示。Albarrán Cabrera 深深地被日本传统美学所吸引，因此这个国家充满传奇色彩的美学理念和考量渗透到日本的日常生活中，渗透到他们的实践中。神秘，代表了深刻而美丽的世界，充满人类生活的终极短暂的悲伤。当然，这也适用于观众，他们可以把自己的理解、感受和记忆投射到照片上。摄影提供了一种另类的、但同样真实的现实视角。对于 Albarrán Cabrera 来说，时间、记忆和美丽构成了他们专业和感性的艺术手法的三大支柱。卡伊洛斯（Kairos）：超神柯罗诺斯（Chronos）的弟弟，是另一个时间之神。他被兄长柯罗诺斯放逐到地上界贬为凡人，并且存在完全被柯罗诺斯从所有神话历史中抹消，不断作为人类出生、死去、出生、死去 …… 被众神和人类遗忘了存在，被封闭在永劫的时间里，四处徘徊 …… 天界也好地上也罢，没有任何一个存在知道卡伊洛斯。
在给朋友写关于《尤利西斯》（Ulysses）的文章时，詹姆斯·乔伊斯（James Joyce）说：「 没有过去，没有未来；一切都在永恒的当下流动 ...... 」在这个系列中，Albarrán Cabrera 用摄影来表达「 永恒的现在 」的概念。「 现在 」,「 正好 」的希腊人称之为 Kairos —— καιρός —— 从「 时间 」来区分它 —— chronos —— 。挑战在于将抽象的概念转化为摄影术语，将其作为「 永恒的现在 」。两张镰仓大佛的照片给了我们答案：当人们只关注过去或未来时，他们无法「 看到 」「 现在 」。只有佛陀，在他永恒的冥想中，似乎永远存在于「 现在 」。Albarrán Cabrera 创造的形象并不是对现实的忠实再现，而是对过去和未来不真实这一事实的隐喻。过去和未来只存在于心中。正如圣奥古斯丁（St. Augustine）所解释的：我们被过去的记忆所吸引，被期望所延伸到未来。这并不让我们体验「 永恒的现在 」，这是我们对时间的感知中唯一的真理。Albarrán Cabrera 正在进行的项目「 This is you here 」始于摄影师们发现了一些曝光不足的旧家庭快照，他们开始质疑这些照片中人物的身份，以及脆弱的记忆概念。他们现在创造自己的故事；肖像，在其中的脸是无法分辨的，让观众应用他们自己的意义，并发现一些个人的东西在他们里面。「 This is you here 」包括这对搭档的作品，以及在垃圾桶里发现的一个陌生人的作品。这些40年前的全家福在曝光不足的情况下以匿名的方式呈现，成为一系列作品的出发点。这一想法与两人更广泛的理念紧密相连。这些作品都有一个共同的特点：曝光不足，所以很难认出照片上的人。这个家庭可以是任何人。那些构成摄影师身份一部分的时刻，也可能是我们的。这种新的探索以「 This is you here 」的形式出现。Albarrán Cabrera 也开发了这个项目来配合地点和景观。在日出日落时拍摄，他们合作制作梦幻般的图像，印在棉布纸上，用黄金和日本纸，给人一种有形的质感、深度和光泽。—— 博尔赫斯（Borges）与阿根廷诗人兼散文家奥斯瓦尔多·法拉利（Osvaldo Ferrari）的对话Albarrán Cabrera 的作品曾在西班牙、日本、瑞士、荷兰、法国、德国、黎巴嫩、意大利和美国的画廊和摄影展上展出。他们的一些作品已成为私人收藏家和机构的一部分，如 Hermes、Goetz Collection、Banco de Santander、Fundacion de Ferrocarriles Espanoles 等。他们还为巴塞罗那的拉佩德拉基金会（Fundació La Pedrera）、马略卡岛的托尼卡塔尼基金会（Fundació Toni Catany）、马德里的雷纳索非亚博物馆（Reina Sofía Museum）或巴塞罗那摄影档案馆（the Photographic Archive）等几家机构制作过印刷作品。