  达芬奇 画家、作家 雕塑家、发明家 哲学家、音乐家 医学家、生物学家 地理学家 建筑工程师 军事工程师 …… 几乎在每个领域都做出了巨大的贡献 ▼  或许有部分中国人认识达·芬奇是从小学语文课文《达芬奇画鸡蛋》开始的，这个故事可谓家喻户晓，成为几代人的共同记忆。人们对达·芬奇的追逐，尤其是对《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》等不朽之作的向往狂热而忠实。但大家在讨论《蒙娜丽莎》的微笑如何神秘时，真正了解其中奥妙的却少之又少；在寻找《最后的晚餐》中的背叛者时，能切实感受达·芬奇画中构图精妙、形态生动的人也寥寥可数。其实，大多数人对达·芬奇知之甚少。  《最后的晚餐》 达·芬奇究竟是如何的一个人 萨尔瓦托·芒迪 达芬奇 他一生完成的作品不多，但几乎件件都是不朽的名作。他的作品自始至终具有鲜明的个人风格，并特别善于将艺术创作和科学探讨相结合，在世界美术史上堪称独步。他与米开朗基罗和拉斐尔并称“文艺复兴艺术三杰”。 达芬奇生前留下大批未经整理的用左手反写的手稿，难于解读。只有到十七世纪中叶，才有学者整理小部分达芬奇手稿。达芬奇的主要手稿丢失了二百多年，直到1817年才重见天日。  《蒙娜丽莎》局部 今年是达·芬奇逝世500周年，全球刮起了一股“达·芬奇”艺术风暴，观众可以一览这个永远有着跨时代、跨国度吸引力的“跨界奇才”的创作人生。  什么样的画作值30亿？ 2017年11月16日报道，当地时间15日晚间，在位于曼哈顿的佳士(Christie\'s)拍卖行，经过长达19分钟的激烈竞拍后，达芬奇的作品《救世主》以4.5亿美元的天价价格成交，折合人民币29.6亿元，创造了人类历史上艺术品交易价格的最高记录。  下面我们先来欣赏一下 这张史上最昂贵艺术品的尊荣  莱昂纳多・达・芬奇（1452 - 1519） 《救世主》 油彩 画板 65.7 x 45.7 cm. 约1500年作 估价待询 成交价： 450,312,500美元 为什么《救世主》会成为旷世巨作拍出天价的价格？ 1、传奇人物 达·芬奇是列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 意大利文原名：Leonardo di ser Piero da Vinci 现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表” 是人类历史上绝无仅有的全才 科学家、发明家、画家 他是一位思想深邃，学识渊博 多才多艺的画家 天文学家、发明家、建筑工程师 他还擅长雕塑、音乐、发明、建筑 通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科 既多才多艺，又勤奋多产 保存下来的手稿大约有6000页 他全部的科研成果尽数保存在他的手稿中 爱因斯坦认为，达·芬奇的科研成果如果在当时就发表的话 科技可以提前30-50年  2、达芬奇画作鉴别难度极大，且真迹稀少，有价无市 据牛津大学艺术史名誉教授马丁坎普（Martin Kemp）教授谨慎估计 世界上有可能存在不超过20幅达芬奇画作 大约15幅已认定的达芬奇真迹 并且，所有的达芬奇的作品都被各大博物馆所珍藏 除了 《救世主》是目前唯一一件是私人收藏 是在市面流通的 并且一直受市场追捧的 达芬奇的真迹 更是抬高了它的身价  ▲ 修复前的《救世主》 图片来源：佳士得 3、旷世巨作《救世主》的传奇经历 曾为英国皇室查尔斯一世所有 并在1649年载入其私人藏品名录 之后由白金汉公爵和诺曼比公爵之子 在1763年首次将其带入拍场 直到一个多世纪之后的1900年才再度面世 转手给英国收藏家弗朗西斯·库克 1958年再由库克的子嗣委托苏富比拍卖 但由于作品被多少次修复 很难辨别真伪 曾经被认为是达芬奇的追随者 尔纳迪诺·卢尼的作品 又因多度翻新一度被误认为是仿品 1958年曾以392元售出 2011年国际专家鉴定其为真迹 并与英国国家美术馆签署保密协议 拒绝对外公布关于此画的细节和发表任何评论 这被学界认为是近百年来最重要的艺术发现之一 几经转手后 最终《救世主》以4.5亿美元的天价价格成交 折合人民币29.6亿元 创造了人类历史上艺术品交易价格的最高记录 成为世界上最昂贵的画作 ▲ 《救世主》（局部），基督手部细节，图片来源：佳士得 4.