关于作者弗朗索瓦芭布·高尔女士，是法国艺术普及界的代表性人物之一。她曾经在索邦大学与卢浮宫美术学院主修艺术史，后来还担任艺术史教授。虽然有着学院派的背景，但她热衷于进行大众艺术普及，是法国“如何欣赏画作协会”（CORETA）创始人。她为大众提供的艺术欣赏方式，既充分考虑了初学者面对一幅绘画时的心态和习惯，又包含权威的艺术史知识。因此她的作品不仅得到了大众的喜爱，也被美院教授誉为“让大众理解大师艺术境界的好作品”。在艺术普及方面，作者达到了一种有效的平衡。 关于本书《如何看一幅画》是她的代表作之一，法文原版一经推出便收获很高的热度。可以说，法国人身上那种随性浪漫，带着一些哲学和抽象感的表达方式，在她的这本书中体现得淋漓尽致。本书并不是一本笑点满满的“艺术故事会”，也不是一本没有温度的“绘画欣赏说明书”，相信自己的眼睛，用想象力和联想力去体验一幅画，是本书最推崇的欣赏方式。因此，这是一本和市面上常见的艺术普及书都不相同的作品，中文版在热销的过程中，也产生了不同的议论声音。而难得的是，本书为我们营造的这些感性的艺术氛围，却又是每个人最舒服的入门姿势，我们将学会用自己的方式看一幅画。 核心内容在这本书中，作者运用了两大步骤，循序渐进地带领读者进入艺术欣赏的大门。首先，归纳出4种在艺术欣赏种最常见到的绘画类型，明确每一种类型应该建立的欣赏态度以及欣赏策略，引导大众面对一幅画时进行理解的关键点；其次，选择3幅不同类型的代表性绘画，运用积累的欣赏策略，深入理解，层层解读，真正体验一幅完整绘画的欣赏乐趣。 前言 你好，欢迎每天听本书。本期为你解读的这本书叫做《如何看一幅画》，它是一本拉近入门者与艺术作品的距离、引导你学会用属于自己的“感性方式”来看一幅画的艺术普及书。这本书一共309页，我会用大概30分钟的时间和你分享本书精髓：艺术不是用来学习的，是用来体会的。面对不同类型的绘画作品时，如何用自己的独特感受去欣赏一幅画。这本书中有很多名画图片，为了便于理解书中的内容，我们选择了其中一些名画作品，放在音频下方的文字版稿件中，可以随时查看。 那么我们就来进入正题。说到艺术欣赏，我们时常遭遇这样的困惑：有人把艺术举得高高在上，仿佛不懂艺术史、美学和专业词汇，就不配去领悟艺术的真谛，无端地抬高了门槛，让人对艺术敬而远之。还有一些人把艺术看成一种消遣和娱乐，奉上几个八卦段子博人一笑，让人觉得艺术不过就是些香艳野史或狗血故事。这样虽然降低了艺术欣赏的门槛，却容易流于表面，无法深入。最后的结果，都是让人无法感受到艺术之美。 其实，当我们去美术馆博物馆看到那些传世名画的时候，可能并不了解一幅画的背景知识，没法从理论上说出来它好在哪里，但是，我们仍然能从中体会到一些细微的情绪。这个时候，其实你已经在欣赏艺术了。 《如何看一幅画》这本书，名字起得非常通俗，而且，还带有很浓重的个人色彩，你要想从里面获得系统的 “艺术史和理论知识”，不好意思，这本书没办法满足你的需要。但是，这本书有一个最鲜明的观点，就是鼓励一种比较感性的欣赏方式，鼓励我们相信自己的眼睛和观察，重视我们主观的“体验”。 “一千个人眼中有一千个哈姆雷特”，这大概是本书最推崇的观点了。大概从来没有哪种艺术普及，是如此的“主观和意识流”。也许这正是本书的可贵之处：我们习惯了像解数学题一样理性地学习、找到一幅画唯一的解读方式，却忘了艺术本来就是一件很感性、很独特的事。 这本书的作者弗朗索瓦·芭布-高尔，是法国艺术普及界的代表人物之一。当今大热的艺术普及领域，在我曾经读到过的作品中，对三位作者的作品印象很深，觉得很有意思。她们刚好都是女性，都是艺术史科班出身，却热衷于创作面向大众的艺术普及书。