 钢琴音色除了涉及美学和不同钢琴流派的艺术风格等问题外,它又是一个实实在在的触键技术问题。音色作为总体音响结构的一部分,其音色变化说到底是演奏家极其细致、极其敏感的指触差别造成的,也就是说钢琴触键技术对钢琴演奏音色有着极其重要的影响作用。 最早的键盘乐器是管风琴。它在15 世纪之前就已经被用于教堂仪式。巴洛克时期可以说是管风琴音乐发展的黄金时代，当时的管风琴发展已日臻完美，它可以发出比哥特时期的管风琴更轻柔的声音，并且有包括主音栓或哨管音栓、混合音栓（上方泛音与基础音一起发声以增添色彩）和簧管音栓在内的各种各样的音栓。由这些音栓调节的音色变化是截然分明的，没有中间过渡层次，但每种音色都具有鲜明的个性特点。巴洛克时期的管风琴保持了早期管风琴嘹亮辉煌的音响特点，但声音却要更加悦耳。它既可表现对位线条的混合声响，也可表现独奏声部的单一音色。巴洛克时期的管风琴在低声部已有两层足键盘，其高声部有了五层手键盘，该乐器的音域被大大扩展。 从15 世纪起，欧洲就开始流行古钢琴。古钢琴有两种形制，一种是击弦古钢琴，也叫楔槌键琴（clavichord）；另一种是拨弦古钢琴，也叫羽管键琴（Harpsichord ）。世界上第一台现代钢琴是由意大利人克利斯托弗于1709 年发明的。这位宫廷的乐器看管人把两种古钢琴的优点加以综合改进，发明了用琴键控制音槌敲击琴弦的击弦装置。这种改进后的钢琴的音量变化更大了，人们称之为轻重琴。后来为了方便，人们把此类乐器称为piano。起初，钢琴的音域只有4 个八度。钢琴由当时的4 个八度音域扩展至目前的88个键，大约经历了100 多年的时间。因此，巴洛克时期的键盘作品既受惠于教堂管风琴艺术，又承接于家庭音乐沙龙的古钢琴艺术，形成了键盘艺术的第一次“黄金时期”。 欧洲文艺复兴运动以后，人们在思想和个性方面获得了解放，艺术风格也开始形成多样性的特点。1600-1750年这一个半世纪里，欧洲文化领域中出现了一种十分崭新的艺术风格——巴洛克风格。巴洛克一词最早应用于建筑、绘画、雕刻等艺术形式。它的风格特点是追求宏大的构思规模，体现雄伟、庄重的气氛和辉煌的效果。这种艺术风格造型大胆、装饰性强，十分注重对称的表现手法。巴洛克风格在音乐上的应用与其他艺术相比是相对较晚的。但在晚期的巴洛克艺术中，音乐的影响却占有越来越重要的地位。这一时期最伟大的作曲家是德国的巴赫和亨德尔，这两位大师所创作的键盘音乐作品是巴洛克时期的无价珍品。 巴洛克时期钢琴音乐的重要特征是复调性。复调音乐通常比主调音乐更凝炼、更集中。演奏复调作品需要重视每一个音的触键，因为每个音符在各声部关系中都具有自身的独立意义。演奏者在按下琴键前要有充分的准备，指触要十分敏锐，触键要快，但不要压到键底，只要将指尖以极快的速度弹到键深的四分之三处，余下的部分琴键会依靠惯性自动下去。乐器发音后，演奏者应马上放松。由于巴洛克时期的钢琴作品都是为古钢琴而作，古钢琴的音量远不如现代钢琴的洪亮，因此，在演奏巴洛克时期的钢琴作品时，演奏者应将力度控制在pp到mf的范围内。演奏者的力度变化不要太大，这才能使乐器的声音保持明澈、清晰、颗粒性强、富有弹性。因而，该时期的触键方法也变化较小，大致上只使用了指尖部分，而较少使用指面部分。手指的触键方向相对比较垂直，因而手指比较收拢，弯曲成圆拱型。触键的速度控制在比较快的范围内，即使稍慢的触键也需要中等的速度。 维也纳古典主义时期，许多作坊和制琴的工艺师仍然继续对钢琴进行改革与试制，这主要是围绕着击弦机材料的选用、机械的变动、音色的处理。但在整整一个世纪中，这些工作总是按照克里斯托弗里制琴的基本原理而变换着、发展着。1760年至1830年是钢琴发展史上最重要的时期。伦敦的布洛德伍德（Broadwood）于1771年制造了一架方形钢琴，并加以改进使其能发出更多声音。