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从上世纪70年代起，香港成为亚洲电影业的中心，电影年产量高达两三百部，输出数量之多，覆盖范围之广，几乎超越所有西方国家。它与好莱坞并驾齐驱，被称为“东方好莱坞”。 好莱坞电影在欧美市场势不可挡，对香港却久攻不下。 邵逸夫在接受美国媒体采访时，骄傲地说：“你知道吗？我已厌倦了别人老是问：'阁下是否要挑战好莱坞？’我真的觉得，我们有自己的一套，跟好莱坞不一样，却不比好莱坞差。” 气象学家罗伦兹曾提出过蝴蝶效应：“一只南美洲亚马逊河流域热带雨林中的蝴蝶，偶尔扇动几下翅膀，可以在两周以后引起美国得克萨斯州的一场龙卷风。” 风起于青萍之末。恰好就在70年代，计算机图形图像技术（CGI）悄悄诞生。 这项开启新时代大门的技术犹如那只遥远的蝴蝶，将在20年后掀起滔天巨浪，成为好莱坞打败香港电影、制霸全球的利器。 01盛世余晖 20世纪60至90年代，香港经济一路高歌猛进，从远东贸易港一跃成为国际大都市，与台湾、韩国、新加坡并列“亚洲四小龙”。 中外元素混合交融的都市文化、广阔的市场与充足的资本、以经济利益为运作轴心的商业机制，为电影业培养出众多的优秀人才。 70年代末，香港涌现一批充满创作激情的新锐导演，以徐克、许鞍华为旗手，开展了一场轰轰烈烈的电影革新运动——“新浪潮运动”。
徐克是一个多产且题材多样的导演，参与制作的电影60多部，多数为武侠电影。 他们以香港本土文化为主，融合好莱坞及其他国家的电影风格，在影片类型、制作技术、视听语言、美学观念等方面进行大胆创新，从题材挖掘到表现形式都达到一种极致化程度。 经济的繁荣兴旺和港片的风生水起，吸引大批热钱闻风而至。市场好，回收快，投资者热情高涨，大水漫灌。一时间，中小电影公司大量成立，融资方式灵活多变，拍摄种类五花八门。 这段风起云涌的新篇章开始于上世纪80年代，终结于90年代初，被称为香港电影史上的“黄金十年”。 那是一个百花齐放的时代，警匪片、黑帮片、功夫片、僵尸片、喜剧片、文艺片等多种类型片交相辉映。 周润发的黑帮英雄片、周星驰的草根喜剧片、成龙的功夫喜剧片缔造了“双周一成”的票房铁三角；郑伊健的蛊惑仔系列，李连杰的黄飞鸿系列为香港影业的兴盛推波助澜。 票房冠军从70年代许冠文《鬼马双星》的600万港元一路上涨到90年代成龙《警察故事4》的5700万港元，这也是单部港片本土票房的最高纪录。
《警察故事4》本来没设定这一幕，导演临时起意，让翻越山崖的成龙突然看到直升机出现，本能地抓住起落架。 进入90年代，周星驰的无厘头喜剧横扫千军。1992年更是无与伦比的“周星驰年”——个人包揽年度十大票房前五名，这项成就在全球电影票房史上前无古人，至今后无来者。
毫不夸张地说，当时的港产片在亚洲影坛一统天下，整个东南亚和东亚的观众几乎都是它的拥趸。那些闻名遐迩的电影人和他们的代表作品，既打上了时代的烙印，也给好几代人留下了特殊的感情和宝贵的回忆。 02大厦倾圮 物极必反，盛极必衰。香港电影的盛衰分水岭出现在1992年。 这一年港产片票房创下12.4亿的最高纪录，之后跌跌不休，到1999年仅剩3亿多，跌幅近8成，行业几乎走到崩溃的边缘。7年时间，恍如隔世。
1990-1998年香港电影票房收入（百万港元） 80年代末，大量热钱、尤其是台湾资本的注入，促进了香港电影的蓬勃发展，但祸根就此埋下。香港电影的特色是高度商业化，弊端是急功近利，追求票房至上、快产快销。 在资本的眼中，电影是一种快餐式的消费品而非艺术追求，赚快钱才是第一位的。因而在业内掀起了一股粗制滥造、追星跟风的狂潮。 许多制片商把大部分费用投在当红明星身上，其他成本能省则省。类型片曾是香港电影兴盛的法宝，他们一窝蜂抢拍卖座类型片、翻拍经典炒冷饭，跟风之作络绎不绝。很多电影一两个星期就能拍完，俗称“七日鲜”、“十日鲜”，剧本胡编乱造，内容粗陋不堪。