他们还与 Adelphi Edizioni、Mondadori Libri、Diogenes Verlag、RM Verlag 和 Ediciones Atalanta 等出版公司合作。我们是这个时代和这个时代的产物，我们拥抱新的可能性，同时我们继续使用古老的技术。我们的态度是拥有尽可能多的工具来更好地传达信息。为了创造我们的作品，我们使用了我们所拥有的一切：从19世纪末创造的工艺到最新的工艺。因此，我们使用老的技术，如铂 / 钯或氰型，数码底片或颜料印刷。我们的座右铭是，你拥有的工具越多，你就越有创造力。唯一的要求就是不要害怕尝试，要花费大量的时间学习，学习，再学习。我们从来没有积极地寻找过，所以我们无法描述它。摄影与我们个人成长息息相关。我们的目标是学习和了解我们周围的现实，摄影是了解和学习更多的工具。这意味着我们的「 风格 」在我们学习的同时也在进化，因此作为人类，我们也在改变。我们于1987年相识，从那时起，上述行为方式就开始了。但「 认真地 」工作，并意识到摄影作为学习工具的重要性，是从1994年左右开始的，当时我们在家里重建了第一个「 认真地 」暗室。我们与摄影的关系始于很久以前，那时我们还在独立工作。对我们来说，就像对大多数人一样，这是一种储存记忆的方式。当我们相遇的时候，我们意识到摄影也可以是一种方式，或者一个借口，去了解你生活的世界。时间、现实、存在、身份和同理心是非常有趣的主题，但最有趣的是它们之间的关系。这些关系很难用语言来解释，这就是为什么我们依赖于图像。我们特别感兴趣的是记忆，以及它们在我们理解这些主题和关系时所起的作用。胡安·鲁尔弗（Juan Rulfo）在他的著作《佩德罗·帕拉莫》（edro Páramo）中写道：「 没有什么能永远持续；任何记忆，无论多么强烈，都不会褪色。」（Nothing can last forever; there is no memory, however intense, that does not fade.）是否收集图片取决于个人。对我们来说，照片加强了我们的记忆。同时，他们为我们提供了更广泛的知识和更好的理解我们周围的世界。就我个人而言，我们对所拍摄的物体的兴趣不亚于对我们先前为了将它们概念化而必须获得的所有思想和知识的兴趣。你们的作品唤起了观众的许多情感，作为对亲密领域的反省 …我们可能无法回答关于时间、现实或空间的大问题，但我们感兴趣的是探索一张照片如何能让人们思考他们的现实。意识不仅仅是生活的一个重要部分；这就是我们所知道的生活。通过摄影，我们希望观众增加对现实的共鸣和兴趣。我们对记忆及其工作原理特别感兴趣。我们想利用观众的记忆，在他们的脑海中构建一种表征。当然，我们永远不会知道最终的结果会是什么，因为每个人都有不同的记忆，在不同的文化和环境中长大。我们的形象只会是这种心理建构的骨架。属于不同学科的不同种类的艺术家，如摄影师、画家、作家和科学家，一直对我们有着强烈的影响。举几个例子：约瑟夫·亚伯斯（Josef Albers）, 哈里·卡拉汉（HarryCallahan）, Luigi Guirri, 杜恩·迈克斯（Duane Michals）, Toni Catany, 彭蒂·萨马拉提（Pentti Sammallahti）, Gueorgui Pinkhassov, 拉夫·吉布森（Ralph Gibson）, 山本昌男（Masao Yamamoto）, Adam Fuss, 格哈德·里希特（Gerhard Richter）, 乔治·德·基里科（Giorgio de Chirico）, 皮埃尔·苏拉热（Pierre Soulages）, 乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi）, Anseln Kieffer, 李禹焕（Lee Ufan）, 胡里奥·科塔萨尔（Julio Cortázar）, 筒井康隆（Yasutaka Tsutsui）, 村上春树（Haruki Murakami）, 乔治·奥威尔（George Orwell）, 胡安·鲁尔福（Juan Rulfo）, Tawara Yusaku, 加来道雄（Michio Kaku）, 埃尔温·薛定谔（Erwin Shröedinger）, 卡洛·罗韦利（Carlo Rovelli）, 今敏（Satoshi Kon）, 王家卫（Wong Kar Wai）, 杜可风（Christopher Doyle）….