分享

关于成为一名摄影师

 镜界艺术馆 2021-02-25

关于成为一名摄影师

我们要对所有的优秀摄影师表示感谢、钦佩和尊重,他们如此慷慨地付出了他们的思考、时间和才华——尤其是他们的图像——以进一步促进我们对媒体基本工作原理的理解。

书中提到了许多这样的人,但完整的名单将填满这本书。

我们也要感谢乔·安·布里塞尼奥(Jo Ann Briseño),一个互联网专家,他花了时间和耐心将我们的笔记处理成一个漂亮的和可发表的形式。


介绍

这次对话是为了庆祝我们30年的友谊,以及关于摄影的持续不断的对话。

我们试图总结我们关于媒介的基本特征的共识,以及摄影者如何利用它们以作为图像制作者和人类更有效地成长。从这个意义上讲,这是一本如何做的书,尽管它与技术或过程无关。

这是一本关于如何思考和行动的照片。 从实践经验以及过去和现在许多优秀摄影师的生活中选出。 我们集中于这些媒介方法中的共同点,以便发现所有摄影师可以在其所居住的任何光谱范围内使用的基本原理。因为在这么长时间里,我们的谈话是如此之多,以至于我们无法区分谁在什么时候说了什么。我们的观点、态度和思维方式,虽然来自不同的角度——大卫的专业实践,比尔的历史和批评,融合成一个无缝的整体。一个例子将说明这是如何发生的。

很多年前,我们中的一个人做了一个关于“什么是摄影?”

大卫:是我。

比尔:是的,是的,我知道;另一个听到它后,对它思考的清晰印象深刻,于是就接受了它——然后对它进行了调整,做了安排,添加了新的形象和想法,并把它公之于众。他拿起了改编本,对它们进行了修改,然后又做了一次演讲。

另一个使用了他的修改,暗示了其他的图像和想法……这种情况一直在继续。今天,很难区分任何想法、问题或形象的起源!这并不是说我们在所有问题上都意见一致。尽管如此,我们强调我们的协议,相信他们更有可能为摄影师提供实用的解决方案。

为了提供这本书的基本文本,我们录下了12个小时的对话,并补充了我们两人发表的文章、往来的信件和初稿的讨论。我们提供对话的希望和信念是,摄影师可以通过应用这些原则来引领更有意义的生活。

的确,这是一本关于摄影的书,但摄影是关于生活的。我们都同意心理学家亚伯拉罕·马斯洛(Abraham Maslow)的观点,即生活的目的就是成为我们潜在的样子。我们相信,摄影为实现这一目标提供了理想的工具。

大卫·赫恩(David Hurn)

 比尔·杰伊(Bill Jay) 

1996

关于摄影师

大卫·赫恩(David Hurn)

三十年前,我第一次向大卫·赫恩展示了我的照片,那是我为成为一名摄影师奋斗了七年多的成果。他花了大约30秒的时间浏览了一遍,然后给出了自己的判断:无聊,“衍生品”。他说,“你做不到的。”

从那时起我们就一直是朋友。

他一直是我的激励者,我的良心,我的顾问,最重要的是,他是我最猛烈的批评者。你知道这样一个朋友是多么的罕见,多么的珍贵吗?他那毁灭性的坦率是完全受欢迎的,因为很明显,这样的批评是爱的源泉,而不是竞争、小小的嫉妒或自我膨胀。

当然,我并不总是同意他的意见或听从他的建议,甚至在这里,在蔑视他的好意时,大卫·赫恩是支持的,好像在说:“他征求我的意见;我尽了最大努力;但决定权在他。”

我告诉你这些事实,并将讲述我们第一次见面时的情况,因为大卫·赫恩的坦率渗透到了这本书中。在我所知的任何其他地方,摄影师都没有遇到过这样一位导师,他能够或愿意对媒体中经常出现但很少讨论的问题进行如此直接和相关的阐述。

也许我应该对读者同样直接。大卫赫恩,像任何其他伟大的摄影师,有一个议程,这是完全不隐藏的。他坚信一种特殊的媒介方法——他的方法。他提倡一种非常特殊的摄影师思维方式和工作方式,因为他将自己的职业生涯奉献给了一种独特的摄影光谱,他称之为报告文学,或目击者摄影。因此,我们不禁要问:对于那些想要置身于构成我们称之为“摄影”的媒介的光谱中的任何一个多色调波段中的摄影师来说,这本书到底有多相关?

我认为它对所有的摄影师都是有用的,原因有很多,其中包括:清晰的思维在为任何工作方法发展知识基础上的重要性;强调主题,事物本身,是所有类型摄影的起源;坚持清晰的视野需要清晰的头脑;其他摄影师更能欣赏"

作品来源于对其哲学基础的理解(即使是摄影师也是照片的观赏者,同时也是拍照者和制造者);主张无论如何定义或创造,人文主义都离不开艺术;这表明在任何努力中,承诺和努力工作都是不可替代的。

尽管如此,大卫·赫恩的评论对摄影师来说确实具有特殊的意义,他们相信,没有什么比直面人和地方更令人激动或满足(或沮丧)的了,而且,从令人兴奋、混乱的生活变迁中,选择了直接简单的美和真实的图像。

这是带电的语言!美丽吗?感觉如何?我意识到这么早在我们的叙述中引入这些词的危险,但是,不要害怕,当它们变得越来越熟悉时,期望它们变得更舒服。

但现在我们有更迫切的需要。我想给你介绍一个人,他将指导你如何成为一名摄影师。

早期的生活

大卫·赫恩(David Hurn)于1934年7月21日出生于英格兰萨里的雷德希尔。 从基因,气质和选择上看,他是威尔士人,从他在加的夫的初等教育到现在在廷特恩的住所,他住在一个有600年历史的石屋中,俯瞰着怀河,河水不断滴流而下, 在他的梯田花园陡峭的河岸周围。

沿着河往下走一小段路,就是12世纪早期的丁登寺遗址,威廉·华兹华斯在1798年的著名诗歌中赞颂过它。这条河的两侧是草地和树林,大卫曾经和他的狗狗们在那里漫步,这些狗狗陪伴着他在威尔士周围进行摄影探险。

丁登植根于遥远的过去。它那田园牧歌般的睡美人与行驶在狭窄大街上的嘈杂的机器碰撞着;老牧羊户与艺术家和股票经纪人紧挨着住;人工建造的风化石屋,如今已配备了传真机和电脑;这是一个被称为家的地方,也是一个旅游圣地。这些新旧、贫富、古代和现代的冲突,是威尔士正在发生的变化的缩影,反映了大卫·赫恩持续不断的意象的潜在主题。

在学生时代,大卫不被认为是一个有前途的学生:远非如此。由于一种现在被称为诵读困难症的病症,他没有获得任何资格证书。“那时候没有人理解这个术语或这种情况,”大卫说,“所以你只是‘笨’(愚蠢)。”

对他来说,要应付笔试是不可能的。笔试在当时比现在更重要,对任何科目都是必不可少的,尤其是科学,而这也是他做兽医的必备条件,也是他的理想。但大卫在体育方面确实很出色,尤其是径赛和橄榄球。

当他到了年龄,每个英国男性青年都需要在武装部队(国民服役)中度过两年时,他的体育才能帮助他在享有盛名的桑德赫斯特皇家军事学院(英国陆军军官的训练场)获得了一个位置。大卫似乎很想跟随他父亲斯坦利(Stanley)的脚步,成为一名职业军人。斯坦利在1939年第二次世界大战爆发前就加入了威尔士卫队,并迅速晋升为特种作战专业,这是一个了不起的成就,儿子可能会效仿。

摄影改变了这一切。

第一张照片

渴望从桑德赫斯特军校学生刻板、与世隔绝、斯巴达式的生活中获得更多的自由,大卫注意到只有摄影俱乐部的成员才能走出学院——暗室就在当地城镇附近。买相机和热爱摄影没有任何关系,它只是通往自由的通行证。不幸的是,他至少被要求为学校的布告栏拍一些象征性的照片,这就需要给相机装上胶卷!大卫买了一本廉价的简易操作手册(可能是当时非常流行的焦点指南之一),自学了摄影的基本知识。

他仍然相信这种单独教育的有效性:“在我看来,有两种有效的学习方法:自己向顶尖专业人员学习或自学。摄影的问题是,每个人都能做到,相信他/她做得很好,只会做得更好,如果他/她可以买一个更好的相机或抽出更多的时间),所以这个人生产坏照片,因为他/她每件事都做错,但传递坏建议的无知。接受不好的建议的问题在于,当你是一个初学者时,你没有意识到这些建议是不好的,而这些坏习惯会变得根深蒂固,非常非常难以改掉。我的建议是:向最好的人学习或者自学。如果你没有强烈的好奇心,那就别费事了。”

大卫领会了导游书上的指示后,就开始记录军校同学的日常生活。这反过来又促使他更仔细地研究公布的照片,他发现照片所传达的信息与他手下军官的信息存在冲突。特别是亨利·卡蒂埃·布雷森(HenriCartier-Bresson)由是让俄罗斯,尽管大卫当时无知的作者,发表在图片后(1955年2月19日)和在其他杂志包括生活,似乎与宣传他被学院的教师,被强灌的重量的证据支持图像。

有一张照片最让他震撼:一名俄罗斯士兵在一家百货商店为妻子买一顶新帽子。“我记得最清楚的是,我父亲刚从战场上回来,我就陪着父母去豪威尔斯(Howells)(卡迪夫一家时髦的百货商店)购物。那时我大约11岁。

他给我妈妈买了顶帽子。我对那件事的记忆和对俄国画的情感是一样的。我一直认为,所有的俄罗斯人都极度贫穷,而且极端好战,然而这个俄罗斯人似乎相当富裕,至少有足够的闲钱给他的妻子买礼物,他表现出人类的温柔和关心。这幅画有一种真实感。感觉很真实。”

大卫开始质疑和挑战他的老师,他们是宣传方面熟练的实践者,很快就对军队产生了明显的怀疑态度。他说:“我在取景器里看到的和发表的照片,让我成为了一个深刻的和平主义者。”这对未来的军官来说可不是什么好事。

军队和大卫·赫恩一致同意,他不适合军人的生活。

1955年,大卫·赫恩用一把步枪换了一台相机,并决心成为一名摄影师。

反射机构

为此,大卫搬到伦敦,找到了一份工作(在哈罗德百货商店里卖衬衫,这家西式商店受到皇室的光顾),并在一个展览中遇到了一个将对他的生活产生重大影响的人:迈克尔·皮托(Michael Peto)。

这次展览在当时位于国家美术馆后面的当代艺术学院举行,展出了一组罕见的照片,其摄影家亨利·卡蒂埃-布列松(Henri Cartier-Bresson)在很大程度上引发了大卫对军队的不满。大卫对照片的专注吸引了那天另一位游客的注意,当时已经是英国著名摄影师的迈克尔·皮托向这位认真的年轻人介绍了自己。

皮托是一个迷人的匈牙利人,带着仍然浓重的欧洲口音,开始谈论绘画,并要求看看大卫的作品,之后他提出了帮助。皮托正处于帮助一位年轻摄影师的绝佳位置。他是一家名叫反射的小型摄影公司的成员,该公司由皮特·陶贝尔、乔治·瓦尔加斯和皮托组成,皮特是该公司的组织者和营销经理,他是《好消息》的摄影师,皮托本人专门拍摄温暖、抒情的照片,这些照片定期刊登在英国受人尊敬的周日报纸《观察家》上。

大卫·赫恩被该机构采用。 它的成员给了他很多建议,教会了他摄影的业务方面,并逐渐地传递了越来越多的晚上和周末的任务。 大部分工作是为英国皇家特许经营公司照相,该公司已经是该机构的主要赚钱工具。 大卫说:“狗仔队御用皇家手表是最近的现象,这是胡说八道。” “我很快就会在每个周末拍摄皇家照片,例如菲利普亲王在马球比赛中换衬衫时裸露胸膛,或者玛格丽特公主与她的美女汤森船长等。雷菲尔在乡下是第一批拥有长焦镜头之一的,那些日子里,远距离拍摄特写镜头的能力从未被怀疑过,所以我们得到了很多独家新闻,但是我已经受够了,我不像摄影师,我大部分时间都在坐着等待皇室成员下车。”大卫·赫恩今年22岁,渴望获得经验。

匈牙利

他当时的密友是他在桑德赫斯特见过的约翰·安特罗布斯。他们同时退伍,决定在伦敦合租一间公寓。安特罗伯斯想成为一名作家。他们两人大部分的闲暇时间都消磨在咖啡馆里,那里谈论政治的内容十分丰富——当时谈论的主要内容是匈牙利革命。

匈牙利在第二次世界大战中是纳粹德国的盟友,在1945年战争结束时被俄罗斯占领。它很快就变成了共产主义(1949年),它的傀儡政权变得越来越压迫人民,导致1956年的人民起义,迅速而残酷地被俄罗斯军队镇压。

赫恩和安特罗伯斯(一个很少发表照片的摄影师和一个没有发表文章的作家)决定参战。大卫回忆说:“这个决定更多的是出于‘好玩’,而不是认真参与。”这些年轻人搭便车穿越弗洛普来到奥地利,坐在靠近匈牙利边境的咖啡馆里,最后坐在救护车的后座上越过边境,再次搭便车来到布达佩斯。他们进去了,但不知道接下来会发生什么。

和大多数内乱一样,特别是大城市的内乱,都是间歇性的局部的。在错误的时间呆在错误的街道上或者在正确的街道上都是相对容易的。幸运的是,他们遇到了一位经验丰富的记者——伦敦《每日邮报》记者艾琳·特拉弗斯。她把这位年轻的摄影师放在自己的保护之下,向大卫汇报了发生的事情、地点和时间。她还把他介绍给了《生活》杂志的记者,《生活》杂志是当时首屈一指的摄影记者市场,这让大卫当场签了合同,并安排他离开匈牙利。

通过反射Reflex的发行,他的照片不仅刊登在《生活》杂志上,还在许多其他报纸和期刊上包括《图片邮报》和《观察者》。大卫说:“没有什么比从顶级开始你的摄影生涯更好的了!”他对自己的运气自嘲,但事实是,他确实做出了努力,解决了这种情况,并且他拍摄的照片被世界顶级图片杂志所接受。

不幸的是,当时期刊通常会保留所有出版作品的版权,并保留底片的所有权。结果,大卫几乎所有关于匈牙利革命的报道都丢失了;他只找到了3张他用来复制底片的照片。

“我的作品丢失了,很大程度上是我对这段时期记忆如此模糊的原因。我能清楚地回忆起与这3张图片有关的情景,但除此之外就没什么了。联系表可以作为强大的记忆触发器,让你回想起那些日子的想法、感受和景象。”

回到伦敦,由于匈牙利摄影的成功,大卫辞掉了阿罗德的工作,成为了一名全职摄影师。最初,他继续受到“反射机构”的熏陶,它给他提供了一小笔聘金和一定比例的销售额。但不到一年,他就断绝了与该公司的联系,开始为许多报纸和杂志做自由撰稿人,报道各种各样的事件,主要是有时事价值的新闻。

当然,他不是一个人。在许多活动中,他都会不断遇到那一小群热情的年轻摄影师,他们不仅成为了对手,也成为了很快的朋友。“我不记得有任何敌意,”大卫说,“只有促进我们所有人增长的合作。”这群人包括唐·麦卡林(Don McCullin), 伊恩·贝瑞(lan Berry)和菲利普·琼斯·格里菲斯(Philip Jones-Griffiths),他们和大卫·赫恩几乎在同一时期成为了玛格南图片社的成员。在玛格南的历史上,从来没有一个来自同一个城市的团体同时或多或少地成为成员。

但那仍是未来的事。1957年大卫决定去俄罗斯。

俄罗斯

在一篇关于俄罗斯生活的报纸文章中,这位记者似乎在掩饰自己的叙述,他说,每天的生活只能靠猜测,因为没有摄影师和俄罗斯家庭生活在一起。这就是大卫·赫恩所需要的全部动力。他去了列宁格勒,理由是大学城应该有一些会说英语的学生。他认为正确的。他在大学里闲逛,问道:“你会说英语吗?”直到他得到肯定的答复,他才主动邀请自己去了那个年轻人的家。在那里,他给《观察家报》打电话:

“我是一名摄影师,住在一个俄罗斯家庭。你会把我留在这里吗?”

回答是“是的”,大卫·赫恩的摄影新闻事业得到了另一个提升……

在离开俄罗斯的路上,大卫得知芬兰的国家作曲家让·西贝柳斯(Jean Sibelius)去世了。他再次为《观察家报》报道了西贝柳斯的葬礼。

匈牙利、俄罗斯、芬兰…这些都是赫恩事业迅速发展的重要里程碑,但在许多方面,50年代作为年轻政治化知识分子聚会场所的咖啡馆现象影响更大。

大卫特别记得一个地方——纽克利乌。“这是一个非同寻常的聚会场所,来自世界各地的音乐响彻耳际,但也有强烈的即兴爵士乐,充满激情的交谈,还有意大利面散发出的恶臭。”这家餐厅的老板是加里·温克勒(Gary Winkler),他同时担任鼓手和厨师,他的意大利面不仅美味,而且非常便宜。我和一群朋友在一起,其中包括电影导演亨利·肯尼思·阿尔弗雷德·罗素(Henry Kenneth Alfred Russell),他当时还是芭蕾舞演员,女演员雪莉·安·菲尔德(Shirley Ann Field),还有哲学家科林·威尔逊(Colin Wilson),作家斯图尔特·霍尔罗伊德(Stuart Holroyd),电影摄影师沃尔特·拉萨利(Walter Lassally),和约翰·安特鲁布斯(John Antrobus)谁从来没有写过任何关于匈牙利,据我所知,但开始为自己的喜剧剧本作家而闻名"。

环境的束缚从这些朋友中散布开来,并引导大卫进入了摄影领域,这和他们一样令人振奋。

电影和时尚

例如,肯·罗素正在从芭蕾舞演员过渡到静态摄影导演的问题。他的静态作品预示了他后期电影的惊人戏剧性。“他会采纳这些荒谬的想法,”大卫回忆说,“然后拍一些奇怪的照片,最后出现在《插图》这样的杂志上。”例如,有一个故事是关于骑着一辆极小的自行车去艾伯特纪念堂!”

罗素的第一部电影是《阿米莉亚和天使》,这部电影为他打开了与BBC节目《监控器》合作的大门。罗素的第一部电视电影是关于大卫和他的朋友们在一个奇怪的老太太经营的房子里合租一套公寓的故事。结果是在贝苏沃特建了一栋房子。

肯·罗素一直在寻找新鲜的想法。大卫·赫恩的生活似乎够奇怪的了!大卫有一群奇怪的朋友,住在一个奇怪的房子里,拍过战争、皇家名人、裸胸、脱衣舞女和高级时装(我们稍后会发现),似乎又成了肯·罗素电影中的明星。最大的问题是找谁来演女主角,就像剧本里说的那样被评为"世界上最美丽的女人"拍摄即将开始,但还没有做出决定。克莱尔·布鲁姆,一位已经成名的舞台和银幕女演员,已经同意出演一个角色,但是导演和大卫都认为主角应该给一个未知的人。她是谁,在哪里?

当大卫不得不去巴黎为莫尔花园摄影集拍摄时,这个问题还没有得到解答。在最后一天,大卫走进酒店大堂,看到了“世界上最美丽的女人”,她是一名时装模特,也在时装系列工作。大卫走到她面前,告诉她,她是“最……”请她出演一部明天开拍的电影,“你今天一定要和我一起回伦敦!”她笑了。

最终,大卫的坚持说服了她,至少给她的经纪人打了个电话,经纪人确认了她的安排。艾丽塔·诺顿(Alita Naughton)成为了女明星,并在1964年成为了大卫的妻子。肯·罗素的电影《看小鸟》曾在英国电视上播放,但其中的三分之一已经丢失。当肯·罗素制作他的第一部发行电影《法式打扮》时,他坚持让艾丽塔担任主角。但这是艾丽塔唯一同意拍的电影。大卫和艾丽塔有一个女儿沙恩Sian(发音为Sharn);他们于1971年离婚。

在1960年代初期,一系列看似微不足道的事件后来在大卫的生活中产生了同样深远的影响。其中一份工作导致了他短暂的时尚摄影师生涯。它始于一张看似简单的作业——莎士比亚演员理查德·约翰逊的照片。他们成为了朋友。约翰逊和米高梅公司签了合同,米高梅公司被要求为已经在西班牙开拍的电影《王中王》提供一些资金。米高梅同意了,前提是他们的一名合约演员,也就是理查德·约翰逊(Richard Johnson)出演这部电影。反过来,约翰逊要求大卫·赫恩作为静止的摄影师。

一切都进行得很顺利。大卫与导演尼古拉斯·雷(Nicholas Ray)和公关人员汤姆·卡莱尔(Tom Carlisle)成了好朋友,后者邀请大卫留在西班牙拍摄他们的下一部电影《艾尔·西德》(El Cid),由索菲亚·罗兰(Sophia Loren)和查尔顿·赫斯顿(Charlton Heston)主演。“我很乐意,同意,”大卫说。“与我在报纸上拍照片挣的微薄收入相比,这已经是一大笔钱了。”于是,他在西班牙待了一年,并与赫斯顿建立了密切的工作关系,包括去意大利为服装试装,这些服装的照片在时尚杂志上广泛发表,这给了他更多的钱。探索这个新领域似乎是个好主意。

但是时尚摄影摄影师需要一个作品集,最好是使用顶尖的人才,因为大卫认为时尚摄影师的水平取决于他的模特。诀窍在于不用支付巨额费用就能给顶级模特拍照。这正是查尔顿·赫斯顿(Charlton Heston)可能在不知不觉中发挥作用的地方。他愿意让大卫使用他在纽约的公寓。

安顿下来后,大卫给顶级模特经纪公司打了电话,暗示他是查尔顿·赫斯顿的客人,他需要在赫斯顿的公寓里试拍他们最好的模特。没有问题。带着这些照片,大卫找到了传奇人物、《时尚杂志》(Vogue)的艺术总监亚历山大·利伯曼,并接受了一项任务。回到伦敦,大卫打电话给《哈珀斯杂志》,告诉艺术总监,他曾在纽约为《时尚杂志》》工作,但更喜欢哈珀斯。他的时尚任务开始,不仅是为《哈珀斯杂志》,还有最著名的时尚花园——这导致他来到巴黎参加时装发布会,并偶然遇见了爱丽塔。

作为回报,时尚工作直接导致了诸如雅格狮丹,奥斯汀芦苇,莫雷等公司的利润丰厚的广告任务。 此外,在西班牙获得的电影学分还导致了许多其他的电影任务,特别是由著名的肯·罗素(Ken Russell)执导的电影,或者由汤姆·卡莱尔(Tom Carlisle)担任公关的电影,包括早期所有由詹姆斯·邦德(Sean Connery)主演的电影- 或像简·方达(Jane Fonda)这样的朋友都是明星。 大卫在露巴(Barbarella)的宇航服给简·方达拍摄的照片已刊登在全球100多种杂志的封面上。

1960年代初期的所有疯狂活动不仅增加了大卫的名声,而且还增加了他的财富。 时尚和广告方面的丰厚贡献导致了奢侈的生活方式(包括阿斯顿·马丁),并为个人项目提供了资金。 他将他的作品的两个方面广泛地分为彩色的商业摄影和黑白的个人项目。

后者总是更重要。如果似乎没有足够的时间进行商业和个人工作,则应记住,时尚/广告的收入很高,以至于相对短短的几天拍摄就可以补贴许多天的个人自由。

大卫认为,在这三到四年的时间里,他实际上在时装/广告领域最多拍摄了80天。亚文化

咖啡馆的场景也是大卫作为摄影师的许多想法的起源。他的大部分商业作品都是在没有信用的情况下出版的,所以正是这些黑白的个人项目提高了他在同行摄影师中的地位。今天,这些项目统称为另类生活方式或亚文化论文集。在这一时期,大卫与作家埃尔文·肖合作,后来又与记者兼作家内尔·邓恩合作,后来因小说《可怜的合唱团》赢得了评论界的声誉。

他们的第一个想法是探索模特的世界,她们刚刚以自己的权利成为名人和名人,这似乎是大卫进军时尚的自然延伸,以及事实上,这些模特中的许多人是咖啡馆场景的常客。在这个项目中,他们听到了一个模特的故事,她以脱衣服为生,这在20世纪60年代早期是一个不同寻常且相当激进的概念。这引出了另一篇关于其他专业脱衣的女性的文章,《一点肉》。

一个脱衣舞俱乐部的编舞是同性恋,他成为了另一篇关于同性恋和异装癖的文章的焦点。这一时期大卫最著名的画作之一描绘了两个正在做爱的女同性恋。从这些人当中,他被引入了伦敦的毒品圈,当时正值后来成为摇篮的60年代的初期。