《救世主》的艺术价值与精湛的画技 《救世主》是达·芬奇在1506年至1513年之间 为法国路易十二所画的二十幅耶稣基督主题作品之一 作品描绘了身穿青金色与深红色长袍的耶稣基督， 右手高举象征祝 左手托水晶球 画中的基督为世界祈福的主题在500年前的法国和佛兰德地区非常流行 而半身像是典型的文艺复兴风格 水晶球上集中展现了其无与伦比的绘画技巧 来传达这绝对完美球体的透明度 水晶是最纯粹的石英 并在文艺复兴时期被认为蕴含神奇的力量 是王权与世界的标 基督握住水晶球 就好像“在掌中托住全世界的福祉与子民” ▲ 《救世主》（局部），水晶球细节，图片来源：佳士得 他通过在球体中极其精心刻画的微小斑点来展现水晶的质地 Modestini 指出 当用显微镜观察《救世主》水晶球中的斑点时 你会惊讶的发现 每一个斑点都用中性色调做底色 都被白色的花饰与黑暗的阴影笼罩 而且每一个的尺寸和因光线产生的效果都不同 不得不得感叹达芬奇精湛的画技 创造出无以伦比的美丽 该画作被称为“男版的蒙娜丽莎” 来看一下达芬奇的另一旷世杰作《蒙娜丽莎》 ▲ 《蒙娜丽莎》，1503年-1507年 《蒙娜丽莎》原作的尺寸 纵77cm、横53cm， 该作品画在一块黑色的杨木板上。 达·芬奇用了4年时间来完成它 《蒙娜丽莎》是世界上享有盛誉的肖像画杰作 它代表达·芬奇的最高艺术成就 蒙娜丽莎的微笑 迷倒了世人 ▲ 《蒙娜丽莎》（局部），眼周细节 VS ▲ 《救世主》（局部），眼周细节，图片来源：佳士得 达芬奇在蒙娜丽莎的脸部施以多层非常薄的涂层 这个技法也同样运用到的耶稣面庞上 这两幅画作一样 创作时间的跨度很大 负责人弗朗索瓦称 《救世主》是他经手所有大师里面的最好作品 圣母子与圣安妮 意大利 达芬奇 法国，巴黎，卢浮宫藏 此画描绘圣母玛利亚的母亲圣安妮，她膝上坐着怀抱基督的圣母。基督正抓着一头小羊羔并试图骑上它，一边 还调皮地望着母亲，而外祖母正微笑地注视着可爱的小外孙。整个画面洋溢着圣家族天伦之乐的欢快情绪。画面构 图的严密和人物神态的和谐都是前所未见，被誉为艺术奇迹。他的这种构图原理和轻柔如烟的笔法对佛罗伦萨艺术界影响极大，米开朗基罗和拉斐尔深受其惠。 蒙娜丽莎 意大利 达芬奇 板上油彩 纵77×横53厘米 巴黎卢浮宫藏 这是达芬奇的著名肖像画作品，它代表了达芬奇的艺术思想。画面描绘了一位恬静端庄的美丽少女，她充 满着对生活的喜悦和信心。画家敏捷地抓住少女一瞬间微笑的表情，表现出她微妙的心里活动，给观众以丰富的联 想。肖像以柔和的色调、细腻的手法刻画了少女的脸部、颈部和手部。这种甜美的艺术风格和文艺复兴时期对人性 的歌颂，以及对女性美的欣赏观念是完全一致的。 达·芬奇用三年的时间在佛罗伦萨绘制了这幅肖像画，结果这幅油画成为了世界上最著名的油画作品，并永载史册。画面中肖像人物的身世、订画的意图以及后来是如何被法国王室收藏的，至今仍然是个谜团，无法确定。 我们现在只能靠推测讲述这个故事。依据史学家的推断，《蒙娜丽莎》描绘的是一位名叫丽莎·格拉蒂尼的女性，她是佛罗伦萨布商焦孔多的妻子，蒙娜丽莎是她的绰号。从她并不引人注目的衣饰推断，她不像是一位贵族。绘制这幅油画的原因可能是为了纪念两个事件中的其中一件，一个是，焦孔多夫妇在1503年购买了属于自己的房子；另一个则是，他们的一个女儿于1499年去世之后在1502年12月生下了第二个儿子安德鲁。 抱貂女郎 意大利 达芬奇 板上油画 纵54.8×横40.3厘米 克拉科查托斯基美术馆藏 此幅精美的肖像画，描绘了气质高贵、外表文静的切奇利亚·加勒兰妮，她是米兰的多维哥·史弗萨公爵的情 妇，备受宠幸。画家运用光线和阴影衬托出切奇利亚优雅的头颅和柔美的脸庞，怀中抱着的毛色光润、形态逼真的 白貂使画面生动了起来。白貂在这里取其象征意义，成为他的个人化身，达芬奇的肖像画真正做到了形神兼备而 得到世人的推崇。 时年17的加勒兰妮是米兰大公最宠爱的女子，他敏锐地捕捉到她转头时的动态，将她明眸浅笑的动人瞬间变成了永恒，细致的刻画使她面部的肌理如同大理石雕塑般细腻生动；有趣的是，身为宠姬的她怀中亵玩的宠物正是大公家族徽章的标志，不知大公观后有何感慨？ 明暗的处理，是这幅肖像画中最引人注目之处，光线和阴影衬托出切奇莉亚优雅的头颅和柔美的面容。 达芬奇不断尝试阐述照亮室内人物脸庞的光线来源理论，他使用明暗法（光亮和阴影的均衡）创造间接照明的幻觉。所谓间接照明，是使用墙壁或屏幕来反射光线，这种理论被认为非常现代化，与今天摄影家使用的方法不谋而合。 丽达与鹅 意大利 达芬奇 板上油画 纵112×横86厘米 佛罗伦萨乌菲齐美术馆藏 此画是达芬奇同名作品的摹本，原画已失。达芬奇很少采用神话做题材，此画是唯一的一幅。图中少女丽达居住在孤岛上，宙斯仰慕她的美貌，化做天鹅与她幽会。文艺复兴以来，这一题材被许多画家采用，大概是由于这段神话充满了浪漫主义的神人合婚的反封建色彩。画中采用装饰的手段来表现。鹅被加以夸张并且拟人化，丽达脸上的笑容，是“蒙娜丽莎”笑容的翻版，但裸体是画家人体解剖研究的成果。画面背景有深度感，远山、村落、河流与前景开满鲜花的草地相呼应，画家对人生和大自然采取了赞美和讴歌的态度。《丽达与鹅》存有几幅变体画， 细节略有差异，这一幅描绘得比较精细，人体丰满，细节清晰而具体。 画作题材取自希腊神话，海仙女丽达嫁给斯巴达王廷达瑞俄斯，后者忘了向阿佛洛狄忒祭祀，便遭报复。阿佛洛狄忒让宙斯化为天鹅，自己变成鹰追逐天鹅。丽达在湖中沐浴，天鹅飞落湖边，丽达把它搂抱怀中，导致受孕，生下4只蛋，孵出4位天使般的儿女。