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Cy Twombly （1928.4.25-2011.7.5 ） 美国著名艺术大师 “Cy Twombly的每一张画都是一个句子……但画是为了让这个句子不能好好地在那儿，折腾它，使它突兀。字是属于全世界的，而句子只属于艺术家。赛·托姆布雷的句子是无法被模仿的。”——罗兰·巴特
赛·托姆布雷（Cy Twombly）于工作室，1966 由传奇摄影师霍斯特P.霍斯特（Horst P. Horst）拍摄 如果一幅画只有潦草数笔也可以是绝世佳作，那只能是赛·托姆布雷（Cy Twombly）的了。2015年，纽约蘇富比“当代艺术晚拍会”上，美国著名抽象派艺术大师赛·托姆布雷的作品“黑板”系列中的一幅画拍卖出了4.49亿的天价，顿时轰动了整个艺术圈。赛·托姆布雷(Cy Twombly)，美国著名抽象派艺术大师，1928年4月在美国弗吉尼亚州出生，原名埃德温·帕克·托姆布雷，“赛”是他父亲对他的昵称。托姆布雷被视作第二次世界大战后最有影响力的艺术家之一。
赛·托姆布雷的作品以对白色的神奇运用、将潦草书写、素描与涂鸦和油画相结合等创举而著称。其抽象作品结合了绘画和素描的技巧，使用重复的线条、词汇和涂鸦，通常在拍卖场上成交价可达数百万美元。 1988年获日本皇家世界文化奖，这是日本最为崇高和尊贵的艺术奖项；2001年，收获威尼斯双年展金狮奖2010年，托姆布雷曾受邀为卢浮宫创作壁画，成为1950年继乔治·布拉克之后，首位为卢浮宫创作永久藏品的当代艺术家。 上世纪50年代后期，托姆布雷移居意大利南部，并一直住了下去，把这片风光如画的土地当作了自己的第二故乡。据报道，托姆布雷希望将自己的遗体安葬在意大利。2011年7月5日，赛·托姆布雷在罗马因癌症去世，享年83岁。
肖像照 摄影作品 2003 托姆布雷第一次接触绘画是在14岁的时候，西班牙艺术家Pierre Daura为他教授有关欧洲当代艺术的课程。1947年的秋天托姆布雷来到了波士顿博物馆学校进行学习，在这里德国表现主义给了他很大的影响，而后托姆布雷又对达达主义，超现实主义产生了浓厚的兴趣。1950年托姆布雷继续在纽约艺术学生联盟学习，在这里他遇见了和他有着共同兴趣和目标的年轻艺术家罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）。在劳森伯格的鼓励下1951年到1952年间托姆布雷来到了北卡罗来纳州的黑山学院学习，师从弗兰斯·克莱恩（Franz Kline）和罗伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell），这两位抽象表现主义的大师给了托姆布雷最初的创作灵感，马瑟韦尔对托姆布雷的作品并没有太多的评价，他只是说“我并没有什么可以教他的”。1952年托姆布雷决定到“西方文明建构起来的地方去找一找古代哲人埋下的历史秘密”，去看看那些“某些具体的思想体系”的样子。带着从弗吉尼亚美术博物馆获得的1800美元旅行奖学金，托姆布雷和劳森伯格一起乘船离开了纽约。这是他们第一次到访欧洲和北非。从佛罗伦萨，锡耶纳，阿西西再到威尼斯，从摩洛哥再到卡萨布兰卡，马拉喀什，阿特拉斯山脉和丹吉尔。托姆布雷欣赏着这些古典主义和文艺复兴的艺术杰作，也爱上了欧洲城市中所留存的带有古典主义理想的人文主义精神。
无题 布面油性漆、蜡笔 1970
这些杰作也在日后对他的创作产生了深远的影响，在他之后的创作中我们总能看到他以古物为创作灵感，围绕古典主题所进行的创作，他的作品时常被人评价为“有着强烈色彩、充满感染力的笔触和涂鸦元素却又带着彻底的现代主义外形。”在游历回来后，托姆布雷还带回了一本画满图案的速写本。在欧洲期间他画了大量的速写，在素描的过程中他发现了线条艺术不同于油画技法的特性，而这一绘画语言也一直影响着托姆布雷的艺术生涯，在他那些尺寸巨大的画作中，我们总能看到纤细的笔迹，素描般的印象。1953年托姆布雷被选入美国陆军，在完成了佐治亚州奥古斯塔附近营地的基本训练后，他又作为密码学家驻扎在华盛顿特区。在奥古斯塔的周末，他租了一间酒店房间，开始练习在黑暗中画画，以此来摆脱他自己对作品的操控，也是从那时起他又有了创作的新方向。