赫恩说:“那时候我们对亚文化都很幼稚;它确实低于日常意识的门槛。所以我的照片被认为是相当激进和令人震惊的,甚至是古怪的。“还应该注意的是,在60年代之前,这种类型的文章不可能有任何市场,除了在报纸上刊登的一张照片。现在各大报纸发行的《彩色增刊》周刊开始出现,它们为摄影师提供了一个全新的工具,让他们根据特定的主题拍摄成套的照片。

到60年代中期,大卫·赫恩已经积累了令人印象深刻的大量工作——新闻、政治、时尚、广告,最重要的是,在各种亚文化主题的报告文学文章中。

在过去的十年中,大卫·赫恩一直不停地为世界各地的图画新闻工作,并为他自己的煽动故事而努力。 赫恩摄影角色很快出现:安静的编年史家,充满了普通人的讨人喜欢,古怪的寓言,陷入了生活的乐趣,痴迷和恐怖的全貌中。 如果未由顶级图片之一特别委托,日常活动中,他最喜欢的活动是开着大众面包车到一个陌生的小镇去睡觉,浏览当地报纸上的时事,并参加正在进行的任何活动,从花展到MG车主的舞会 从流行音乐会到舞厅舞蹈班,从当地酒吧的飞镖比赛到庄严的家庭开放的日子。这仍然是大卫·赫恩摄影生活的重要组成部分,也是他许多最难忘的照片的来源。

玛格南图片社

60年代初期的所有疯狂活动都建立了他作为英国主要摄影师之一的声誉。 1967年,他在报告文学方面获得最高荣誉:他被邀请加入著名的摄影合作社玛格南图片社。玛格南由亨利·卡蒂埃·布列森(Henri Cartier-Bresson),罗伯特·卡帕(Robert Capa),戴维·詹姆·西摩(David'Chim'Seymour)和乔治·罗杰(George Rodger)独家代理成立,作为一家独家机构,由摄影师自己拥有和运营,因此他们可以从事严肃的人道主义项目,而不会失去对发行人的控制。 成员资格将由所有玛格南摄影师一致决定。从某种意义上说,玛格南一直是而且仍然是世界顶级摄影记者的精英俱乐部。当然,大卫的被邀请加入是他摄影生活中的一个重要里程碑。

这一切的发生也符合偶然的模式,大卫也承认在他的职业生涯中扮演了如此重要的角色:“我的整个人生就是一连串奇怪的巧合。

这次是在特拉法加广场,大卫正在那里拍照。他引起了另一位摄影师塞尔吉奥·洛林(Sergio Lorraine)的注意,拉兰是一位来自智利的玛格南摄影师。拉兰看到这个小家伙拍得很准,就请他喝咖啡。“这个想法让我着迷,”大卫说;“看几秒钟照片的想法行动中的拉兰可以告诉你他/她在媒介中的状态。,这是真的。如果你看一个优秀的摄影师在工作,他/她看起来不像一个业余爱好者……拉兰看过大卫的作品后,他建议这位年轻的摄影师与约翰·希勒森(john Hillelson)联系,希勒森是伦敦的一位电影代理商,恰巧他在英国经销玛格南的照片。

大卫很快就对希勒森未来的职业生涯给予了很大的肯定。“他对我的生活影响很大。他是我的顾问、编辑和评论家,但在很多方面,更重要的是他开阔了我的视野。在那之前,我的视野一直很狭窄,主要在英国媒体上发表文章。希勒森打开了世界的大门,我的照片开始出现在国外杂志上,比如法国的《巴黎竞赛》和德国的《斯特恩》。此外,通过希勒森,我开始会见玛格南集团的所有成员。早在我被邀请加入之前,已准备好就和玛格南有联系了,因为我认识这些摄影师,他们的经纪人已经为我做了代理。”大卫·赫恩在1965年成为马格南照片的准成员,并在1967年成为正式成员。

个人联系

正是在他职业生涯的这个阶段,我第一次见到了大卫·胡恩。1967年初,作为《卡梅纳创意》的年轻编辑,我非常渴望见到这样一位著名的英国摄影师,我问是否可以采访他。当然,我不知道一个看似不经意的请求会如此显著地改变我的生活。当我听着他回答我的问题时,毫不夸张地说,我顿悟了。在他清晰的思维、他对媒介的直接接触和他强有力的言辞中,我看到了我自己的观点和态度一个完美的模板,而我自己的观点和态度要模糊得多,还没有形成。在采访结束后,我问他我是否可以回去给他看我自己的照片——结果打开了这篇介绍。

是的,他对我的照片的迅速否定是令人不安和伤害的,但没有你想象的那么多。我想在内心深处,我知道他说的是真的:我不会成为一个成功的摄影记者。随后,我们谈到了我在媒体中可以扮演什么样的角色,应该扮演什么样的角色,以及此后我所做的一切,我都感受到了大卫的存在和指引。在编辑决策方面,他是我沉默的伙伴,首先是在创意相机,然后是相册,为年轻摄影师组织讲座,筹备展览,为我自己以外的杂志撰写文章,在推销;在传统的艺术机构中获得摄影的认可。

我去他波切斯特法院公寓的次数越来越频繁,最后我搬了进来,在他自己的办公室里编辑专辑。这是令人兴奋的时期。大卫·赫恩的家是一个充满活力的空间,来自世界各地的摄影师聚集在这里,在无数杯茶上讨论图像和想法。

经常来访的人有帕特里克·沃德、莱昂纳多·弗里德、唐·梅库林、埃里希·哈特曼、查尔斯·哈巴特、埃利奥特·厄维特、兰·贝里,还有约瑟夫·考德尔卡,他在苏联入侵后逃离捷克斯洛伐克时也和大卫一起找到了家。很多时候,我不得不跨过他熟睡的身体,来到我的办公桌旁。我怀着感激和喜爱的心情回忆起那些日子,我可以无休止地写下这些遭遇和对话。但必须避免离题的危险,因为这篇介绍是关于大卫本人的。

到了1972年,对我们两个来说,重大的变化已经浮出水面。专辑已经折叠,我决定搬到新墨西哥大学学习博蒙特纽霍尔和范德伦科克,他们都是我很了解和尊重他们的前一次访问英国。大卫的生活也在经历一次宣泄。他对自己的商业生涯越来越不满意,他知道自己需要把自己的个人工作重回正轨,找到一种新的方式,为英国日益增长的媒介意识做出有意义的贡献。

威尔士

他的决定是搬回威尔士住一年,住在简朴廉价的营地外,为威尔士一个图书项目拍摄和威尔士的照片。他打算回伦敦;他只是把自己的公寓转租出去,留了一个房间供偶尔来访。

又一次,机会让他转向另一个方向。在威尔士游历期间,他遇到了一所大学的管理人员,谈话转向了一个年轻摄影师的理想课程。大卫很感兴趣。他花了越来越多的时间来策划这个虚构的(或者他认为是这样的)理想计划,甚至到了设计完美暗室的程度。

然而,最让他兴奋的是:所有顶尖专业人士都有什么共同点?这能教吗?”大卫说:“我看到了所有最受尊敬的摄影师对待自己作品的方式,我相信这些基本原则可以传递给有抱负的年轻人。尽管这对我来说似乎是合乎逻辑和不言而喻的,但后来我发现整个课程都是独一无二的。他最多同意两年。他是该项目的策划者和主管长达15年。

位于南威尔士新港的格温高等教育学院内的纪实摄影学院是一个主要的成功,成为世界上同类课程中最受尊敬的课程。大卫·赫恩的组织才能、清晰的思维和洞察力以及专业精神现在都被输送到了他的学生身上,他们中的许多人已经成为中世纪的主要人物。

同时他还积极参与了英国艺术委员会对摄影的新兴支持,在摄影委员会和艺术委员会工作多年。他说:“艺术委员会通过其主任巴里·莱恩(Barry Lane)的领导,提高了英国优秀摄影的知名度,并给了年轻摄影师很多鼓励,但我们也犯了错误。在我看来,资助摄影画廊是一个错误,似乎摄影无法在现有的画廊世界中竞争,因此有必要创建我们自己的贫民窟画廊。”

大卫·赫恩现在正通过这些机构帮助塑造一种全国性的摄影态度,而这些机构几年前就拒绝了这种媒介。

他的摄影作品也得到了机构和慈善界的认可-他获得了许多奖项,其中包括威尔士艺术委员会(1971年)、柯达奖学金(1975年)、英国/美国费尔·洛希普二百周年纪念(1979-80年),大卫和我一起在亚利桑那州度过;帝国战争博物馆艺术奖(1987-88年);以及其他许多奖项,包括他的第一部专著:《大卫·赫恩:1956-1976年的照片》,由英国艺术委员会出版,并由《图片邮报》40年代辉煌时期的传奇编辑汤姆·霍普金森爵士作了介绍。

从1972年到1990年,大卫·赫恩是英国摄影大厦最坚固的支柱之一。他是一名全职的大学管理人员/教师,各种理事会和委员会的顾问,经常担任客座讲师和研讨会的指挥,他仍然设法通过某种方式,某种方法,来抓紧时间继续自己的摄影,并准备个人作品的展览。但是要处理所有这些球变得越来越困难,迟早必须丢弃其中的一些球。  

回到摄影

1990年,大卫做了一个决定。这是他当时寄给我的一封信中的一段话(1990年3月22日):

亲爱的比尔:

我的世界即将发生巨大的变化。通往畸形变异的道路。我决定放弃全职教书。

这个决定更多的是发自内心而不是头脑。当我把可能的收入加起来并与我现在得到的相匹配时,等式永远不会平衡。问题是,我不想被枪杀,不想坐在汽车电话那头希望一天做三份跑步工作,不想拍首相的猫,事实上不想做我不想做的事。

然而,有一天,我在思考如何回顾生活,我决定让自己觉得自己是一名摄影师而不是一名教师。就这么简单。

也许很多人会永远记得我是一名教师,这不会让我担心,我相信随着时间的推移,我会越来越为课程的成就感到骄傲。

我们有很多非常好的学生,我相信我会经常想起他们。教学是有趣的,有时甚至是发人深省的,然而,它并没有真正改变我对任何事情的看法。

对我来说,摄影仍然是妈妈“拍”宝宝,然后把结果展示给奶奶…

在写这篇文章的时候(1995年1月),自从大卫·赫恩切断了所有与常规承诺的联系已经5年了。他可能在经济上比较穷,但在时间上却比较富有。是时候做他想做的事了,他最擅长的是:拍照。

”当我开始教书的时候,我似乎有足够的时间做我自己的工作,但是随着课程越来越成功,行政事务变得越来越耗时。同时,教育的风气也在改变。起初,我可以自由地运用有效的方法;后来,我花了大部分时间与对课程或领域一无所知的管理人员争论。后来,我突然意识到,我当老师的时间和当摄影师的时间一样长,因此,如果有人问我做了什么,我会回答我是老师,我不是摄影师,这让我害怕。我知道我待得太久了!”

在大卫用新的故事理念呼吁图片编辑时,这一事实得到了强调:也许我以为摄影界会喊“哇!大卫·赫恩回来了!。但现实是,我在和25岁的年轻人交谈,他们从未听说过玛格南,更不用说大卫·赫恩了。当我提出重要的论文时,他们当着我的面笑着告诉我,他们从未委托过最多超过两张或三张照片的故事。时代变了,我成了恐龙。实际上,这种冷遇对我很好。我不得不重新思考我的整个方法,我决定专注于我自己选择的主要论文,而不考虑最终结果。

例如,在拍摄这项为期两年的雕塑项目时,他意识到人们在不同的地方吃午餐,这导致了一套“午餐时间”的彩色增刊图片,共13页,加上封面。大卫说,“帮助支付了我自己工作的费用。”

近年来,他完成、继续和开始了大量的个人项目,包括尤金阿杰的“凡尔赛雕塑图像”的重拍调查;一系列他称之为《浪漫地点的纪实照片》和《纪实地点的浪漫照片》;一个大型项目试图回答“什么是雕塑?”这个问题。人们在别人的相机前摆姿势。这些项目的有趣之处在于,它们研究了媒体本身的一些最基本的问题,而不是满足于只知道某物或某人长什么样的的需求。

但我在这里想说的是,大卫·赫恩从来没有抑制过他的好奇心——不仅是关乎人类状况,也关乎摄影本身。他仍然在挑衅,戳破媒体的欲望,以挑逗让它放弃它不情愿的秘密。这是永无止境的。大卫认为,例如,威尔士风景的一系列新图像需要一种沉思的大画幅方法。

因此,他找到了自己非常崇拜的风景摄影师马克·克莱特(Mark Klett),他飞了6000英里(从威尔士到亚利桑那州),跟踪他好几天,观察他的每一个动作,决心向一位顶尖的工匠和艺术家学习,掌握一种新的工作方法。

这种执迷于把事情做好,要么做到最好,要么干脆不做,这是大卫·赫恩对待一切事物的典型态度,无论是对待生活还是对待艺术。

此人

大卫·赫恩的职业生涯的简要叙述服务于目的,希望,建立他的摄影证书作为摄影师的指南。正如大卫对别人说的:“向最好的人学习;二流的人什么也不能提供。“如果这本书仅仅是关于摄影技术的,那么我就在这里停止介绍。但事实并非如此。对大卫来说,摄影与生活是密不可分的;摄影师并不是隐藏在相机后面,而是通过镜头投射出一种生活态度,与图像形成一种干扰模式。他是谁,他相信什么,不仅在智力上了解他变得很重要,而且在情感上和明显地通过大量的工作揭示出来。

他曾写道:“这是生活的目标,我们每个人都努力成为他或她潜在的样子。”因此,每个摄影师都应该通过对他人和我们所居住的世界的理解,致力于向这个目标延伸。当这种情况发生时,作品就像照片一样,真正表达了创作者的生活。”

因此,我们有必要问:大卫·赫恩是谁?那个被冠以“摄影师”称号的人是谁?

我承认,仅仅用语言来表达一个人的复杂个性是远远不够的,但我还是会尝试用语言来描述这个人,这个人是你的向导……

让我们说你正在大卫·赫恩拍摄的一个活动中:你很可能不会注意到他。他喜欢像变色龙一样融入在场的任何类型的人,无论是上流社会的婚礼宾客,还是工人阶级的野餐者。他不摆架子,不把人推来推去,也不搞什么活动:他是一个谨慎的人,一个沉默的内部人士。但有人轻推你说:那是摄影师大卫·赫恩。

于是你介绍了自己,发现他马上就很热情,也许过于热情了,脸上挂着天生害羞的微笑和热情。这可能会让你感到惊讶,但这是真的。对于他的世界和世俗的经验,大卫·赫恩是一个害羞的人,像许多摄影师的人。他把这个看似软弱的地方变成了他的优势。他喜欢人,通过相机既可以与他们联系,又可以隐藏在机器后面。

在他最初的热情的鼓励下,你发现他是一个很容易交谈的人,因为他真的对你要说的话很感兴趣,直到你怀疑你是否分散了他的注意力,阻止了他拍照。然而,与大多数摄影师不同的是,大卫喜欢在拍照时有人陪伴,仿佛谈话是他活动的额外屏障,因为,尽管你不知道,他从来没有从潜在的图像上分心过。突然间,你发现自己在对着空气说话;大卫看了一张照片,让你说到一半。

大卫一心一意,可能会使那些对自己没有痴迷的人感到恐惧。

在我们虚构的第一次见面中,你问大卫是否愿意在活动结束后和你一起去酒吧吃午饭,他很乐意同意。然后你会注意到几个很小但很有说服力的细节:他很守时,他不喝酒(现在也从不喝酒),他不抽烟(现在也从不抽烟),他对菜单上的东西几乎不尊重。大卫几乎什么都吃,有什么就吃什么;虽然他偏爱精致的菜肴,但我们在一起吃的最好的几顿饭是剥着包装吃油腻的炸鱼和薯条。

饭后,你终于开始探究他性格中更深的方面(可能是在没完没了地喝着茶的过程中),很快你就会发现他和蔼可亲、幽默风趣、充满同理心的外表下隐藏着坚定的信念。问他对任何政治、宗教、性的看法——你会得到一个残酷而直接的回答。

显然,他已经仔细而深刻地思考过这些问题,现在已经确定了自己的基础。你现在会感到他的亲切与清冷的清教主义之间的冲突。这对于那些没有内在导向的人来说是令人生畏的,他们没有不断地评估自己的行为和态度,调和自己的个性与可能的反对他人。面对分歧,大卫将尽可能有力和清晰地坚持他的原则。对大多数人来说,有原则的人是可怕的

大卫·赫恩的原则植根于对人类的善良和统一的过时或至少是过时的信仰,在这个随便的残酷时代,他被置于政治中心的最左端,但居于中间他最喜欢与之互动和拍照的工人中的一部分。

大卫·赫恩可能刻板,毫不妥协,发怒,固执己见,热情洋溢,一心一意地痴迷,同时毫不拖延地慷慨大方,充满着温暖和欢笑,并热爱生活的方方面面。

毫不奇怪,他的照片反映了他的生活态度:坚持不懈、努力工作、极致的朴素、边缘带着微笑,以及对平凡、日常生活的痴迷。

毫不奇怪,他对摄影师的告诫传达了同样的信息:清晰地思考、理智地行动、致力于关怀、努力工作以发现快乐。然后把这些照片传回给拍摄它们的世界。

他说:“在以前的时代,‘艺术’这个词被用来涵盖所有形式的人类技能。希腊人相信这些技能是神赋予人类的,目的是为了改善生活条件。在真正意义上,摄影实现了希腊的艺术理想;它不仅应该改善摄影师,也应该改善世界。”

一些定义

给猫命名是件很困难的事情,这不仅仅是你的节日游戏;当我告诉你一只猫必须有三个不同的名字时,起初你可能会认为我疯了。

T.S.艾略特,《猫的命名》

比尔·杰伊:我的第一个编辑是一位名叫亚历克斯·瑟格诺(Alex Surgenor)的生硬的前新闻工作者,他有一句执著的咒语,每当有新的新闻构思出现时,他都会向年轻的记者们抛出:“如果你要和我讨论,首先定义你的术语!”

他是对的。所以,让我们尝试给这只猫起个名字,以此开始这篇论述。

你怎么称呼自己?

大卫·赫恩:我显然是一名摄影师。我选择相机来理解生活,并将这一探索的结果传达给他人。但我明白你的意思。 “摄影师” 这个术语涵盖了如此广泛的活动范围,以至于它不够具体,因此不够有用,不足以作为口头速记。我们说的是哪种类型的摄影师?

我的猜测是,你的照片的大多数观众会认为他们是在摄影新闻的传统,因为他们是在真实的情况下拍摄的,直接的,或未经处理的方法。

“新闻摄影”一词还暗示,照片的主题是一种时事新闻事件,伴随文字发表在大众媒体上,通常意在纠正社会上的错误。在这个意义上,我不是一个摄影记者。我不再报道时事,我独立于一名记者工作,我也不再跨界以平淡无奇的社会弊病记录为主题,而我的照片往往是为了展览。没有出版。

但你的很多作品确实是在期刊上转载的,而且读者广泛。因此,在这种情况下,它似乎是作为一页上的文字的视觉对等,可以被定义为新闻摄影。

即使那是真的,我仍然会反对被称为一个摄影杂志-因为这个词有了不幸的含义,就像政治家这个词“我的意思是,什么样的职业应该是最可敬的、最理想的、最无私的?”政治和新闻。为了更好地为国家服务,政治家应该避免个人夸大;记者,为了代表正直,铲除虚伪、腐败和谎言。还有什么比这更高尚、更光荣的职业呢?当然,在实践中,这两种职业都会遭到谩骂。而记者总是与小报耸人听闻的报道联系在一起,歪曲信息,新闻作为娱乐的最低公分母。不,我不想和这么俗气的工作扯上关系。

更具体地说,摄影记者常常与一只脚在门上、面对镜头、攻击性联系在一起,对拍摄对象、如何使用图像或任何伦理或手势问题都不太了解或关心。这样公平吗?

不总是这样。唐·麦卡林、阿巴斯、兰·贝里或詹姆斯·纳赫特维所作的这类作品中最好的一部,超越了这一特点。这些人,以及更多与他们相似的人,已经把理解他们的主题作为一个重点,他们非常关心这些主题,他们也非常关心这些图片。它们之所以出名,不仅是因为它们的图片是可出版的题材,而且因为它们的图片超越了明显的记录。单幅图片可以从原始背景中提取出来,作为具有持久情感和审美力量的图像展示在画廊里。但因为有例外,这些并没有使我的观点无效,即“摄影记者”一词有着令人讨厌的含义。

这个词的另一个问题似乎是,当这些优秀的摄影师在画廊中被代表时,往往是与图像,不是他们最好的或最著名的工作,所以确认该领域的艺术性较低。

这是真的。一旦任何一个摄影师声名狼藉,艺术机构就会在所有的垃圾中寻找可以出售的古董垃圾。每个摄影爱好者都会制造垃圾。艺术世界不会对画家或雕塑这样做,至少在同等程度上不会。

这一点使我想起一个关于亨利·卡蒂埃·布雷森(Henri Cartier-Bresson)的故事,亨利·卡蒂埃·布雷森向一群年轻摄影师讲述了新闻摄影和美术摄影之间的区别。 他说艺术家哈里·卡拉汉(Harry Callahan)和他本人以相同的方式工作-热情地进行主题创作,精心计划,通过许多很多图片处理情况等。但最大的不同是他可以发布自己的一张,而不是最好的一张。 卡拉汉只能在画廊的墙上使用这张照片。

这可能暗示摄影师,一张是糟糕的照片,但事实并非如此。一张是连接伟大照片的纽带,在任何发表的照片中都是必不可少的。看看沃克·埃文斯(Walker Evans)为《财富》(Fortune)杂志撰写的新闻作业,或者尤金·史密斯(W. Eugene Smith)的著名随笔《生活》(Life)。优秀的图像总是与较小的图像联系在一起,这是布局中的节奏和节奏所必需的。

在这些背景下,真正美丽的图片不会因为与秒的并列而减少。问题就出在画廊推销的时候,除了原始的背景,一张,作为一个摄影师的最好的单一图像。

顺便说一句,如果“摄影记者”这个词是用卡地亚·布列松描述的,那就是保存一本摄影杂志,那么它将是一个合适的名字,我很乐意采用它。但事实并非如此。

如果我们在“摄影记者”这个词上有困难,我可以预见“纪实摄影师”也会有同样多的问题。

正确的。这在今天尤其如此,因为文件意味着无偏见、非判断性、客观的事实证据。当然,没有照片——至少没有我可能拍的照片接近这个概念。

我想知道这是怎么产生的。那些纪实照片与客观有关吗?正如你所知,这个词在媒介中有一段奇怪的历史。在19世纪,纪实摄影师是不存在的;不过,这意味着,摄影师会复制手稿、平面图等平面文件。直到20世纪30年代,约翰·格里尔森才提出“纪实摄影”一词,但他的定义却毫不避讳地与一种主观的、固执己见的观点联系在一起:宣传。这是合理的,因为纪实摄影的词根是动词“指出”(docere用来教学。奇怪的是,一旦这个词被转移到静态摄影,它的意思正好相反:客观证据。

事实仍然是,如果我被称为,或者说我自己是一个纪实摄影师,那么对当今时代的大多数人来说,这就意味着我在拍摄一些客观的事实,而我不是。即使我知道我的意思,在任何一次谈话中,我都会有一种奇怪的感觉,那就是对方在假定或谈论完全不同的东西。所以我知道你不是一个纪实摄影师,在大多数人理解这个词的意义上,这不是很有帮助,那么你对隐逸的观察和那个有问题的词“真相”之间有什么关系呢?

它充其量是脆弱的。如果真理意味着事实的准确性和客观性,那么这种联系就被完全切断了。摄影唯一真实正确的方面是,它显示了在一组非常特殊的情况下某件东西的样子。但这与事件或情况的根本真相并不相同。至于客观性,它是不存在的。在我自己的摄影中,我有两个基本的控制:我站在哪里和我什么时候按下按钮。两者都是非常主观的选择,所以最终的结果,画面必然同样主观。

我对客观性的让步更多的是试图在事由上做到诚实。这只是一种尝试。

你说的诚实是什么意思?

我无法给它下定义,但这与我无关,因为它的反面很清楚。换句话说,当我在拍照时,我心里知道自己是否对拍摄对象不诚实,是否对自己的直觉或感觉不真实。这与事实正确是不同的。例如,我后来可能会发现我最初的反应是错误的。

发生这种情况。但那时我仍然可以做到诚实和真诚。你只要尽力就行了。我从不声称我的照片揭示了一些明确的真相。我声称这是我在拍摄照片时所看到和感受到的,这是任何摄影师都能说的。我不知道有哪个伟大的摄影师会有不同的看法。

尽管“纪实摄影”这个词带来了一些问题,你还是把它用在了你的课程中,纪实摄影学院。为什么?