有些方形钢琴还装抽屉和书架，而成为当时流行的客厅乐器。法国的钢琴制造家赛巴士丁和皮瑞则发明一种有着较大音板，且声音较丰厚的乐器。到了十八世纪末期，钢琴已经取代了大键琴地位。1811年，伦敦牛津大学的钢琴制造商把水平式的琴弦和敲弦装置改进为竖式，制成第一架竖式钢琴。1830年以后，又不断有人对钢琴的制造、音调等进行了改进，使钢琴不论在品种上，还是在琴形上都有了很大的发展。因此，在这一时期，许多的作曲家创作了大量的钢琴奏鸣曲，同时对作品的风格、表现形式、触键技巧都提出了更高的要求。 进入浪漫主义时期之后，经过历代制琴大师的不断改进和完善，增加了钢琴的音量，扩展了音域，并改善了钢琴的机械装置，钢琴的构造日趋完善，钢琴的音色逐渐臻于完美，制作工艺已经成熟起来。钢琴被广泛运用于音乐演奏会上。而被誉为“钢琴诗人”的肖邦和被称为“钢琴之王”李斯特，让更多的人了解了钢琴。伴随着音乐天才的诞生和钢琴作品的广泛传播，钢琴不断地显示出它的巨大影响力，钢琴音乐的地位逐渐升高，音乐家们大力倡导并为钢琴谱写了大量作品，而钢琴也由于它独特的优点，逐渐成为音乐家们和音乐工作者们手中不可缺少的、得心应手的工具了，甚至大师们在创作他们流芳百世的音乐作品过程中，钢琴始终是他们忠实的助手和伴侣。一首又一首的钢琴作品，让听钢琴音乐会、参加钢琴沙龙逐渐成为时尚。随着一架又一架钢琴的制作，钢琴开始走出宫廷，走向社会。弹奏钢琴、听钢琴音乐会已经不仅仅是宫廷贵族的专利，它也成为社会经济地位的象征。钢琴在家庭和社会的音乐生活中占了绝对的优势，钢琴本身也发生了演变。新的三角钢琴给乐器带来了比贝多芬和舒伯特时代宽广得多的表现领域，作曲大师和钢琴演奏大师们找到了更多的触键技法。钢琴音乐采用的形式更加开放了，这些也是浪漫主义运动兴起后的结果。 印象主义风格给钢琴音乐带来了全新的风貌，创造了完全不同的音响效果，也提出了钢琴艺术触键的新课题。对于长期受古典、浪漫主义音乐风格影响的演奏者来说，弹这类作品要换一种感觉，要忘记钢琴是一件击弦乐器，避免一切打击性的弹法，而带上灵敏的内心的色彩感，进入音乐中含蓄的，超脱的，无“我”忘“我”的安然境界。正如意大利作曲家亚佛雷德·卡瑟拉（Alfredo casella）在聆听了德彪西本人的演奏后所说的：“很难找到恰当的语言来形容他的演奏方式，他的触键极微妙，给人的印象是：钢琴在他手上变成了一件无键盘、无槌的乐器，他似乎是让手指直接弹弦而发音的，他使钢琴从一件击弦乐器中解放了出来。”这段言语所指的实际上是弹奏印象主义风格钢琴作品所必须掌握的众多触键法中的一种：即手指稍稍摊平，使指尖与琴键呈小角度并让指尖后部的肉垫较多地接触键面，然后有控制地慢下键，而下键的深度则视具体情况而定，一般来说，慢则深、快则稍浅。这即是印象主义钢琴作品中所特有的，也是最具代表性的一种触键法——“抚键”。“抚键”触键法这一印象主义钢琴作品中最具代表性的触键法其运用是不受作品织体、写法的约束与限制的，决定其使用与否的关键在于作曲家的意念、作品的风格及演奏者本身对作品的领悟。 20世纪现代音乐的发展道路是多向的、曲折的，在这不同寻常的历史阶段中，随着社会形态的整体变化，音乐艺术也在进行革命性的根本变化。二十世纪音乐中，钢琴作为独奏乐器的地位有所下降，更多的在室内乐中发挥着类似打击乐器的作用。二十世纪音乐，每一个音符走向独立，每一个音都需要不同的触键，不同的力度，不同的音色来演奏。多元化触键技术的并行发展，成为二十世纪钢琴音乐中不可或缺的基本特点。 本文源自公众号：西方音乐评论；小小莫扎特公众号排版。 |
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