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《心要野：后海冲浪手的大冒险》由青蛙君执导。影片从巡演的第一视角切入，通过展现乐队成员在巡演途中台前幕后的所见所想，并穿插《心要野》专辑制作前后的珍贵过往影像素材。在拉萨吸着氧气瓶的演出，吐鲁番迷走沙漠寻找葡萄，一次次重返大都市的迷失…… 这是一部关于中国摇滚乐队、反映当代青年文化现状的真实纪录。 
纪录片刚一上线，就收获了潮水般的鼓励和赞美，甚至有观众给出了“奥斯卡最佳纪录片提名”这样的高度评价。作为一直关注后海大鲨鱼的歌迷，我也被影片中展现的活力和真诚深深打动，并试着用文字还原这些感动的瞬间，分享给更多和我一样喜爱他们的朋友。作为No Beijing时期的代表乐队之一，成立至今的后海大鲨鱼一直都是直白大胆和新潮前卫的代名词。乐队擅长使用天文意象搭配车库曲风，营造出超现实的迷幻氛围。他们从不曾刻意摆出深沉的姿态，更不会回避欢快和肤浅。就像乐队的专属Logo，那张明黄色的标志性笑脸，是一眼望到底的那种直接和坦荡。
他们是一支属于夏天的乐队，夏天就像年轻人，火热而躁郁，清甜而危险，有时令人不适但永远无法抗拒。乐队的诞生也在一个夏天，诞生在曹璞与付菡那通畅聊未来的偶然电话中，诞生在四个年轻人无中生有的勇气和梦想里。
付菡的酷是骨子里透出来的，是与生俱来的气质，不是轻易可以被模仿的长相嗓音、发型妆容和着装风格。她的魅力在于坚定从容的态度和生生不息的创造力。她可以不断向内填充自己，演奏创作绘画摄影手工无一不通；她也无时不刻地在对外表达，大到名字身份小到甲油的颜色都在准确展现她这个生命体本身，那个最独一无二的原力女孩。
看完整个纪录片，给我留下印象最深的是小武。在那段“躺在床上望着天花板，发现自己三十岁了还一事无成”的访谈自白里，他是那么真实和坦诚，丝毫不遮掩自己的无助和挫败感，以至于在旁人眼里看起来可能十分傻气。他对自我的坚持和对旁人态度的不在乎，其实是大智若愚。作为职业鼓手，最大的业余爱好却是出海巡航，这项充满未知和风险的运动不仅提升了他个人的生活质感，也从某种程度上影响着乐队的整体气质。
吉他手曹璞是个矛盾又和谐的存在，他既贡献了片中大部分的瞎扯段子，也会一脸严肃地恳谈乐队成立的渊源和时机。他的人设之所以完整成立，在于看似胡言乱语的垃圾话底下藏着清晰通透的独立思想体系，并且从不奢求旁人理解和认同。
贝斯王老师是整个乐队定海神针一般的存在，温和而寡言，看似面目模糊态度暧昧，不符合大众对于摇滚乐手任何一方面的普遍认知。但他知道自己是谁，不刻意用为人处事的风格去粘贴任何外在标签，这是属于他内敛的酷劲儿。
就像付菡所说的，每个人在十八岁的时候做一个所谓的酷盖都是很容易的。成年之后的酷，才是真正的成熟和洒脱。不像青少年时期，每个人都面无表情走路带风，所有的不屑一顾和为所欲为好像都是理所当然。当你不再年少，经历过生活的无奈和社会的伤害，肩上背负了无法卸下的责任，还能够清醒自知，还能明白和争取自己想要的，还能步履坚决地走在选择的道路上，才是真正高级的人生态度。
后鲨可能不是技术最顶级的乐队，也不是思想最深邃的创作者，但他们身上自带一股生猛的劲儿，吸引着和他们同样年轻而鲜活的生命去关注和聆听。就像纪录片海报上天台那一幕，四个人在前奏响起时齐齐回头的瞬间，表情透着茫然却无比生动，让人自然而然地产生好奇和向往。