在没有一个理想的术语的情况下,“纪实摄影”最接近于描述一种在英国被广泛认可的摄影类型。它并不是用来描述我们做了什么,更重要的是,它定义了我们没有做什么!换句话说,纪实摄影不是时尚,不是广告,不是切割图像和制作操纵的艺术,等等。剩下的都可以大致归入“纪实摄影”这个类别。这包括了广泛的摄影活动,从严格的狗仔队风格的新闻作品到建筑、景观或植物摄影,再到为画廊墙壁准备的图像,如果它们是在无设置的、直的风格。换句话说,学校的名称起到了减少申请人数的作用。在访谈中,我们可以进一步确定我们的需求。

对学生来说,这不是一个有争议的问题。他们明白我们的意图。这个问题发生在我们的学术环境中,是由反对一切的官僚主义者提出的,他们典型的口齿不清,不停地向我们追问“纪实摄影”的确切定义。

这太让人恼火了,因为这太浪费时间了。我的回答是:我们的学生都明白我们的意思,那为什么对你来说就这么难理解呢?

由于种种原因,你不是一个摄影爱好者,你不愿意称自己为摄影记者,因为你的照片是主观的和个人的,很公平。有没有一个术语是你最喜欢的?

对。我认为自己是一个报告文学摄影师。我喜欢这个词。它意味着对观察到的事件的个人描述,具有主观性但诚实的内涵。这是目击摄影。

或者,我见证...强调第一人称单数!

词、词、词。我们的定义完成了吗?

不完全是。我认为,在我们谈论摄影实践之前,有必要再澄清一点,那就是“图片故事”或“摄影随笔”所隐含的叙事思想。我知道你会同意,图像不是线性的解释或叙述,就像文字创造故事一样。

这是真的,但我想不出一个好的术语来定义一系列或一系列的图片,在这些图片中,整体,群体,在视觉上和情感上都比任何一个单独的图片更强大。我同意,一组图片从来不是通常意义上的叙述。

基于这个原因,我认为“随笔”这个词比“故事”好一点,当我谈到图片或摄影随笔时,我指的是一组图片,其中每幅图片都支持和加强了所有其他图片;并不是说图片的顺序可以像一串词一样阅读。

以罗伯特·弗兰克的《美国人》为例。这是一篇极好的摄影文章,但不是视觉意义上的叙事。图片的顺序可能有一种视觉逻辑,但这与叙事/观念逻辑截然不同...

可能有视觉逻辑?你听起来不服气!然而,评论家们已经就这些照片的排序逻辑写了数千字。

我知道。我刚刚读了一个最好的,当然也是最具可读性的评论家,A.D.科尔曼的一段话,他称赞弗兰克“把他的图像重新整理成一个多余的,紧凑的,冗长的序列”的过程,我觉得这样的断言很有意思,但我想这一顺序和图片的选择在多大程度上归功于弗兰克的选择,又在多大程度上归功于这本书的编辑/出版商罗伯特德皮雷?如果他们主要是德皮雷的,那有什么区别吗?下次我们见面时,我一定会和艾伦讨论这个问题。

同样地,我曾经读过一本关于比尔·勃兰特的书《家里的英语》(the Enelish at Home)中图片排序的非常聪明和令人信服的理论基础;但与勃兰特的初衷相比,这种分析有多少是聪明的评论家运用的事后阅读?

这让我想起了洛塞夫·考德尔卡每天都在我身边,当时他正在为他那本绝妙的书《古普塞斯》准备版面。在几周的时间里,他把大致相同的照片重新排列成十几个不同的序列。如果最后一个比其他大多数人都好,我会非常惊讶的。另外,我相信,筹备和设计吉普赛人的德尔皮雷也有很大的影响力。考德尔卡是一个非常聪明的人,他会听取他尊敬的人的建议。

不管怎样,我的观点是,在任何一组照片中,都必须注意单个单元的排列,但我怀疑,在某一点上,它并不像评论家们所认为的那样重要。不管顺序如何,结果都不是讲故事。

尽管你对定义有怀疑,但我确实认为这是一篇重要的序言。正如赫伯特·斯宾塞所说:“误用的词语常常会产生误导性的想法。”既然我们都在清晰地思考,那就行动吧。

选择一个主题

他们说,“你有一把蓝色吉他,你不能按原样玩东西。”

那人回答说:“事情本来就是这样在蓝吉他上变了。”

华莱士·史蒂文斯,从拿着蓝色吉他的那个人

比尔·杰伊:当我们讨论一些定义时,你说摄影的核心特征是展示事物的样子。我认为这是一个重要的一点,因为许多年轻的摄影师似乎着迷于媒体,但不知道该拍什么。

大卫·赫恩:没错。最基本的问题是重点之一:你不是摄影师,因为你对摄影感兴趣。

BJ:解释一下你的意思。

DH:许多人对摄影有着某种模糊的兴趣;他们可能对顶级时尚或战争摄影师看似迷人的生活感兴趣;或者对美丽、实用的机器、相机的获得和欣赏感兴趣;或者对暗室过程的神秘仪式感兴趣;或者以他们可以接受的形象,只要他们拍下像。不管是谁。但这些兴趣,无论个人有多享受,都不会让人成为摄影师。原因是摄影只是一种工具,一种载体,用来表达或传递其他事物的激情。这不是最终结果。打个比方,买一辆车是为了它的地位吸引力,为了它能改善你的生活,为了它新内饰的气味,为了它漂亮的工程设计的魅力,等等。但它是无用的,除非它真的把你带到某个地方。

BJ:摄影的目的是揭示某件事或某个人在特定条件下,在特定时间的特定时刻的样子,并将结果传递给他人。

DH:对。不过,这里应该插入一句谨慎的话。虽然你刚才说的是真的,但这并不意味着任何事情都是平淡的。有些照片显然比其他照片更有趣、更美丽、更鼓舞人心,甚至是同一题材的照片。更重要的是,由于缺乏一个更好的词,他们被打上了独特风格的烙印。那么,是什么将这些简单的记录转化为具有持久价值的图片呢?

BJ:你怎么回答?

DH:归根结底是主题的选择。摄影师必须对照片的主题有强烈的好奇心,而不仅仅是一时的视觉兴趣。这种好奇心导致了紧张的考试,阅读,交谈,研究和许多,许多长期失败的尝试。

BJ:我对这个想法很感兴趣:在我看来,不言而喻的是,要想以任何程度的持续激情拍摄,你必须对拍摄对象有一种着迷,否则你就无法在足够长的时间内对创作行为保持兴趣,从而对其作出任何有见地或独创性的陈述。我必须从你身上吸取教训。当你在1967年告诉我我的照片很“无聊”之后,就像我在开篇提到的那样,我可以不再像其他摄影师一样努力成为一名摄影师。真是松了一口气。我重新开始拍摄,只是简单地专注于我最感兴趣的主题,没有考虑成功、威望或声誉,而是带着一种快乐的解放——这种解放一直持续到今天。

DH:年轻摄影师之所以会感到困惑,是因为大多数老师、班级、工作坊、书籍,无论什么,都暗示着图片是如何制作的,采用了什么技术,为什么看起来与众不同、富有艺术性,比主题更重要。然而,摄影师主要是一个主题选择者。尽管它可能会冒犯艺术倾向,但摄影史主要是题材的历史。所以,摄影师的第一个决定就是拍摄什么。你对这个主题的好奇心、魅力和热情可以通过你拍摄的照片传达给其他人。

BJ:这让我想起。拉尔夫·施泰纳,这位已故的伟大摄影师,读了我发表的一篇文章后,偶尔会给我写一封有趣的、挑衅性的信。他最后会说:“但你还没告诉我把相机指向哪个方向——这才是关键。”他说得对。所以,让我们开始讨论正题,就像英国人会说的那样,在题材的选择上给年轻摄影师一些具体的建议。

DH:花园小矮人!

只是开玩笑。我的猜测是,即使有可能,对拍摄什么给出具体的建议也不会受到赞赏——事实并非如此,因为我怎么知道什么能激起别人的好奇心呢?

BJ:是的,但是我们可以谈谈选题的基本原则。

DH:首先要做的是带一个笔记本,在安静的时候或者当你想到什么的时候,把你真正感兴趣的事情列出来。换言之,写一份清单,列出那些让你着迷的主题,而不考虑摄影。什么能在很长一段时间内激发你的热情和好奇心?在那一阶段,不考虑摄影而列清单。尽可能具体。在你把清单列完之后,你可以通过问自己以下问题来减少清单:

它是可视的吗?

你可以安全地消除(对你来说)像存在主义哲学或旧约圣经或其他星球上存在的智慧生命这样引人入胜的话题。

实用吗?

你可以在你方便的时候,经常删掉一些难以或不可能拍摄的主题。例如,如果我是一个生活在丹佛的经济能力有限的年轻摄影师,至少就摄影而言,我必须消除日本宝塔的话题。或者我会放弃对著名电影明星的兴趣——这个主题不仅要实用,而且要持续不断。

这是一个我足够了解的话题吗?

消除那些你不知道的话题,至少在你对这个话题做了大量的研究之前是这样。例如,你在城市贫困问题上游荡街头,在门口抓拍被遗弃者的照片,这是毫无助益的。那是剥削,不是探索。

其他人感兴趣吗?

这是一个棘手的问题,但值得扪心自问:如果你有几个剩余的话题,所有这些都同样引人入胜,哪一个是别人感兴趣的?这只是因为它忽略了你的目标受众的问题,这可能是一个小的,专门的,以及迎合公众诉求的问题。

BJ:我想就最后一点插一句话。作为一名专业讲师,我知道很难将信息(比如说,我自己对湿板时期地形摄影师的热情)传递给一个无聊、无兴趣的观众。我必须吸引观众的注意力,才能让内容流畅。另一方面,我不是一个专业的艺人。因此,在迎合大众诉求和尊重观众/听众的注意力广度或对内容的兴趣之间有一条非常细微的界限。这就是我所说的对流浪汉因素的尊重——观众对它所坐的座位有多了解?你说的是你的兴趣和观众的兴趣之间的一条相似的细线。

DH:是的,如果所有的最终选择都让你同样感兴趣,那么选择其他人更感兴趣的主题似乎不是一种妥协。人的状态决定了有些东西比其他东西更有趣。

但我们可以讨论这个令人作呕的灰色区域,从而忘记最重要的一点:你所选择的主题必须:

1)激发你的热情和好奇心,至少在一定时间内创造出有意义的作品;

2)有助于形象,而不是和文字;

3)保持持续的可访问性,以便你可以在任何你希望或有时间的时候反复回到同一个话题。

BJ:我想补充一点关于您的劝告:尽可能具体。毫无疑问,兴趣列表将包含范围太广而无用的主题。正是出于这个原因,在研究与写作研讨会上,我不得不花大量时间在学生选择主题上。每次学生提出研究主题时,它都是一本书的主题,而不是文章。困难在于鼓励开展一个具体的小型项目。他/她将提出“维多利亚时代的肖像画”;我建议刘易斯·卡罗尔的爱丽丝的照片。他/她将提议“照片分离”;我建议成员使用玻璃球作为主题。他/她将提出“拉丁美洲摄影”;我建议使用佩德罗·迈耶的数码影像。这些不是特定情况,仅是将一个广泛的一般主题分解为可管理的细分的必要示例。

DH:选择视觉文章的主题时是相同的。当我说“尽可能具体”时,我的意思是:承担一个可以控制并且可以在合理时间内完成的项目。同样,主题越精确,进行研究就越容易。现在让我给出一些一般的例子。如果您的清单中包含诸如“教育”之类的兴趣,则将其设为“我作为某某校园的学生的生活”; “花”变成“与建筑有关的植物”; “肖像”被简化为“克里夫兰雕塑家的工作室”。无论如何,这一点是正确的…

BJ:对于许多年轻的摄影师来说,这种列表制作似乎过于实用,过于冷漠地对待主题。我敢肯定,很多人会认为它破坏了视觉冒险的乐趣。

DH:也许吧。但事实是,它是有效的,只是四处寻找图片,希望有什么东西会弹出,并宣布自己,是行不通的。很抱歉,年轻的摄影师,如果这冒犯了你对摄影师行为的幻想!

我只能告诉年轻人,四十年来,我已经与世界上许多优秀的摄影师进行了交谈,遍及媒体的各个领域,在他们拍摄照片的所有方式中都有一个共同点:他们热心并了解他们的主题,因此他们会在实际拍摄之前进行计划。

BJ:我们稍后会回到提前计划的想法上。但我能预见到一位有抱负的年轻摄影师对这个问题的另一个反对意见。所有关于强调主题的讨论都表明我们只是提倡严格、直接地记录面孔和地点。重要的是,我们要明确地声明,我们讨论的是所有摄影师的出发点。事实上,这个想法完全没有限制;它为复杂性的持续进化提供了更多的空间,因此也为个人解释提供了更大的空间。

BH:这是真的。就像施泰纳说的那样,一开始的主题越窄越清晰,“瞄准相机的方向”就越容易识别,拍摄的照片也就越多。拍摄的次数越多,对这个科目的热情和知识就越大。你的知识越多,你就越想把它画得更完美,这就增加了照片的范围和深度。所以这个过程会自我发展。

BJ:我喜欢用一个比喻:当我美化我的花园时,我需要种树。我只要把各种树干、树枝、小枝和树叶拼装起来,就可以立刻长成一棵树。但是这棵树会死;它永远不会长成别的东西。所以,我们的起点是一棵小树,经过精心的培育和极大的耐心,它会长成一棵树,而且往往长成一种意想不到的形状。在我看来,这与摄影中的其他作品一样,无论它有什么价值。最深层的、有机的成长空间始于最简单的前提:与选定主题的直接视觉接触。

DH:你知道,我觉得把问题颠倒过来回答问题很有用,比如诚实的问题,拍照时知道什么是不诚实的,就可以解决到我满意的程度。这里也一样。除了强调主题之外,还有什么选择呢?它是一种对即时满足的疯狂抓取,这常常导致作品表现出视觉上的效果,但其深度和共鸣令人怀疑。年轻的摄影师被迫去寻找与众不同的东西,一种新奇的追求,这通常意味着一种不寻常的技术:你的枯树综合症。

DH:这里还有一个问题。如果照片不是植根于“事物本身”,用爱德华·韦斯顿的话来说,那么摄影师对现实世界一无所知。他/她只能通过自我来证明这些图像是正确的:“这就是我的感受。”不久之后,这就导致了难以置信的复杂的精神分析,徒劳地试图为最平庸、最肤浅的工作辩护。

BJ:我是多么害怕那些无休止的、自我放纵的、经常让人难以理解的照片评论,我不得不去参加。我对这些关于自我的言论的回应是,摄影师是在把自己当做人来评判,而不是摄影师,这是愚蠢的。认为每个年轻的摄影师都有深度的性格,需要揭示,这似乎是一种不寻常的假设!如果自我是浅薄的、狭隘的的、肤浅的和无关紧要的,那么,他们承认,由此产生的照片也是如此。

DH:没有标准。我的意思是,永远不会有任何客观的基准来衡量这些形象的成功或失败。如果有人说:“这就是我的感觉”,你不能回答:“不,你没有那样的感觉。”

请注意,我不反对任何人通过摄影作为个人治疗。这似乎是对媒介的有效利用。我想我们要说的是这些图像只有一个观众,也就是制作它们的人。它们很少能引起更多观众的共鸣或产生价值。

BJ:大多数摄影师会通过减少而不是增强自我的作用,并尽可能地只强调拍摄对象,来赢得全世界的青睐。我不是在开玩笑。这样的摄影师将是一个庄严的团体的成员-整个媒体历史上的大多数摄影师,其中大多数人仍然不知名。但是,今天的重点是对个性和个人主义的崇拜,我认为遇到这些话的大多数年轻摄影师都渴望宣称自己和主题。你有什么鼓励的话吗?

DH:在今天的艺术摄影环境中,任何宣称主题最重要的人都会自动产生与众不同的图像!

现在我在开玩笑。事实上,所有的照片,即使是最平淡无奇的记录,都是主观的。它们是由个人头脑中产生的各种决定的结果。因此,自我不可避免地会侵入绘画的制作过程。要把它挡在外面是不可能的。但这并不是这些图片的主要目的。独特的风格,也就是我们所说的,是视觉探索的副产品,而不是目标。个人的眼光只来自于不瞄准它。在很长一段时间里,通过很多很多的影像,自我以比最终产物更强大的力量重新出现。讽刺的是,从“自我”开始,它被错过了;忽略它,它就会变得很明显。

BJ:就像在星光下走回我在森林里的小木屋:你不能直视,只能看到方向和轨迹。或者回到我的树的类比:活着的实体,可见的树,只有持续的根系统不仅在看不见的地方,必须保持地下为了增长和防止树在接下来的改革之风吹到。我知道这种比喻已经到了极限,但我一直在努力把清晰、紧张地审视“事物本身”与隐藏的自我、摄影师的生活联系起来。

DH:这个例子不好,但是我知道你的意思。我认为答案很简单,而且与主题的选择密切相关。没有两个人会做出相同的列表,或以相同的方式或出于相同的原因编辑它。因此,通过选择一个简单的主题来探索,你是在坚持自我。然后,这个话题越能集中你的全部注意力,你就越能成为这方面的小专家,它就越有可能传播和深化成为你整个意识的内在组成部分。

BJ:我曾经看过一位伟大的小提琴家的电视采访。面试官让他描述一个典型的日子。这位音乐家说,他早餐时会读乐谱,然后在早晨作曲,散步时考虑音乐,在下午练习小提琴,在晚上举行音乐会,会见音乐家朋友一起演奏,然后上床睡觉梦想着小提琴。面试官很震惊:生活似乎很狭窄。 “是的,”小提琴家说,“起初我的生活变得越来越狭窄。但是那之后发生了一些非同寻常的事情。好像我的音乐穿过了一个沙漏的小孔,从那以后变得越来越宽现在,我的音乐正在与生活的各个方面建立联系。”

DH:在真正意义上,摄影师百分之百都是摄影师。一切联系在一起。在去看你的路上,我在飞机上读到了米歇尔·德·蒙田的四篇文章,不断地看到他的思想和摄影之间的联系——即使这些文章是在16世纪末写的。我总是觉得和我尊敬的摄影师一起看电影很有意思。不可避免地,他们后来的谈话揭示了他们所做的各种有用的观察,从情节中吸取的,对话,表演,镜头角度,节奏等等,这些都可以应用到他们自己的作品中。每件事都成为摄影的重中之重。每天都有大量的学习事件发生。所有这些新的见解都会反馈到图片的主题,因此,毫无疑问的是,通过照片可以显露出谁拍摄的。

BJ:最终的目标是自我和主体之间的一种震荡,图像是精神和世界之间这种超负荷界面的物理表现。

DH是的。但让我们来审视一下现实。你说得对,但是听起来很深奥。现实要简单得多,可以用日常发生的事情来解释。假设一位母亲在海滩上看着她的孩子建造沙堡。她突然看到一个表情,触动了她的心弦。她不动声色地跳进野餐篮,对准相机,按下按钮。这个瞬间已经被记录下来,并将成为她余生的珍宝。这个简单的动作包含了摄影中85%的要素。母亲对她所教的科目了如指掌;她是研究那个孩子的专家——她对这门学科非常热爱。没有关于自我或创造力的思想,尽管两者都亲密地存在着。这张照片拍摄时没有考虑到技术,这是所有摄影师都应该在行动中出现的元素,无论多么复杂,但它们恰恰是经常被忽视的。

妈妈是一名摄影师,她对花哨的技巧、风格或特殊的视觉效果不感兴趣,她的工作只是记录这一刻和这个地方。

接受者和潜在的观众都希望能认出谁是画面中的人以及画面中的环境。当把照片放进家庭相册时,可能会有一个简单的、事实性的标题来帮助你:“布莱顿海滩,莱米的第一条短裤。”母亲/摄影师无意识地使用概率的因素。很可能,事件的视觉外观和由此产生的照片之间的联系将被识别为她自己和她的主题之间的关系。而且很可能最终的产品,照片,会向观众传达足够的相同的信息,使练习有用,令人满意,甚至值得称赞。它不会给出信息的全部准确性,不会给出所有的事实,不会给出所有的感觉,但足以让这个练习值得。

现在的诀窍是如何将85%转化为100%;如何将事件的记录转化为令人满意的画面;如何使特殊的,普遍的…这将是我们单独讨论的一个主要话题。但在我们结束这个主题之前,我想听听你对一个问题的看法,当你在描述海滩上的母亲时,我想到了这个问题。她不仅对照片的主题感兴趣,这一点我们都认为很重要,而且,更重要的是,她对照片的主题有一种爱,我看到了你的想法。它是一种思想和感觉、一种理智的想法和一种情感的依附之间的区别。我认为一个摄影师可以做出一组很好的关于一个主题的照片,纯粹是基于智力或视觉上的,而不是对这个主题有一种深深的、持久的爱。我们来看一些例子。

很多时候,除非我们对摄影师非常了解,否则我们不可能知道与知识相比情感的深度。但我猜弗里斯在1856年至1860年间的埃及之旅中并不是特别喜欢埃及的金字塔。他当然知道很多关于他们的事。尤金Atgét喜欢凡尔赛宫的雕塑吗?我不知道,但他们没有给我的印象,虽然他们是美妙的形象。另一方面,我确实认为他喜欢那些即将被摧毁的旧巴黎的后巷、店面和鹅卵石铺成的小路——我认为这一点已经表现出来了。

然后我就可以把自己对主题的感觉投射到图像上。

我在想阿尔弗雷德·金翅雀的云图因为我们知道他说它们是情感状态的等量物。我读了他说的话,但对我来说,那只是云的画面。他为妻子乔治亚·欧姬芙(Georgia O' Keeffe)拍摄的肖像和裸体照似乎更加亲密,充满爱意。还有哈罗德·埃哲顿关于他发明的频闪仪或电子闪光的实验。它们是用来展示一项新技术的能力的,或许是冷静地展示。然而,它们是视觉上的奇迹。这张描绘子弹穿过苹果的图片是我在整个游戏历史上最喜欢的图片之一。

就我个人而言,我一直对这个概念感到困惑,这就是我为什么要修改它的原因。有一种暗示,情绪和智力是对立的,一个排斥另一个,理性与情绪是对立的。然而,我自己的经验是,对立面总是起作用的。如果我被一个话题激发了智力,如果不久我就会对它产生情感;如果我对某件事或某人有感情,那么我想知道更多关于我感情的主题。所以,也许这是一个错误的问题。“兴趣”这个词尤其与“强烈”或“热情”这样的形容词搭配,涵盖了一个主题的范围,从冷静的理性到热烈的激情。

我想想,我倾向于相信个人照片可以很重要即使理性,智力但尸体的工作,一生成就的一个摄影师,最打动我的是那些建立在爱和知识。

我记得我第一次看到斯蒂芬·道尔顿拍摄的大量昆虫飞行的照片。我立刻感觉到道尔顿喜欢这些小动物!他对这些照片也非常了解,这一点通过配图的学术文献得到了强调。此外,很明显,他事先精心策划了他的照片,甚至设计和建造专门的设备,以达到最终的结果。所以在我看来,他的作品采用了我们讨论过的所有元素,我们更熟悉的名字,因为他出现在主要的历史教科书中,那就是刘易斯·海因LewisHine,我特别想到他在本世纪头几十年为童工委员会所做的工作。

他拍摄的儿童在危险的环境中做奴隶的照片充满了激情和愤怒,但他必须冷静冷静地计划拍摄这些照片,甚至使用了诡计,否则厂主或矿主不会允许他进入。他似乎并不介意自己的画被拙劣的半色调复制得很差,因为题材比他的名声更重要。据我所知,他在世时从未举办过一场作品展。现在,当然,他的照片被断章取义,过度纠结,作为艺术品展出,这是正确的。

我可以一直说下去。关键是,我所钦佩的所有有地位的摄影师似乎都有一个基本的特征:对主题的深刻和持久的尊重和爱。

对我来说,最好的照片是那些直接进入心脏和血液,花一些时间到达大脑的照片。

我同意

拍摄一张照片

你看见了,但你没有观察。

夏洛克·福尔摩斯致亚瑟·柯南·道尔·沃森博士

比尔·杰伊:回顾目前为止的位置:摄影师选择了他/她强烈参与的主题,从研究、阅读、写作、交谈中获得了很多知识,这些都是可以持续接触到的。现在摄影师急着要开始拍摄了。

有什么计划吗?