一位是日本艺术畅销书作家中野京子，她擅长解读名画背后的历史故事，引导读者欣赏名画的过程堪比推理小说，十分精彩；另一位是同样来自日本的杉全美帆子，她擅长把艺术史用插画的方式来表现，幽默风趣；而第三位就是我们今天这本书的作者弗朗索瓦·芭布-高尔。她曾经在索邦大学与卢浮宫美术学院主修艺术史，还是一位艺术史教授。虽然有着学院派的背景，但法国人身上那种随性浪漫、带着一些哲学和抽象的表达方式，在她的写作中体现得淋漓尽致，她营造出一种诗意的氛围，来引导和激发读者。这本书并不是一本笑点满满的“艺术故事会”，也不是一本没有温度的“绘画欣赏说明书”，如果你还不太了解西方艺术史，但是希望亲近艺术，和别人谈论一些有趣的观点，那高尔女士一定会让你收获颇丰。 在这本书中，作者运用了两个步骤，带领我们进入绘画观赏的大门。第一步，根据体验的不同，将绘画作品大致归纳成4类，并提供每种不同类型绘画的基本欣赏态度；第二步，挑选这其中具有代表性的几幅绘画，运用微妙的分析，引导我们学会欣赏。 第一部分 那么下面，我们就来仔细说说。第一步，面对不同类型的绘画，我们要有怎样的欣赏态度呢？我们就从作者举出的这四种类型的绘画，来说明这个问题。 什么样的绘画最受大众的欢迎？毫无疑问，是那些表现现实世界的画。比如一个冲我们微笑的女人、一栋有阳台的房子、一盘新鲜的水果。而这，也是作者帮我们归纳出的第一个绘画类型——简单现实。这些简单而常见的事物，总是最容易被大家接受，因为这样的作品，能让我们将绘画和现实世界无缝对接起来，这种确定感，让人感到安心。但是，这些令人愉悦的绘画常常无法激发我们的好奇心，虽然能简单认出画中现实，却往往不再深入了解它的意义。但是欣赏绘画的乐趣，往往就隐藏在对画面表象的深入探索之中。 文艺复兴时期的意大利画家卡拉瓦乔，有一幅作品叫做《圣母之死》，画面上描绘了这么一个场景：圣母马利亚穿着红色的衣服躺在床板上，已经死去。门徒们低垂着头围在圣母身边，正在悼念她。一束光从左上方照耀下来，照在圣徒和圣母的身上，也将这群人身后的红色幕布映衬的格外鲜艳。描绘圣母之死的场面，是西方古典绘画中很常见的题材，不过面对这种简单的现实题材绘画，我们可能并没有意识到，画家已经悄悄打破了描绘圣母的既定规则。 画面中的圣母,不再是一个面部光洁饱满,神情柔和端庄的完美女性形象，而是一个相貌平凡甚至有些粗鄙的妇人，她双脚裸露，略显狼狈地倒在床板上。同时，画面背景还使用了红色幕布这一歌剧的道具，而歌剧，正是当时诞生的一种全新的艺术形式。伟大的卡拉瓦乔有着很强的现实主义情怀。他将神学意义上高贵的宗教主题，进行了世俗化和戏剧化。这幅画在当时引起了巨大的轰动。因此，当我们面对那些很容易理解的日常主题绘画时，不妨采用一种全新的视角，去体会除了画面上简单现实之外的“戏剧感”。 刚才我们以一副卡拉瓦乔的《圣母之死》，说明了即使是常见的现实题材，换个角度也能看出其中隐藏的戏剧感。其实绘画描绘的，也不都是那些常见题材和简单现实。我们来看看第二种绘画——表现理想和崇高精神的一类作品。有时，这些崇高而庄严的绘画，带给我们一种超出日常生活的视觉感受。比如一些宗教主题绘画，重大而悲怆的历史现场让我们很震撼；而一些古希腊神话题材的绘画，不得不让人惊叹人体的优雅和完美。 下面我们要说的这幅画，是17世纪荷兰画家维米尔的经典之作《戴珍珠耳环的少女》。画面中出现的内容非常单纯：这是一张半身人物肖像画，一个身穿黄色外衫、头戴黄色和蓝色头巾的女孩，在那暗夜般纯黑色的背景之中回眸，耳间的珍珠耳环熠熠生辉。 作为荷兰最伟大的画家之一，维米尔擅长描绘表现市民日常生活的风俗画。但是这幅画中的女孩，却无法让你联系到历史或者生活中的任何一个人，因为画家使用了这种全黑背景、完全突出人像的肖像画法，女孩仿佛是一种自在而永恒的存在，这惊鸿一瞥让人觉得时间都要静止了。