      作为宗教文化与艺术审美结合产生的瑰宝，彩绘玻璃在中世纪时期和战后均表现出很强的生命力。 教堂的彩绘玻璃通过光与空间营造神圣氛围的手法，为近现代艺术家带来了许多灵感…… 当教堂的彩绘玻璃遇到平面设计，又会碰撞出怎样的火花？   彩绘玻璃，是什么？彩绘玻璃（stained glass）是中世纪最有感染力的艺术形式之一，它既可以由彩色玻璃切割、镶嵌、拼合，也可以在表面用特殊的颜料绘制，再经过低温烧制而成。 在其一千多年的历史中，它几乎专门用于教堂等宗教建筑的窗户，现代彩绘玻璃艺术作品还包括三维结构和雕塑。 作为一种材料，彩绘玻璃是通过添加金属盐或绘画颜料而着色的玻璃；作为一种艺术门类和手工艺，则涉及到图案拼接的设计：切割的玻璃片经由工形铅条粘连镶嵌，拼接成图案。
在西欧，彩绘玻璃是中世纪留存至今的主要绘画艺术形式之一。在这篇文章里，“彩绘玻璃（stained glass）”特指教堂彩绘玻璃。
彩绘玻璃的历史可以追溯到拜占庭时期。 公元7世纪，彩绘玻璃花窗开始被用来装饰修道院和其他宗教建筑。 公元8世纪, 除了教堂保留的彩绘玻璃镶嵌之外, 欧洲的彩绘玻璃工艺几乎销声匿迹。 11世纪后，以高大的彩绘玻璃窗为特征的哥特式建筑风格发源于法国，随着基督教的传播和发展在欧洲各国扎根。 随着生产技术渐渐进步，彩绘玻璃很快进入高速发展阶段，不断成熟，于12、13世纪进入经典时期，14、15世纪到达巅峰，留下了诸多辉煌灿烂的作品。
 彩绘玻璃都应用在哪？
作为哥特式建筑风格的特征之一，彩绘玻璃与哥特式建筑结构形式相得益彰。 哥特式教堂结构主要有三个特点：使用肋架券、飞券和尖券，因此哥特式教堂整体显得高大且纤细。
由于有了飞檐和扶壁的支撑，教堂从此不再需要厚重的墙和柱，因而彩绘玻璃窗高大垂直、精致繁复且遍布墙壁的彩绘玻璃窗成为了可能。 彩窗通常有两种形式：高大拱形的柳叶刀窗户和圆形玫瑰窗。彩绘玻璃被描述为“照明墙面装饰”、“光的绘画”。由于玻璃生产的技术限制，彩绘玻璃的制作手段通常是采用拼接镶嵌的方法，破碎中形成统一。
另一方面，教堂彩绘玻璃最重要的功能就是传教布道，作为“文盲的圣经”，它背负着宗教性的多重功能。 为了方便阅读，彩绘玻璃在内容方面最显著的特点即是叙事性。其次，宗教神学在彩绘玻璃中最强烈的体现就是：对光的追求。 在中世纪美学、科学与神学思想相结合的背景下，教堂追求用彩绘玻璃塑造出神圣的宗教氛围的效果。
新时代，新创造！随着文艺复兴、启蒙运动、宗教改革等，教堂数量逐渐达到饱和，新教堂修建的需求日渐减少，彩绘玻璃艺术逐渐被其他形式的绘画艺术取代，在18世纪几近衰亡，使用率不断下降。
这种低迷的情况在19世纪得以改变。 法、英、德都对彩绘玻璃进行了一定的复兴，多为教堂修复所推动，虽风格各有不同，也有些许创新，但依然多为对中世纪的模仿。
19世纪末20世纪初，新艺术风格、工艺品运动风靡一时，彩绘玻璃在制造工艺上获取极大突破：约翰·拉·法吉(John La Farge)发明并注册的Opalescent Glass（混色玻璃）、蒂芙尼(Louis Comfort Tiffany)的Favrile glass（法夫赖尔玻璃，又译为虹彩玻璃）、平板玻璃的创新发展等。
战后彩绘玻璃艺术家峰起，捷克、德国尤其领先。 还有一批抽象派画家如马蒂斯、也在彩绘玻璃领域延伸了绘画之美。这些都使彩绘玻璃展现出惊人的生命力。
与绘画的碰撞！一切艺术形式都有其产生的语境，绝非孤立，且充满偶然与巧合。 如果说中世纪时期彩绘玻璃作为主要绘画形式之一走在艺术前端，那么文艺复兴以后的彩绘玻璃则是在被各种兴起的绘画形式、风格所影响着，彩绘玻璃本身就是绘画的一种特殊形式，他们的关系既有差异性，又有共通性，在这种关系的交融中，迸发了无限的灵感启发。
看待事物的眼光应是历史的、辩证的，唯有在历史和风格的流变中才能一窥彩绘玻璃的艺术生命力、也唯有通过关注它与别的艺术形式之差异才能发现其价值。