大卫·赫恩:这是有趣的部分。摄影师必须时刻记住,这张照片是有目的的。其目的是揭示所选题材的方面,阐明其本质——并通过一幅视觉上有趣的画面来实现这一目标。

这听起来很模糊…

但事实并非如此。照相有两个基本要素:站在哪里,什么时候打开快门。这是拍照者命令中的两个基本控件——位置和时间——相比之下,其他所有控件都是扩展和外围控件。所以摄影是非常简单的,这并不是说容易。

让我们以每个控制为例,讨论它的结果。首先,地位……你在拍照时所站的位置决定了拍摄对象的视觉清晰度,不管是什么。你有多少时间来找到准确的位置将取决于被摄物的运动。显然,一个静态的主题会给你更多的时间来定位正确的位置,而不是一个包含几个移动元素的主题。但原理是一样的。

以哈里·卡拉汉的照片《鳕鱼角》为例,这是一张非常简单的照片,描绘了一个排球网在一片空旷的沙滩上,以大海为背景。没有什么比这更静态的了。我敢肯定,对很多人来说,卡拉汉给人的印象是在四处撒网,拍了张照片就离开了。看起来花在这张照片上的总时间只有几秒钟。事实上,卡拉汉可能花了很长时间来探索这张照片,我们可以从他的联系表上的11张中看到。我们知道,他不断地从稍有不同的拥抱和位置投篮;他并不满足于第一印象。

我确实相信,一个普通摄影师和一个真正优秀的摄影师之间的区别,往往是愿意承认怀疑,他/她根本不确定他/她是否“得到了”。优秀的摄影师说,实际上:“嗯,这是一个相当不错的努力,但我愿意承认,许多小的微妙的相机位置,我无法预见,可能会造成区别,一个足够的图像和一个好。”

别忘了,这是一个用媒介拍摄静态对象的人

格式相机,却愿意尝试各种微妙的排列,以增加成功率。这是非常非常不同的概念,拍摄了很多照片,并希望找到一些值得打印后,联系表。

你所说的是,即使一个静态的主题包含很少的元素,也会有很多距离和角度的微小变化,这可能会对最终的效果产生很大的影响。那么,运动中的主体是多么复杂啊!

没错,但原理是完全一样的。只是实现起来要困难得多。

原理是摄影是一个微小细节的问题。

我喜欢这一媒介历史之初经常使用的短语:梅利夫的照片被评判为“一丝不苟的出神入化”。虽然是用来表示清晰度也同样适用于小型相机位置的变化,或时间是的,当我们从一个静态的对象移动,当把图片的元素是密不可分的。这两个元素不再是单独的行为,而是同一决策过程的一部分伦纳德·弗里德(Leonard Freed)画了一个极具象征意义的画面描绘了一个囚犯的手伸过牢房的铁栅栏。

在这种情况下,位置几乎是固定的,唯一的移动元素就是手势。弗里德为这个简单的问题拍了一整卷胶卷。在我看来,这是至关重要的,因为他处在一个独特的、享有特权的位置,不能随意重拍,他想确保他拍下了最好的画面。这不是敲出来的问题

36张照片,希望其中一个能存活下来:这是一种对小事件的意识——手腕紧张,手指伸直,握拳——在这种情况下,不可能确定哪个微小的变化会产生最强的视觉冲击。

在这种情况下,地点是预先决定的,但时间是变化的因素。

但在这两种情况下,你都强调了多次曝光,以增加事实表中可供日后选择的小变化的可能性。虽然我们讲的仍然是拍摄单幅照片,但作为最终的结果,获得一张好照片的方法是拍摄很多张。

在所有情况下,按下按钮都是一个相当连续的过程,因为你永远不知道下一秒是否会呈现出比前一秒更有意义、更深刻、更强烈的视觉效果。一个海滩。在这里,你可以选择站在哪里,从长镜头到特写的连续距离,贯穿360度视角,每个人都在运动。在这种情况下,你会用什么策略来做图片决策?

这就是清单的关键所在。你在海滩上,或者任何地方,为了某个目的,这个主题被细分为潜在的绘画制作类别。一般来说,在海滩上闲逛寻找图片是没有意义的,因为过多的视觉会阻止你看到任何东西。所以首要的是,以某种特定的方式知道你在寻找什么。

例如,你的海滩分类之一可能是“表达爱意的夫妇”。在这种情况下,你会更加警觉和意识到潜在的主题,排除其他人。这是一种管理海量选择的方法。所以,你突然看到一个年轻的男人有意地走向他的女朋友,他很有可能要吻她。你挪到一个合理的位置拍照;你向左移动一小部分,以避免它们的腿在侧面后面缠成一团;拍另一张照片;你注意到图片的边缘太复杂了,所以向前移动;另一张照片——什么都没有。他只是伸手去拿三明治!

大多数时候,图像并不在那里,但它可能在那里,如果图像物化了,你就会在正确的时间处于正确的位置。更可以肯定的是,如果你只靠抓拍一张照片,是不可能拍到这张照片的。

你是在谈论怀孕的时刻,潜在的推测情况,可能会产生一张照片,在整个行动中拍摄多个张,通过轻微的调整来澄清主题的主要部分。

要拍出一张有意义的照片需要很多运气,但优秀的摄影师会减少浪费,让拍摄更有可能。当我在寻找照片时,我本能地感觉到可能有好照片的情况。然后我了解了情况,开始拍摄。有时,这种动作在6到10个镜头内就会达到高潮,然后就消失了。在其他时候,行动将开始建立……但是什么都不做。所以你得忘掉那个场景,专注于另一个怀孕的场景。一个典型的例子:我看到一群年轻人在亨利赛舟会拍照。我第一次被它们吸引可能是因为它们彼此之间明显的关系,以及它们令人愉悦的几何排列。这个女孩正在摆弄一枚戒指,而且可能是新戴的订婚了。我拍了一张照片。突然未婚夫握住了无名指。我又拍了一张。然后他吻了吻戒指。我又拍了一张。他还在亲吻它,给了我足够的时间稍微移动一下,改善我面前的环境的几何形状,然后再拍一张照片。就是这样。他放下手指,动作就结束了。

我想把这种工作方法坚持一段时间,有两个原因。

第一,在我所有的年学术界看着图片由年轻摄影师很明显,没有人向他们解释这种拍摄方式。

第二,在我所有的年的来自好图片摄影师很明显,他们都在本质上相同的方式工作。优秀的摄影师所做的和年轻的摄影师所认为的之间存在着巨大的鸿沟。我们可以强调的是,伟大的摄影师,在媒体的各个领域,都以非常相似的方式工作。

看看最好的摄影师的联系方式,有一个事实是显而易见的:他们已经把自己定位在一个能最清楚地看到正在发生的事情的位置;这个位置可能会在一系列图像中发生变化,尤其是当主体在移动的时候;然后,画面逐渐增强,一个手势、表情或形状的排列标志着图像被捕捉了——或者由于事件崩溃,序列突然结束。

接触表显示快速、不连贯的一系列图像,稍有变化,然后结束。或者,偶尔的情况是,整部剧在崩溃前达到高潮。让我着迷的是,你可以看到摄影师的思想工作,当看联系表。

完全正确。通过接触图像联系表,你可以了解摄影师的意图。你几乎总能知道他/她想要达到什么目标;你会想:“这就是摄影师认为可能发生的事情。”这并没有起作用,但如果它发生了,那么他/她就会处于正确的位置去捕捉它。然后,对这种工作方式知之甚少的人看到一张照片,比如在一本书或展览上,就会想:这是一个幸运的镜头!回答是:嗯,这是幸运的镜头,因为即使在你投入了所有这些注意力之后,它是一种礼物,所有的元素聚集在一起成为一个完美的结合;不过,话又说回来,运气最好的摄影师擅长找站在他们一边,能够捕捉到运气。当它发生在一个展览的照片,有人看到埃德华·史泰钦,问:“如果你把这个显示所有“事故,“多少(图片)你会离开吗?”

“也许没有多少,”史泰钦回答说,“但你有没有想过,伟大的摄影师制造了多少重大的意外事件?”

我想他一定是在引用我的话!

我想我们应该插一句,这种工作方法并不是报道摄影记者的特权。我在安塞尔的创意摄影中心很感兴趣亚当斯的档案,他著名的图像,月亮和半圆丘,约塞米蒂,是10张几乎完全相同的曝光之一,他的时间。

真实的。许多大画幅摄影师的工作方式与报道摄影记者非常相似:比如沃克·埃文斯。如果你看他的证据指纹,你会发现他并没有坚定地决定:这就是相机必须放在的地方。他经常对同一建筑立面的视角进行微妙的改变。很少有摄影师不是这样工作的,也包括那些看起来与报告文学截然不同的形象制作者。

要知道,当我拍摄肖像时,最主要的关注点是视角,或者是必须从一个人的角度来拍摄,这样才能分离出照片中最重要的部分——脸。没有什么比混乱的背景和简介相冲突或混淆更能快速杀死一个有趣的我知道了。一旦清楚了这一点,我就可以专注于背景中的其他元素——然后我就会意识到画框和图片的边缘。理想情况下我想要

a)区域显示的最大清晰度

b)框架内的所有元素都在和谐关系中

c)这些地方模式和框架本身和谐

d)时刻暴露在第二个在这一些奇怪的一个重要部分。

这是不是要求太多了?

如果你不期望收到礼物,可以问一下。但这就是摄影背后的驱动力和强迫性力量,事实是,尽管这些元素说起来很简单,却很难整合。瞄准你的目标是值得的,只要你意识到这是一个持续的努力,很少能实现。如果你能多次达到这样的高度,你就会成为一名伟大的摄影师。

认真地说,你几乎不可能同时兼顾多个变量——其中许多都有自己的生活,以独立的、不可预测的方式移动——并且在你创作一幅画的最短暂的时刻把它们牢记于心。你所能做的就是盯着主元素(如果它是静态的,这很有帮助),然后根据位置和时间组织两三个子元素,一张接着一张。所有其他元素都依赖于时机的运气。如果它们都能同时出现,那就太好了。他们很可能不会这么做。但我们一直在努力。

让我们来拍几张你自己的照片,在这些照片中,多个元素融合在一起,和谐地排列在一起。我希望你能给我们讲讲你在枪击过程中的行为和想法。例如,滕比的散步,一条狗在前景睡觉,一门大炮指向大海,一个戴帽子的女人走开……

这是一个很好的例子,因为图像看起来很复杂,但实际上很简单。当我到达现场时,我立即看到了一些东西:大炮,睡着的人,狗。我很快地使自己处于这样一种位置:这三种基本元素彼此孤立,但合在一起形成一条强烈的对角线。那是被照顾的地方。我拍了张照片,但知道那不对。对我的口味来说有点太静止了。所以我搬走了,去了山的另一边,看到了一些其他的可能

图像,然后返回到原始场景。现在,更多的事情发生了。基本的元素还在,但是人们在大炮炮口后面的山上走着,其他人沿着左边的天线走着,有人坐着,一个男孩在玩大炮,等等。我找到了我原来的位置,稍微改变了它,包括坐着的人,现在我看着所有其他移动的人,他们的互动和改变的视觉模式。现在我拍摄的是小的突发的照片,因为我不能确定运动的流动会被捕捉在准确的时刻。只有在联系表上,我才能看到所有元素一起工作的一个框架。

在这种情况下,关键的前景元素都不动我的豪华集中的子元素然后让我们以一个过分的每个元素移动:矿工的星期,前景描绘了巴里岛一个父亲和孩子在大海边但背景移动元素的海滩是大杂烩。

首先我想说的是,这张照片是关于威尔士不断变化的文化系列的一部分。

威尔士项目的一部分是关于煤矿开采的。采煤的一个分部是一年中所有的煤矿都聚集在一起过暑假的时候。我去海滩是为了一个特定的目的:描绘一个矿工在海边度假时和他的孩子玩耍的情景。海滩上的每个人都是矿工或者矿工的家庭成员。所以我已经知道我要找什么了。这很重要。

看到这位矿工和他的女儿,我被他们之间的亲密关系打动了。我最初的反应是选择一个接近的角度,移动到一个我能清楚地看到关系的位置——从混乱的背景中分离出来,有效地让面孔显露出来,并形成一个有趣的形状。下一个决定是:我应该朝它们移动或远离它们多远?如果离得太近,我就不会认为他们是在拥挤的海滩上玩耍;如果距离太远,它们就会失去主导地位,成为又一个小元素。所以正确的距离是相当精确的。

然后我在背景中寻找另一个我称之为“重要的人”的元素;一些小物体或人或任何东西,任何东西,具有视觉吸引力。我现在正在观察父女之间的关系,同时保持一个夏娃的背景元素。在我拍摄的照片中,前景中的手势、表情或任何东西都被背景中的形状平衡了。我几乎无法控制这两个因素,尤其是当次要元素移动时。我可能需要左右移动6英寸,或者来回移动,拍摄几张照片来保持。

我不能做的是追踪背景中的每个元素。我的眼睛在所有这些细节上快速翻转,以检查整体模式,但基本上我是在前景/背景元素关系的中心。我必须看到联系表才能知道发生了什么。我知道前景很好,因为我只有这个

但是我选择放大的图像将取决于一般背景的几何形状或图案,这是我无法预测的。

画家可以将主要元素组合在一起,然后在恰当的地方添加重要的细节。在摄影中,你不能这样做。你几乎是出于本能,希望那些决定照片成败的小细节都能摆到合适的位置。在这种情况下,你会拍多少张照片?

视情况而定。在像海滩这样复杂的场景中,6幅是平均水平。矛盾的是,越是静态的场景,我拍的照片就越多。当只有一个移动元素时,比如你要拍摄的人的手,很难决定哪个手势,手腕或手指的哪个位置是最重要的。

现在我们又回到了这个观点,即图像越静态,就越强调细节。所以这里还有另一个问题:当你喝着啤酒说话的时候,我脑后不断传来一个小声音,敦促我提出一些有争议的观点,比如“好的设计”、“几何”、“构图”。

这些和谐与美的观念与许多当代街头摄影的态度,尤其是在学术界,是对立的。让我们消除误会。

我希望我们没有暗示有好的设计的规则,或者我们提倡在图像上画线的构图!我也不是很感兴趣的设计,图片的唯一目的是展示摄影师在剥落的油漆或阴影形状中寻找模式的聪明。仅仅是关于制版的图片是很无聊的。

然而,我确实相信,当设计的目的是清晰地投射主题时,也就是说,当设计是运载工具而不是目的地时,好的设计是必不可少的。如果你愿意,函数产生形式。当你最清楚地揭示了主题的本质时,你就有可能产生了一个好的设计,至少在我对这个术语的定义中是这样的。然而,设计却排在第二位;揭示这一主题是第一要务。

在我看来,这张照片是否应该精心构图的问题是不言而喻的。如果图像设计得很好,你会想看它;如果它的结构很差,你就不关心图像,也不关心主题。对于一个摄影师来说,拍摄一个他/她声称关心的对象的图像,而仅仅因为图像在视觉上没有吸引力而拒绝观众,这似乎是不合理的。

然而,这种感情是存在的。不久前,我在一所大学的美术画廊参加了一个展览,展出的是人们在破败的城市环境中拍摄的照片。在我看来,那是很糟糕的照片。杂乱无章,马虎,缺乏清晰度,甚至印刷不良。不幸的是,摄影师想知道我的想法。我试图解释,这是一个丰富的历史。我们可以从中学习的社会文献类型;具体来说,就是如何澄清元素以产生有效的图片。

他的回答很有趣。他说他知道应该怎样的事,但他故意拍出糟糕的照片,以反映真实世界的混乱、焦虑、混乱和暴力。然后我被灌输了一剂后现代主义、结构主义理论,并断言这些照片反映了他“作为一个艺术家”的感受。

糟糕的摄影师有很多借口!我所说的“糟糕的摄影师”是指没有人对他们的照片感兴趣。当然,如果这些图像在视觉上很吸引人,那么更多的人会想要更长时间地看它们,而且即使是面对像“混乱”这样困难、抽象的概念,被试也会有更大的机会展现自己。“摄影师的非凡的能力像兰贝里(lan Berry)或塞巴斯蒂昂·萨尔加多(Sebastiao Selgado)在相同的情况下,他们可以拍摄照片和许多其他摄影师的能力,不仅清楚地揭示出其混乱而且产生图像的能量,所以给自己留下深刻印象在你的意识就再也不会忘记了。这就是我所说的优秀的设计,它与优秀的摄影是分不开的这让我想起很久以前与格雷厄姆·格林的一次对话。他说,书中最难写的部分是“无聊的部分”。我问他那句话是什么意思。“嗯,”他说,“充满动作场面的情节很容易写。但是,困难在于没有发生任何事情的连接部分。诀窍是要让读者有兴趣继续读下去。

是的,在有些情况下,要获得有趣的照片比在其他情况下要困难。但是,只要努力,这是可以做到的。这也是我们应该为之奋斗的目标,而不是为失败找借口。

对于你的“好照片”概念,我有另一个反对意见,这是我在学术界听到的。争论的展开是这样的:如果你拍了一张描绘社会问题的主题的美丽照片,那么观众的反应会是“多么伟大的摄影师啊,多么美好的一幅画”这样的社会信息就会消失。我不同意这个观点,我以前听过。这是卑微的艺术家综合症:我试着不去拍好照片,因为我想把自己作为一个个体,一个艺术家,让主题浮出水面。这是一个愚蠢的论点,但毫无疑问的是,照片越好,就会有越多的人在更长的时间内看它——这意味着主题会有更多的共鸣,不管最初欣赏这张照片的原因是什么。我从来都不明白这幅画“太好了”;只要主题被清楚地揭示出来,就永远不会太好。摄影师的目标是创造美丽的照片,任何和所有的题材。

同意。许多“艺术家”,尤其是那些试图发表政治评论的人,往往会忘记摄影是一种摄影媒介。

如果一个人的主要动机是评论想法,那么更有效的媒介就是文字。我不明白任何一个摄影师怎么能为拍摄糟糕的照片辩护,即使目的是为了传达某种政治/社会信息。

而且似乎确实有一个推论在起作用:信息在政治上越正确,画面就越愚蠢。就我个人而言,我宁愿看到任何主题的美丽图像,而不愿看到一个月的味道想法的糟糕图像。就在我们进行这次谈话之前,我正在看威廉·尤因编撰的《植物图录:1835年至今的花卉摄影代表作》。许多图片都非常美丽,而衡量它们美丽的标准是我现在想更多地学习关于花的知识,在过去我对这个主题并不特别感兴趣。所以,是的,主题是通过良好的设计,图像的几何形状,美来传递的,不管你怎么称呼它。我敢肯定,一本糟糕的花卉照片集不会激发我对植物的兴趣,原因很简单,我不想花足够的时间和精力去看它们。

对许多人来说,“美”这个词是与那些可预测的图片联系在一起的——以前见过的,并且已经存在于他们记忆库里的图片,通俗的落日的图片,小动物的海报,明信片的视图,等等。对我来说,大多数展示美的伟大照片都揭示了一种奇异的感觉,而不是可预见性,一种在熟悉的事物中无法识别的震惊。它们与通俗相反;它们有一种超越视觉的特性。但即使很难定义,美仍然潜伏在幕后。我喜欢罗伯特·亚当斯的一句话:“美这个词是不可避免的……这就是为什么我决定拍摄…在某些照片中,出现了一种品质,“美”似乎是对它唯一合适的词,我被迫用这种新景象的词汇生活……虽然这么多年来,我仍然觉得用‘美’这个词很尴尬,但我担心自己会因此受到攻击,但我仍然相信这个词。”

我想用“美”这个词来结束这个话题,我们对摄影师没有多少实际的帮助。但后来我想起来了,我们是通过讨论优秀的设计来开始这个想法的,这似乎是等式中的一个因素。这一想法促使约瑟夫·寇德卡(Josef Koudelka)对近距离拍摄的照片进行验证,剪掉照片中所有的元素,然后重新排列——作为他应该拍摄的照片的指南。似乎是一个很好的练习....

当我看任何类型的优秀照片时,似乎都有一个共同点:一种必然性的感觉。我无法想象这些图像还能以其他方式设计出来。它们就像它们存在时一样,看起来是完整的。

把我们带回地球,大卫。与被经验磨练的本能相比,好的设计在多大程度上是一种运气?

当你在拍摄一个所有元素都在移动的场景时,如果它们都能同时结合成一幅美丽的画面,毫无疑问你是幸运的。你试图看到所有的东西,并在精确的时刻释放快门,但通常你能做的最多就是在正确的地方,这样你就能在它发生的时候拍摄到它。

当然,丰富的经验也意味着你能更清楚地意识到那些能产生巨大影响的小因素,这是非常实际的。你学到的教训之一是,狗在背景中非常有用!由于某种原因,它们的形状非常独特。所以,如果我看到背景中有一只狗在跳着抢球,我就会本能地这样或那样移动,以便将那个元素与主体融为一体。

经验可能会教会潜意识,帮助你找到正确的位置,组织元素的分离,感觉行动的聚集,只是稍微快一点,更有效一点。所以,是的,经验显然是有帮助的——这是拍摄大量照片的另一个原因。幸运的话,其中一个会很漂亮!

创建联系表

“看这儿,这幅画上,还有这幅。”

威廉·莎士比亚《哈姆雷特》

比尔杰伊:我们假设的摄影师现在已经完全投入到他/她选择的拍摄对象中,已经用你所描述的工作方法拍了几部电影,现在很高兴看到第一批照片——联系表。

大卫·赫恩:我们要强调的是,这是一个非常重要的阶段,这也是为什么我们要把它单独放在一个部分的原因。我不会为那些胆小的人找借口:用加工过的胶片制作出完美的接触片是必要的。

“完美”是什么意思?

我的意思是,它必须在技术上尽可能的清晰(这通常意味着确保底片和纸张之间平坦,甚至接触),并正确曝光和印刷。有模糊、不干净的接触片是没有用的;一组正确的接触照片是摄影师最有用的工具之一。

在一个完美的世界里,胶片上的每一张都会得到完美的曝光,所有的底片都有相同的密度,而接触纸的毛毯曝光会以最大的清晰度显示出每一个微小的图像。在实践中,有几个张可能不够或不够

曝光和印品太暗或太浅就不接触了。这些小的区域必须有阴影,躲避,或烧毁,以使每个图像都完美地打印出来。

如果你看不见这幅画,你怎么能判断它的优点呢?

我知道有些读者可能会认为这是一件苦差事,因为没有人会看到这篇文章。我的回答是:联系表会被你看到,你不能对被封锁或烧毁的图像做出明智的选择。此外,如果打印一张接触表,让每张图片都正确曝光是如此困难,那么你就没有基本的技能来做出值得展示给任何人的最终打印。

我不是因您的要求而微笑,而是想起强加给我的所有学生作业而微笑。通常第一次遇到的是一盒印刷不良的样张,这些样张告诉我很少关于摄影师的尝试,所以我要求看一下联系表。有趣/悲哀的是,在一张36张的联系表上,我可能会看到12张图片,还有其他所有无法辨认的暗或亮的矩形。显然,我需要猜测原始图像。所以让我们再次强调这个事实:事实说明是最重要的,因为这是你第一次真正看到与现实相反的图片——你必须能够清楚地看到图片。没有“如果”和“但是”。

还应该强调的是,检查联系表不仅仅是为了挑选最好的图片....