在这一类“超越日常生活、具有压倒性气质”的绘画面前，可以不必害羞，大方承认画作中蕴含的强大感染力，从最初看到它的强烈情感和不安之中，体会和理解画中那令人惊叹的崇高感。 那接下来，来看看第三个类型，变形扭曲的、不那么现实的绘画。我们要接受一个现实，那就是有些时候，艺术家笔下的世界不再和自然世界吻合，可以是变形而扭曲的，而我们也没办法再用逻辑和常识去判断了。没错，这时的绘画让我们无从看起，感到很不适应。表象让我们迷惑和沮丧，甚至会因为画面的失控而感到震惊。这个时候，就必须要克服这种震惊，摆脱固有的欣赏习惯，去思考画家独特的处理方式，理解画中隐藏的象征意义。 比如弗朗西斯·培根有一幅作品叫做《乔治·戴尔镜中肖像》，画中的男人穿戴着华丽而整洁的西服，正在照镜子。他的身体和着装都是现实中常见的，可是，他的头部和镜子中的脸已经完全破碎变形。画面中融合了抽象和具象两种截然不同的类型，让人感到非常的不安和荒谬。同时，镜中男人的脸已经完全扭曲畸形，就像车祸现场一样，可是他的姿势却还是镇定自若，仿佛一切都是理所当然的。这不禁让作为观众的我们，生出了第二层不安和震惊。 不过，如果我们细细体会这两种矛盾和荒谬，就会意识到，画家是多么的高明啊！弗朗西斯·培根是一名活跃于20世纪的现代主义画家，他的人生中经历了两次世界大战，人物是他作品中最常表现的形象，但是这些肉体却是扭曲、怪诞和恐怖的。画家不是在用写实的手法复制现实场景，而是画出了人类的意识和精神危机——我们在这个世界生存，不常常是这样的状态吗？人前风平浪静，而内心的翻江倒海支离破碎，都由自己承受。因此，如果我们还沉迷在表象里，没有意识到这些荒诞的象征，无法穿越画面第一印象带来的震惊感，那也就无法领会画家的真正意图了。 而看过了这些或简单或崇高，或变形或震惊的作品，总有一种绘画能带给我们“绚烂至极归于平淡”的体验，而这，也是第四个绘画类型——温柔沉浸式的绘画。画家马克·罗斯科的作品《赭色》，正是其中非常有代表性的作品。整幅画没有线条和具体的形象，只由上下两个矩形色块叠加而成，上层是橙色，下层是红色。两种颜色的边缘呈现模糊的过渡。 罗斯科生于20世纪，他的一生，经历了艺术风格从写实主义到完全抽象的过程。而成就他美国国宝级画家地位的，正是这些完全抽象的色域绘画。罗斯科用单纯而富有冲击力的色彩，传达了人类的基本情感，也许是狂喜，或者悲伤、恐惧、空虚，但它会带给你慰藉，降低你的欲望，让人追寻一种超越理性的永恒。这时的绘画回归了和谐，它让我们冷静下来、平息心灵、获得慰藉。而面对这样的绘画时，我们只需要深深地沉浸在那静谧的氛围中，抛却漫长人生中沉重的包袱，与世界和解，与我们自己和解，就好了。 以上，就是本书第一个重点了。作者提出，要珍惜我们看一幅画时的直观感受，并且以不同体验作为标准，提供了4种不同的欣赏策略，我们再来简单回顾一下：第一类，面对表现简单事实的绘画，引导我们挖掘表象之下隐藏着的戏剧性；第二类，并不是所有绘画都表现日常，面对那些表现理想和崇高的绘画，我们可以带着一种敬畏的心情去审视；第三类，绘画可以表现变形和扭曲的世界，它会带给我们震惊感，因此我们要改变欣赏写实绘画的方法，去理解画中符号的象征意义，同时摆脱震惊、深入解析才会让我们有收获；第四类，终究有一些绘画，让我们沉浸在一片温柔的气氛里，我们要做的，就是感受它的宁静和谐。 第二部分 刚才我们讲了不同类型的画作，我们要有不同的鉴赏策略。那么接下来，我想讲解三幅在艺术史上非常有名，也很经典的作品。请你跟我一起，运用刚才说过的这些鉴赏方式，和你的想象力，走进画中的世界吧。 第一幅画，是20世纪中期美国画家爱德华·霍珀的代表作《夜鹰》，这幅画现在珍藏于芝加哥艺术研究院。 