画面的草地上有4个破壳躺在地上仰视母亲的小孩。全裸的丽达占据画面中心，右手搂抱着鹅颈。她体态丰腴，脸上挂着“蒙娜.丽莎”般的微笑。天鹅张开右翅紧抱丽达，仰望着她的面孔似欲亲吻，丽达羞涩地将面庞避向右肩。背景是一座深色古代废墟，衬托出丽达洁白无瑕的玉体。 作品的主题是生命繁衍蕴含人类生育的意象与价值。作者歌颂了人类对性爱的渴望与追求，并向经受蛮横的中世纪禁欲主义统治的世人言告：人类的性爱活动是天经地义的，也是人类繁衍和种族兴旺的保障。达.芬奇的时代，对性价值的肯定除了保存生命、增加人口外，是不可能在美学以及性爱方面做进一步的追求和歌颂。对孕育生命的男性，往往只能借助神话与动物来取代，也只有这样，作品在当时才较易被人们所接受。 基督受洗 意大利 达芬奇 湿壁画 176.9×151.2厘米 意大利，佛罗伦斯，乌菲兹美术馆藏 在这幅画上，达芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，从人物造型和脸部的神情表现来看，要比老师所画的其他几个人物生动得多。达芬奇着重描绘的是一个天真无邪、毫无神秘色彩的儿童形象。儿童头部的卷发、身上的衣褶以及他与据说也是他画的后面的自然背景之间的和谐关系，给人以极其真实可信的感受。尽管是初露头角，但可以看出达芬奇在人体结构与自然形象方面的深入探究，已经优于他的老师。色彩表现符合规律，形体的写实性十分强烈，因而给人以神态毕肖的印象。画布上这个跪着的小天使，目光炯炯有神，他认真而又好奇地注视着眼前所发生的事件。这一切似乎使他深入幻想的境界。当老师委罗基奥看了之后，也颇有自愧勿如的心情。自此以后，达芬奇又被老师介绍给一位在陶器釉绘上有独特技艺的画家卢卡·德拉·波比亚，让达芬奇进一步向这位色彩大师学习绘画的技艺。 达芬奇的老师委罗基奥比达芬奇年长17岁，他身体健康欠佳，未满40岁已百病丛生。这位老师是意大利文艺复兴时期最辛勤的艺术与科学的探索者。对他来说,绘画是立体美的数学示范，一切艺术形象都必须建立在几何设计的基础之上。形象，必须是有形体可依的，立体的，它不仅应该有长度、宽度，而且还应有深度。这种科学态度在那个时代是人类自身觉醒的一种求知表现。它对于正在发展中的天才达芬奇具有强有力的影响。但达芬奇的天分胜于他的老师，因为他不仅爱好数学，还爱好哲学，哲学帮助他去研究人的精神世界。只有深入探索人的精神世界，绘画艺术的写实才是全面意义上的写实。 受胎告知 意大利 达芬奇 意大利，佛罗伦斯，乌菲兹美术馆藏 这是一幅木板上的油画,现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆。描写的是《新约全书·马太福音》第一章第一节马利亚受圣灵感动的故事,它属于达芬奇早期的杰作之一。圣经上说,马利亚许婚了木匠约瑟后,没有同房,就受到圣灵感召而 怀了孕。在路加福音第一章中是这样记载的:天使加百列奉神的差遣,往加利利的一座城去,这城名叫拿撒勒。到一个童女那里,是已经许配大卫家的一个人，名叫约瑟,童女的名字叫马利亚。天使进去,对她说:承蒙大恩的女子,我问你安,主和你同在了。马利亚因这话很惊慌,又反复思想这样问安是什么意思。天使对她说:马利亚,不要怕,你在神面前已经蒙恩了,你要怀孕生子,可以给他起名叫耶稣。 《受胎告知》是现存达芬奇最早的作品，是没有老师的指导独立完成的一件作品。构图虽没有创新，而背景山水的描绘却已注意到了空气氛围的表现，以及达芬奇在探索客观真实中所作出的努力，他尽量想表现物质世界的本来面貌。这表明他一开始就致力于解决写实与典型加工的辩证关系。这除了有一点自由构思外，这幅画的场景都是达芬奇遵循一般的透视画法来构思的。后来位于欧利维特峰的圣巴托罗梅欧修道院还订购了这幅作品。 这种题材以前的画家已有各种表现，达芬奇采用了横幅，是为了展现美丽的贵族庭院生活，让视野更开阔些。借助宗教故事中天使加百列与圣母马利亚对话这一段情节，既满足社会需要，也给绘画技巧的探索提供方便。于是他选用对称的形式，画了跪在草坪上传达神旨的天使，和正悠闲地在庭院读书的马利亚两个形象。这里的天使报喜富有戏剧性。马利亚的神态虽然平静，左手往后一缩的动作也显露出她内心的惊讶。她似乎不能自恃，怀疑她是否听错了天使的话。整洁美观的大庭院是运用科学的焦点透视法来展现的，宅院内华贵的建筑以及马利亚跟前的雕花桌子，都经过仔细的透视推敲。两个人物身上的衣褶是经过大量习作之后肯定下来的。所有这一切,都是为寻求绘画平面反映事物的准确性，但也显露出画家早期绘画上的刻板。 吉内薇拉·班琪 意大利 达芬奇 美国，华盛顿，国家艺廊藏 透过《吉内薇拉·班琪》画中的眼神，美中有忧伤和茫然。猜想是因为担心不知所嫁的老公是老是丑映射她的内心。画中并没有运用线，反而运用“阴影”加强立体感。仔细看你会发现衣服中有薄纱且与胸前的扣环仍清楚保留约一公分的空隙处理, 这也是达芬奇高超之处。 