对我来说,联系表有四个主要目的:

1)我拍了很多我称之为“亲爱的日记”的照片。这些图像没有预见的用处,我从来没有打算放大它们。但它们只是简单的视觉记录,是人们见面和参观过的地方的个人提醒。我也会拍摄一个路牌的画面,给我在同一卷胶卷上其他画面的位置。这比把信息写在笔记本上容易。摄影师最大的乐趣之一就是回顾十年前的联系方式。这些图像为我们打开了一扇门,让我们全面回忆起过去的快乐(和痛苦)。

2)联系表是一个很有价值的老师。现在的图像是静态的,世界上有所有的时间来做出选择。你的成败取决于你对自己的工作有多挑剔,取决于你从联系表的仔细分析中做出的决定。拍摄时对事件的情感投入现在已经成为过去。现在是时候对这一形象本身进行冷静、批判和客观的评价了。据推测,当一个摄影师按下按钮时,是因为他认为这张照片是值得的。这种情况很少。为什么?如果摄影师是自我批判的,他可以尝试分析期望与现实之间差距的原因。这是一个非常有效的学习过程。联系表揭示了我是如何思考的,以及我的直觉是如何有效地控制了主体的框架。如果我训练自己处理小尺寸的问题,它也能教会我揭露自己的错误,而不需要花钱去放大。

我可以通过问自己这样的问题来分析每一张图像:如果我向左或向右移动几英尺,图像会更好吗?我是否可以靠得更近或更远来改善画面;提前一秒或延迟一秒释放快门会产生什么结果呢?这样无情的自我检查通过一个联系表是最好的教学方法之一。

3)标记接触表可以隔离任何特定的张,以便能够更快地检索图像。它既方便又省钱。我使用不同的标记系统(不同颜色的铅笔)来识别照片的各种用途,无论是杂志,展览印刷或个人礼物。我也会在联系表上的一大块白色区域上写些东西,专门为这个目的遮罩,并给自己做些笔记。这些笔记不仅包括编号系统,以及事件、人物或地点的简短说明,而且还提醒我以后应该重新拍摄照片。

4)通过看其他摄影师的作品联系单,我可以了解他们的工作方式和思维过程。通过这种分析,我获得了对他们最终印痕的理解和尊重。令我惊讶的是,我可以看到他们的工作方法是如此相似——正如我们已经描述过的,小序列显示摄影师跟踪图像。

我想请你详述一下你对归档/评分系统的看法。显然,我们在这里谈论的不是绝对——其他摄影师也会有他们自己的、同样有效的方法。但我想,即使只是为了强调重要的原则,摄影师们也会对你的方法感到不满。

很好。任何文件归档系统的基本原则都是,你可以快速而有效地检索你需要的任何底片。正如我之前所说的,我用9 1/2×12英寸的纸张(英国的标准尺寸)制作联系表。我可以在一张8×10英寸的纸上打印所有36张。但是,额外的尺寸可以让我在相同尺寸的纸上接触120片胶片。在这两种情况下,在顶部都有一个很宽的空白,我可以在其中写下最小的标题,如日期、地点、事件描述。

但最重要的信息是一个编号系统,在我的例子中,组织是这样的:姓名首字母后面的前两个字母是我的姓(这在我的情况下是必要的,因为我的联系表将在Magnum的办公室存档,简单的首字母只能由另一个摄影师复制,随后会出现混乱);年份;工作或项目编号(例如001=家庭快照;002=威尔士矿工等);表示照片是否也是彩色拍摄的一封信;从我第一次到现在的联系表号码,例如#9999。当然,各个张已经在底片上编号了。

接触片储存在环形活页夹中;在分开的活页夹里,底片有相同的编号。所以如果有人想要第17号底片,拍摄于1990年的项目我没问题找到它。每个人都有一个稍微不同的编号系统,但其功能将保持不变:有效检索任何特定的图像,无论它是多久以前拍摄的。出于这个原因,是没有意义的拥有一个高效的编号系统,除非这个数字写在每个打印的扩大它的时候我喜欢不合尺寸的印刷纸联系表,允许一个标题,但是肯定没有足够的空间专业工作时的细节是必要的。

不,我需要一个单独的数据库来记录详细的字幕,包含尽可能多的必要信息,但这些也用同一个系统编号。直到最近,这些说明也保存在环活页夹,但现在他们在我的电脑。

然后,在每个事实表上都有多种颜色的标记…

是的,我用几支不同颜色的油笔在接触表上标记边框。只要我看到接触表,不管出于什么原因,我都会用白色标记感兴趣的图像。

然后,如果可能的话,我想把隐形眼镜搁置几周。这让我远离拍照时的情绪,这样我就能更好地冷静地看待照片。当我们看自己的照片时,我们常常记得事件的兴奋,这与我们对结果的冷静判断混淆。

不过,如果一张照片特别难拍,我们会证明:这么难拍的东西一定是值得的。出于这些原因,我喜欢向我尊敬的摄影师展示我的联系表。这个人对我的感受浑然不知,会割断记忆和幻想,只会看到真实存在的东西,就在画面本身。无论如何,我选择的图像是有用的一个特定项目标记为黄色。

在这些检查中,我遇到了一些“赠品”。“这些是我答应给实验对象的指纹。如果我答应了的话,我总是会把照片寄出去。事实上,这是一项必要的行动,原因有二。首先,不遵守诺言是不礼貌的。其次,如果你违背了承诺,下一个摄影师就很难从被摄对象那里获得合作。所以,告诉你真相:不,我不能给你寄指纹,或者是的,我会给你寄指纹。我用蓝色标记的“赠品”在以后的日子里,我将寻找将用于出版物和展览或将作为原始照片出售给收藏家的图像。这些最终的选择将用红色标记出来。

我敢肯定,很多摄影师现在都在考虑制作完美的接触印刷品、创建一个精心设计的文件系统、书写扩展的说明文字、配色所花费的时间。

编码接触图像——他们认为摄影师一直在那里拍摄照片!

也许所有这些听起来都很复杂和耗时,但是,相信我,快速检索任何负面信息所节省的时间,以及了解它是在什么时候、什么情况下被拿走的所节省的时间,远远超过了最初所涉及的工作。

再说一遍,说摄影师总是在拍照是一个误区。我估计我有四分之三的时间都花在了拍摄前的调研,阅读和思考项目,以及拍摄后分析联系表。

埃利奥特·厄维特(Elliott Erwitt)是我记得的摄影作品中大部分妙语的作者,他断言,他想不起哪个项目的拍摄时间超过5秒钟!

他是对的。5秒等于大量1/250秒的曝光。

我相信我们都认识一些人,他们随身带着相机四处游荡,自称是摄影师,他们不花时间准备,也不清楚思考,因此也就拍不了多少照片。摄影要求大量的工作之前和之后的实际拍摄说坏的摄影师,我常常听人说,他们的一个特点是,他们看起来af联系为了发现的最佳影片,而好的摄影师联系表检查每一张,问道:为什么这一个不是好照片吗?

我同意。一个好的摄影师总是追求完美的图像,知道这很少,如果可能的话,可能实现。因此,他/她的假设是,这个形象并不理想,那么问题就变成了:为什么不呢?这就是我所说的接触是一种学习经验。

我认为这一事实在很大程度上与糟糕的摄影师不愿向他人展示他们的联系方式或打印样张有关,但我从未在最好的摄影师中看到过这种不愿。事实上,事实似乎恰恰相反。我对摄影师隐藏他们的联系表感到困惑,好像他们是秘密的、私人的东西。我想更进一步。我已经知道自己喜欢哪些图片了,所以我宁愿给同事们看那些不好的。他们可能会发现我错误地忽略或拒绝的一个好形象。我不希望他们支持我自己的选择,而是帮助我发现新的形象、想法或方向。

是的,我认识的所有最好的摄影师都会分享他们的联系表和照片。他们彼此之间很少有秘密,并且会分享关于未来项目的想法和建议。在消极意义上几乎没有竞争,即使当两个摄影师报道同一事件。他们知道,如果他们是优秀的摄影师,他们会看到非常不同的图像;如果他们是糟糕的摄影师,那也没关系。

回到看联系表的问题上:我注意到,当你和摄影师一对一交谈时,你对他们的联系表和失败的照片比对他们最好的照片更感兴趣。

因为我想让其他摄影师看到我的怀疑。仅仅看到别人认为自己最好的照片并没有多大的乐趣。我不能完全参与这个过程,也不能以任何有意义的方式帮助那个人。作为影评人,我能提供的最好帮助是首先了解摄影师想要达到的目标。

我不想在联系表上结束这些评论而不重申,好的图片依赖于非常细微的细节。你说的制作完美的指纹,这样你就可以看到这些细节在每一张都拍得很好。但是,即使印得很好,图像仍然很小。如何检查联系表上的图像?

最初,我使用一个巨大的自动照明放大镜,它放在自己的支架上。我不是很强大,但是它让我可以同时看到几个相邻的图像,这样我就可以在序列中比较相似的张。然后我切换到高质量的高倍放大,以便看到单个图像中最小的细节。

然后,从所选的框架中制作样片。

是的。所有我喜欢的图像都是打印在8 × 10英寸的纸上。许多摄影师喜欢拍5× 7英寸的照片,但对我来说,较大的校样有几个优点。他们当钉在墙上容易评估(三个墙在我的办公室里都包含在软木为此)和轻微增加成本抵消这一事实我可以出售他们繁殖如果有必要,我厘米被我访问了多少伟大的摄影师有墙的打印过程中考虑它们,那些尚未完全接受到最佳影片类别。多萝西娅·兰格(Dorothea Lange)曾称这些人为她的“第二看客”。“黛安·阿勃丝把这些指纹钉满了她床对面的墙上,这样它们就会成为她晚上最后看到的东西和醒来后看到的第一件东西。

带着这些照片生活是很重要的,看看哪些照片能保存下来。但在创作一篇图片散文时,这一点更为重要,因为它是为了复制或展览,所以你可以一眼看到这些图片是如何相互配合或排列的。项目的进度变得可见。

至于图片短文的特殊要求,我们将在下一节讨论。

同时,许多读到这些文字的摄影师会注意到我们没有讨论加工和印刷——他们可能会得出结论,这些程序是不重要的。

当然它们很重要。一旦你给相机装上胶卷,你就会认为你想拍出技术上好的照片。但是有许多关于这些问题的好书正在出版。

所以,让我们花几分钟时间,集中讨论一下你认为的加工和印刷中最重要的方面,最终得到一张好照片的最简单方法就是从完美的底片开始,也就是正确的曝光、正确的显影和完美的清洁。如果你已经具备了这些特性,那么你将会获得机械的肯定(或可以)获得一个良好的打印。

制造底片是一个化学过程。你在这个过程中每一步做得越一致,你就越接近一致的结果。

假设初始曝光是正确的,那么链中的第一个环节就是显影剂。事实上,开发器的组成很重要。我付出了代价才发现,世界上的水源在化学成分上并不一定相同。我想这是有道理的。不同的国家、州和城市在供水中加入了不同的添加剂。这将在不同的地方产生不同的发展时间。

经验法则:如果你要在一个新地方待上一段时间,那就去做测试。

下一个环节是显影剂的温度。我发现很难找到两支读数相同的温度计,所以要用自己的。在我的例子中,我非常多疑,因为我有两个匹配的温度计,都是非常昂贵的,所以我在开始开发之前会检查彼此。我已经暗示,测试你的开发者混合物,使用温度计和给定的时间只要你现在保持定影液和固定器在大致相同的温度下你会得到一致的结果确定一切都十分干净,没有灰尘和总是过滤液体。我用双层咖啡过滤器。从那时起,一切都会变得更容易。

或者你也可以把所有曝光的胶片送到处理室,这是大多数像你这样的摄影师的标准做法。那你为什么还要坚持冲洗自己的胶卷呢?

当然,有可能找到一个能够处理上述所有问题的实验室。我想大多数专业人士都知道。就我个人而言,消极的一面是如此重要——我发现很难对它有一个清晰的认识,而我却很享受这种感觉,想要破坏它的想法让我难以忍受,尤其是当别人犯了错误的时候。我觉得我必须承担这个责任,所以我自己来做。然而,这是我一生中最无聊的时间。

然后给底片编号,确保你能再次找到它们!

有了底片,请记住,根据定义,它们将永远有历史用途,所以要确保它们持久。照顾好它们,并将它们存档,这些花费更多,但它们非常重要。当你有40000张底片,每一张都有6条底片时,你会发现把一张底片放回错误的地方和把它扔进废纸篓里是一样的。

我注意到你没有推荐任何特定的品牌或制造商的化学品。

去看看你所欣赏的摄影师的作品。看看你是否能立即注意到他们使用的胶卷/显影剂组合。如果你不能分辨出区别,那么你就证明了这并不重要。我可以很容易地提到五个我欣赏的摄影师,他们都使用了不同的组合。我不知道他们是怎么做出决定的。可能就像当地商店里的品牌一样简单。事实上,每个制造商都在研发上花了很多钱,所以他们确实花了很多钱

可能都是对的!你不会有问题,如果你开始的纸说明在盒子里,然后调整自己的怪癖和工作方式。

关于照片的制作还有什么最后的想法吗?

记住,在你的相机上有世界上最好的镜头,在你的扩音器上有一个二等品镜头是没有用的。设备和最坏的部件一样好。所有最好的印刷商似乎都能给出最好的建议。在那台扩音器下工作。总是在相同的时间,相同的温度下将纸张留在显影剂中。遗憾的是——因为它是浪费的——不要在同一个开发程序中处理太多的打印。它的寿命是惊人的短,以达到最高质量的印刷。如果我可以选择的话,我会让专家帮我打印。我当然会监督,直到印刷工知道我的怪癖为止。我坚信,那些在暗室里度过一生,并且真正喜欢这样的人,总是会比我做得更好,因为我几乎是在随随便便就印出来的。如果我必须打印(因为成本原因),我总是在暗室里待上一个月——通常是冬天——然后花第一周重新学习。

就像大多数事情一样,熟能生巧。凯利·柯克帕特里克(Kelly Kirkpatrick)打印了许多马克·克里特(Mark Klett)的底片,是我所知道的最好的打印机,她来威尔士探望了我一小段时间。她很慷慨地提出用一个项目的底片为我打印几张照片,这延长了我和马克在亚利桑那州度过的时间。尽管她是在一个陌生的暗室里工作,但她还是拍出了很棒的照片。令我沮丧的是,我无法与他们相比,即使我仔细观察了整个过程的每一个阶段。

图片的文章

记忆需要图像。

贝特朗·罗素·比尔

杰伊:到目前为止,我们强调的都是单幅照片,但是摄影中的大部分原型图像都是从多幅照片中提取出来的

它们是形象工程的内在和基本要素。我们往往会忘记这样一个事实,优秀的摄影师往往会在涉及许多照片的项目上工作,而不仅仅是在单一的杰作上。

大卫·赫恩:此外,我们往往会忘记,很多图片最初是在专业任务中拍摄的,选择的图片数量取决于图片的用途,比如杂志故事或委托展览。因此,在计划一个重大项目时,目标受众以及达到目标受众的方法是重要的因素。

摄影师不应该把照片放在床下的盒子里,成为唯一能看到它们的人。如果他们在相机里放了胶卷,那就意味着他们想把自己看到的东西记录下来,然后拿给别人看。摄影是一种交流。

一旦摄影师选择了一个能在相当长一段时间内保持他/她热情的项目主题,首先要回答的问题是:目的是什么?

是的。因为摄影师没有把它删减到最基本的部分,太多的项目都是为了威尔士而进行的。他们不会问:“我为什么要这样做?”我感兴趣的是什么?在哪里,如何使用它。“如果你花了七个星期的时间为你当地的报纸拍摄照片,如果它只会用一张照片,那是没有意义的。

太多的人把时间浪费在拍没用的照片上。如果它们不能使用,你就回到床下的指纹盒。如果我在一个住宅区拍一张照片,我发现最可怕的事情是这个地方是空的。我不会到处拍摄操场上或当地学校里的孩子。我把注意力集中在一张重要的图片上。

我遇到过很多摄影师,他们希望以纪实的方式工作,却不知道如何将一个故事整合到图片中。一个充满激情的社会关怀不会自动使你成为一个优秀的摄影师。

对于那些不知道如何将展览、专著或作品集放在《cn艺术/摄影杂志》上的批评家-摄影师来说,这是真的。同样的原则也适用。

第二个问题,一旦确定了项目的目的,需要多少张照片?大多数项目都可以被分成很多很多不同的图片标题,所以你必须决定最终目的所需的图片标题的数量。它可能只是一张图片,也可能是一本杂志的七张图片;一人展40张; 写一本重要的书,或者别的什么。

一旦你知道将完成文章的图像数量,你必须把你的主题或主题分成许多图片标题。把它们列出来,在每个标题旁边写上“全景/背景图”、“中距离/关系图”和“特写图”。 这些笔记作为拍摄脚本,提醒你最终的文章必须有节奏,也就是说,你可以通过改变镜头内的照片节奏来避免视觉上的无聊。显然,你不需要预先构思文章,但你必须在拍摄前了解文章的基本结构。我们的目的是让照片成为你对事件的记忆。

用一个简单的例子解释你的意思。

如果问参加过抗议游行或示威的人,他们对该事件的印象如何,他们可能会回答:“大约有6000人在那里,大多数人非常安静,很多人是中产阶级,很多是带孩子的妇女。”大多数人穿着得体。“当你看到他们的隐形眼镜时,你会发现在长达三个半小时的游行中,有五个穿着奇怪衣服的人,还有一场持续了三分钟的拳脚相向。这些照片与摄影师对事件的记忆无关。通常,摄影师寻找的是视觉冲击力强的照片,而不是真实发生的事情。

什么?一个借口是这就是报纸想要发表的东西。也许更准确的说法是,大多数摄影师没有能力如实记录事件。你选择简单的选择,视觉上的陈词滥调。

重要的一点是要进行计划,以便提供基本的基础工作,无论何时遇到困难,您都可以返回。 这并不意味着如果现实与您的先入为主,您就必须严格遵守每个图片标题。  

不,但是您通过对该主题进行详尽的研究来减少这种偏见。 这就是为什么在拍照阶段之前成为该主题的迷你专家很重要的另一个原因。 并不是所有的研究都是大脑的。 它包括视觉研究和经验研究。 例如,如果主题是重复发生的事件,则应首先在没有照相机的情况下访问它,或者至少计划不认真拍摄照片,而是对关键要素进行视觉印象。

例如,你决定为一个特定的俱乐部写一篇图片文章:你开始去俱乐部,坐下来,在那里度过一个晚上,观察,吸收,成为氛围的一部分。当你离开时,在笔记本上写下12个标题或完成这个项目需要多少图像。你可能会写下“孤独”(因为有些会员似乎一直都是一个人)或“交谈中的人”。或者“台球桌上的竞争”、“酗酒者”、“调情”,或者其他任何在你脑海中留下的印象。当然,这个名单在很大程度上取决于摄影师的个性。

这是你对这件事的记忆。

然后你回到俱乐部,试图拍摄那些标题。这意味着,如果有一个俱乐部的角落里有一个脱衣舞女,你不会花九周的时间拍摄脱衣舞女,一周的时间拍摄更难的标题。

你可以在第一天晚上拍摄全部12个标题。然后看看你的联系表,当你得到一张符合其中一个标题的照片时,你就把它划掉,然后不再拍照。然后你就把注意力集中在其他11个标题上。第一张照片几乎肯定是那个脱衣舞女,因为世界上最简单的事情就是拍某人脱衣服的样子。

几个晚上之后,你就可以完成所有简单的图片,然后就可以专注于同样重要,但更费力的项目方面。

你在第一次拜访后写下的清单告诉你,这些和脱衣舞娘一样重要。你第一次花更多的时间在难拍的照片上。当你完成了12个标题的列表,你就知道你完成了这个项目。你有storv。它必然会以个人的方式发挥作用,因为这是你记忆中的方式。这并不意味着你不能从你选择的12个、6个或20个标题中分支出来。如果在角落里发生了什么令人兴奋的事情,这不在名单上,你当然会拍照。但这确实意味着,每次你陷入困境时,你都有一个框架可以回去,最重要的是,这确实意味着你知道什么时候你完成了故事。

使用这种方法,您无需花费五周的时间就拼命地拍摄照片,以使故事变得有意义。 你并不会因为80%的一个情况,20%的覆盖等十几家同样重要发生的事情结束了。

下一步是将图像分散开来,或者在你的例子中,将它们钉在墙上,看看在集合中是否有足够的视觉变化。

是的。你可能从同样的距离拍了太多的照片。所以你要从这组照片中选择最好的一张,然后用特写或长镜头或任何方式重新拍摄较弱的一张,以给最后一组增添一种节奏感。

所以你现在已经完成了一篇文章,有最终结果所要求的图像数量,这些图像涵盖了关键元素的镜头,具有视觉多样性和准确性反映你对事件或主题的记忆。最后一点很重要,因为它重申了诚实的理念。你已经从主观角度尽可能公正地反映了主题。

我最好的照片是这样写的:“这就是我记忆中这个地方的样子。”他们很少能达到这个目标。你的照片很难与你的记忆相匹配。但我同意这就是摄影的意义所在。“如果”似乎很重要,但由于某种原因却很少被讨论。但是,不要让我们留给摄影师这样的想法:这种计划一篇文章的方法或记忆的重要性只适用于新闻工作。它们同样适用于所有类型的摄影。如你所知,我自己的兴趣是为我在旅行中遇到的摄影师拍照。这些不是为任何出版物或展览准备的,但文章的规划基础、节奏意识,以及最重要的是,记忆感是必不可少的成分。当然,当我浏览联系表时,我更感兴趣的是那些最能唤起个人的语言、声调和个性的图像,而不是最好的图像。

我并不期望年轻的摄影师能拍出世界上最好的照片。我确实期望他们有令人兴奋的想法,深思熟虑,他们知道如何完成并将其整合成一篇连贯的文章。先学会把最基本的事情做好,然后再考虑用不同的方式做事的其他好主意。不要以不能做到的简单方式来掩饰,假装你不屑于做这些事情。

这是很重要的,去完成这篇文章,试着让它出版或展出,并意识到它在以后的日子里会有历史用途。然后继续做下一组图片,从刚刚完成的图片的错误和失败中学习,正如你已经强调的那样,这是最有效的学习过程。这就引出了一个同样重要但很少被讨论的问题:摄影是一种质量和质量同样重要的媒介。我想说的是,你不可能通过渴望成为一名摄影师,或者学习有关摄影的一切知识来成为一名摄影师。摄影师产生照片。还有很多。

像其他技能一样,摄影是通过不断的、专注的练习来学习的。

这是真的。但实践必须有指导。换句话说,它不是一个学习的过程,徘徊在拍摄电影的框架,纯粹的乐趣拍摄照片。

你可以通过集中精力学习某一科目,计划实际拍摄,并严格评估结果来学习。这也是焦点。我仍然想说明一点,对主题的热情导致了大量的曝光张。现在我要讲一个关于你的轶事。

你刚到亚利桑那州待一年,我带你去了当地的摄影中心。

你问他有没有买x品牌的胶片。因为不知道你是谁,他说:“是的,先生。柜台上有一个胶卷。你说:“好吧,我要1000个!”委婉地说,他吃了一惊。现在我知道了一个事实,因为那时你和我住在一起,每一张照片都是在一年内曝光的。这相当于平均每天100张,每周7天。所以不要告诉我数量不重要。

不,我不会。但数量本身并不重要;它必须以我所描述的方式集中于特定的主题。此外,我担心的是设定“你应该拍摄多少张”的目标。没有规则。很明显,如果你使用的是中画幅或大画幅相机,你拍的照片会少得多。

在某种程度上,你的数量还取决于主题的类型,甚至你自己的个性。当然,一个极端的例子是加里·维诺格兰德,他是一个强迫症摄影师,在他死后留下了3000个曝光但尚未冲洗的胶卷,但即使在这混乱的表面之下也有一个结构。我在维诺格兰德死前在威尼斯海滩和他住过几晚。我们一起沿着海滨去打猎。他一如既往地使用配备了28毫米镜头的徕卡相机,并像机关枪一样拍摄。喝咖啡时,他谈到了有人邀请他写一本书的计划。我问他要拍什么。他说他会从他的文件中提取一些东西,因为他总是同时做很多项目——他认为他可能在机场有足够的时间,因为他在机场花了很多时间。当我发现一个我们被告知是如此无组织的人的工作方法中有如此多的结构时,我非常着迷。但也许摄影师会以一种更开放的方式与他们信任的其他摄影师交谈?

作为一般指南,我猜想对于一篇七张图片的论文,我会拍摄20至30盒36格曝光的35mm胶卷。 每100张照片可能会出现一张具有展览品质的图像。为了它的价值。

现在回到害羞的话题……我们已经强调过,摄影师必须对拍摄对象保持持续的好奇心。对于害羞的摄影师来说,如果他/她好奇的对象恰好是复杂的植物形式,这一点也不成问题。然而,如果害羞的人对他人,尤其是陌生人的生活特别好奇,那么一个大问题似乎已经得到了解决。

这个问题出现的频率远远超过其他人的猜测。然而,害羞的人对别人的生活感到好奇是有道理的,因为他们总是意识到自己的恐惧,渴望通过接触陌生人来克服这种恐惧。当恐惧阻止他们时,他们对自己的害羞更加敏感。

我相信相机是关于解决方案,而不是问题。相机可以让我与陌生人互动,因为它提供了两种服务:一是它提供了一个盾牌,一些需要隐藏的东西。

这样,当我透过取景器看时,我是在和一个图像互动,而不是真实的人;第二,它为处于那种情况提供了一个借口,如果有人走近我问:“你在干什么?”

例如,如果我纯粹出于好奇而去参加交际舞比赛,但没有相机,毫无疑问我会感到不舒服。我不知道发生了什么:我不认识那里的任何人。我害怕有人会靠近我,无意中无视我的害羞,问我在做什么。很有可能我的反应会是力不从心,一种格格不入、与世隔绝的感觉,所以我可能会变得有戒心,然后离开,心想:“这一切多么愚蠢啊。”但我实际上承认的是我对陌生人有一种不可理喻的恐惧。这一切都随着我手中的相机而改变它给了我一件隐形斗篷和一个入侵他人生活的借口。“我是一名摄影师”就像芝麻开门一样,向那些我本不想去的地方和人敞开心扉。当然,在现实中,你很快就会通过经验发现,如果你真的对正在发生的事情感兴趣,那么人们就会变得非常友好。克服害羞最简单的方法之一就是当一名摄影师。

我们作为人类,往往会对日常经验之外的事情嗤之以鼻。我猜这是古老的部落法则:我们氏族以外的人,如果行为不同,就是敌人。我的直觉是,报告文学摄影师变得非常忠诚——甚至是人文主义的——因为他们与不同兴趣、文化、社会背景和政治观点的人有着广泛的经历。摄影上的熟悉并不会滋生轻蔑,但宽容并不一定要以摄影为基础。我觉得你不用相机也能理解到这个程度。这取决于你的个性。仅仅是你参加了一项不同的活动或生活方式,表现出真正的不带评判的好奇心,带着同情倾听——即使你清楚地表明你自己的观点不会被动摇——那么我猜你很快就会发现参与者是一个迷人的群体。然而,我的羞怯使我无法参与其中——相机就是我的通行证。这也是我(为我自己)澄清正在发生的事情的方式。最后,这是一种将这种新发现的经验传递给其他人的方式,我怀疑很多很多报告摄影记者都是害羞的性格类型。这将是一个有趣的研究项目,去发现害羞摄影师在害羞人群中所占的比例是否高于普通人。我能想到很多资金雄厚的项目,但却没有那么有深度!顺便说一下,有一本非常有趣的书叫做害羞的摄影师....