特别喜欢纪录片的主题，后海冲浪手在城市里的大冒险。现代人失去了接触真实自然的可能性，于是高楼大厦就是迷雾森林，车流人海就是汹涌浪潮。从最西部的山峰篝火到最南边的海滩帆船，后鲨的四个年轻人是冲浪手和探险家，是没有来路不问归途的地球浪子。 除了摇滚明星的光鲜亮丽，纪录片大篇幅展现的更多是乐队日常的琐碎。全国巡演没有想象中那么美好，对任何乐队都是一场硬仗，在城市和城市之间瞬时转移，体力和精力的巨大消耗比欢呼尖叫来得真实。他们看似走遍世界各地风光无限，却只能在酒店和演出场地之间单调往返，也会遇到各种各样的麻烦，比如喝到吐的酒局和永远不能顺利托运乐器的航空公司。梦想的反义词是行动，人与人之间最大的差别是行动力。没有一种生活是轻而易举就能获得的，所以你选择什么就得承受什么，他们用实际行动践行着这个道理。 就像小武说的，演出前演出后是现实，演出的时候就是一场梦，而站在舞台上的那一刻，他们既是造梦者，同时也是做梦的人。有趣的是，庆功宴后的那个片段，那个操着港台腔夹杂英文对镜头喊自己要给后鲨一千万的男乐迷，付菡耐心地听他语无伦次地诉说自己辞职创业的追梦故事，但也只是听着，甚至没有立场给出评价和建议。这就是偶像和歌迷的微妙关系，他们充其量只能做你沿途的背景音乐，你的人生和梦想终究还是要靠你自己。 
纪录片中着重表现了他们回到北京在剧场举办的最终场演出。相比以往摇滚乐给人粗糙和随意的刻板印象，在这次演出的准备中他们专注于各种细节的琢磨，从乐器配置到曲目安排再到舞美灯光，不断调整讨论直至达到最佳状态。相比于年少时的开心就好和自由发挥，现阶段对事业的专注和精进，才是后鲨当下对待乐队发展的成熟态度。
片中最出彩的一个侧写镜头，是付菡结束演出后在安可声中退场，赤着脚踩在铺满气球的地面上，默不作声地走向后台。那一刻她不是舞台上那个张扬妩媚的主唱，只是一个试图从落幕的空虚中找回自己的表演者。没有煽情的泪水，也没有庆祝的欢呼，那十几秒的镜头是无声的留白，其中包含着不言自明的微妙情绪。 一直在关注吉术斋这个团队，喜欢他们在作品中追求的完美主义和呈现出的趣味质感。纪录片以黑暗中歌迷的呼喊声猝不及防地开始，让观众还没反应就掉入现场充满煽动性的情绪之中。随后，乐队的四名成员以他们生活中最平常的状态各自登场，整个影片的情绪像一滴浓缩的颜料，在如水般的音乐渲染下徐徐展开，呈现出意想不到的美好画面，最后在一场回归性质的重要演出中浓墨重彩地收尾。整个片子结构有趣而巧妙，不落俗套的非线性叙事，看似随意松散的运镜和剪辑，背面一直有清晰完整的情绪线在牵引。故事一直在日常琐事和舞台表演之间切换，穿插着配合叙事的采访口白，碎片式的镜头表达被应景的音乐完美串联，使纪录片不论是从内容还是情绪上都具备了足够的可看性和讨论度。一直以来秉持的观点是，纪录片的最高境界是让人忘了摄像机的存在。镜头是低调甚至隐形的，但镜头所代表的第三方视角又是鲜明而客观的，是气质疏离而又无处不在的。而优秀的纪录片还必须是不预设立场态度中立的，它的画面语言只做展示不做判断，在放映时留给观众充足的思考和评价空间。以上两点，在这部巡演纪录片里都得到了很好的实现。听着后鲨的音乐，抑或观赏着这部纪录片，每个歌迷都可以闭上眼睛，想象这样一个情景：在某个夏夜，你爬上城市的巅峰，发现夜空如洗，月光像上帝撒下的一把盐，成群的星星正朝着自己涌来。