这幅《吉内薇拉·班琪》，一反15世纪艺术追求线条分明的传统，以逆光夕照的色调渲染他所倡导的透视效果。 此后，达芬奇1472年入画家行会，70年代中期个人风格已趋成熟。 这是达芬奇（1452-1519）最早的肖像画，创作这幅画时，他仍是韦罗基奥（Andrea da Verrocchio）画室中的学徒。尽管这幅创作于1475到1480年之间的画，是油画颜料的早期实验，年轻的达芬奇已经展现出自己对于这种媒介令人吃惊的掌握程度。在对卷发和皮肤的晕涂法处理上，体现出令人震惊的自然主义手法，他将手指蘸入湿颜料中，软化笔触；棕色的叶子最初是鲜绿色。最初的画板已经过切削，作品中曾经有模特的胳膊和手。 吉内薇拉·德·班琪是一个富有的佛罗伦萨银行家的女儿，这幅肖像受诗人和人文主义者贝尔纳多·本波(Bernardo Bembo)委托，他是威尼斯在佛罗伦萨的大使。吉内薇拉背后有一片铅笔柏（意大利语中为ginepro），这既是对她名字的双关之语，又象征了她的贞洁，与她低调的服饰和箴言“美仰慕美德”。画板背面绘制了放在斑岩上的一枝铅笔柏枝叶，还有一个月桂叶花冠和一枝棕榈枝。大使与这位名媛兼诗人之间有着柏拉图式的纯洁友谊，并在梅第奇宫廷中得到传扬，在那里正流行着新柏拉图式的理想。 柏诺瓦的圣母 意大利 达芬奇 俄罗斯，圣彼得堡，艾米塔吉博物馆藏 在达芬奇《柏诺瓦的圣母》这幅画中，画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计，将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母玛莉亚与圣婴耶稣。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵花圣婴右手探出想要拿花，同时伸长另一只手抓住母亲。于是，玩弄花朵这个动作构成了整幅画的主题，而画面垂直的中心轴不偏不倚正好通过三只手和缓交错的地方，成为全画的中心点。 玛莉亚穿着一身精致飘拂的蓝袍外加红裙与露出的红袖;她在胸前别了一只胸针，将蓬松的卷发精心地编成辫子。在这幅画中圣母与圣婴之间的顾盼与姿态尽溶于画的内在世界中，其所散发出的亲密感与同质性很难让观赏者将注意力从他们身上移开。 持康乃馨的圣母 意大利 达芬奇 德国，慕尼黑，古代美术馆藏 圣母穿着暗蓝色的衣服，外加红袖红裙，身披金色的斗篷，胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血，似乎预示了圣婴以后的遭遇。 此画前景中摆着一瓶花，圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。萨瓦里笃定该画是达芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品，画中的圣母带有韦罗基奥作坊的特点——苍白的、北欧人式的脸，金黄色的卷发，双眼望着下方。最能反映达芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的风景，那是一排崎岖不平，犬牙交错的山峰。 三博士来朝 意大利 达芬奇 意大利，佛罗伦斯，乌菲兹美术馆藏 《三博士来朝》是达芬奇的名画之一。这幅油画取材于圣经中耶稣诞生之时 东方三博士前来朝拜的故事。在这幅未竟之作中，画家不再以叙事角度简单罗列有关人物，而以激烈对比的构图和形象表现显示艺术上的创新：圣母、圣婴和三位博士形成三角形的稳定构图，周围的群众却以激动的手势环列左右，宛如人群组成的漩涡；背景上按精确的透视法画出的建筑遗迹和奔腾飞跃的马队也形成强烈的对照。在刻画前景人物、特别是围观的群众时，色调幽暗，让形象从阴影中闪出，一反15 世纪绘画明晰透露的特点，力求幽微含蓄，在艺术手法上形成他独创的烟雾状色调。因此，这幅画虽未完成，却表明达芬奇的艺术探讨已大大超越同侪，预示文艺复兴风格的到来。 画的主题是文艺复兴时期绘画中最常出现的主题之一：三个国王或称东方三博士，来到伯利恒向初生的基督表示敬意。达芬奇在自己的画中表现了这个主题的所有传统因素，但在处理人物群像上则大胆创新。画中的人物不是在行进的路上，而是处于暴风雨般的漩涡之中，人和动物加起来总共有六十多个形象。在其尚未完成的模糊形式中，众多的形象令人不禁产生困惑之感：怀揣敬意和好奇心的这群朝圣者似乎就是一群乌合之众。众人围在圣母子周围，圣母子虽仍是作品的中心点，但周围人群的包围表现了两人的势单力薄，仿佛有东西要将他们吞掉一般。这一带有威胁意味的漩涡式的人群不仅表现了三个国王献出的象征性的礼物，还预示了孩子的未来。 达芬奇1481年创作的这幅《三博士来朝》，是标志其艺术风格达到成熟期的作品。该画虽由于他动身去米兰而没有完成，但从原稿上可以看出其构图和形象塑造所显示的艺术创新，大大超越了他的老师和同辈，他所采用的色调幽暗的画法，使人物形象从影中突出，突破了传统绘画明晰透露的特点。 