从没听说过。

没关系,这是一部小说,与我们的讨论无关。但在我看来,重要的是,我早年就被摄影所吸引,尽管有同行的压力要我进入摄影行业一个更能被社会接受的摄影师,因为我遇到的那些摄影师。

作为一个群体,他们在我看来是最有趣的——值得效仿的人类类型;好奇,宽容,自我激励,兴趣广泛。我想:如果摄影能产生这样的人,那它一定是一个很重要的领域,很有潜力。

我没有失望。

相机,鞋子和其他必需品

总有一天,我们会用我们的工具,我们的智慧,我们的知识,我们的目标和我们的力量赶上我们的大脑。

最后我们都表现得像人一样。

威尔·杜兰特

比尔·杰伊:在20世纪60年代,当摄影师们讨论小白和他的同党时,经常引用一种禅宗的说法。它是这样的:第一次相遇的时候,一块石头只是一块石头;再进一步考察,岩石不是岩石;在完全理解的情况下,石头还是石头。我可能低估了一个我自己也不明白的深刻想法,但这句话让我想起了摄影师和照相机。刚起步的摄影师们痴迷于设备,但也有一个阶段,他们否认相机有任何意义。然而,最好的摄影师似乎又花了很多时间谈论相机。

大卫·赫恩:当然。有合适的装备是很重要的,而且要与你自己的个性相匹配。用锤子插入螺丝是可能的,但用螺丝刀,最好是动力驱动,工作效率更高!

一个处于中间阶段的摄影师——对相机不屑一顾,往往会觉得这样谈论设备会给人一种他/她不那么有艺术性的印象:“艺术家不会谈论颜料或画笔。”事实上,他们有。就在最近,我无意中听到两位受人尊敬的水彩画画家在热烈讨论纯白水彩画与合成画笔的区别,这很有道理。音乐家讨论工具;作者们讨论文字处理器,我敢肯定他们曾经讨论过鹅毛笔的类型;雕刻师讨论凿子的品牌和焊接方法;等等。如果你渴望做任何可能做到的事情,那么工具,仪器,或者在我们的情况下,相机,必须贡献,或至少不干扰,最终的产品。

我知道你的主要相机是,而且一直都是快速、轻便、谨慎的35mm相机,但后来你也开始使用4×5英寸的视角相机和特别调整的中画幅相机。决定设备选择的因素有哪些?

我选择合适的工具来完成这项工作。在音乐中,不同的乐器被引入,并因其独特的特点而得到改进。所以有相机。举个简单的极端例子:35mm格式允许轻便,可操作的相机,但这是一个小缺点,随之而来的技术缺陷。三脚架上的视角相机是静态的,但它产生了一个很大的负片。不管你怎么努力,你永远也无法产生4 × 5英寸负片的色调范围、清晰度和纯粹的图像平滑度,比如用35mm相机。像许多摄影师一样,花这么多时间和精力,试图从35mm底片上挤出大画幅的质量,似乎是愚蠢的。另一方面,试图用一个视角相机来掩盖一个快速展开的事件,就像自虐一样。相反,仅仅因为它更轻、携带更方便,就用35毫米相机来拍摄一切,这完全是懒惰。遗憾的是,几乎每个摄影专业的学生都在课程开始时买了一个35mm单反相机,以为这可以解决他们可能遇到的所有问题。虽然它是一种万能的工具,但它不太可能是每个人的理想选择。我希望他们在花这么多钱买一个可能与他们自己的个性和题材不兼容的相机之前能得到建议。当然,我不愿意说他们浪费了钱,应该再买一台更合适的相机。

理想情况下,正如你所说,每个摄影师都会列出他们有强烈好奇心的拍摄对象,然后分析应该如何拍摄这些对象,记住每个人的个性,然后选择理想的拍摄工具。在实践中,这不会导致一系列不同的相机和格式。性格并不是那么灵活多变。在很大程度上,性格将决定某些学科和工作方式的选择。我的建议是在相当长的一段时间内坚持使用一种相机和格式,只要你完全熟悉它,你就不需要有意识地考虑它的控制。

你的情况当然是这样。你用了35毫米相机40年,才发现有必要学习如何在黑暗的环境中安装胶片!

我扩大我的设备有两个原因。就像我说的,性格不会改变很多,但是摄影师的身体不会配合。它变得更老。

不幸的是,这一事实导致了活动的放缓,导致了不那么剧烈的活动,也许是在行动之前多考虑一下的愿望。我相信衰老的细节对每个人来说都是不同的,但总的模式肯定是减少身体活动,不管思维有多活跃。

你不会看到很多50多岁的战地摄影师。在我的情况下,疯狂的四处乱窜是无法持续到同样的程度,我需要安静些,温和些的活动。我确信这是我如此喜欢使用大画幅相机的原因之一。

然而,使用新格式的主要原因是我一直在计划的一个主要项目的需求,这个项目现在正在进行中。

我打断你是因为我想解释这个拍摄项目,然后请你评论每一节,特别参考使用的相机格式。我想不出还有哪个大型展览会如此依赖于设备的选择,如此依赖于明显不同的图像组……

我要打断你一下,因为我宁愿马先来,车先来。这些图片分类一经分析,就决定了特定的设备选择....

公平的评论。回到这个巨大的项目…从我认识你开始,你就一直在威尔士摄影。随着时间的推移,你开始把它视为一个主要的展览,有三个不同的部分。你向威尔士国家博物馆提出了一个建议,这个机构对你的计划印象深刻,因此决定在1999年将这个展览作为其千年庆典的中心。告诉我们每个部分背后的想法展览的想法是为我自己澄清“什么是文化?”换句话说,就是威尔士文化。威尔士是一个非常小的国家,在那里拍照有一些缺点——当我在国外旅行时,我告诉人们我在拍摄威尔士时,他们经常严肃地回答说:“也有海豚吗?”-但也有相当大的优势。我知道每条路,在每一个区域都有联络人。

如您所述,我将项目分为三个部分:

1)生活方式

2)过去和现在

3)肖像。

生活方式……

文化这个词总是会引起两极分化的观点。我想用这一节来澄清和解释这个词。在我看来,一个国家的文化很大程度上源于它的工作基础。如果这是真的,那么威尔士正在经历一场比我所知的任何其他国家都更突然和暴力的文化变革。直到最近,威尔士的劳动力主要从事重工业——煤炭和钢铁——这已经不再是事实了。例如,几年前,威尔士有100多家煤矿;今天就有一个。新的工作基地在高科技实验室、遗产公园和旅游业等清洁产业。因此,本节分为两部分。重工业和无菌实验室的威尔士。因为我已经完成了第一部分,所以第二部分应该兼容,以便更准确地展示过去和现在的对比。所有这些照片都是用35mm相机拍摄的。它们在本质上是报告文学。

当时和现在…

这一段将展示过去100年威尔士地形的变化。为了实现这一目标,我决定从威尔士国家图书馆挑选100张维多利亚时代的历史景观蛋白照片,并在今天从完全相同的地点重新拍摄每一幅景观。我的感觉是,通过对比原始场景和现在的场景,就可以获得关于过去和现在独特而复杂的视角。在这种情况下,我想复制原始的工作方法,尽可能多地使用现代材料,使用大画幅相机似乎是合适的。

这让我花了很多时间检查磨砂玻璃屏幕上的图像,并确保视点是完全正确的。我以前从未使用过景观相机,但我一直很欣赏风景学家马克·克利特(Mark Klett)的作品。所以,我花了一两个星期的时间和他在一起,学习他为了达到他的目标所做的一切。除了是一个出色的摄影师,他是一个顶级的技术人员,有一个狂热的特点——细节。所以我知道,如果我复制他的方法,没有达到相同的最终质量,那么我没有任何借口,这一定是我的错。

一般来说,在三脚架上的大画幅相机是无与伦比的精细细节和无与伦比的色调范围,但它需要一个沉思的心态。这对我来说非常有用,因为缓慢的操作迫使我像19世纪的工人一样思考,我开始理解他们为什么选择了某种特定的观点。

画像……

这部分是威尔士天气的结果,你可以在一天内经历四个季节!试图为当时和现在的风景复制场景的精确灯光是一项毫无希望的任务。我能做的最好的事情就是在一年的同一时间拍摄,然后等待很长时间,直到光线足够。在这些乏味的等待中,我突然想到,我可以利用这段时间拍摄一系列肖像,有点像奥古斯特·桑德(August Sander)收集的本世纪头几十年的德国原型。

我喜欢这个想法,为典型的威尔士人和新威尔士人,即最近的移民,拍摄相当正式的肖像。

这部分我决定需要一个相机,足够坚固扔在车的后面,这些当时和现在旅行,产生最好的质量在哪儿使用三脚架,但这是更快的设置和使用上比查看相机路过的人。这让我想到了24英寸的中画幅方形相机。我很尊重一位英国摄影师马丁·帕尔(Martin Parr)的观点,他建议我用禄来(Rolleiflex),一种双镜头反射相机。在大量的询问之后,我知道我想要一个1962年以后的F/3.5平面镜头的相机,我最终找到了一个。问题是由于我的眼镜和磨砂玻璃屏幕上非常模糊的图像,我无法调焦相机。另一位摄影师朋友杰克·泰特前来救援。他建议在禄来的机身上安装一个哈苏棱镜取景器,这解决了两个问题,即屏幕非常明亮,并结合了一个可变屈光度镜头来补偿不同的视光问题。所以只要一点毅力,就能创造出满足这种特殊需求的理想工具。

但是这些相机的选择都是例外——是为非常特殊的需要而选择的——而你绝大多数的照片都是用35mm格式拍摄的。

只是因为它是最适合我感兴趣的图片类型和我自己的个性的工具。我喜欢拍摄人们,他们通常不知道我的存在,我需要保持谨慎,作为一个事件的观察者,而不是参与者。微型相机的设计是快速行动,它的小尺寸允许我参与。这正是我喜欢的工作方式。其他摄影师有他们自己的方法。爱德华·韦斯顿(Edward Weston)用一台8×10英寸的相机,花了几个小时用一种我无法接受的技术拍摄了一张照片,但他的照片非常棒。我不能容忍摄影学派对主题说:站在那里,盯着相机,但然后保罗斯特兰德确实这样做了,并产生了有意义的,美丽的照片。

每个摄影师都应该分析他/她的需求——包括摄影的和个人的——并列出最适合他们的相机的特性。对我来说,最重要的要求是一个非常安静的快门,其他所有的控制或功能都是次要的考虑。

当涉及到品牌名称时,你没有品牌偏见?

在某种程度上。在很小的程度上。比较最受尊敬的摄影师的观点是很有趣的。虽然在相机或镜头的选择上很少有一致的选择,但他们在坚固性、可靠性、在不寻常的环境下易于使用等方面都有实践经验。但是,不,特定的制造商或型号并不那么重要。每个制造商都在镜头的研发和电脑设计上投入了数百万美元,这意味着大多数品牌都将表现出色,产生清晰的图像。如果你想指名道姓……在我的大部分摄影生涯中,我都使用徕卡相机,因为它们的可靠性和光学质量,但更重要的是它们的快门非常安静。我也喜欢测距型相机的直接取景器。

我感觉好像我是在直接看着被摄物,而不是像单镜头反射那样看着磨砂玻璃屏幕上的图像。

不幸的是,随着年龄的增长和需要眼镜的时候,我看不到Leica取景器内的完整镜架,因此我改用单反相机。 实际上,我在佳能产品线中使用最便宜的业余型号只是出于一个原因:它是运行中最安静的型号。 即使在这台相机上,我当然也不需要所有的风吹草动。 它只有一个缺点,就是其使用说明书中的“注意事项!”说:“此相机不防水,不宜在雪天或雨天在户外使用”,这可能会带来一个问题,因为威尔士是一个臭名昭著的多雨国家 。 因此,当我在潮湿天气拍摄时,我会带第二个人,这是顶级专业模特。

我还记得我们一起出去拍照的时候,你会把一台徕卡相机挎在肩上,上面再套上一件夹克。相机可以不滑掉,完全隐藏在视野之外,但它可以滑出拍摄一系列快速的照片,然后在拍摄对象知道你在拍摄之前就隐藏起来了。

与笨重的单反相机相比,扁平的徕卡相机确实允许更大程度的隐藏。在实践中,更加可见的单反似乎没有那么多就像我想的那样。也许是因为相机在我拍摄的大多数事件中无处不在....

比相机的选择更重要的是你使用它的轻松和流畅。坐在咖啡馆里观察其他顾客是一种很好的锻炼方式。想象一下,你的眼睛可以脱离身体,在太空中漂浮。

在一个完美的世界里,你会把这只眼睛放在空间的哪个位置来获得理想的形状排列?然后在运动的流动凝结成完美画面的那一刻眨眼。这是很好的训练,可以在很多情况下练习。但你很快就会发现,如果你真的用相机对着你的脸拍摄这些照片,那么观察的力量就会减弱,而那些细微的细节,微小的时刻就会变得更难观察。取景器挡住了视线。

你可以克服这个问题,在某种程度上,通过经验,通过拍摄大量的照片。你学习如何判断镜头的准确视野,这样你就会本能地移动到与被摄对象的正确距离,你学习如何在没有意识的情况下操作相机的控制。摄影中的所有技术决定都应该是轻率的,以至于拍摄的行为仅仅集中在取景器中的图像上,这需要大量的练习……

当然可以。您不会去听音乐会,并期望钢琴家寻找正确的音符!

在演奏前已经有了大量的练习,所以弹奏正确的音符是本能的。相信我,这是一个很多,更多的困难比设置相机的控制可以学习所有你需要知道的关于摄影的技术方面三天,但让本能的需要不断地练习,你是在正确的位置,在正确的时机、正确的曝光和关注,没有考虑设备或技术。

我们的摄影师。一个人必须问自己的问题是,我是否在尽可能好地翻译我在视觉上看到的东西?换句话说,为了能够沟通,沟通者必须了解他的技巧,包括技术和组织。这些都是帮助他清晰沟通的机制。一个摄影师对他想表达的东西如此笨拙地工作,以致于他无法把它说出来,不管他多么真诚,他充其量也不过是个学徒;最坏的情况,恐怕是一个骗局。人们总是在呼唤新事物。一些人抱怨同样的老话题。他们将答案视为一种新的风格或设备的改变:更大的闪光灯,更快的马达。历史告诉我们,视觉上的简单才是持久的,而简单的东西似乎总是易于执行。我说“似乎”是因为我确信表面上的轻松是所有事情中最难实现的,这让我想起约瑟夫·寇德卡(Josef Koudelka)在我的小屋周围拍照时说过的话。

无法理解他看到的是什么,因为这些图像似乎与他已知的作品没有任何联系。他说:“我每天都要拍三盒电影,即使没有“摄影”是为了让眼睛在练习中保持清醒。“这是有道理的。虽然实际的比赛只是偶尔发生,但运动员每天都得劳神。

我们谈论的是一种特殊的承诺水平。大多数摄影师都没有。这很好。他们仍然可以享受狩猎和抓拍照片的刺激,这是一种有益的、令人满意的爱好。我包括准专业人士。但是摄影和其他职业并没有什么不同。为了在非常高的水平上运作,它需要奉献的努力,坚韧和时间我们都知道我称之为谈话关心的摄影师,他们总是“参与”工作在一个无法定义的,从未完成的项目和谁产生的图片没有明确的目的,“我想做它,”灵感的灵感阶段必须与艰苦,理性的工作和发展的灵感。后者靠的是艰苦的工作。我们很多人都会在半夜醒来,突然灵光一闪,想到要写什么书。但是灵感和最终成果之间的区别在于,用陀思妥耶夫斯基的话来说:需要大量的努力,大量的纪律,大量的训练,大量的手指练习,大量的放弃初稿。

当我在拍摄格雷厄姆·格林的时候,我已经提到过他,他每天早上写东西,然后下午就把它扔掉。他没有写作的目的,只是“练习”。顺便说一句,他还说,直到出版商给他一个书名,他才开始写小说!我不知道他是不是在开玩笑。

他是一个幽默的人。尽管如此,我还是相信。

所以比尔·勃兰特(Bill Brandt)曾对我说,除非是在执行任务,否则他从不拿起相机。我花了很长很长时间才明白他的意思。

这是一种有清晰定义的拍摄目的的想法,而不是走在街上,带着“这就是摄影师的工作”的模糊想法。

我们正在远离摄影师的工具。

不是真的。一个摄影师可能不只是走在街上,但他/她确实走了很多路,带着一个目的,所以除了相机最重要的装备是一双好鞋。作家可以在酒店房间里做很多工作,但摄影师必须在那里,所以他/她要经历大量的徒步旅行。

这是一个最重要的考虑因素。鞋子必须坚固,耐用,适合所有地形和天气,舒适,可以走一整天没有不适,但足够聪明,可以搭配一双适合一个时髦的事件以及通过泥泞的环境。

当摄影师们聚在一起的时候,我猜鞋子的比较是一个不可避免的话题!

服装也是如此,如果你像我一样,需要在各种场合保持低调,这一点尤其正确。我可能一次要旅行三个月,所以我非常仔细地考虑要带什么,为了最小的重量和最大的实用性。我需要一次长途旅行的所有东西都能装进飞机座位下面的随身行李里,我所有的设备都必须装进一个相机包里。这两个包我一直随身携带。这个手提袋不是我的摄影包,只是用来运输设备的。服装袋是一种可转换的包,可以像手提箱一样随身携带,也可以在拉链上作为背包。

现在我知道该打包什么了。我穿一套西装,带另一套。接下来的技巧是打包一些分层宽松的衣服,天气冷的时候可以加一些,天气热的时候可以减一些。第一件衣服是一件由一种新型人造纤维制成的汗衫,它能吸干体内的水分和汗液。如果位置特别热,背心可以单独使用。我带着两件这样的背心和另外两件类似但更重的材料。

然后我加了五件衬衫,各种袜子和内衣,所有这些,包括西服,都可以在两个小时内手洗或机洗。西服的选择很重要。它们必须轻便,但又暖和,而且要足够聪明,适合在鸡尾酒会上穿。牛仔裤舒适而粗犷,但对于某些场合来说太随意了。他们不仅会让你引人注目,而且在别人穿晚礼服时表现得如此随意是非常粗鲁的。因此,我总是至少带一件白衬衫和一条领带。穿得稍微多一点总比穿得太邋遢好。

我重申:这不是一个微不足道的问题。这是一个专业,你有多真诚的工作以及你所能做的另一个衡量专业精神在这个和其他字段是知道谁联系特定的信息和帮助,尤其是当离家大多数摄影师,尤其是那些喜欢旅行,收集的名字,地址和电话号码的缤纷。这些都是联系方式,是摄影师最珍贵的财产之一。地址簿的问题是它太笨重,而且容易磨损、丢失或被盗。我的答案是电子记事本。买一个可以让你有RAM卡备份的。在我多疑的时候,我总是带着两张卡片——一张放在钱包里,另一张放在酒店房间或任何我想要的地方。此外,在我离开家之前,我把数据下载到我的苹果电脑里。皮带、支架和一根绳子的真实案例!如果记事本被盗或丢失了,你就必须买一个新的,但插进内存卡,看到所有不可替代的信息涌回来,这种宽慰是值得的。警告一句:技术发展如此之快,无法保证长期兼容。最后的组织者拥有它让我有了六年的好处。当它最终被偷时,新型号不接受我的备用卡。

另一件我认为旅行时必不可少的东西是一台小型短波收音机。市场上有好几台这种收音机,可以收听世界各地的广播,尤其是英国广播公司的国际广播。

说到非照相设备,我想问你一个关于笔记的问题。我还以为,你有诵读困难症,迷你卡式录音机应该是相机包里必不可少的东西。

摄影师从经验中学到的一个艰难的教训是,几乎所有的照片都需要配图说明。事实上,像玛格南这样的图片库不会将照片放入文件中,如果照片的背面没有“是什么原因”的基本说明。即使是大多数展览也会因为有了这些信息而得到更好的服务。而且,正如你所说的,旅行中收集和存储信息最明显的方法就是小型录音机。然而,我必须承认,尽管我有几套用于这个目的,但没有一套用于实践。我不能肯定原因。我发现他们有些吓人的地方。

我的解决办法是把细节记在小笔记本里,插在皮套上,这是我从你那里学来的。我的建议是,不管你用什么方法,当场写笔记,或者一有时间就写。我和我认识的所有人都发现,在以后的日子里回忆起准确的细节是不可能的。

所以让我们来看看另一种遏制方式理想的摄像包不可避免的问题。我自己的想法是,这个袋子应该是用一些类似弹性的材料做的,这种材料会随着新设备的增加而不断膨胀,随着设备的取出而收缩到极小的尺寸。据我所知,它还没有被发现,但我多么希望……现实情况是,摄影师们会尝试使用不同的包,根据项目的需要,他们可能会拥有几个包。但探索仍在继续。我用两个相同型号的小照相机包,每个肩膀上都有一个。很多摄影师背不好的主要原因不是因为太重,而是因为另一个肩膀背东西时,另一个肩膀紧张。为了减轻这种压力,每只肩膀上都背一个包,以平衡压力。只要有可能,我就会用两个包,效果很好。塞巴斯蒂奥·萨尔加多出于同样的原因使用了两个包——但在他的情况下,这些包都是手工制作的漂亮皮革!

你想要/需要不引人注目,但你在报告文学摄影师中非常与众不同,你不炫耀摄影师独特的时尚宣言,多口袋背心。

正因为如此:我尽量不让别人一眼就认出我是一名摄影师。我确信这件背心非常实用,你需要很多口袋来装配饰,也没有必要融入你要拍摄的人群中,比如新闻,自然或风景,等等。对于我这种谨慎的人物形象来说,最不需要的就是在我的脖子上挂一个大牌子,上面写着:“我是一名摄影师。”同样的原因,我不使用米老鼠面具形状的相机,也不戴滑稽的帽子。尽管我认为在某些情况下,即使是这些也会融合在一起……

在这个时尚热点上,我们将暂停一下,让我引用巨蟒剧团(Monty Python)的不朽名言:“现在来看看完全不同的东西……

摄影的未来

事情变得越来越快,越来越奇怪,这几乎是令人欣慰的想法,某种精彩时刻将到来,一个新的秩序将爆发,突然之间,一切都将不同。

威廉·吉布森

比尔·杰伊:我们经常对彼此说,你和我,在越来越多的场合,在我们的各种旅行和职业遭遇中,我们被问到:纪录片(报告文学)摄影的未来是什么?