这是一幅特别简单明了的画。夜色中的大街和公寓，右侧正在营业的街头酒吧亮着灯光，酒吧中有正在喝酒的两男一女和一个酒保。没错，画面上的所有事物，我们都能毫不费力地找到在现实世界中的原型。整个作品是以观众为上帝视角来展现的。这个场景在现实中也是真实存在的，它是位于纽约格林威治大道上的菲利斯酒吧。所以，整幅画表现的，就是夜晚中的一个街头场景。 而正当我们为这种明确的画面感到安心和平静时，作者却给我们提供了另外一种全新的思路：画中的一切，有没有可能只是道具和演员？为什么这幅画格外的单调和平稳、却又有一种沉重和空虚的氛围弥漫？这些喝酒的人看上去显得十分冷漠，他们究竟在想些什么？当开始思考这些问题时，我们和画作之间产生了一种微妙的交流，开始体验到画中简单事实之外的“戏剧性”，而这些，才是画家真正希望我们去理解的东西。 我们继续来看。整个画中的线条都特别简单，建筑外观基本都使用了规矩的方形和折线，而人物运用了少量的曲线。线条给人的感觉是不一样的，直线是冷静的，而曲线是柔美的。同时，大量的墨绿色和酒吧内一小角明黄色的对比，更给人一种密不透风的压抑感。这像不像在钢筋水泥的城市森林中，人们看似镇定地焦虑着、看似温情地疏离着，对外部世界漠不关心、保持着距离呢？而他们内心在想什么，我们也不得而知，或许什么都没有想，只是夜晚一种疲倦的状态而已。 这样的一幅画，是不是很像一个默片电影的场景呢？有意思的是，画家霍珀本人，正是电影的忠实粉丝，而他的画风，也影响了电影工业，我们的悬疑大师希区柯克先生在影片《精神病患者》中，重现了霍珀画中的一栋房子。所以，我们如果沉浸在这幅画给我们营造出的戏剧体验中，那就会继续追问，究竟这些画中人，生活在一个什么样的世界里呢？ 当你想到这里，恭喜你，你的疑惑已经抵达画家的创作理念了。霍珀的绘画手法，正是这样一种“世俗化了的现实主义”。他很注重细节，把社会的真实场景直接描绘出来。然而，这种不带一点点主观情绪的表达，反而造成了一种和现实的疏离与不真实。看他的画，让我们觉得现实就在眼前，却又根本接近不了。我们只好想象画面中发生的情节，而一旦开始了这种脑补，最后只有一种幻灭感，因为无论如何，我们也参不透真实的剧情。这实在是一个悖论。 这种空虚，正是画作的隐藏价值，它传达出的气质，和二战后美国人空虚寂寞的精神状态息息相关，那种沮丧和压抑的心情，被画家在作品中隐晦地表达了出来。作为美国最重要的写实画家之一，霍珀不仅表现了充满异化情绪的二十世纪上半期的美国社会，而且深刻挖掘了人物的精神面貌。而这之后，不同时代和地方的人们，都能从霍珀的画中找到自己的人生状态。这也正是本画最大的价值：看上去稀松平常甚至略带枯燥，却是一种开放的叙事方式，表象之下的内涵，留给观众自己去思考。 刚才的第一幅画，作者给我们提供了一种对于简单现实的观看方式。而接下来我们要说的这幅作品，它不再让我们感到踏实，而是一种变形的产物。这种情况下，只有突破表象的迷惑，才能洞察到它的象征意义。让我们进入第二幅画，现藏于纽约现代艺术博物馆、来自20世纪超现实主义代表人萨尔瓦多·达利的经典之作——《记忆的永恒》。 整幅画，就像是悖论一样的存在——眼前的东西都在现实中似曾相识，但是细细看来又并不一样。第一眼看到画中的物体时，我们会以为这是件传统的作品，因为画里的钟表、树杈、苍蝇、蚂蚁和远方的山与天空，都是现实中的存在，画家用一种接近文艺复兴时期的绘画手法，对这些元素进行了细致的描绘；可当我们几乎要相信，这就是现实中的场景时，内心的疑惑又将这最初的想法打破了。 为什么画中的世界看上去黏黏糊糊的？那本应该坚硬的金属钟表，为什么像被太阳烤化了一样，软塌塌地挂在树杈上、铺在地面和桌面上？