岩间圣母 意大利 达芬奇 法国，巴黎，卢浮宫藏 《岩间圣母》是达芬奇的一幅传统宗教题材画作。画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出，竟然能辨别出鸢尾花、银莲花、紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前，年轻的圣母玛利亚以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子耶稣伸过去，天使乌列面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面，一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。这一组动作是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是他伸出的双手，底角是天使和婴儿。达芬奇把结构看作打开作品意图的钥匙，这很大程度上形成了文艺复兴盛期的古典主义金字塔式的人物构图。 《岩间圣母》充满了暗示与象征，显示了达芬奇谜样的心灵，天使以明显的手势指着圣约翰有何含义？被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护？而被描绘得像子宫般造型的洞穴，是不是暗示着生命的起源？学者们热烈地讨论这些问题。然而达芬奇本人却像所有大画家一样，从来就不解释他作品中的含义，他相信观者必然感觉得出非文字所能形容的弦外之音。显然达芬奇在此作品中综合了他过去的学习心得。 此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶酥，一天使在耶酥身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达芬奇盛期创作开始的作品。 达芬奇尤为擅长通过画中人物的躯体动作姿态的多样变化，表现人的不同心灵和情感，约翰在祈祷，耶稣在为约翰祝福，天使在指示约翰，圣母伸出手作出抚爱姿态，这些人物动作、手势都反映出不同人物的心理活动状态。这幅现藏于巴黎的作品，虽仍然是传统题材，但人物形象的塑造和岩窟幽深的刻画及山岩间花草逼真的描绘，证明他使用的烟雾状笔法已使其在传真写实和艺术加工方面达到了新的水平。 维特鲁威人 意大利 达芬奇 意大利，威尼斯，学院美术馆藏 这幅素描的一个魅力在于抽象的几何学与观察到的身体现实的相互作用。画中人的身体只画了主要几部分，但轮廓优美，肌肉结实。这人的双脚实际似乎是踩在正方形的底边之上，或是抵在圆形的弧线上。这两个姿势给人一种运动的感觉，也许是体操运动员的动作，实际上是一个人在上下摆动双臂，如同小鸟摆动翅膀一样。人体的线条清晰而简约，但脸部的处理却有些不同。脸部画得要更深刻一些，阴影处画得更富有戏剧效果:这是一张怒视前方的脸。 《维特鲁威人》是一幅达芬奇依照维特鲁威定律所作的钢笔画素描，画在一张13.5×9.5英寸的纸上，现藏于威尼斯的学院美术馆。之所以藏在威尼斯，大概是因为弗拉·乔康多于1511年在威尼斯印刷了关于维特鲁威的作品的对开本，里面有一张依照这幅素描所作的版画。素描的上面和下面都是手写的小字，画中描绘了一男子，他摆出两个明显不同的姿势，这些姿势与画中两句话相互对应。第一个双脚并拢、双臂水平伸出的姿势诠释了素描下面的一句话：“人伸开的手臂的宽度等于他的身高。”另一个叠交在他身后的姿势是将双腿跨开，胳膊举高了一些，表达了更为专业的维特鲁威定律：如果你双腿跨开，使你的高度减少十四分之一，双臂伸出并抬高，直到你的中指的指尖与你头部最高处处于同一水平线上，你会发现你伸展开的四肢的中心就是你的肚脐，双腿之间会形成一个等边三角形。画中摆出这个姿势的男子被置于一个正方形中，正方形的每一条边等于24掌长，而正方形被包围在一个大大的圆圈里，他的肚脐就是圆心。这幅素描中所画的男子形象被世界公认为是最完美的人体黄金比例。 《维特鲁威人》是许多人熟悉的一幅画面：一个裸体的健壮中年男子，两臂微斜上举，两腿叉开，以他的头、足和手指各为端点，正好外接一个圆形。同时在画中清楚可见叠着另一幅图像：男子两臂平伸站立，以他的头、足和手指各为端点，正好外接一个正方形。这就是名画《维特鲁威人》（Homo Vitruvianus），出自文艺复兴艺术巨匠达· 芬奇之手，画名是根据古罗马杰出的建筑家维特鲁威（Vitruvii）的名字取的，该建筑家在他的著作《建筑十书》中曾盛赞人体比例和黄金分割。关于维特鲁威的生平、建筑活动，因史料所限已难考证。仅从《建筑十书》的零星记载知道，维特鲁威出身富有家庭，受过良好的文化和工程技术方面的教育，熟悉希腊语，能直接阅读有关文献。他的学识渊博，通晓建筑、市政、机械和军工等项技术，也钻研过几何学、物理学、天文学、哲学、历史、美学、音乐等方面的知识。他先后为两代统治者恺撒和奥古斯都服务过，任建筑师和工程师，因建筑著作而受到嘉奖。