大卫·赫恩:提出这些问题的人似乎可以分为两类:一类是对哲学和语言学感兴趣的学者,另一类是质疑这类摄影的“真实价值”的学者;以及那些对科学进步感兴趣的人,以及对数字化操作的方便性感兴趣的人,以及这将对照片的使用或滥用产生的影响。我认为纪实摄影的未来与道德问题直接相关。

我想回到真相和电子图像的问题上,但首先,告诉我们你所说的摄影道德是什么意思,作为这些后续问题的基础。

道德的意思无非是做一件无私的、有益的、善良的、体面的事,并且怀着合理的期望去做,这样我们就不会为我们所做的事感到后悔。意思是我们在拍摄时保护拍摄对象。这意味着我们不会为了增加被发表的机会而撒谎或滥用它。这意味着我们不会为了在画廊或艺术界获得地位而撒谎或滥用它。现在,如果我们生活在反其道而行之、逃避现实的模式和道德回避盛行的国家,这种道德上的正直尤其难以维持。在没有妥协的情况下,我们必须试图以某种方式展示我们的灵感和我们的表现。这使得它对我们的观众来说是可信的和生动的。不仅是智力上的信息,还有情感上的感受。但光有诚意是不够的。拍照的人很少是视觉的。他们看不见。它们会记录——但那不是看到。很难看出这里的问题是摄影师之间一个基本的即兴对话:那些断言中打开无尽的操作以满足需求的创造性的艺术家,和那些认为相机的独特能力展示什么东西看起来是最好的探索与直接,直技术,它是生命的通量变化的在镜头面前,这是每个摄影师独特的生活,不断带来新的视觉的挑战。

我们生活在一个比以往任何时候都变化得更快的世界。要在一个不断变化的世界里成为一名摄影师,我们必须适应变化,并能够在面对新的事实时适应我们的观点。我们不能被根深蒂固的偏见所蒙蔽。我们必须愿意探索生活的许多方面,并跟随潮流带我们去任何地方。摄影反映真实的生活和生活的变化,人们忘记了不断重复的问题,不断地需要提醒。引用作者约翰·加德纳的话来说:“就文学而言,文学是讲述新故事的方式,几个世纪以来文学已经枯竭,但就文学而言,文学讲述原型故事是为了再次理解它们的真相——将它们的智慧翻译给下一代。

只有当我们所有人出于愚蠢的傲慢而放弃文学时,它才会枯竭。”

摄影也是如此。

在你看来,报告文学摄影的未来不是依赖于语言学或技术,而是依赖于某些个人的即时需要——他们可能是摄影师——去面对他们生活中的新真理,并且愉快地面对它们。

是的。这些人对于被认同为愿意为生活在一个体面的——我敢说——一个诚实的世界里的权利而奋斗没有恐惧或羞耻。未来取决于积极参与的人们的个人知识完整性。它不依赖被动分析或边缘群体。如果人们希望故意撒谎和扭曲,那是他们有意识的选择。报告文学摄影的未来在于摄影师,在于出版、展览和收藏摄影作品的人。他们可以做出选择。

我相信,在一个每个人的观点都很重要的社会里,摄影在最好的时候有一种独特的指导能力;帮助在智力和情感上清楚地做出选择;揭露虚假、虚伪、愚蠢,让人们走到一起,打破偏见和无知的障碍,展示值得追求的理想。我们应该相信我们媒介的独特性。如果我们真的对我们的研究对象感到好奇、着迷或深深地感兴趣,那么我们就不会去干涉、控制、改变和改进。我们尊重这一事件,我们不希望影响或改变它。在某种程度上,我们知道摄影并不完美,在某种程度上,我们有可能做到不打扰、不要求、不希望、不改进,在这种程度上,这种主观活动达到了一种特定的客观性。

如果我们现实地意识到这种爱、这种参与会带来某种盲目,我觉得它也会产生某种真理。

我喜欢这些短语,“某种真理”,“某种特殊的客观性”。它们暗示着不知道哪些是有价值的。我的一位老师是哲学家、诗人、艺术家米歇尔·布托(Michel Butor),他曾经告诉我,福尔斯就像一张照片,里面有成千上万种不同的色调,从黑到白,包括两个极端,都是充分揭示真理的必要条件。但是,当然,在这个时代,大多数人坚持真理是黑的,或白的,并否认整体的美。当我听到我的同事在学术环境中定义诸如真理、隐僻和意义之类的词时,我经常想起布特尔的话。

整个摄影界现在都在定义事物。没有太多的照片被拍摄。

再次引用罗伯特·亚当斯的话:“哲学很容易放弃经验的细节……许多作家和画家已经证明,长期思考艺术是什么或应该是什么会破坏写作或绘画的能力。“我认为对摄影师来说是这样的。

如果我不小心,我想我/我们现在可能会在真理这个词上遇到麻烦。语言学游戏可以永远进行下去。人们经常引用维特根斯坦的话,暗示真理并不存在,但经过检验,他似乎在说:“存在的某些形式的真理在哲学上是无法表达的。”

也许我会被视为一个反学术的人,但我不是。令人反感的是,学术上似乎完全由邋遢的学者主导。他们摧毁了那些可能喜欢打听别人事情的年轻人的潜力。无论如何,以我的经验,摄影学者不知道他们在说什么,即使它是相关的。当我与一所大学的哲学系的系主任讨论我的挫折时,她说她所认识的摄影专业的大多数学者甚至不能通过面试成为一名严格的哲学课程的初学者!

让我们迅速承认,世界上最好的摄影师并不反对谈话或想法……

不,事实上。我最近在伦敦度过了一个难忘的夜晚。事情始于周日晚上的一个电话。一位摄影师朋友第二天晚上要到伦敦去。我们约好见面。打雪仗。我很快地打了两个电话,这样她就会惊讶地发现又有两个朋友。周一下午,我坐火车从威尔士赶来,期待着能和我似乎很少见面的同事共进一顿丰盛的晚餐。抵达后,更让人高兴的是,另外三个人也在城里。小道消息起作用了。一个图片编辑和一个编辑加入了我们,那时我们已经认识九年了。晚餐时,我们聊了三个小时的摄影。而不是学者或关注学术的摄影师使用的语言——这是一种很少使用的词汇和充满细微差别的语言,似乎只有非摄影师才会有深邃的思考。不,我们谈论的是我们感兴趣的话题,以及我们各自处理问题的方式。

我们谈到了与无家可归者生活在一起的惩罚。和饥饿的人一起行军时的生存。以及为费城的化装游行所做的准备。关于孤独的概念。教皇的访问以及与周边国家政治局势的联系。威尔士国家歌剧院的合唱队,以及站在离42位歌手4英尺远的地方齐声演唱的影响。什么是文化。甚至还有人谈论图片编辑的问题——令人惊讶的是,有时是我们的朋友。我们谈论各种杂志,谈论它们如何能帮助我们,我们也谈论它们。是否有资格举办一次展览,甚至是一本书。本质上。我们讨论了如何在现实世界中进行沟通,避免过多歪曲我们的观点。

我顺便提了一个问题,“纪实摄影的未来是什么?”我感觉到他们对这个问题的理解很轻松。它们没有假定负面含义。他们没有想到语言陷阱。如果有问题的话,他认为问题在于如何处理太多的想法,以及如何澄清这些想法——没有足够的时间去做自己想做的事——以及变老的个人问题(主要是背不好)。

啊,背又坏了!在我的整个职业生涯中,我一直在等待着能读到一本提到摄影职业中最常见、最常被谈论的危险的书,而现在它终于发生了,“坏背”出现的书是我们的,多么令人满意!为了给读者以启发,我顺便提一下,大卫每次来我这里时,都睡在地板上薄薄的泡沫橡胶垫上,枕着特别设计的颈枕。

从低费赫到高费赫,让我们进入未来的另一个方面:电子图像。我想讨论的两个领域是现有图像向电子展览的转移,操作的便捷性,以及您对数字化新图像的反应。

你是在让我预测未来。这本书中的建议是基于我一生的经验,而且,从定义上说,我对未来没有经验。但我同意天文学家兼未来学家阿瑟·C·克拉克(Arthur C. Clarke)的说法:“未来不再是过去的样子。”变化正在以如此快的速度发生,无论我们讨论这个话题,你可以肯定会有新的问题,新的机会-和新的问题-到这本书需要新版本的时候。

没错,但是一些影响我们这个领域未来发展的因素已经存在,比如电子展览的展示网站。据估计,到2005年,互联网将有1000亿页。地球上每个男人、女人和孩子都有16次机会。

摄影师们已经在利用这项技术来展示他们的照片。似乎每个学生都被鼓励和教导,在他们有任何有价值的东西可以放在上面之前,如何制作自己的网站。

当然,这对各个层次的摄影师来说都是一个新的机会,可以接触到更广泛的受众。

也许对于一些……但我对这些网站能否实现普通摄影师快速获得广泛好评的梦想持怀疑态度。

像塞巴斯蒂昂·萨尔加多和安妮·利博维茨这样的知名摄影师,他们的网站非常专业,因此也很贵,而且他们的网站会吸引大量的访客。塞尔加多网站上线后的前六周平均每周点击量为10万次。利博维茨的网站更受欢迎。

但这些都是名人,他们的照片在展览、书籍或网站上都很受欢迎。

相比之下,普通的摄影师,没有一个著名的名字,已经建立了他或她自己的网站,不太可能比一个挂在当地画廊的照片展览获得更多的访客。这并不多。这些构思拙劣、设计拙劣的业余网站充斥着数以十亿计的其他网站,它们不太可能被偶然发现,而且除了朋友和熟人之外,很少有人会用一个不知名的摄影师的名字来搜索网站。因此,该网站将在广阔的网络海洋的一个微小的死水中凋零,无人访问。

对于一般的摄影师来说,本土网站并不能奇迹般的解决如何获得更广泛的受众的问题。

让我们试着根据您所说的,得出一些关于网络展览的结论。一个对网络感兴趣的摄影师应该:

a)在策划展览之前记住网络的内在特征。电脑屏幕不是原始印刷品,其相对较差的清晰度排除了需要高清晰度和微妙色调的图像。

b)与你能找到或负担得起的最好的网页设计师合作。顶尖摄影师与非常专业的摄影师合作。这使得你的网站的高标准变得更加重要。

c)投资一个专业的服务,定期确保你的网站更新和链接到主要的搜索引擎。如果没有人发现,创建一个网站就没有意义了。

d)专业。如果你的图片与其他网站有明显的不同,它就更有可能被访问。

最后一点非常重要。不幸的是,对于以自我为导向的人来说,你的名字,即使附上“艺术家/摄影师”,也不会吸引访问者访问你的网站。也不是像“风景”、“肖像”或“旅行”这样的通用类别。对于这些话题,潜在买家或观众更有可能直接去大型图片库。你的话题越具体越不寻常越好。你的图像更有可能在精确的主题下找到,比如铅笔、辣椒或潮汐池。这些不是建议,只是例子!

再次,这就是为什么咨询一个网站专业人士是如此重要,他知道如何为你的形象品牌搜索引擎,通过潜在的访问者将发现你的形象。

对于那些对网上个人展览感兴趣的摄影师来说,这些都是很好的建议,他们希望有人会想办法获得一幅原创作品,以便在展览上复制。但是,如果实际的数字图像是用于营销和出版的,情况就会更加复杂。

在这种情况下,个人与图库机构(如Corbis和Getty Images)直接竞争,这两家公司在网上拥有超过100万张图片。这些机构购买了大量的档案、博物馆收藏、新闻服务以及数千名摄影师的毕生作品。仅盖蒂图像公司在过去几年中就在电子基础设施、扫描和关键字上投入了超过3000万美元。

这些在线图片的大多数扫描尺寸似乎都在50兆比特左右。这些网站是由非常有经验的专业人士运营的,他们中的许多人是从受人尊敬的印刷代理公司雇佣的。很难看出平均摄影师的网站可以在竞争领域,考虑到巨大的成本参与建立网站, 扫描在非常高的决议,维护网站和它的不断更新,特别是考比斯和盖蒂图片社费用相对较少使用的图像。

我认为重要的一点是,每一种形式的展示——报纸、杂志、书、展览,以及每一种媒介的变化都有其内在的要求。

现在,我们必须将具有自身需求的网页添加到该列表中。但是,到目前为止,摄影师还没有分析这些需求的本质。我们有太多的网页显示,只是分散的单一图像,没有目的,想法,链接主题,或凝聚力。

在我看来,这并不是最好的方式来利用这种全新的展示方式,但你并不是在暗示网络展览的特殊要求超出了摄影的能力范围,或者仅仅因为现在的展览不令人满意就不能成功……

不客气。确实。我想进一步说,“特殊需求”可以帮助我们定义一个成功的电子展览的构成要素。

这些限制或弱点可以让你了解自己的长处。摄影师总是擅长在狭窄的内裤或控制方向不仅摄影师:18世纪的精彩的故事有一个国王,乔治二世,他委托一位作曲家在以下条件下产生管弦乐套件:它必须持续孤独作为一艘船花了泰晤士河从汉普顿宫前往温莎城堡:音乐家的数量是有限的船的能力;音乐的声音一定要大到河岸上的人都能听到,等等。这是一份非常紧凑的简报。事实上,在一次排练时,船沉了,这首曲子不得不为更少的音乐家重写。结果就是乔治·弗里德里克·韩德尔的《水之音乐》。这在今天仍然很流行。

英国优秀的电影《乔治三世的疯狂》来到美国时,由于担心人们误以为他们错过了第一个和第二个乔治,发行商不得不省略了影片。那只不过是一种轻浮的表现,表明我们有幽默感!回到这个问题....

过去有许多画家,他们的赞助人,不管是教堂还是王子,不仅决定了作品的内容,而且还决定了作品应该出现的确切位置,通常是墙壁或天花板的一个形状笨拙的区域,然后决定了合同的长度。有一个现代神话的创造性艺术家的天才,只有当允许充分的自由,从所有的施工。事实上,情况似乎恰恰相反:一个紧凑的简短的渠道,否则自由流动的人才到集中的努力。

我现在想的是农场安全管理局...我有多少次听到这样一个荒谬的想法:摄影师们在美国各地游荡,做他们自己的事情。实际上,罗伊·斯特赖克为摄影师提供了一本“官方教科书”,一本非常特别的《斯克里奥特》(shootina scriot)在社会学、政治学、人口学等方面,作者罗素·史密斯(J.Russell Smith)介绍了他们将要访问的美国,他/她确保每位摄影师在被派往该领域之前成为指定主题的小型专家。

卡尔·迈丹斯,一个被忽视的摄影师。他讲述了一个格雷特的故事,关于这种需要的准备和研究。他被史崔克指派到南方深处去写一个关于棉花的故事。当他离开办公室的时候。史崔克漫不经心地对他说:“我想你对棉花有所了解吧。”

迈丹斯说:“不。”史崔克让他放下相机包,然后他调到他的秘书那里:“取消汽车的预定。”迈丹斯后来回忆道:“我们都订了(弗农,然后在辛纳,安娜过夜,第二天早上离开的时候,我对棉花有所了解。”

我想我们已经指出,摄影师、画家、作家和所有有创造力的人,在一系列严格的条件下工作时,无论是自己申请的还是别人提供的,往往都能创作出最好的作品。我想摄影史上有很多例子可以证实这个观点。

这一原则不仅适用于项目的制作过程,也适用于项目的演示过程。

通常需要一段时间来学习表达方法的特殊特点。这并不是一个可以随意翻阅菲奥格拉菲德画展历史的地方,只是要指出,典型的19世纪画展通常包含数千幅图像,没有任何选择过程,以各种不同的尺寸和框架,挤在一起,直到天花板的最高角落,所有与植绒活套,燃气配件。窗户、窗帘和家具。那些不适合挂在墙上的照片被堆在一张中央桌子上。1890年代,摄影展示开始在隔离度,间距和设计方面得到一些考虑,在这里,我们有了起初的清晰,无干扰的墙面和一致的展示方式。 花了很长时间开发和完善了照相师的展览需求。 类似的长版印刷过程使期刊上的图画论文发展起来,其特点是壁展,杂志布局,图画书,原始印刷作品集等的特殊性,区别。可以说,每种具有自己的内部逻辑和强项(或弱项)的表示方法都必须发展为自己的特殊有效形式。 还有一些会出现在电子展览中。

今天,我们需要有识之士为这种新形式的展览写下参与规则。这是一个令人兴奋的挑战。我的猜测是,摄影师和网络专家将首先进行协作,并确定摘要的参数,然后图像制作者将使用摘要来创建专门针对电子画廊的有效展览。

现在,我们应该简短地谈谈用数码相机以电子方式产生的图像。几年前,数码相机被认为是昂贵的玩具。如今,随着成本的急剧下降,相机的分辨率不断提高,选择范围不断扩大(据我的最新统计,市场上有60多种型号),显然数码相机已成为胶片的可行替代品,尤其是对于数码相机。市场分析人士估计,到2005年,使用的数码相机将比胶卷照相机更多。

毫无疑问,数码相机正在取代胶卷相机。但是,有一些蠕虫病毒正在萌芽,破坏了我对新技术的胃口。

对于业余爱好者来说,这仅意味着用某种目录存储设备(例如光盘)上未经目录化,多尘的机器打印将替换为未经目录化的图像。

尽管节省了空间,但是图像不再可访问,因此变化不大。而且,随着存储系统和软件的快速变化,谁知道磁盘或其他任何东西是否可以在十年或两年内打开并查看。

对于认真的摄影师来说,问题也是存储的问题之一。除去不断变化的存储技术和过时的软件所带来的现实问题,更大的问题是效率之一。为了以数字方式存储相当于35毫米胶片和联系表的图像,摄影师需要以50兆字节以上的分辨率扫描36张图像-每部胶片为1800兆字节。积极活跃的摄影师每个月都会为一台好的计算机装满硬盘。当然,存储方法将改变并变得更加方便。我只是指出目前的负片/接触片系统的效率。

并想想,直到1981年,微软首席执行官比尔·盖茨(Bill Gates)曾说:“对于任何人来说,640K的记忆都是应该的!”但是请直言不讳:数字光电子器件会警告说它们确实不需要保存每张图片,因为这些相机的优点是可以在相机内编辑图像,并且仅保存最佳图像。对于某些类型的摄影师而言,这也许是正确的。但是对于纪录片/新闻摄影师来说,这种即时编辑提出了一个关于历史记录的严重问题。

谁删除不想要的图像?在什么基础上删除?

摄影师通常不是最好的图片编辑,图片编辑会根据故事的不同保留/丢弃哪些图像。摄影师和图片编辑者都不注意图像在相机中时的历史记录。经验表明,在五十个月的时间里,不同的编辑通常是最有用的。因此,针对存储问题的按需编辑解决方案并不是真正的编辑,而是对潜在有价值工作的系统破坏。底片/接触片仍然是存储所有图像的最有效方法;它允许某种形式的图像验证,因为你可以看到所选图片之前和之后拍了什么,这揭示了背景,现实的一个重要方面。而且,这种“编辑-拍摄”的方式肯定会改变摄影师的工作态度。

用胶片相机,你无法看到相机在拍摄的瞬间所捕捉到的东西。因此,摄影师必须在事件展开的过程中不断拍摄。

使用数码相机,拍摄完将查看屏幕,看图像是否足够。与此同时,事件可能已经无可挽回地发生了变化。一旦摄影师能立即检查拍摄的照片,如果照片是合理的,他/她很有可能会停止拍摄。因此,相机给摄影师强加了一种不同的、效率较低的工作方式。

有趣的是,如此多的数码相机正以其主要的销售吸引力推向市场,以至于业余爱好者能够,也因此会,在存储图像之前操作图像。与此同时,严肃的摄影师正热情地拥抱数字处理图像,并发展了一个全新的艺术领域。

目前,篡改过的数字图像似乎是一些弱摄影师的无聊把戏。但是,数码摄影师技术娴熟、熟练掌握电脑控制的时代很快就会到来,电脑将仅仅是创造梦幻般的(两种意义上的)图像的工具。我在等待马克·夏加尔的电子图像出现。那将是一种欣赏和欣赏具有持久价值的电子图像的乐趣,尽管我个人对你花了毕生精力试图掌握的一种特定的摄影技术丝毫不感兴趣。照相光谱中有许多波段。因为你恰好处于一种特别强烈的状态中,这并不会使任何其他状态失效。

不。但我担心的是,如果这个词不过分的话,就像你说的,条纹的模糊或重叠。也就是说,一幅图像声称是对现实的真实再现,但在这幅图像中却发生了操纵。当然,摄影在其历史中充满了被篡改的现实。现在唯一的不同是,这种操作更容易实现,而且几乎无法检测到。

然而,在通过PS来改变色调值和将物体向左移动几英寸以获得更好画面的新能力之间似乎有一条非常细微的分界线。

我相信许多报告文学摄影师会利用这个新工具来重新排列图像。他们将能够实现尤金·史密斯付出的很多很多。

在暗室里待上几个小时——或者更长时间,在他的情况下,重新排列相机前面的元素。我只是断言,在图像被制作出来之后,这种通过数字控制的易于操作,对我来说,会降低在现实生活中试图捕捉完美图像的满足感。对一些人来说,这似乎是受虐狂,但正是这种努力的困难才会产生满足感。

还记得我们听过的佩德罗·迈耶的讲座吗他说了一句话,为我澄清了这个问题。他说,“完美的图像在现实中很难找到,但现在我有了纠正摄影问题的工具。”

记住你的愤怒!当我们结束讲座的时候,你很生气,因为捕捉精彩的图像是一项有意义的挑战。但我觉得你一定是被激怒了因为这些被篡改过的图片伪装成真实的文件被强加给公众而他们根本不知道其中的区别。

你说得对,但我想澄清一下我的话。一个摄影师承认他没有能力解决所有历史上的摄影师都曾解决过的问题——而且是成功的——这不是我该评论的。让我感到沮丧的是,这位摄影师正在给一群主要是学生的观众做公开演讲,似乎在暗示,当面对一个问题时,采取简单的解决方案。正是这种处理和解决困难的意愿使亚历克斯·韦伯、吉尔·佩尔斯、李·弗里德兰德和其他人成为伟大的摄影师。如果一张弗里德兰德式的照片的各个部件都放在一台机器里,那它的意义何在?如果这些摄影师在未来决定在电脑上操作图像,我的猜测是他们会解决一个新的问题,而不是用它作为一个简单的解决旧问题。

当公众在把照片作为家庭记录存储之前,兴高采烈地修改、改进、修改照片时,我们就有了一个全新的局面。公众不会认为他们周围的照片——报纸、杂志、广告、广告牌,甚至电视——是真实的。这样就可以推定他们被操纵了。

我同意我们正在进入一个有趣的新时代,人们对真理的心态将基于文艺复兴前的象征、魔法和仪式的观念。但这是另一个话题了。

回到当下:过渡时期,似乎从照片作为证据照片作为谎言,已经开始其不可避免的通过文化渗透, 最伟大的困惑的时候我根本不相信这个问题是从来不会那么有问题你说的和写各种文章例如,文字总是相同的模棱两可。词语可以通过无数种方式进行调整、篡改、重组和倾斜。谁能分辨出任何陈述是否正确?要回答我自己的问题,一种方法是看看这些词的来源。我们信任这个作者吗?另一个是相信环境。如果你读了耸人听闻的小报上的一篇文章,你不会期待真相,全部真相或什么都没有。

但事实,你希望从琐事中获得乐趣。另一方面,如果你在《柳叶刀》、《自然》或《新英格兰医学杂志》上读到一篇文章,你会认为它是准确的。因此,有一个商业或市场分类/筛选过程正在进行中。

我认为摄影也是如此;在某些情况下我们会比其他情况更信任这是我不同意的地方;照片是一种特殊的符号,它不像一篇文字;通过文化上的认同,我们赋予照片以一种机器般的与真理的关系,这种关系远远超过了其他任何交流方式;摄影的真实性并不依赖于知道是谁创造了图像;我的直觉是,还有更多的灰色地带,照片可能比小报/科学的二重性更真实,也可能不真实。但这本书的重点是你,所以我将把这些争论留到另一个时间和地点。

无论未来如何,我知道一个事实:对我和像我这样的摄影师来说,这是一个现在就能解决的简单问题。几十年来,我们一直在我们脚印的背面贴上警告,不要裁剪图像。这工作。对于一本杂志来说,忽视这一要求是非常罕见的。以同样的方式,我可以在我的印刷品上盖章:这张图像不能以任何方式进行处理,包括电子处理。大多数可能发表我的照片的杂志都会尊重我的意愿。

在采用半色调复制工艺之前,期刊上经常刊登木刻照片,标题是:“由…当然,这样做的目的是为了保证场面的准确性和真实性。如果要强调照片的真实性,看看今天的杂志上是否会有这样的标题:“来自一张未经处理的照片。”

我希望他们会,至少在过渡时期,当大多数期刊将转向数字插图时,这是否会减少未处理图像的市场?

是的,但那对我有好处!当几乎所有的杂志都改变了颜色时,黑白摄影师们担心他们的作品将会有更少的发泄渠道。

这是真的。但是,尽管出版黑白作品的杂志越来越少了,仍然有更少的黑白摄影师。结果,海洋变成了池塘,而黑白摄影师们却成了大鱼!

当亨利·卡蒂埃·布列松坚持使用莱卡的自然光时,同样的情况发生了。他并没有被这种坚持排挤出这个领域,而是突然间受到了巨大的需求,因为他的工作不同于一群带着大底片相机、巨大闪光灯和大量装备的摄影师。

我认为这将会发生在电子插画的新时代。我们这些制作黑白直纤维印花的人将会有一个较小的市场,但会有很少的人去服务它。

而原画无疑会因其稀有性而获得价值。

当数码相机/电子图像变得无处不在,那么老式的银印将有一个增值,目前还没有。随着收藏家、画廊和博物馆对我的照片的需求不断增长,我正在制作25张左右的银质纸张消失前最受欢迎的照片,这将是我的退休收入。因此,坚持我所知道的/做的最好的,并期待着数字人群的加速,对我有很多好处!