这三个展示着不同时间的时钟，究竟是不是一种荒唐？地面上那个白色软绵绵的东西，是毯子、水母、白马还是某种奇怪的自画像？在这一片寸草不生的荒原中，为什么会出现蚂蚁和苍蝇？可以说，整幅画描绘的物体越是客观，就越给人一种强烈的不安全感。于是我们不禁质疑，达利的这幅画，到底是真实的，还是个梦境？ 看到这混乱不堪的画面，我们只有运用联想和想象，才能拆穿画家的鬼把戏了。 孔子曾在奔流的河边感叹道：“逝者如斯夫,不舍昼夜”，人们也常常用“时光流逝”来形容时间的变化。所以，画中像融化了一样的钟表，是不是也暗示了时间像液体一样流动呢？而我们再想想“软塌塌”这个状态，它又象征着什么呢？软表的形象，和远处坚硬的峭壁山体形成了鲜明对比，时间的在流逝中变得枯萎，让人无能为力；同时，钟表是大工业产物，代表着社会的文明，但它却出现在一个混沌的、原始的荒原中，显得是那么的多余可笑。在达利的很多作品中，都反复出现软表的意象。而这些，常常融合着对他所痛恨的事物深深的无力感。 画中的蚂蚁，也是达利精心设计过的把戏。说到蚂蚁，我们能联想到什么呢？如果你是中国摇滚乐爱好者，那大概听过张楚的那首《蚂蚁蚂蚁》，歌词中反复重复“蚂蚁”这个词，给人一种密密麻麻的压迫感；蚂蚁是种无孔不入的家伙，它可以无性繁殖，还能被当作壮阳的药物。因此蚂蚁所象征的一切，都与焦虑有关。 我们再说地上那个白色软绵绵的物体，它在现实中已经无法找到对应物了，所以，这是画家一种超现实主义的变形，也许，它就是画家潜意识中自己的样子。看到这里，我们大概已经明白了，这幅画早就已经超越了真实生活的界限，画家是在表现自己的梦境，或者说是噩梦。 而且我们看，达利是多么的有意思啊！他表现自己的主观情绪和恐惧，不是像梵高那样运用挥毫的线条或者热烈的色彩，而是愈发冷静的描绘。身为与毕加索、马蒂斯三足鼎立的20世纪代表画家之一，达利用他“偏执狂临界状态”这一最出名的方法，在现实与超现实之间拼接错位，这是他作为一个现代主义画家的专业与平衡。而这些带着隐喻的形象，也频繁出现在达利的各种绘画和雕塑中。如果你看穿了他的这些小伎俩，那画家一定会冲你狡黠地一笑，因为你懂他了；而那些拼命想要在他画中找到自然世界对应物的人，最终都会无奈地摇头离去。 上面的两幅画，一个是看似简单却又暗藏玄机的现实场景，一个是扭曲变形了的超现实主义世界，总之，它让我们激发了复杂的感情，有一点孤独，有一点慌张。而有没有那么一种绘画，能令我们一瞬间忘记世界的沉重、享受长久的宁静呢？下面，让我们进入第三幅画， 19世纪印象派画家莫奈的《睡莲》。整幅作品的内容也非常单纯，圆形的构图之中，一汪池水里生长着几片睡莲。 说到莫奈，这里先奉送一个小彩蛋：2017年，是《泰坦尼克号》上映20周年，不知道大家当年在看电影的时候，有没有注意到莫奈的作品也出镜了呢？当时女主角露丝把杰克带到自己的上等舱卧房，准备让他给自己画像，结果杰克迅速被墙上的一幅画所吸引，当时他双眼放光，手摸着画面惊叹道：“莫奈的画！看看他对色彩的运用，简直妙极了！” 没错，画面中出现的，正是莫奈的《睡莲》。在此之前还有一个情节，就是露丝十分钟爱包括莫奈在内的这些现代派画家，而她有钱的未婚夫卡尔却认为这些先锋画家没什么前途，他的审美标准还停留在古典学院派。从这个小细节中我们也能看出，三个人之间对艺术的态度，暗示的正是他们情感上的共鸣或隔阂。那么，这幅让泰坦尼克号上的男女主角都如痴如醉的《睡莲》，究竟有什么魔力呢？ 当你最初看到这幅画的时候，可能会觉得有一点奇怪。因为第一眼看过去，你会非常确定它画的是什么，没错，就是池塘中的睡莲。但是，如果你越靠近了看它，越会发现它好像画得很模糊，还不如远观来得清楚。