“人体中自然的中心点是肚脐。因为如果人把手脚张开，作仰卧姿势，然后以他的肚脐为中心用圆规画出一个圆，那么他的手指和脚趾就会与圆周接触。不仅可以在人体中这样地画出圆形，而且可以在人体中画出方形。即如果由脚底量到头顶，并把这一量度移到张开的两手，那么就会发现高和宽相等，恰似平面上用直尺确定方形一样。” “维特鲁威人”也是达芬奇以比例最精准的男性为蓝本，因此后世也常以“完美比例”来形容当中的男性。 达芬奇自己的描述：……建筑师维特鲁威在他关于建筑的作品中谈到，人体的自然尺寸是按如下原则分配的：4指为一掌，4掌为一尺，6掌为一腕尺，4腕尺为一人的身高。这种丈量方式可以用到建筑中去。假如你伸开双腿、抬高你的胳膊直到中指与你的头顶等高，你会发现，你张开的四肢以肚脐为中心，而你双腿间的空间会是一个等边三角形。一个人从发根到下巴颏的长度等于他身高的八分之一；从胸部顶端到头顶的距离是人身高的六分之一，从乳头到头顶的距离等于双肩的宽度，并且是人身高的四分之一；从肘到腋窝的长度是人身高的八分之一，从肘关节到手指尖的长度是人身高的五分之一。生殖器的起始点是人身体的中分点。从脚底板到膝盖下的距离与生殖器起始点到膝盖下的距离相等，都是人身高的四分之一。从下巴颏到鼻子和从发根到眉毛的距离都与耳朵的长度相等，并且都是面部长度的三分之一…… 有人会猜想这个《维特鲁威人》是否就是达芬奇的自画像。仔细想想也许不是，因为该素描作于1490年，而画中人看起来远不只38岁。另一个可能就是，这张脸解释了随后文字中描述的人体比例，比如发根到眉毛的距离等于下巴尖端到嘴部的距离。从这个意义上讲，这张脸是完美的，起到了示范作用。然而这幅画似乎是对上述抽象的生物几何学对称规律的完美诠释，因此圆圈中这个表情严肃的人似乎应该是个大人物，而不是无名小卒。他眼眶深陷，目光犀利，一头浓密而卷曲的长发，头发从中间分开。至少我要说这幅《维特鲁威人》带有自画像的成分，这体现了自然和谐的人，同样也体现了惟独能理解这些真理的人——艺术家、解剖学家、建筑家列奥纳多·达芬奇。 在达芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。其特点是：观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化，他的每一件作品都以素描作基础。其艺术理论散见于他的6000多页手稿和未完稿的《绘画论》中，这也是文艺复兴时代理论研究的重大成果。 音乐家肖像 意大利 达芬奇 意大利，米兰，安波罗修美术馆藏 在达芬奇留存很少的男子肖像画中，《音乐家肖像》是其中具有代表性的一幅作品。这幅作品作于1485年，保存完好，对研究达芬奇的其他作品具有非常重要的意义。画中的音乐家名叫法朗基诺·加甫里奥，大概是服务于路德维科宫廷的一名青年乐师。他有着一头漂亮的卷发，神情严肃，手里拿着乐谱。由于达芬奇没有完成这幅肖像画，所以他也没在画中签名。 关于画中人物的身份，人们有过种种猜测，还曾被当做是米兰的一位统治者。最后，艺术史家依据他颇具艺术家气质的面孔、修长的手指及手中的乐谱，推断他是一名音乐家。 哺乳圣母 意大利 达芬奇 俄罗斯，圣彼得堡，艾米塔吉博物馆藏 《哺乳圣母》是否有他学生的手笔，没有文字根据 。这里画家更多强调的是一种母爱的普遍人性。形象丰满，神态恬静，洋溢着一种年轻母亲的温柔的爱子之心。但圣母的脸部仍显露出达.芬奇所惯用的描绘公式,过分重视女性眼睛的块面结构(这在他以后的大量圣母像上都有表现)。圣母怀里的婴儿形象被画得很生动 ,但在这里仍然是色彩处理让位于解剖结构的合理性。总之,这一幅画是达芬奇前期肖像艺术的一个范例 。这时期,达芬奇所全神贯注的,正是他对人体描绘的科学研究。 圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰 达芬奇 英国国家美术馆藏 《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》是达芬奇的炭笔画，作于1499年至1500年，现藏于英国伦敦英国国家美术馆。 纺车边的圣母 意大利 达芬奇 《纺车边的圣母》（Madonna of the Yarnwinder）是达芬奇1501年的一幅作品。 岩间圣母 意大利 达芬奇 英国国家美术馆藏 1482年达芬奇应圣弗朗切斯科教堂的邀请用蛋彩绘制祭坛画《岩间圣母》。用岩洞作圣母子的环境，有画中景和画外意：圣母子在大天使护卫下暂歇于岩洞，有一种安全感；选择岩洞作背景，起源于达芬奇记忆中的古佛罗伦萨采石场马雅诺，岩洞的深意在于宗教传说中圣者诞生的洞穴，内涵黑暗和光明，即指上帝的光辉是以圣母子为载体转化为人和他的苦难，让神圣的光明穿破黑暗，照亮世界。 此画是岩间圣母第二副（第一副岩间圣母），在木板上，现为伦敦国立美术馆收藏。