浪漫不死，理想不灭。不仅女人爱浪漫，男人也逃不脱罗曼蒂克的诱惑。而在国外，有这样一群人，告别浪漫之路，朝着现实之路越走越远。他们披荆斩棘，却义无反顾……
一、现实主义画派兴起的时代背景和由来
从古典端庄的美，到浪漫激情的美，浪漫就像是横亘在18世纪上空的云朵一样吸人眼球。人们争先恐后，人们目不暇接。突出的构图，充满激情的氛围，一下子把现实脱离出生活的骨血，而后马不停蹄地送入幻想之中。在幻想之中，自由有了浪漫的色彩，浪漫有了理想的气息。文艺复兴艺术运动的“后遗症”远不止于此。
当大风暴来临，生活的乌云突然挤掉那些色彩斑斓的浪漫，以法国为中心，世界各地的人们开始擦亮眼睛，开始认真打量这个世界。这个时候。人们开始觉得浪漫是抽象的，是遥远的。离他们最近
是随处可见的苦难眼泪，是资本家爽快倒入海边的牛奶，是普罗大众的挣扎生活。罗曼蒂克开始不如一磅面包，因为肚子会饿，身体在长，浪漫不能用来果腹和蔽体。这一世纪的创作者大多数是食不果腹，衣不蔽体，他们难以有热情奔放的语言，难以有瑰丽华美的想象。
1848年，法国革命开始酝酿，同样，这一时期，艺术领域也在掀起一场大的风暴。海平面开始变得不平静。
法国巴黎的警钟一直长鸣，站在巴士底狱外，各个国家和城市的人民开始像巴黎人民一样，走上了反抗之路。
这一时间内，俄国街头、英国、美国等，人民高喊“自由”“平等”，浩浩荡荡地出现在历史长卷之中。时代变得动荡不安，社会矛盾此起彼伏，枪声有时突然响起，宁静的生活伴随着恐惧，伴随着不安。这种生活之中，农村、农民和底层人民的生活变得举步维艰。
二、现实主义画派的代表人物和代表作
现实主义画派主要分为两个画派：巴比松画派和挪威画派。两个画派以地点为标识，衍生出浓郁特色的两支分线。前者更看重生活的本真，而后者则奉行个人主义和民族主义。
（一）巴比松画派
19世纪的欧洲，同一片天空下，不同阶级的人们生存状态是不一样的，不实用的浪漫主义画派做法被渐渐丢弃，绘画创作者们开始越来越注重客观的观察现实生活，还原现实生活的本真面貌，并通过典型人物、典型形象来揭露典型环境。
这一时期，现实主义画派分割有巴比松画派和挪威画派。巴比松画派最著名的代表是巴比松7星，即米勒、柯洛、卢梭、查克、迪亚兹、特罗雍、杜普雷与多比尼 。7个隐居士将法国丹枫白露宫附近的巴比松村当作临时的家，他们在日常生活中，将所见的自然景象和农村生活，原封不动地搬到画布上。
这其中，以米勒和卢梭为主要代表者。区别于卢梭的风景画，米勒则倾心于田园生活。在《拾穗者》之中，以金黄为主的暖调却一如反常地把希望推出画布之外，画面上，弯腰拾穗的老妇人表情凝重，她的身后是刚刚收割完的麦田。这种希望和苦难的强烈反差给观众一种压抑的感觉。
“我不会画天使，因为我从来没有见过他。”
这句话巧妙而微妙的说出了现实主义画派的思想困惑。对于苦难的底层人民来说，他们渴望被拯救，实际情况是，主并不存在。从来都没有人见过天使，人们开始对心中的信仰表示疑惑。资本主义的愚民政策开始失效。
（二）挪威画派
18世纪70年代，以慕尼黑为中心，形成一个挪威年轻画家团体。代表者有汉斯·海耶达尔、哈瑞特·巴克等。他们没有把意大利打理，当作基地，而是选择返回挪威，并在1882年创办了自己的“秋季画展”。和米勒不同，他们把风景当做主要题材，并强调主体事物的文学性和象征色彩，在他们的画作之中，民主，自由，个人，国际相互交错，相互勾连。
正如克罗格所说：“所有民族艺术都不是好艺术，所有好艺术都是民族艺术。”
更多的艺术家开始去把精力花在绘画的实际过程之中，而不是越俎代庖，粗鲁地去解决社会和人类的矛盾，社会和自然的矛盾，人类和自然的矛盾。可以说，挪威画派把绘画分流做到极致了。
三、现实主义绘画作品的艺术特点
（一）接近性
写实主义绘画作品具有很强的接近性。不同于浪漫主义的遥不可及，现实主义绘画作品开始越来越倾向于生活化。用我们现在的话来说就是“接地气儿”。在这一流派的作品之中，模特不再是天使，不再是圣母玛利亚，不再是圣徒，而是随处可见的农妇，上街乞讨的孩童，食不果腹的老人，剥削的资本家……鲜明的特点赋予每一个人物角色不同的时代气息，在他们的作品之中，观众可以越过时空，感受到飘在18世纪和19世纪上空那淡淡的阴霾。