赛·托姆布雷偏爱线条，他曾说：“线条是画布上最美的，一种具有强调性的效果”，正是凭借充斥画面的大量线条，托姆布雷模糊了涂鸦和绘画之间的界限。他在1966年到1971年创作的代表作中，灰色的水彩底上用白蜡笔画成的弯曲线条，令人联想到学校黑板上粉笔的随手涂写；而后期的《无题之酒神（Untitled-Bacchus）》，鹅黄色的温暖背景上腥红色的圆圈相互缠绕，像旋风席卷而来又呼啸而过。艺术批评家科克·瓦内度（Kirk Varnedoe）曾说，“托姆布雷影响了众多艺术家，也为难着艺术批评家。他的画作不仅对于普通公众而言是难以理解的，仅从艺术史上战后艺术复杂的初期发展阶段考虑它们，同样也难以理解。托姆布雷逐渐放弃之前较为单一、直线的工业性强烈的创作方式，开始在绘画中投入更多情感化的笔触、肉体化的表现层次、情绪化而又自由丰富的色彩。在1964年的威尼斯双年展上，托姆布雷展出了作品《丽达与天鹅（Leda and the Swan）》。丽达与天鹅是艺术史上反复出现的主题，丽达是克里特王国的公主，嫁给了被驱逐流放的斯巴达国王延达瑞俄斯。婚后，丈夫重返斯巴达成为了国王，而丽达只能独居于一个无人的小岛上，于是倾慕丽达已久的诸神之王宙斯趁机变成了一只天鹅飞到小岛上引诱了她，后来丽达产下了两枚双黄鹅蛋，破壳而出的四个孩子中有两个是斯巴达国王的，另外两个便是宙斯的孩子。 以此为主题的创作众多，而画面上必不可少的两个元素便是丽达和天鹅，但是在托姆布雷的这件《丽达与天鹅》中，我们既看不到丽达也看不到天鹅，留给观众的是一堆凌乱的线条和奇怪的构图，但就是这样一幅作品，却被认为是托姆布雷最成功的作品之一。 有人评价说“托姆布雷混合了不同的绘画媒介，在画面里制造了一种绘画行为的暴力，他把美女和天鹅用线条斯个粉碎，再用一些碰撞的色彩把人们的视线倒入一个漩涡，在各种强力的划痕和之字形的线条向四面八方飞出。”
无题（纽约市）布面油漆、蜡笔画 172.7x228.6cm 1968
而另一件托姆布雷饱受争议作品的便是“黑板”系列了。人们不明白托姆布雷笔下那如孩童般画出的潦草“圈圈”为什么能拍出4.57亿人民币的高价。 在1994年的一篇文章中，美国艺术史学家Kirk Varnedoe是这样说的：“人们可以说任何一个孩子都可以创作出像托姆布雷这样的画作，但前提是在任何一位带锤子的傻瓜都能像罗丹那样摧毁雕塑，或者任何一位画家都可以像波洛克那样运用滴画法作画。但这些前提没有一个可以成真。”到了二十世纪八九十年代，托姆布雷又开始对花卉绘画越来越感兴趣，他用“春夏秋冬”四季的变化来描述他眼中的古典主义。春天是融化的冰雪，是活力旺盛的新生命，夏天是炽热，是晃的让人睁不开眼的灿烂艳阳，秋天是飞舞的落叶，红的黄的，冬天是覆盖着白雪的深沉大地，简单却又饱含情绪。
丽达与天鹅 布面油画、蜡笔、铅笔 1962 很多人对于其儿童涂鸦式画作都有很多疑惑，他也很少会对此做一些解释，只是笑笑说：“每一根线条都有他的故事。”但实际上这种形式的诞生，也是有一定历史可以考究的。1953年托姆布雷被征召入伍，这或许也算是圆了他童年的军事梦。
如何看懂托姆布雷的作品，不妨看看他如何看待诗歌的。他深受美国黑山学院著名的黑山派先锋诗学的影响，特别是查尔斯·奥尔森1950 年发表的《放射诗》一文曾写到：“诗的每一部分都能生发出某种能量；诗歌的创作应该根据思维及情感表达，呼吸节奏的影响来建构诗行的长短与节奏。”他的作品深受此创作观念的影响，与诗有着异曲同工之妙。
托姆布雷曾这样阐述自己的创作理论“伴随着固有的历史记忆，每条线都是它当下的、切实的经验展现。它不是注解，也不刻画什么，而是展现了其对自我存在的认知。”2011年托姆布雷在罗马去世。托姆布雷的代理画廊高古轩的创始人拉里·高古轩对于这位老友的离去十分伤心，他说：“艺术世界失去了一个真正的天才，一个真正原创的艺术家，我很幸运能认识他，他是一个伟大的人。在以后很长的一段时间里，我们将不会看到这样天赋惊人的艺术家。”
艺术史家杰弗里·韦斯评价托姆布雷的创作过程怀有一种源于“混乱的事物”的“隐秘冲动”。作品的起源，是由个体与历史的最初感知而决定的。托姆布雷通过看似重复的线条组合单词和字母，以一种姿态性的运笔，描绘了一种想像的现象学、对神秘的解构。
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