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一点书画 2019-10-16 19:32:33 名画与艺术家的执着、严谨 是 分 不 开 的 从这些古典名画的细节中就能看出来 繁复的蕾丝、面颊秀发的丝丝情 华美袍子上隐隐发光的丝线 面 部 皮 肤 的 肌 理 这 些 细 节 与 质 感 的 完 美 表 现 简 直 让 人 望 成 莫 及 古典风景油画 ▼    .风景油画作品 ▼        梵高《星空》▼  在《星空》原作中， 其全部笔触都是带有 色彩的变化、延伸，以及方向的， 仅仅在上面这个局部中， 就出现了五个肌理的方向， 而这些全部是用笔触、 色彩变化做到的！ 《星空》是一部使人感到眩晕的作品， 因为在这一幅画中， 梵高的笔触出现了大量的方向上的对抗， 它们全都在延伸、旋转，像激流一样流动。 看上面这部分局部， 仅仅绿色就出现了 浅绿、深绿、深灰绿、棕灰绿、黑绿， 而棕色同样出现了五六种。 它们之间的递进、纠缠以及肌理上的延伸， 构成了具有疯狂动力的前景。 梵高确实疯了。 一个正常的人， 无论如何是不可能从星空的场景中 看到事物如此疯狂的流动的。 从认知角度来说， 我们可以推测梵高的 思维状态出现了非常异常的情况。 但是，就是这种异常， 推动着梵高用他高度纯熟的技艺， 描绘出了他眼前的一切。 在这一过程中， 人们眼中的疯狂仅仅是推动力， 是认知的高度异常、技巧的纯熟、 绘制中高度的理性与克制， 使他最终完成这幅《星空》。 这幅画的难度、技巧成熟度以及 其中疯狂中透露出的灵性光辉， 都达到了顶峰！ 这才是《星空》之所以为杰作的原因。 埃德蒙.查尔斯.塔贝尔作品细节 ▼ 澳大利亚印象派画家伊曼纽尔 菲利普斯 福克斯作品 ▼ 鲁本斯的油画作品 ▼ 伦勃朗油画《将军头像》 ▼ 梵高作品《麦田与收割者》（细节） ▼ 梵高的静物油画 ▼ 下面这幅。 ▼ 梵高的笔触是靠灵感与偶然吗？ 绝不是。 我们看看这幅《玫瑰》就知道了。 这幅画作于1890年， 就在梵高进病院之前。 淡绿色很平常， 但淡绿色用到这个地步并不平常。 这种褪色几近苍白。 而即便是在进病院之前， 梵高的笔触也展现出了极高的理性控制： 所有画的花瓣， 均是由极其微妙的色彩迁移做内容， 以笔触做肌理完成。 我曾经为梵高绘制的花瓶的瓶体迷惑不解。 一开始，我以为是他精神出了问题， 所以无法控制色彩与透视的关系—— 笔触的处理已经使得瓶体出现了问题， 仿佛旋转、下陷了似的。 一开始，我以为这是一个错误。 后来我才明白，这是疯狂的创造。 它形成了一个向内的空间，旋转下陷。 这就是1890年， 已经陷入高度精神失常， 于同年自杀的梵高眼中的下沉， 它极其理智地结束于疯狂的下旋。 说完了这些，不知你是否能感受到梵高? 绘画并不等同于乱画， 并不等同于含混不清。 艺术创作始终存在标准， 并且这一标准是高度残酷的： 写下了《茶馆》的老舍最终跳湖自杀， 可《茶馆》却偏偏是一个充满幽默感和喜剧感的作品； 同时，如果《茶馆》让你笑不出来的话， 作为作家的老舍， 其价值就要大打折扣。 蒙德里安作品 2016年王晶实拍于MOMA，纽约 ▼ 蒙德里安是粉刷匠吗？ 如果你仔细观察这些实拍， 是否发现它好像与你平常所见的 几百像素图片有些许不同？ 对，仿佛黑色的线条严格地分割了画面， 仿佛所有色块浮现于画面之上， 又好像纵横的黑线中， 还存在着细微的交叠。 这是如何做到的？ 是的，你没看错。 在蓝色块与黑线的交接上， 存在着极其明显的， 用笔触分割出的界限。 蓝、白色块略微地高出画面， 它是一幅有着向内纵深的画面！ 与此同时，你是否注意到了， 两条黑线其实并非均一的黑色？ 