满地都是六便士，而你却和他们一起，抬起头看见了月亮。凹凸镜DOC：是什么让给你选择拍摄乐队的纪录片呢？青蛙君：因为特别喜欢摇滚乐，它有一种力量，那种反叛精神，它能带给我很多力量，像是一种精神支柱。上学的时候刚好想要表达一些东西，加入了学校的剧社电影部，大家都喜欢cult电影和摇滚乐，大家都很酷，又渐渐认识了一些乐队，后面就像是一直在完成之前没干完的工作，就一直拍下来了。凹凸镜DOC：你自己也是一个乐迷，你觉得你拍的纪录片跟其他人关于乐队的纪录片有什么不同？青蛙君：我的片子可能融入更多自己的喜好吧，我做事儿特拖沓，就可能这个阶段里有很多来自生活或者各种各样的想法，不断地重塑。凹凸镜DOC：乐队的纪录片拍摄与剪辑都是你，拍摄中会有哪些预设和想不到的地方？剪辑花了多长时间，在剪辑过程中，你是如何把握影片的结构和节奏呢？ 青蛙君：我现在正在剪一个Jesus and Mary Chain的纪录片，做这些乐队的纪录片我们自己称为摇滚白求恩，我们要是想生活就还得接各种短视频，广告，TVC，每天总得应付各种事情。后海大鲨鱼的后期可能做了9个月，现在这个JAMC的纪录片，我以为一个星期就剪完了，结果剪了一个月也没什么头绪，这就让我感觉非常紧张。结构和节奏什么的就跟写作文一样，我得想着怎么能讲得有深度，剪辑得感觉也得对，说话也得循序渐进，可能看的东西太多了，想的太多了，没有以前那么天不怕地不怕，也可能灵气没以前好。就像很多乐队，大家都觉得第一张或者第二张专辑最好，初生牛犊不怕虎，做的音乐虽然缺一些东西，但是灵气就很好，后来技术到位了，设备到位了，什么都到位了，做出的东西就太满了，感觉又会没那么好，我也不知道，因为我正剪呢，自己剪片子太痛苦了。凹凸镜DOC：你希望这类纪录片给观众传递出哪些信息，能让观众能够念念不忘？ 青蛙君：因为做了几个片子之后感觉传递的信息多数都是，做自己，be yourself，不管是摇滚，说唱还是滑板，亚文化，似乎说了好几年做自己，但是到了19年，所有的观众除了老了之外，多数都还是在想怎么做自己。我想讲点儿不一样的，但是现在的片子多数都是用来宣传的吧，拍摄的对象不像以前那么无所谓了吧。 凹凸镜DOC：以往一些乐队的纪录片都是回顾中国摇滚的历史，并冠以理想主义等标签，但你拍的纪录片都是进行时的东西，而且没那么沉重，这是为什么？ 青蛙君：我压根儿就没生活在那个时代，我讲得大多数都是自己看的，也可能是圈子的问题吧，我得多social一些中年大肚有钱人，他们可能更有情怀，能投钱让大家来拍，给我钱我也拍。 凹凸镜DOC：拍完纪录片，你对那个乐队的态度会发生改变吗？ 青蛙君：态度肯定会改变，其实就是从陌生人变成熟人的过程，你新交的朋友喜欢就是喜欢，不喜欢就是不喜欢。 凹凸镜DOC：制作过程中，你会受哪些纪录片的启发呢？ 青蛙君：Oasis的supersonic特别好，我总是拿一台电脑播着它，一边剪片子。The Pulp的纪录片也不错。国内我特喜欢以前有个痛仰的纪录片，边讲一个普通酒吧乐手，边讲痛仰，形成一个对比，但是豆瓣上评分特低，我也不知道为啥。大家肯定都喜欢《爱噪音》，那里面讲的精神太好了。
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