这次来聊一聊拼贴艺术, 拼贴艺术被称为 “20世纪最富灵性和活力的艺术形式之一”。讲到拼贴艺术,我们得从两个大类来讲, 一个是拼贴画(College), 另一个是集合艺术(Assemblage), 拼贴画是指在平面空间或者浮雕中, 运用不同的材料进行构思、排列、粘贴的一种绘画表现形式, 把一些材料黏贴到画布上来代替纯手绘的图形, 并且混合使用油画技法。当材料为比较沉重的立体物体, 这种作品通常被称为集合艺术, 这个术语更多的用于雕塑上而不是绘画上。
拼贴画(Collage)的灵感来自毕加索和布拉克看到巴黎街头贴满各种海报的墙面, 拼贴艺术就是把各种海报的元素剪切下来, 然后通过艺术家的组合, 拼贴成一些有创意的画面。最初, 毕加索和布拉克将具有质感的物件黏贴在画布上, 企图打破二维平面的绘画, 制造空间虚与实的视觉效果。没想到在这个艺术形式出现后却延伸发展出了新的绘画创作材料、技巧和理念。
1912年, 毕加索创作出了第一件较为完整的拼贴画<藤椅上的静物>(Still Life with Chair Caning)他在画布上黏贴了一个藤编, 用实际的藤编取代直接在油画布上画出的藤编图案, 制造了艺术中真实和幻象的区别, 这在当时是非常有意义的。在中国，拼贴画属于工艺美术范畴。具有民族特色和装饰美感。其实中国的拼贴画的出现要比西方提出拼贴画的观念早得多, 只是没有被归类到艺术史里而已, 常常被当成工艺美术, 事实上, 我们看20世纪的所有艺术门类, 在这些概念被提出之前早就有了, 所以在艺术领域里, 我们不能说谁发明了什么艺术形式或流派, 只能说谁提出了某种观念, 把原本早已有的艺术形式包括在民间出现的艺术形式, 重新挖掘出来再创新。
在西方，拼贴画属于现代派艺术范畴。西方的拼贴画常把偶然获得的材料，如报纸碎片、布块、糊墙纸贴在画板、画布或其他质地上。20世纪初期，毕加索和布拉克把拼贴画技发展为立体主义艺术的一个重要方面。到了60年代，拼贴画成为流行艺术的一种重要形式。由于拼贴画的制作简易、有趣，即使没有美术基础的学生也能动手尝试一下。拼贴画作为一种视觉语言, 通过学习可加深学生对美术中的色彩、形状、质感等要素的理解，提高手工制作能力和美术创新能力。儿童眼里的世界，充满着各种神奇的色彩，无论是花木草丛、飞禽走兽，都是他们所追求的对象，而且在其内心会构建起一个有趣的故事, 他们的思维常常是奇思妙想, 拼贴画特别适合儿童表达他们脑子里各种大胆联想。拼贴画会根据学生的心理成长过程和认知特点，运用绘画最基本的规律，加上对材料的组合, 深入浅出、形象生动地给学生有一个直观感受，激发学生用自己的眼睛去发现事物中的美，去体味美的规律，并通过多画、多想，逐步掌握独立思考能力，提高审美情趣。《戈里登（Gueridon)》 1913年 乔治·布拉克我们现在对拼贴艺术的形式一点都不陌生, 比如PS就是现代版拼贴艺术, 只是20世纪初没有电脑, 艺术家需要靠手工进行图形的拼贴和组合。而最初, 拼贴艺术的出现, 是因为到了现代艺术, 艺术家们越来越注重想法的呈现, 而不是凸显造型艺术的技法, 拼贴的优点在于大大提高了艺术家们创作的效率, 也使得艺术家们即使没有娴熟的造型艺术基础, 也不妨碍他们通过艺术表达一些创意的想法。其次, 因为进入到了现代社会, 人们的生活变得越来越繁忙, 不断地碎片化, 这种生活状况本身就成为一种拼贴。拼贴成为我们日常生活中的一种常态, 包括我们生活的城市就是一种多元素拼贴堆叠的产物。一个大都市, 聚合了来自各个地域的人, 甚至不同的人种, 而不同的人身上又携带着不同民族文化的特色, 不同遭遇所形成的人格, 任何人都成为城市的一个片段和局部, 城市的整体正是以局部拼凑的方式形成的。第一次世界大战后, 达达主义的艺术家们又把拼贴艺术的观念发展到了一个新的高度, 不论是玻璃片、木片、沙子、文字片段、报纸杂志上的照片或者是动手剪贴的图形等等都成为素材, 凡是能拼接的东西, 都被艺术家们用来创作作品。
汉娜·霍克《用达达餐刀切除德国最后的魏玛啤酒肚文化纪元》,1919-1920年 
随着拼贴艺术的发展，拼贴的手法多元化，不仅仅在创作的颜色、肌理和材质上有变化，超越现实的重组和叙述手法，以它断裂、重组、融合等独特的表现风格，逐渐被接受并运用，尤其是在现代平面设计中的运用非常的广泛, 对二十世纪新的视觉艺术创作形式和观念具有很深的影响。包括许多时尚杂志以拼贴的手法, 制作出新颖有趣的视觉效果, 给传统的图形增加了许多活力。超现实主义艺术家 Eugenia Loli，她擅长以拼贴方式组合出作品, 她的作品总带有点幽默与诙谐，趣味夸张的构图。