摄影的一些误区

理解才是真正的满足。

这是唯一不伴随悔恨的快乐。

苏格拉底

在这一节中,我们要谈几个问题,这些问题似乎使许多摄影记者感到困惑,我们已经谈了很多年了。在前面的章节中已经提到了其中的一些神话,但它们在当时并没有被探索,可能是因为他们与所提出的观点无关。所有这些谬论都值得更详细的讨论,但我们希望我们的共同评论将有助于与朋友和同事展开讨论和辩论。这部分不是以谈话的形式写的,是我们共同写的。

误区一:

摄影师是自己作品最好的编辑。

不。有一种说法是,最好的摄影师只有那些有洞察力和能力的人才能从自己的作品中挑选出最好的照片来出版或展览。

之所以会产生这种误解,是因为摄影师常常过于接近拍摄对象,将照片中可能不存在的情感投入到拍摄内容中,并认为为了“忠于自己”,他/她对作品有一种特殊的洞察力。但是,最好的图片编辑/挑选者是那些在评判自己(或他人)的作品时能够脱离情感的人,他们能够冷静地、用冷静的逻辑来评估图片的价值。

一些最高级别的摄影师能够做到这种超脱;大多数不是。事实上,许多最好的图片编辑根本不是摄影师。

这个神话的一个有教育意义的例子是尤金·史密斯的职业生涯,他从《生活》杂志辞职,成为一个传奇人物,因为他不能完全控制图片的选择。

摄影师们称赞史密斯的行为是在面对庸俗企业时表现出艺术完整性的一个例子。不幸的是,事实是,史密斯所有最伟大和最著名的作品都是由生活职员编辑的。当他有机会编辑自己的作品时,结果是灾难性的,他在匹兹堡的文章就是一个缩影。他在一年内(1955年)拍摄了11000多张底片,印刷了7000张样张,并挑选了2000张图片。唯一愿意使用这一结果的出版物是1958年的《流行摄影年鉴》。它在34页中使用了88张图片。伴随着这些画面的是史密斯自己辛苦而痛苦的散文。即使按史密斯的条件,整个计划也是失败的。

尤金·史密斯经常抱怨他缺乏艺术控制力,所以我们觉得在我们的杂志专辑里给他加16页封面会很有趣。他被告知,他的选择和他们的布局将遵循没有丝毫偏差。结果太糟糕了,我们不得不发表一份免责声明,告诉读者图片和布局都是由史密斯独家制作的。毫无疑问,史密斯是一位出色的摄影师,但却是一位差劲的编辑。

同样,作家是增强一个关系密切的一个好编辑,所以一个摄影师的见解可以受益于摄影师的好图片编辑。

我们的建议是:找到一个你可以信任的编辑,一个人能以可能的最高水平的专业工作。这并不意味着你必须盲目地接受并听从这个人的建议;它确实暗示着,这个编辑可能会让你对自己的工作有一个清晰的见解,这是你无法靠自己实现的。最优秀的摄影师通常会非常谦逊地向他们相信的同事寻求建议。

误区二:

摄影师是他们自己最好的工作人员和设计师。

同样的原则也适用。一个优秀的摄影师很难做到同样优秀。

作家或设计师。这两个领域都有大量的人,他们花了数年的艰苦工作来掌握他们的手艺的细微差别。如果认为摄影师不用投入同样多的时间和精力也能做得一样好,那就太傲慢了。难道一旦摄影师进入这个领域,作家或设计师的技能就突然变得无关紧要了吗?几乎没有。只要把情况颠倒过来,你就会明白它的荒谬性。如果一个优秀的作家或一个成功的设计师拿起相机,立即宣称自己是一个伟大的摄影师,我们会被冒犯!

大卫:如果我要在自己写书和和格雷厄姆·格林这样的人合作之间做出选择,那么坚持要我自己写书是可笑的。

比尔:许多摄影师在解释他们的方法和意图时都写得很好(参见内森·里昂编辑的《摄影上的摄影师》),但这还比不上摄影随笔的优秀。菲利普·琼斯·格里菲思在他的经典著作中写得很好。但大多数摄影师的照片都是通过与杰出的作家合作而得到增强的。此类有效合作的例子包括:费伊·戈德温/约翰·福尔斯;罗斯孟德·珀塞尔/史蒂芬·杰伊·古尔德:保罗·斯特兰德/巴兹尔·戴维森:克里斯·基利普/欧恩·伯杰;比尔·勃兰特/劳伦斯·德雷尔等。

我们对准备杂志文章、书籍或展览的摄影师的建议是:与你能找到的最好的作家和设计师合作。

误区三:

摄影师是优秀的打印机。

我们都看过许多展览,甚至是一些著名的摄影师,在这些展览中,放大的画法达不到最高的工艺标准。通常的理由是“但这都是我自己的作品”,这听起来更像是道歉。

事实是,印刷是一个需要大量时间的高技能职业(和热情)要精通。一些摄影师对精细的印刷很感兴趣,并投入了大量的精力使自己在这方面变得非常熟练。大多数没有。事实上,一个专业的打印机,与摄影师合作,并对他/她的需求敏感,很可能产生一个更好的结果。如果你认为一个摄影师可以把照片放大到和专业打印机一样的标准,而专业打印机整天什么都不做,这是很荒谬的。

如果有什么安慰的话,大多数顶级摄影师都会使用知名的打印机进行最终打印。

Picto是位于巴黎的实验室,打印了罗伯特·弗兰克,安德烈·柯特兹,约瑟夫·寇德卡,亨利·卡蒂埃·布列松的底片。

那群摄影师还不错!他们所理解的是,这幅图像的优点只取决于这一链条中最薄弱的一环。掌握了所有其他的环节,只有在最后一个环节上踌躇不前,这几乎没有任何意义。

大多数摄影师,尤其是那些希望在新兴的艺术市场上出售自己的原创作品的摄影师,如果能接受这样一种想法,即专业的打印机打印出来的照片要比像摄影师那样半心半意的兼职的打印机打印出来的照片好得多。照片家早就明白这一点了。大多数蚀刻工、雕版工、平版工,以及那些以飞尘腐蚀照片、照相凹版、珂罗版或其他印刷技术为媒介的人,在艺术家的监督下,雇用印刷大师来制作最终版本。

公平地说,一些艺术摄影师认为,当艺术家在显影剂中处理纸张时,就会产生某种特殊的魔力、精神共鸣或特殊的人格转移。在某些情况下,摄影师断言某种本质或光环可以从同一底片传递到某些印刷品上,而不是从另一些印刷品上,其结果是前者的价格要高出数千美元。在我们努力不去评判这些艺术家的时候,我们只会注意到这种神秘主义等同于胡扯。

误区四:

商业是腐败的,艺术是纯洁的。

一种奇特的观念在艺术家摄影家中盛行,认为某些种类的钱缺乏价值。这种错误的假设会导致一些奇怪的讽刺和奇怪的后果。例如,如果付钱给摄影师的机构是一家杂志,那么他/她就会把工作做得不那么好或不那么真诚;如果付钱给摄影师的机构是一家艺术机构,那么他/她就会以优点和正直来做这份工作。这个场景有几个问题。

认为专业人士是商业黑客,而艺术家是自由和独立的形象。

创造者几乎抹杀了整个摄影史。几乎没有例外,过去那些伟大的摄影师(他们的照片为当代艺术家所崇敬)都是专业摄影师,他们的主要目标是靠出售他们的作品谋生。

真诚不是艺术家的特权。理查德·埃夫登(Richard Avedon)是一位伟大的摄影师,很大程度上是因为他关心时尚,痴迷于拍摄过程中的每一个微小细节。

艺术家们可以从这种对细节的关注中学到很多东西。事实上,埃夫登赚了很多钱是无关紧要的,第一次遇到的想法,看似公正的艺术机构将提供赠款和奖学金给摄影师,这可能暗示,这种赚钱的途径比商业方法更少腐败。我们两人的经验都表明,艺术界比专业领域要腐败得多——主观性、裙带关系、对共同利益的依赖、对认识的人的依赖。

认为艺术是没有妥协的,这是一种极其虚伪的观点。这里有一个简单的测试。一家艺术机构提供了一笔巨款,用于拍摄加州圣安德烈亚斯断层上正在修建的企业和住宅。令人惊讶的是,有多少摄影师突然对这个主题有了热情,以前从来不会考虑它!

底线是,除非你有私人收入,否则你必须靠摄影赚钱。饿死或者没有足够的钱去买更多的胶卷来拍更多的照片都没有什么好处。

比尔:当我做图片编辑的时候,没有一次杂志发表署名摄影师的文章,如果一个不知名的人发表的文章对杂志更好(因为它对我们的读者更有兴趣)。我看不出这是一个比艺术资助更腐败的系统,艺术资助往往是给那些有正确伙伴关系的人。由于我一直从事学术研究,我很少看到以诚实、专业的评价作为选择任何奖学金或奖励的标准。

大卫:绝大多数摄影工作是由自由摄影师完成的。根据我的经验,如果你写出了高质量的作品,它最终就会被出版。

然而,我相信制作高质量作品的部分过程是理解你必须向公众传达不会让他们感到无聊的信息。我经常建议摄影师问自己:“如果我是一个图片编辑/策展人,我会出版/展览这些照片吗?”令人惊讶的是,如果一个人是诚实的,你怎么很少能得出“是”的答案。“关键是要找到你想做的项目,同时要有机会适应各种杂志的编辑政策,或者制作一个视觉上吸引人的展览。”我自己经常做的不是思考我想做的一件事,而是思考五六件事。在开始研究它们之后,我就开始根据许多标准来决定哪一个是我做得最好的,其中之一可能是“它是否有销售的可能性,即公众是否感兴趣?”

我们的建议是谨慎地选择你的项目,使用我们之前讨论过的分析,并意识到如果几篇文章对你有同样的兴趣,那么做一篇吸引别人的文章是没有妥协的。这适用于艺术专业光谱两端的所有摄影风格。我们都知道有些摄影师不能拍照,因为他们没有得到任务或预期的资助。这通常意味着他们对项目一开始就缺乏足够的热情。答案是继续这个项目,确定,是的,它可以保持你的兴趣,然后找到任何方法来支持继续拍摄。

误区五:

摄影是关于天赋和本能。

这两个词,“天赋”和“本能”,都让二流的人感到欣慰。他们暗示说,有些人天生就有摄影的天赋(!),不需要计划或思考,因为这些摄影师会神秘地感知到一张照片,因此,他们制作的一切都是有价值的。这种态度在学术艺术的空气稀薄的温室里尤其普遍。是时候认清现实了。

没有人是天生的摄影师。这是荒谬的。有些人可能天生就有一些遗传特征,这些特征对以后成为一名摄影师很有帮助。在这些特征中,身体健康、视觉敏锐度,最重要的是,对世界充满好奇心,这些都是人们想要的特征。一个人可以选择很多方式将他/她的好奇心传递给他人。摄影就是其中之一。这是艰苦的工作开始的时候。

审视一下那些在音乐、戏剧、舞蹈、雕塑等任何艺术领域都真正出类拔萃的人的生活,他们都有一个共同的特征:全身心投入自己所选择的学科的能力。他们每天都这样做。没有借口。例如,舞蹈家如果没有多年的每天锻炼,即使是在最低水平的比赛中也无法竞争;钢琴家在休息了9个月后也不能在音乐会上表演;演员在莎士比亚戏剧中扮演角色不是因为他们觉得自己应该这样。那么,摄影师为什么要期待没有类似奉献的个人展览或出版物呢?难道摄影的标准如此之低,以至于不费多少力气就能取得成功吗?当然不是。

事实上,最高水平的摄影师一直致力于持续和专注的实践。强烈的专一和自我激励是必不可少的。在前排找到兼职摄影师是非常非常罕见的。这将导致一个令人不安的结论。

摄影师在媒体中谋生的两种途径是教师或专业人员。艺术家的媒介几乎总是在学术界结束。很少有人能成为最高水平的摄影师。他们明智地创建了一个内部共享展览场所和出版物的系统,在这个系统中,他们只与彼此竞争,而不是与媒体中最好的摄影师竞争。这就是为什么纪实摄影在所谓的学术赞助的艺术场所中处于如此低的水平。有些艺术家的确因为得到学院/大学的赞助而茁壮成长。但这些都是例外,而不是规律。

因此,过去和现在最出色的摄影师(无论是报告文学摄影师还是艺术家摄影师)都是专业人士,这并非巧合。 沃克·埃文斯(Walker Evans)的案子具有启发性,因为无论以哪种媒介,他都被称为20世纪美国最伟大的艺术家之一。 仔细观察,几乎他的所有主要照片都是为《财富》和《调查》杂志以及《农场安全管理局》拍摄的。 其他以职业为生的著名摄影艺术家包括魏格(Weegee),乔尔·莫维维茨(Joel Meverwitz),罗伯特·弗兰克(Robert Frank),加里·威诺格兰德(Garry Winogrand),杜安·米哈尔斯(Duane Michals),尤金·理查兹(Eugene Richards),伯克·乌兹尔(Burk Uzzle),埃利奥特·厄维特(Elliott Erwitt),杰夫·拉伯森(Jeff lacobson)和黛安·阿布斯(Diane Arbus)。

这并非巧合。通过专业的摄影,他们不断地练习自己的技术,并在此过程中变得更好。

误区六:

大家都这么拍摄综合症。

对摄影师来说,最有害、最具破坏性的评论之一就是:“这是以前做过的。”这句话清楚地暗示,任何试图重新拍摄同一主题的行为,如果不是不道德的话,都是浪费时间。

当然,以前也有人这样做过。我怀疑一个摄影师是否能想出一个有人、在某个地方、在某个时间没有探索过的主题。因此,摄影应该戛然而止吗?

事实上,事实正好相反。摄影师应该积极地从各个年龄段的优秀摄影师那里寻找想法、态度、图像和影响。在真空中你无法学习。整个摄影史是一个自由开放的灵感宝库。否认它的丰富和有用性将是受虐狂。例如,我[大卫]正在考虑将我的雕塑文章扩展到包括战争纪念碑。我确信我对李·弗里德兰德的古迹书影响很大,他说他受到沃克·埃文斯《财富》中一个故事的影响,沃克·埃文斯可能看过埃米尔·霍普的古迹书,本来可以看到尤金·阿特的旧照片巴黎,他可能认识法国历史古迹委员会,该委员会分配了1840年代早期的负片负像摄影师,例如查尔斯·马维尔,亨利·勒·塞克,查尔斯·内格雷等。这种具有许多分支机构的影响力树可以追溯到今天,直到摄影的曙光。卡尔文·特里林(Calvin Trilling)最好地表达了对摄影师的建议:“不成熟的艺术家模仿;成熟的艺术家偷东西。”

所以从最好的人那里偷。和比你优秀的人在一起——不仅是优秀的摄影师,也要和在各自领域比你优秀的人在一起,不管他们是什么。学会攀登,把别人的想法和态度作为你的阶梯。读好书,即使不是文学作品。我们对好书的定义是包含尽可能多的值得窃取的想法!看电影的时候要注意,从摄影机角度,节奏,有趣的图像中获取想法。注意他们。使用它们。作为诗人T.S.埃利奥特说:“每一次冒险都是一个新的开始,征服者已经一两次或几次被人发现了,他们是一个无法指望的人,但是没有竞争,只有为恢复而战。失去和发现的东西,一次又一次地失去。”

请记住,摄影师/艺术家最糟糕的噩梦是无处可去,登上了阶梯的顶端,结束了。

误区七:

评论家和理论家对摄影师很有用。

大多数学院和大学都不会聘用该领域的佼佼者,因为这些人都是全职摄影师。老师们大部分时间都在教室里或开会,所以他们所能做的就是谈论摄影。因此,在学术界出现了一种独特的批评理论也就不足为奇了,年轻的摄影师在讨论别人的作品时,应该将这种理论运用到自己的作品中去。

我们对批判理论有两种态度:

第一种态度:当批判理论在图像制作之前或同时被教授时:在这种情况下,批判理论不仅是无用的,而且是积极危险的。这与制作精美的照片毫无关系。具有讽刺意味的是,大多数顶级摄影师,经常被评论家引用,从来没有读过这些理论,即使遇到它们也不会理解它们,也不知道媒体中存在这样一个有影响力的思想家群体!对年轻摄影师来说,理论的危险之处在于,试图应用它的规则会导致完全瘫痪。我们都遇到过许多摄影师,他们为了拍出符合批判理论的照片,已经完全干涸了。那些没有完全停止的人会做出非常糟糕的形象,然后用令人眼花缭乱、麻木的行话来讨论/证明这些形象是正确的。工作中有一个明显的相关性:在摄影之前,批判理论的介入越多,图像就会越差。

第二种态度:当批评理论是在影像制作完成后教授的,或者是关于其他摄影师的作品时:在这种情况下,如果批评家能够清晰地思考并用简洁的语言表达自己,那么批评理论可以是一种延伸思想的可接受的方式,生动的散文摄影是一个涉及社会学、历史学、心理学、传记学、科学、人类学和所有艺术的领域,有着无数深刻的问题;每一幅图像都可能是一颗落入意识池塘的鹅卵石,在那里,涟漪最终会覆盖人类生存的边缘。在媒体上谈论这些更广泛、更深层次的问题,会充满刺激、灵感和在心理健身房锻炼的纯粹乐趣。

我们说“可以”...通常,批判性的理论不是上述任何一种,而是一种类似于在浓雾中涉水的经历。这不好玩。究其原因,学术理论家在摄影中使用的语言是如此密集、晦涩、充满行话,而且极其乏味,以至于通常无法解读所提出的观点。

也许这些问题是如此深刻,以至于不能用清晰、易懂、生动的散文来表达?不太可能。当斯蒂芬·杰伊·古尔德(Stephen Jay Gould)、斯蒂芬·霍金斯(Stephen Hawkins)、保罗·戴维斯(Paul Davies)、刘易斯·托马斯(Lewis Thomas)和亚瑟·科斯特勒(Arthur Koestler)等科学家能够写下关于生命起源、时间本质、量子物理学、宇宙极限、进化悖论以及类似复杂主题的理论,并写出如此吸引人的书,以至于这些书都是畅销书,对吗真的说摄影是如此深刻以至于它的问题无法用清晰的语言来解释吗?我们认为不是。

我们的结论是,摄影领域的批判性理论家不能清晰地思考或写作。

我们可以肯定,他们有很多借口,但归根结底,他们的文章是无用的,因为他们是无法理解的,但这并不是对应用于摄影的批判能力的谴责。我们希望古尔德/霍金斯/戴维斯将注意力转向摄影的时候会到来。同时,我们经过...

误区八:

你不应该在外国文化中拍照。

日益高涨的政治正确性浪潮可能会淹没那些希望在非本国文化中拍摄照片的摄影师的愿望,无论是在国内还是国外。这个概念的基本原理是你不能完全理解另一种文化、种族或民族。

除非你生在里面。因此,你拍的照片将是剥削性的,因为它们不会是真实的。这种看似自由的想法有几个问题,最重要的是,人们的相似性远远大于他们的不同。摄影师不应该拍摄不同文化背景的人的想法认为“差异性”是主要问题。我们认为,这一概念不仅是错误的,而且是分裂的,濒临种族主义。人类之间有着比神话所允许的更多的共同点,摄影师处于探索、传播和庆祝我们存在的唯一性的独特位置。

如果在拍摄其他文化时,真相是难以捉摸的,那么出于同样的原因,拍摄不同经济阶层的人(高,也低),异性的人,不同年龄的人,和你看起来不同的人,也是同样的剥削。

从逻辑上讲,你不应该给任何人拍照。一些批评家也有一种态度,认为所有其他人的照片,特别是那些在不知情的情况下拍摄的照片,不仅是不道德的,而且(应该)是非法的。这个想法是每个人都拥有自己的图像,即使这仅仅是由固体表面反射的光构成的。(这种观念将抹去自1880年代以来拍摄的绝大多数精美照片。

从刘易斯·海因(Lewis Hine)与童工委员会(Child Labor Committee)的合作,到W.尤金·史密斯(W.Eugene Smith)揭露米米纳塔湾(Bay of Minimata)倾倒有毒废物,再到塞巴斯蒂尼奥·萨尔加多(Sebastiño Salgado)的作品,这些人文主义摄影所带来的社会效益都将荡然无存,这些作品让世界关注了巴西矿山的奴隶状况。这份名单将是无穷无尽的——其中包括摄影师的照片,这些照片有助于扭转公众反对越南战争的潮流。

但是,即使报告文学摄影的所有这些社会效益都不存在或可以解释掉,这个神话中仍然存在一个根本的缺陷:摄影师从不声称说出真相。

我们给摄影师的建议是:做你的功课,检查动机,明确图片的目的,不要对全知做出夸张的宣称——忽略神话。

误区九:

纪实摄影不是艺术。

不要惊慌——这不是一篇关于艺术的各种定义的论文,目的是为了把摄影放进一个奇怪的鸽子洞。相反,我们想给摄影师们几句安慰的话,也许他们是在艺术学术的环境中挣扎,当他们被艺术家们所实践的媒介的转变所包围时,他们感到自己的直拍是不够的。我们的论点是,围绕艺术和摄影的许多困惑,只要记住两个简单的表述就会消散:艺术不是媒介或风格,而是一个有献身精神的人用一生的时间创造的一系列作品的公认价值。

这部分工作可能会围绕所选媒介的独特特性展开。

这两种说法都可以无限地扩展、修正、重新配置和分析,但它们确实有助于澄清某些问题,消除今天讨论的神话,特别是在艺术环境中,摄影师被要求/期望强调个性。报告文学摄影能揭示这样的个人特质吗?明确的答案是,不可能将他们排除在图像之外。你选择一个你感兴趣和热情的主题;你选择如何最好地揭示这个主题的相机视角;你在最重要的时刻做出决定——所有这些都是非常主观的、个人的决定。

事实上,我们的论点是,忽略自我而专注于事物本身更能强调自我的存在。个人知识是通过客观化获得的,向外看而不是向内看。生活本身就是一面镜子,个人的形象在其中得以反映。

这些断言有什么证据吗?看看最优秀的报告文学摄影师的大量作品,你很快就会发现,区分个人风格和关注点是很容易的。震惊的应该如果报道摄影只是一个客观,客观反映现实的另一个实验中(假设,这一次):让我们假设你可以问100年最好的批评,策展人,历史学家,博物馆馆长和摄影师选择50历史上最大的图像中。我们的猜测是,这5000幅图片中的绝大多数将归入直的、纪实的或报告文学摄影的一般范畴。这些评论并不是有意贬低画家、雕塑家和印刷品的工作或想法

利用摄影图像的制作者。这是一个合法的,有时令人着迷的过程,以产生视觉刺激的混合媒介作品。但这不是摄影。

我们相信,所有个性类型的摄影师,通过使用全套的相机格式,将会以更快的速度成为更好的摄影师,通过使用从摄影媒介历史上最好的摄影师的图像、想法和生活中收集到的共同特征。这些基本原则是:

1. 摄影师的主要兴趣不是摄影。

他们有一种专注的能量和热情,这是针对外部的,物理上的,其他的。他们对这个问题有一种夸张的好奇心,并从阅读、写作、交谈和笔记中获得知识。

2.摄影师通过拍照来传递这种“事物本身”的激情,因此拍摄对象必须借助于一种视觉媒介,而不是写作。

3.摄影师必须刻苦地练习他的/她的手艺,这样在实现这个想法和将它传递到最终印刷品之间就不会有技术上的障碍。

4.摄影师必须有能力分析主题思想的组成部分,这样一组图像不仅能反映基本范畴,而且能显示视觉的多样性。强烈、清晰的思维是好照片的先决条件。

5.摄影师意识到,就像所有艰难的努力一样,要想成为一名优秀的摄影师,需要持续不断地努力工作和…

祝你好运。

关于作者

大卫·赫恩(David Hurn)出生于1934年(年龄87岁)英国人

大卫·赫恩在一系列的专业摄影活动中获得了国际声誉。作为一名专业的新闻摄影师,他作为迈克尔·皮托的亲信在反射机构“初试身手”。他很快成为了一名自由撰稿人,并报道了一些重大事件,包括《匈牙利革命一生》、《观察家》以及世界各地的主要杂志和报纸。

他开始为几部大电影拍摄特别项目,这使他在一段短暂但赚钱的时期内成为了哈珀斯、《每日电讯报》和《时尚花园》的时尚摄影师。

但那篇专题文章才是他的最爱。他做过许多关于现在被称为另类生活方式的作业,经常与杰出的作家如内尔·邓恩和埃尔文·肖。正是这些文章使他受到了世界上最负盛名的摄影合作公司——玛格南图片社的关注。1967年,他被邀请成为正式成员。

1970年,大卫·赫恩在威尔士新港创办了纪实摄影学院。从1990年起,他开始从事全职摄影工作,为出版物和展览创作自己指定的主要论文。1999年,威尔士国家博物馆为他举办了千年展览。

比尔·杰伊(Bill Jay)1940-2009年 英国人

比尔·杰伊在英国开始了他的职业生涯,他是当代艺术研究所的第一个摄影主任,也是第一个创意相机和专辑杂志的编辑/主任。在此期间,他的职业是作为一个大型流通新闻/专题杂志的图片编辑和作为一个国际图片代理的欧洲经理。

在新墨西哥大学师从博蒙特·纽霍尔(Beaumont Newhall)和范德伦·科克(Van Deren Coke)之后,他在亚利桑那州立大学创立了摄影研究项目,在那里教授历史和批评课程达20年之久。他现在退休了。

比尔·杰伊已经发表了400多篇文章,是超过15本关于历史和摄影批评的书籍的作者。他最近的一些作品包括:氰化物和螺旋体:一个内外透视的早期摄影;奥卡姆的剃刀:当代摄影的由外向内透视;美国摄影指南;萧伯纳:论摄影;负面/正面:摄影的哲学等等。

比尔·杰伊是英国、欧洲以及美国各大学的客座讲师。他自己的照片被广泛发表和展出,包括在旧金山现代艺术博物馆的个人展览。

    转藏 分享 献花(0

    0条评论

    发表

    请遵守用户 评论公约

    类似文章 更多