给你一个大写的YES， 横线相对于纵线来说， 其黑度差了一点点，也就是说， 它其实是一条深灰线！ 蒙德里安在这里利用了人眼视觉特性： 黑色与灰色相交的时候， 黑色一定会跳跃出来， 使人眼首先注意到黑色！ 这就是为什么你看到这张画时， 你眼前会浮现出大量的纵深面， 感到这幅画具有卓绝的纵深感！ 如果你把观看这篇文章的屏幕调到最亮， 你甚至可以看到， 蒙德里安为了让竖线更黑， 在上面着重又压了几笔黑色。 其黑度大大高过横线的黑度。 蒙德里安在一系列的画作中， 均严格地使用了这一技法。 我们还可以继续欣赏一些局部： 黑灰线的纵横交叠， 横线黑度明显多处高出纵线， 明明是一幅看起来只有黑白两色的画面， 却出现了横线与黑线穿插、交叠的效果。 这就是黑度不同导致的。 是的，真正天才的艺术家， 知道如何运用最简单的原理， 并且以这一最简单的原理， 创作出极其复杂的内容。 黑的外在形式与它在 画面中需要执行的功能融为了一体， 这是现代美术思想中最重要的一部分内容。 继续欣赏其局部， 可明显观察到他对黑的运用原理： 1，图上方的横灰线与纵黑线相交时， 在相交处细微地增加了一笔更黑的黑色， 以严格区分两条线条的相交处； 2，第二条横黑线穿过纵黑线时， 明显黑度不如纵黑线， 同时纵黑线靠细微笔触严格地分割了出来。 而在这一即有黑线、 又有黑面的局部上， 蒙德里安使用了同样手法： 黑面的黑度大大高于黑线， 而在线面分割上， 又严格地雕刻出了面的高度。 黑、白、红色彩构成…… 黑、白、黄的色彩构成…… 不知道大家是否注意到了在这几幅画面中， 色彩的处理问题。 实际上，色彩是高度复杂的。 在蒙德里安这几幅画中， 白色其实并非真正的纯白色， 而是一种与其 黑、红、黄等色对应的灰色。 蒙德里安真的仅仅是个粉刷匠吗？ 相信看完上面这些细节， 这个答案就非常明确了。 在几幅画当中， 同时处理了色彩构成的原则、 线与面的关系、黑与灰的关系…… 这样几幅画， 将人们对色彩的认识往前推进了一大步！ 这才是蒙德里安真正的贡献： 以近似科学家的态度， 将人对色彩的感知、对线面和谐的感知， 以最简单地技法严格地证明了出来。 过曝有一篇文章 谈《再见，巴黎》的文章中， 我们提出了经常被人们忽视的一点： 最优秀的艺术创作， 并不是靠运气、灵感、成仙来创作出， 而是凭借超高的理性去控制的。 蒙德里安身上纠缠了太多误解， 是一个非常鲜明的例子。 我们来看安德鲁·怀斯《克里斯蒂娜的世界》▼ 仅仅从这幅小图来看， 仿佛这是一张极有诗意的画面。 女人的腰线极其柔美， 仿佛是温柔滴触摸…… 很多人都被迷惑了…… 接下来看 ▼ 怎么出现了刺眼的白发…… 哪里是什么少女，肌肤明明几近于尸体。 是的，这幅《克里斯蒂娜的世界》看起来温柔， 但那仅仅是假象。 克里斯蒂娜实际上是怀斯的一名残疾邻居， 有一天， 她在艰难爬向自己家的时候， 被怀斯画了下来。
看起来是充满温柔的家？ 那仅仅是你的电脑/手机的背光屏幕， 以及我翻拍时翻拍设备自动调整亮度的结果。 原画中，实际的效果接近下图： 实际上，这幅画的白值特别低。 但是在背光屏显示，白值变高了一点。 一下子就看起来仿佛是个很温柔的画。 从温柔到低沉恐怖， 实际上仅仅是由于传播介质的原因： 白色直接牵涉到画面整体亮度和感官上的高度。 白高了，画面就开始变亮丽； 白低一点，开始变得温柔。 再低一点开始变得压抑， 更低一点就变得抑郁了。 萨金特作品《歌手约翰》 ▼ 莫奈的作品《塞纳河的日落》 ▼ 梵高作品《鸢尾花》 ▼ 沃特豪斯,约翰威廉作品《玫瑰的灵魂》 ▼ 梵高的作品《收获者》 ▼ 樱花 ▼ |
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