这一副改动了马利亚看似很尖锐的手指，轮廓显得更为柔和了，还去掉了大天使乌利那意喻不明的指向约翰的动作，而且乌利的面容不再面向观众，而是朝向正在进行的仪式，显得柔和了很多，还有马利亚衣服的颜色等等一些细节均做了些许修改。而更为震惊的是英国国家美术馆的科学家们利用红外技术发现，这副重作的《岩间圣母》中暗藏着一幅草图。画里描绘了跪在地上的圣母玛丽亚，她的眼睛凝视地面，一只手放在自己的胸部，另外一只胳膊向外伸展着，手指都触碰到了画框的边缘。这层画作并未完工，专家们认为达芬奇可能还计划在她的身前画上圣婴耶稣。 达芬奇尤为擅长通过画中人物的躯体动作姿态的多样变化，表现人的不同心灵和情感，约翰在祈祷，耶稣在为约翰祝福，天使在指示约翰，圣母伸出手作出抚爱姿态，这些人物动作、手势都反映出不同人物的心理活动状态。这幅现藏于伦敦的作品，虽仍然是传统题材，但人物形象的塑造和岩窟幽深的刻画及山岩间花草逼真的描绘，证明他使用的烟雾状笔法已使其在传真写实和艺术加工方面达到了新的水平。 圣母子与圣安妮 意大利 达芬奇 法国，巴黎，卢浮宫藏 在这里，画家让圣母马利亚坐在她母亲的膝上，外祖母圣安妮虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。可是圣安妮脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙--耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上)而发出的，马利亚倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。 作品出彩之处是绘画的传神，如果仔细观察，达芬奇的圣安娜与圣母子，三个人的眼神是各不相同，圣安娜是慈祥，圣母是摒弃感情的圣洁，而圣子则是超越年龄和活动的慈爱和坚毅。这种细致的刻画，将这一幅与其他家庭场景区分开来，看到他的人会第一时间感到它的与众不同，亦是不可言喻的神圣和光辉充满画面。 施洗者圣约翰 意大利 达芬奇 法国，巴黎，卢浮宫藏 《施洗者圣约翰》是达芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。画面上，漆黑的背景上，施洗约翰上身裸露着，而整个身子没入黑暗里，只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手，暴露在照明之中。施洗约翰头发很长，宛如一个青年牧羊人，他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑。这幅画虽属传统题材，人物和背景的描绘却前所未见。事实上，施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国，揭示了画家此时内心的苦闷与彷徨。 1476年，他被控与17岁的男模特发生关系，在两次听证会后，这案子因为证据不足而不了了之。这次审判无疑给达·芬奇带来了巨大的心灵创伤，之后的岁月里，他竭尽所能保护自己的私生活，甚至用倒写法隐藏真实思想。所以，一切关于他是同性恋的猜想都停留在捕风捉影的阶段。但不论如何，这仍是人们最津津乐道的话题。许多历史学家指出达芬奇倾向于男性，他一生从未与任何女人有过亲密关系，他的画作也证明了他对男性美的迷恋。 安吉里之战 意大利 达芬奇 1504年，达芬奇和米开朗基罗受命在佛罗伦萨维奇欧宫五百人大厅的墙壁上绘制雄浑壮阔的战争场景，创作了著名的壁画《安吉里之战》，希望借助这幅作品将佛罗伦萨军队1440年上演的经典战役再次呈现在世人面前。由于一些原因，这幅用油画颜料创作的壁画最终未能完成。但与达芬奇同时代的人认为，《安吉里之战》无疑是他最伟大的绘画作品。 首先，达芬奇创作这幅画是确凿无疑的。1504年达芬奇开始了一项巨大的艺术工程：在佛罗伦萨维吉奥宫市政会议大厅的墙壁上描绘《安吉里之战》，表现的是战马和士兵在战斗中的情景，这是为了纪念1440年米兰军队的“佛罗伦萨之败”。达芬奇创作的这幅画在当时被认为是代表达·芬奇最高艺术成就的作品。可是接下来发生的事就不是很清楚了。这幅画是已经完成，还是后来被完全毁掉，成了永久的谜团，这幅画就这样成了世界艺术史上十大悬案之一。现在，由英国基金会支持的一些艺术家声称，他们相信这幅杰作就藏在瓦萨里稍晚奉美第奇家族之命创作的一系列壁画的墙后面的夹层中，它是被瓦萨里保护性地藏起来了。意大利著名艺术科学家莫里兹奥·塞拉西尼的专长是调查艺术品的下落。塞拉西尼表示他将通过扫描和安装探测器等方法来寻找蛛丝马迹，下一步该做的就是如何在不损害外面壁画的情况下，用新的仪器发现达芬奇画的颜料，从而使达芬奇这幅《安吉里之战》重见天日。 酒神巴卡斯 意大利 达芬奇 法国，巴黎，卢浮宫藏 作品描绘的是希腊神话的酒神巴卡斯，在作品中卡巴斯坐在一块石头上面，右手指向画外，仿佛要告诉观赏者什么。他身体强健，展现出强健之美，色彩的运用细腻柔和。虽然历经岁月的洗礼，却依然光彩照人。