而且，它和从前那些风景画好像也不太一样，没有那种酱油色调的天空和树木，没有那种特别清晰的线条和颜色，没有那种完美到理想化的气质。于是我们产生了一点点疑惑，是不是画家的绘画技法太糟糕了？或者这幅画根本还没有完成，就来冒充真正的风景画了呢？ 但是，在产生了这些细微的不确定感之后，我们很快又能被画面独特的气氛所吸引，那就是静谧。水，本来就是我们中国人一种特别熟悉的绘画主题，它很纯净、很淡泊，所以它让我们感受到安宁。而画中的睡莲，正是生长在这样平静的水面上，可能有一丝微风拂过，但是一切都是那样的岁月静好。而如果我们再仔细看，会发现画家的笔触即使没有那么准确，却也能看得出色块的微妙变化。那是浅蓝中带着幽幽绿色的一汪池水，一朵朵小花有时是蓝色有时是粉色，天空中云的倒影好像也出现在了水面。随着注视的时间变长，我们仿佛都开始闻到了画中的空气和薄雾的味道，甚至，觉得阳光都在忽明忽暗地变化。于是，我们心如止水，沉迷在这一池睡莲之中。 这就是《睡莲》的魅力。整幅画并没有讲故事，来告诉你睡莲背后那番爱恨情仇，它也没有传达什么象征意义，或者扭曲世界的隐喻。如果我们到现在依然在追问，画家想要传递怎样的深刻内涵，那莫奈可以非常直白地告诉我们：我要你看的，就是那个瞬间盛开着的睡莲。 莫奈把绘画引入了一个全新的阶段。在他之前，传统的画家们总是要用完美的线条和色彩，来表现完美的画面和故事；而到了莫奈，他开始拿着自己的颜料走向户外，大自然那变化莫测的光线，仿佛就是他的缪斯女神，描绘事物转瞬即逝的样子，这便是我们熟悉的“印象派”的开始；而这之后，那些更加现代和先锋的画家们，也不再像莫奈这样，耐心地去描绘眼前客观的现实了，而是用抽象、变形和拼贴的方式，告诉观众他们的主观情绪。看莫奈的画时，你不需要联系什么高深的艺术或者哲学理论，唯一要做的，就是用心体会这花花世界里的一草一木。这幅《睡莲》，就像一段独白一样，在自然中默念时光的流逝。你喜欢的莫奈，是寂静的，而在这个纷乱的世界中，能够享受恬淡，是一种高级的修养。 更值得一提的是，莫奈的一生，竟然绘制了250多幅睡莲！这个系列就是他的创作巅峰，每一幅看上去都差不多，但其实又并不相同，时光从不再来，这一刻画中的睡莲，永远不再是前一刻的样子。这里，我说一点个人的看法，我一度认为，莫奈的《睡莲》系列，和我们东方的禅宗意境不谋而合：参禅之初，看山是山，看水是水；禅有悟时，看山不是山，看水不是水；禅中彻悟，看山仍然山，看水仍然是水，这大概也是生命的境界吧。有一天艺术到达了极致，也就变成了“悟道”。 总结 好了，这就是《如何看一幅画》这本书，提供给我们的艺术欣赏理念，下面我们再来回顾一下：当我们走进艺术的花花世界，会发现有很多不同类型的绘画，会激发我们不同的欣赏体验，于是作者归纳出几种不同体验型的作品，并提供给我们相关的欣赏方式。面对表现简单事实的绘画，我们要挖掘画面表象之下隐藏着的戏剧性；面对那些表现理想和崇高精神的绘画，我们可以带着一种敬畏庄严的心情去审视；而对于那些表现变形和扭曲的世界、带给我们震惊感的绘画，我们要跨越震惊的感觉，去理解画中符号的象征意义；还有一类绘画呢，能让我们沉浸在一片温柔的气氛里，我们要做的，就是感受它的宁静和谐。 而这之后，我们一起深入解读了三幅不同类型的名画，他们分别是美国现实派画家爱德华·霍珀的《夜鹰》，西班牙超现实主义艺术大师达利的《记忆的永恒》，和法国印象派代表画家莫奈的《睡莲》。我们一起感受了这些作品独特的氛围和气质。我相信，即使没有储备太多的艺术和理论知识，你也已经与这些绘画有了情绪上的交流和互动。要知道，我们不是在学习艺术，而是在体会艺术。 |
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