任何一个人都是他周围世界的见证人，但是那个世界是由他的感知创造的。反过来，感知不是现实，而是我们自己的投射。我们使用摄影的目的是使我们能看到那些我们第一眼看不见的和看得见的元素。我们相信我们就是我们的记忆。它们定义了我们是什么，并帮助我们理解我们的现实。当我们回忆时，我们不能回忆起事件的完美存储表示。记忆不是我们生活的快照或电影。我们根据一系列发生的事情来重建我们的记忆，这些事情是我们感知和想象的。这些事情取决于我们过去的经验、知识和我们自己。因此，每次我们回忆一件事，我们都会改变它。我们用最重要的部分构建骨架，并用我们的想象力填补空白。因此，重新创建的记忆并不能完美地表示事件。我们的记忆是有缺陷的，但我们甚至没有意识到。日本文化对我们的工作和我们非常重要。这种文化受制于许多刻板印象和巨大的误解。一开始，你可能会落入它的美学和哲学的陷阱。但是一旦你学习了语言、人民和他们的历史，你就会发现这个国家的现实:任何国家都有好的、坏的和可怕的东西。然而，仍然有一些令人着迷的东西:与我们的西方观念相比，日本向我们提供了一种完全不同的对现实的解释。我们都生活在同一个世界里，但从许多完全不同的角度来解读它。西方世界痴迷于对称和完美。我们理解由普遍规律所塑造的美，赋予完美和永恒以极大的重要性。然而，日本美学却截然不同。他们从无常、不完美、质朴和忧郁中看到美。他们向往的东西不是永恒的，稍显破碎，谦逊而脆弱。我们相识于1987年，但大约19年前开始共同签约。当我们相遇时，我们意识到我们有很多共同之处，其中之一就是摄影。所以，我们决定共同努力。不过，我们的工作方法多年来一直在变化。一开始，我们一起去拍摄，但是在实验室里，我们每个人都习惯处理和打印自己的照片。但最终的图像非常相似，因为我们的观察方式也非常相似。因为没有必要继续这样工作，所以我们改变了它。现在我们就像一个摄影师一样工作。我们的图像是混合的，我们在暗室或电脑里工作，不去想是谁拍的。我们想在新的项目中继续学习和工作。因为摄影，我们学习新的语言，我们去新的国家旅行，遇见真正有趣的人。作为摄影师，生活在我们的日常生活中是我们现在最重要的事情，所以我们非常享受这段旅程。记忆和身份的概念在你的摄影作品中占有重要地位。你个人与这些主题有什么联系？它们如何反映在你的作品中？我们的一切都是记忆。当处理任何与科学有关的事情时，你要利用科学家已经发现的知识来理解这个世界。关于身份，你就是你，因为你的记忆。你们是你们的一周年纪念日，你们是你们母亲的回忆，你们是你们学生时代的回忆。你就是这一切。甚至我们理解现实的时间概念也是基于记忆的。这在失忆的人身上表现得更为明显。对他们来说，时间是不存在的。我们希望我们的照片能激发观众基于记忆的潜意识联想。我们甚至希望观众能以一种完全不同于我们最初想象的方式来解读这张照片。因此，他们会为自己创造一套新的想法。记忆是编织我们所有系列的线。「 The Mouth of Krishna 」是核心系列。这是迄今为止我们所有学习的结果。它关系到我们的记忆如何保持现实的一致性，我们如何对我们所感知的事物进行分类，以及我们如何将它们联系起来。有时，我们意识到一些概念获得了更多的重要性，然后这就产生了一个新的投资组合。因此，「 This is you here 」研究了身份的概念，以及它是如何基于我们的记忆而产生的。「 Kairos 」围绕着人类如何感知时间的观点展开。时间不是有形的东西，它只是宇宙的一种属性。