另一种使用拼贴艺术的现代艺术流派是 “集合艺术” (Assemblage), 1961年在美国纽约现代美术馆举行的 “集合艺术展”, 艺术家们以各种方式使用实物, 使得现成品艺术又一次以新的形式展现, 物体不再孤立存在, 而是按照艺术家的意志进行组合, 这种组合以传达艺术家的观念为目的。集合艺术，集合艺术可以是直立的物体，也可以是画布上的堆积物，这是一种通常使用与传统艺术材料截然不同非艺术材料进行创作的艺术形式，可以是预先成型的天然材料，例如树枝、石头、人造材料、物品或碎片，艺术家将它们以各种方式汇集在一起。它不局限在二维的平面上，它将二维和三维元素混合组装为艺术品。“集合”这个词被定义于1950年代初，当时让·杜布菲（Jean Dubuffet）创作了一系列蝴蝶翅膀的拼贴画，他将其命名为“assemblages d'empreintes”，意为“蝴蝶翅膀的集合”。但是，在杜布菲之前，毕加索（Pablo Picasso）、布拉克(Georges Braque)、马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）和弗拉基米尔·塔特林（Vladimir Tatlin）等许多艺术家早已经涉足了集合艺术领域。发现对象的集合有助于艺术家在材料选择方面建立新的自由度。1918年，达达主义艺术家柯特·希维特斯（Kurt Schwitters）开始使用废料进行拼贴和集合，他称这种技术为“梅尔兹（merz） ”。集合也成为许多超现实主义对象的基础。受心理学家西格蒙德·弗洛伊德（Sigmund Freud）关于潜意识和梦境的著作的启发，超现实主义艺术家经常将所发现的物体以不太可能的方式组合起来，创造出令人惊讶且不安的雕塑。在50年代和60年代，人们开始更加广泛地使用这种艺术形式。比如艺术家贾斯培·琼斯（Jasper Johns）和罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）采用反美学的艺术创作方法。他们使用粗糙的材料，在杂乱的颜料旁边寻找物品来创作表现主义的浮雕和雕塑，这使他们获得了“新达达”的称号。意大利艺术贫穷艺术运动的艺术家，例如马里奥·梅尔茨（Mario Merz），使用各种废弃的、自然的、日常的材料制成艺术品，包括土壤，破布和树枝。他们的目的是挑战和破坏商业化的当代画廊系统的价值。
罗伯特·劳森伯格《字母组合》1955-1959 阿尔曼（Arman)是集合艺术代表人物, 60年代, 他已经开始积攒那些具有更大美学影响力的物品，例如轴，钻，乐器，机械零件，汽车零件和衣服。他通过表达生产、消费和破坏的过程，扩大了对 “一切事物” 的控制。说到集合艺术, 这里还想给大家介绍一位艺术家贝蒂耶·萨尔（Betye Saar）, 她出生于1926年的洛杉矶，身上流着美国非裔、爱尔兰人和美洲原住民的血液。她将民间艺术美学与具有象征意义的超现实意象相结合，通过其独特的拼贴和组合来克服偏见，种族主义和成见，这些拼贴和组合涉及非洲部落的神秘主义，历史，记忆和怀旧。贝蒂耶·萨尔对集合艺术的发展是非常有意义的，首先在于她的黑人身份, 让艺术界看到了黑人对艺术的探索也是具有非凡的深度, 其次她对于材料的敏感和组合方式塑造了她独一无二的艺术性。她说: “我是那种回收材料的人，也回收情感和感觉”, 这种艺术语言在她1969年所创作的《黑女孩之窗》有所体现，在贝蒂耶的作品中，融杂着身份认知、历史记忆和神秘主义，她是1970年代黑人艺术运动的杰出成员, 那些她一直在关心的主题、她对于世界的敬畏和好奇、她的想象力和创造的能力, 她对于自己从何而来，向何而去的真实追问，支持着她在艺术上的实验性探索。她的作品超出了西方艺术史所涵盖的表现范围, 让我们看到了黑人的独特性思维, 她使得集合艺术一般只是单纯对材料的集合, 有了深度思考的置入。最后, 回到今天的话题-拼贴艺术，它是打乱时间序列，是“心理线”和“故事线”的一种拼贴、交错，适宜于表现天马行空的画面。从固定不变的视角得到统一的画面，成为多角度瞬间画面的集合, 这跟蒙太奇非常相似。
理查德·汉密尔顿《究竟是什么使今日的家庭如此不同,如此吸引人呢?》这件作品是理查德·汉密尔顿的代表作, 也正是这幅拼贴作品宣告了波普艺术的诞生。 总的来说, 我觉得早期的大部分拼贴艺术是一种比较随性的表现形式, 它可以是不具任何意义的, 纯碎追求视觉效果, 更像是装饰品。一味追求画面的丰富性和视觉上的错乱感, 有些过于形式化而缺少了思想上的反思, 这或许是它美中不足的地方。拼贴艺术包含拼贴画和集合艺术, 拼贴艺术其实还是属于2.5D的艺术, 它没有真正意义上的突破二维的限制, 而真正打破二维空间的艺术形式, 是装置艺术, 而且装置艺术还具有更强的表现可能, 也非常适合用来表达一些深层次问题。上一次介绍了装置艺术的大概发展历程, 这次讲的拼贴艺术, 它对达达主义、超现实主义和波普艺术都有很深的影响, 也是装置艺术崛起的一个过渡, 所以这次专门介绍了拼贴艺术, 希望对大家有帮助。
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