永恒的主题：光与崇高近现代对于彩绘玻璃的创新纷繁复杂，此处仅以德国战后（20世纪中后期）彩绘玻璃艺术家群体为例，作为现代化彩绘玻璃艺术家的代表。 当技术突破了各种尺幅、功能和颜色的限制后，彩绘玻璃中某种表现手法的扬弃就成为了探究的重点。
在这种情况下，几乎所有艺术家都保留甚至强化了铅条的存在感，并且十分一致地选择了黑色的铅条作为分割，这种手法被艺术家在实践中所选择并保留，这表明在光的强化下，线条的张力被艺术家所意识到了。
这一点在绘画上颇为重要：以德国艺术家Johannes Schreiter为例，不论是用线条的粗细变化与节奏来强调秩序感的打破，还是以刚硬的线条勾勒色块以加强趋势，线条都是其画面构成的主要力学因素，而黑色则更显张力。 在其他色彩极为通透光亮的时候，唯有黑色的线条使光芒具有形状、从而具有意义，同时在强与柔的力学对比中使光线的崇高感得以展现。
△Johannes Schreiter为Sankt Margareta创作的彩绘玻璃
△Johannes Schreiter为米绍新教教堂创作的彩绘玻璃 同时，材质也是彩绘玻璃区分于其他艺术形式的关键——玻璃显色均匀，色块整体统一，并且玻璃自身具有不同厚度，能够被观者所感知，因而视觉层次更加丰富，这是任何其他绘画形式难以达到的。 另一方面，由于明确结实的线条使每一个色块具有清晰的形状，构图中的色块更具张力和冲击，在光线的加强下，巨大的尺幅往往使人心生崇高。这一点在色域主义中也能略见一二。
△Wilhelm Buschulte的彩绘玻璃 不论是哥特式教堂还是现代教堂的彩绘玻璃窗，都以宏大的尺幅和向上的趋势为特征。 以传统哥特式为例，不论是尖拱的柳叶刀型窗户还是垂直式的条幅，都将视线向上延伸，构成了一种民众向上仰望企盼神明降临与光芒从高处降落的互动性，强化了崇高感。近现代彩绘玻璃艺术则使窗户保持巨大的尺幅，与观者形成鲜明的力量对比。
彩绘玻璃窗有一个很鲜明的的艺术特点：重复性。从繁复的装饰图案中可以一窥，哥特式独特的仪式感是通过数量上、形式上的重复与放大实现的。 在艺术家的作品里，这种重复性中又加入了变化，意味着秩序与打破的辩证关系，不但保持了艺术的形式感，还在数量达到一定高度时，使崇高感得以强化，甚至有时更有意外的戏剧性效果，比如安迪沃霍尔的许多系列作品。
△Johannes Schreiter用重复的心电图表示一个人的生命
△Brian Clarke的彩绘玻璃作品 辩证的视角：空间的湖面绘画常因为其创作的过程而被看做充满时间概念的作品、永远尚未完成的艺术，带有时间维度的一些特点；而彩绘玻璃从制作到成型的过程则是固态的、确定的，更具空间纬度的作品。
光透过彩绘玻璃在空间中将色彩定格，观者的视线不仅聚焦于二维的玻璃平面，也关注于三维空间中的彩色光线。彩绘玻璃带来了空间上的审美体验，富有公共装置的艺术特征。
英国公共艺术家Tom Fruin便利用了玻璃、观者和光线的互动关系在布鲁克林大桥公园设计了一座玻璃屋Kolonihavehus，将“内”与“外”倒置，使彩绘玻璃的观看方式被赋予新的解读。
玻璃与铅条这二者又是这件装置中另一种有趣的关系：透光的部分将观者引入多维的空间感受；而黑色铅条是毫不透光的、一维的，这样的相对关系出现在同一平面使彩绘玻璃的空间表现力更加丰富。
△Tom Fruin等设计的玻璃屋 彩绘玻璃被强调成了特殊的艺术形式：它将光线引入、塑造了它所赋予的空间；同时在其表面凝聚着实时变动的光色，就像是阳光下闪闪发光的湖面，绵延不止，流光溢彩，这样的观点倒与相对、虚实的空间观念所契合。 这一点，中国古代的绘画与美学也有所体现。
空间的塑造由光线产生，彩绘玻璃本身随着不断的应用和解读被赋予了光的象征，彩绘玻璃在空间中的表现力十分丰富，其自身就蕴含着无穷的可能、引发无尽的想象。 这种丰富的可能性是它不断被艺术家引入更多不同的场所中的关键，也是彩绘玻璃艺术的生命力所在。 |
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