我们在记忆的帮助下创造了时间的概念，我们把它分为过去、现在和未来。你们作品的美学方面非常大胆。在一个古典美的描述被推到一边的世界里，你的作品在艺术界是如何被接受的？美丽是一个非常复杂的话题。美不仅很难定义，而且很难处理。漂亮让严肃的人很担心。他们害怕美丽会让你忘记生活的真实样子。但正如哲学家阿兰·德波顿（Alain de Botton）表示：「 我们需要身边漂亮的东西，不是因为我们有忘记坏东西的危险，而是因为可怕的问题如此沉重地压在我们身上，我们有陷入绝望和抑郁的危险 …… 一个国家或一个人所谓的‘美丽’艺术，会给你提供重要的线索，让你知道我们错过了什么。」我们没有有意识地在工作中寻找美。我们探索未知的奥秘，体验发现的美。你在欧洲和日本都拍过自然摄影。你觉得这两个系列的作品有什么不同？作为西方人，我们对东方发展起来的对世界的美学和哲学解释感到惊讶和惊奇。它似乎与我们的思想有很大的不同，然而，东西方的思想流派都有一个共同的起源。回顾米利都学派前苏格拉底时代的希腊思想家，我们可以发现他们的思想路线与东方文化有一个共同的动机：自然。东方思想，更确切地说，日本思想并没有失去这种与自然的原始联系，在其文化的发展过程中一直保持着这种联系。日本美学的理想和观念主要受宗教的影响。无论是神道教还是佛教，神都不是自然的创造者，而是一个独立的实体。在我们的西方传统中，犹太教和基督教关于造物主或上帝的概念打破了这种联系，使我们与古希腊的传统审美理想分离。「 侘寂」（Wabi-sabi）、「 雅致 」（Miyabi）、「 典雅 」（Shibui ）、「 幽玄」（Yuugen）等词语的意义最初存在于西方文化中，但它们并没有像日本那样演变。令我们高兴的是，我们的作品中也有这种共同的根源:通常观众无法区分在日本拍摄的照片和在其他地方拍摄的照片。影响你工作的主要因素是什么，以及你看待环境和物体的方式？不同学科的不同种类的艺术家，比如摄影师、画家、作家和科学家，对我们一直都有很大的影响。塑造我们现实视野的是来自文学、哲学、科学、语言学、建筑学、音乐和一般艺术的知识。我们的工作是由学习驱动的。摄影帮助我们了解现实。对我们来说，照片就像笔记本上的视觉笔记。这些视觉笔记是用一种特定的精神状态记录下来的，反映了我们对现实的心理结构。随着时间的推移，我们会一点一点地回顾我们的工作，这给了我们新的想法和观点，就像你写笔记本或日记一样。是什么相似的概念或主题让来自不同大陆的观众对你的作品感兴趣并欣赏你的作品？人类利用他们的感官系统来超越物质世界，进入精神领域。我们解释我们所接收到的信息，从而创造我们对周围世界的感知。空间和时间实际上是人类为了理解自己的现实而创造的概念。我们研究的主题和概念是普遍的，对大多数人来说是共同的，无论他们的起源、文化或宗教。艺术是非常个人化的，我们在你的作品中看到了你的两个签名。你的作品如何代表你的个人愿景和特点？你的合作过程如何？我们不能看到彼此分开工作。我们住在一起，有共同的兴趣。每当我们出去拍照时，我们都各自工作。也就是说，我们每个人都带着自己的相机，独立工作。我们带着装备一起前往现场，但我们每个人都集中精力在现场，独立工作。一旦我们回到家，我们的图像就会混合在一起，我们在暗室里或用电脑工作，而不去想到底是谁拍的这张照片。我们找不到合作的负面影响。更重要的是，我们不能看到彼此单独工作。从物流的角度来看，我们这样做是非常方便的。因为我们是两个摄影师，我们用一个人的时间从不同的角度拍摄更多的照片。如果我们中的一个人对相机有问题，另一个人可以帮忙。如果其中一个被屏蔽了，我们可以互相交谈，这样我们就可以重新集中注意力。这些只是其中的一些优势，以提几个。创作的过程是高度紧张的。创造者必须时时刻刻对每件事做出决定。我们都知道，没有人对所有事情都有正确的答案。作为一个创造者，你没有人可以求助。
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