让我们不得不佩服大师达芬奇用色的高超。 戴珍珠头饰的夫人像 意大利 达芬奇 众所周知，达芬奇画的女性肖像难免存在一种“微笑的公式”，但并非全然如此。他的美学观总的说是科学求实的精神。他所集中注意的是对自然规律的探索。达芬奇把容貌美丽的女性，看成是自然界最完美的产品，他曾说：“试想夺去一个如此美妙的自然造物的生命，那是多么残忍的行为。”所以在对待肖像画上，他时时把人的精神气质与外貌结构结合起来研究的。这一幅女性侧面肖像尤其令人感到其描绘的精确性：那一丝不苟的脸部轮廓，美丽而整齐的秀发，古代贵妇的头饰上的珍珠，被他仔细地观察、研究和刻意描绘着。那一串从头绕到颈项的长长的珍珠，几乎每一颗的立面、高光及其圆润感都作了细腻的绘写；黑色的披风和红色的束胸上衣，紧紧地衬托出这位女性的丰满的胸脯，从而增强了贵妇人的华贵与庄重感。如果说，达芬奇在《蒙娜丽莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那么，在这里，画家是以精确的素描结构赞美着这位妇女的绝世容貌。 拈花圣母 意大利 达芬奇 《拈花圣母》画于1478年。是意大利画家列奥纳多·达·芬奇的作品。它表现的是年轻的玛利亚和儿子耶稣在一起的情景。这幅画虽然也是采用宗教题材，但却完全排除了宗教画的气息，充满着浓厚的人情味。这里的圣母已不再是传统宗教画中的那种超脱人世的冷漠的面孔。 圣母穿着暗蓝色的衣服，外加红袖红裙，身披金色的斗篷，胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血，似乎预示了圣婴以后的遭遇。 此画前景中摆着一瓶花，圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。萨瓦里笃定该画是达芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品，画中的圣母带有韦罗基奥作坊的特点——苍白的、北欧人式的脸，金黄色的卷发，双眼望着下方。最能反映达芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的风景，那是一排崎岖不平，犬牙交错的山峰。 《拈花圣母》中表现出的人性感染力更是超越了当时的同主题作品。圣母孩童般纯真的笑容和圣婴专注抚弄花朵的神情是如此生动，令人怜爱。 和《持康乃馨的圣母》相较，这幅画更具有达芬奇成熟时期的特征，特别是达芬奇逐渐舍弃坚硬的轮廓线，使人物的外形逐渐溶入背景，纯粹以明暗来定义物体与空间的关系，同时明暗的渐层过渡十分细腻，可见此时达芬奇已能善用“晕涂法”的效果。对于人物以外的其它描写也简化许多，省略了不必要的细节，以强化人物主题的重要性。这都是对后世有决定性影响的绘画观念和技法。前述的《康乃馨圣母》画在木板上，而这幅《拈花圣母》是画在画布上的，帆布本身可能也促成了新的明暗画法来制造立体效果。以保存状况而言，这幅画有些部分被画的太厚，有些地方色层已经剥落。 达芬奇自画像 达芬奇 此幅《自画像》是达芬奇的素描精品。在达芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。 在这幅《自画像》中，画家观察入微，用的线条丰富多变，刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化，此画用线生动灵活，概括性强，简单的寥寥数笔却包含许多转折，体面关系，发线代面，立体感很强，还有，人物的表情也很传神。 安吉里之战 达芬奇 安吉里之战草图 达芬奇 安吉里之战骑兵营草图 达芬奇 安吉里之战两个战士的草图 达芬奇 百合花 达芬奇 安吉里之战战士草图 达芬奇 百合花 达芬奇 抱貂女子草图素描 达芬奇 奔腾的骑士和其他人物 达芬奇 暴风雨 达芬奇 比萨附近的风景 达芬奇 步行的熊素描 达芬奇 城市里的洪水 达芬奇 哺乳圣母素描 达芬奇 船的设计素描 达芬奇 达芬奇笔记中骑兵和步兵的战斗草图 达芬奇 达芬奇《戴头盔的战士》 达芬奇《风景》 达芬奇《儿童和猫素描》 达芬奇《女子头像素描》 达芬奇《绞死刺客素描》 达芬奇《圣母子和猫素描》 达芬奇《手部素描》 达芬奇《圣母子和水果素描》 达芬奇《素描草图》 达芬奇《素描草图》 达芬奇自画像 达芬奇 大炮铸造厂 达芬奇 戴常春藤花圈的老人 达芬奇 弹簧装置 达芬奇 多管炮素描 达芬奇 地形鸟瞰图 达芬奇 儿童草图 达芬奇 飞行的鸟 达芬奇 飞行机械设计草图 达芬奇 飞行机器 达芬奇 飞行机械设计草图 达芬奇 飞行机械设计草图 达芬奇 讽刺漫画素描 达芬奇 讽刺漫画素描 达芬奇 飞翔的鸟 达芬奇 夫妇 达芬奇 讽刺漫画素描 达芬奇 攻城防御设施素描 达芬奇 怪诞的男子头像 达芬奇 服装的褶皱 达芬奇 怪诞的男子头像 达芬奇 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