好的一幅绘画作品，可以让人们透过色彩、构图、人物感受那个时代的更迭。当小人物，小事情，去生活中的一点一滴成为素材，现实主义绘画创作者便会精心雕琢。站在历史的宏观，并不能对历史一览无余，反而，透过生活中的一个个小人物来窥视时代的变化。在这些人物的背后，有着时代的缩影，在这些人物的背后，一个时代在气喘吁吁。
（二）真实性
现实主义又被称之为写实主义。和浪漫主义象征主义不同的是，现实主义开始强调真实、真诚。在很多绘画创造者的眼中，他们认为美是无瑕疵的，是遥不可及的，是高高在上的，是《蒙娜丽莎的微笑》的细腻，是《自由引导人民》的凄美。而现实中，残缺称之为美，苦难称之为美，真实称之为美，白璧无瑕是虚幻的美，瑕不掩瑜才是常态美。浪漫主义从神坛跌落，摔碎到地上，成为一粒粒老妇手中上可以充饥的麦穗，成为现实主义画者的笔。这种现实，是真实的，而真实属于永恒。
（三）文学性
有人说，绘画和文学并不相通，绘画是绘画，文学是文学，但是，一部好的文学作品，其实也是一部好的绘画作品。同样的道理，现实主义绘画作品也具有浓郁的现实主义文学特征。这就像是历史的画卷，娓娓道来人们的艰辛，这是时代进化的缩影，每一个笔触，每一个用色，每一个个构图，每一个人物，都是如此饱满而鲜活，就像是朗朗上口的文学作品，读起来让人印象深刻。文学性在于可读性。一副好的作品，不仅可以看，也可以“读”，读里面的深层韵味，读跌宕起伏的辗转人生。
（四）苦难性
现实主义作品不等于直接的卖惨。它不是以展示人们的苦难生活，高调揭露资本主义社会的丑恶为主要主题，而是真诚的把自己的眼睛当做照相机，把自己的画笔当作记录仪，把那个时代人们的生活，真实的记录起来：农村生活的恬静，农村生活的辛酸，农村人民的善良朴实，农村人民的苦难，万象生活平铺在一张纸上。
“一千个读者，有一千个哈姆雷特。”可以说，这种苦可以被歌颂，难可以被共鸣。就如泰戈尔说“世界以痛吻我，而我回报以歌。”在苦难之后，光明才是永远的主题，永远的期待。
四、现实主义画派对于后世绘画创作的思考
现实主义画者像是一位位苦行僧，他们没有把太多的主观情绪堆在里面，而是看到什么画什么。他们把想象和思考的空间留给大多数的观众。这种“留白”也是很多流派所没有的。
（一）艺术来源生活
艺术一直来源于生活，又高于生活，可以说，脱离人民脱离生活本质的艺术是并不存在的。现实主义绘画作品之所以让人过目难忘，是因为这是画家对于生活的还原和记录。和浪漫主义、象征主义不同的是，现实主义画派越来越把生活的真实放在第首位，这对于我们后世的绘画创作的启发也是很大的。
在后续的绘画创作之中，创作者应该注重去展现生活的零碎，而不是去零碎的展现生活，艺术是一个一体的东西，我们都会赋予作品可观性、生活性和真实性。只有这样，才可以成为主流文化和大众文化。
（二）创作者理应做到知行合一
很多绘画创作者会越来越倾向于从书本中获得灵感，以此来找寻创作契机，但是殊不知这是本末倒置的做法，我们不能闭门造车，也不能画地为牢，而是应该走出书本，走进世外，走到田野，走到社会中去感受生活。
“读万卷书行万里路”，绘画创作者如果想让作品具有灵性，那么，他就应该去积极感知人性，去用脚丈量土地，用手记录生活，用大脑去思考，用臂膀去承担，这是一个艺术家所应该有的模样，一味的纸上谈兵，并不会让艺术保持鲜活的生命力，能让它像常青藤一样保持鲜活嫩绿。
（三）艺术具有极强的灵活性
艺术没有具体的特定范畴，没有明显的界限，有人说绘画是绘画，文学是文学。但是，这是不对的。一幅好的绘画作品也可以具有文学美，建筑美和音乐美。美并没有特定的标准，它是一种通感，只要可以让人轻松感觉到，那么这幅绘画作品便是成功的，在绘画创作中创作者应该站在第三视角，不偏不倚的去记录，去传递，而不是去说教，去领导。
因此，创作者在闲暇之余，也应该跨出自己的绘画范畴，积极的去阅读一些文学作品，去欣赏一些建筑作品和音乐作品，以此来达到情感的共鸣，和对美极致的追求，这样才知道自己要求的美是什么？
（四）大美是至真至善
美不是皮囊，美在于至真至善，在于大道之简，美是天然去雕饰，是清水芙蓉。所以，在追求美的过程中，绘画创作者也应该学习现实主义绘画作品的“真”和“简”。没有多余的色彩和线条，却可以勾人心弦，美的惊心动魄。
总的来说，现实主义画派的艺术风格是写实而不写俗，求真而不求伪。这种真有质感，有分量，同样，也有一批观众去一遍遍欣赏，一遍遍回味。