王天林回忆：从周四算起，一天内找到演员，导演，工作人员；周六开拍；周一完成；周三就将拷贝送影院了。 过度开发和创意枯竭，让观众审美疲劳，心生厌倦。 香港以弹丸之地，与好莱坞并列世界两大影片输出地。这个骄人成绩依靠的是海外市场：香港影片的票房，本土只占4成，其余6成来自海外。 1997年席卷亚洲的金融危机，严重冲击了台湾、韩国、印尼、泰国、马来西亚的经济，这些是港产片赖以生存的传统市场。金融危机之后，它们的经济一片狼藉，货币贬值，消费低迷，日益摒弃价格高昂制作草率的港产片。 市场一旦不好，前来淘金的最大金主台湾资本也纷纷撤资。 如果说，海外市场的萎缩与台湾资本的撤离，使得本就走下坡路的香港电影雪上加霜。那么人才外流更是釜底抽薪。 大厦将倾，独木难支。 大批中流砥柱相继远走他乡。1993年吴宇森进军好莱坞，先后拍摄了《终极标靶》、《断箭》、《变脸》，成功站稳脚跟。不久成龙、李连杰、周润发、徐克、林岭东、袁和平等重量级演员和导演也陆续漂洋过海前往美国。
吴宇森执导、汤姆·克鲁斯主演的《碟中谍2》成为2000年香港票房冠军。但这已是一部好莱坞电影了。 电影制作的幕后人才流失更加严峻：不只是美国和大陆，连印度、韩国、泰国都有他们的身影。进入21世纪之后，加之制作锐减，失业严重，整个产业链已经出现了人才断层的危机。 03降维打击 早在上世纪20年代，美国政府高层就已看到电影蕴含极高的政治价值。 他们将好莱坞电影视为美国文化的重要代表，进行大力扶持和深度合作，向全球各地输出本国的价值观与生活方式。以实现将美国塑造成世界范围内的艺术、文化和意识形态的领导者这一终极目标。
那些盛极一时的电影公司 90年代以前，美国的电影票房中，海外市场的收入占比约50%，以欧洲和拉美为主。冷战结束后，美国实施“全球化”战略，凭借强大的政治经济力量协助好莱坞打开各国大门，扩张软实力，推行文化霸权。 而遥遥领先于各国的计算机科技，也让好莱坞电影在征服全球的道路上如虎添翼。 1993年，斯皮尔伯格执导的科幻片《侏罗纪公园》横空出世，以6300万美元的制作成本开创了数字特效的新时代。这是一个全新的物种，它以天马行空的想象力与逼真的电脑特效掀起全球性的卖座风暴。
该片全球票房超过9亿美元，是当时最成功的商业片，这一纪录直到5年后才被《泰坦尼克号》打破。 《侏罗纪公园》成为香港第一部票房超过6000万港币的电影。上一年香港本土影片还包揽了年度票房前十，如今却被进口片拿下年度冠军和打破票房纪录，这是20多年来都不曾发生过的事情。 《侏罗纪公园》的影响不止视觉冲击那么简单。当年与之同台竞技的有周星驰的《唐伯虎点秋香》、刘青云的《新不了情》、成龙的《城市猎人》，香港电影在特效、剧情和叙事上都已远远落后对手。 《侏罗纪公园》的上映是香港、亚洲市场沦陷的开始，同样是美国大片统治世界的开端。 好莱坞长驱直入，《生死时速》、《真实的谎言》、《碟中谍》、《独立日》、《泰坦尼克号》轮番登场，横扫全球。 1997年，詹姆斯·卡梅隆执导的《泰坦尼克号》以2.5亿美元的制作成本，拿下全球18.4亿美元的票房。该片在香港获得1.15亿收入，直接把历史纪录拉升了一倍，几乎是当年香港本土电影前三名的票房总和，港片再挨当头一棒。
詹姆斯·卡梅电影制作成本都很高，被称为“最会花钱的导演”，擅长动作片及科幻电影。 好莱坞大片以超前的CG特效、宏大的叙事模式、独特的剧情设定，对香港电影进行了全方位的降维打击。就影片寓意与艺术性来讲，这已经不是同个维度的竞争。 几年之内，香港60%以上、台湾90%，泰国80%、日本65%的市场份额相继失守，亚洲成为好莱坞电影发展最快垄断性最强的海外市场。“东方好莱坞”原有的市场影响力彻底退位让贤。 徒有归飞心，无复因风力。 海外市场集体沦陷，本土票房节节败退。捉襟见肘的困境，让香港电影无力承受数字技术电影动辄上亿美元的制作成本，再也难以展翅高飞。 04港片已死 2002年刘伟强、麦兆辉执导的《无间道》三部曲是港片的回光返照，也是最后的挽歌。
给我一个机会,我想做个好人。”《无间道》是2002年香港电影票房冠军。 然而，这一丝复兴的希望很快就破灭了，进入新世纪后港片在产量和票房上全面进入冰河期。 2002年拍片量仅有90部，收入不足百万的高达29部；2003年拍片量只有70部；2006年更是跌入谷底，只有52部出品，票房过千万的只有7部，累计票房仅2亿，大部分只有100万左右的票房。 《大公报》不无悲凉地评论道：“382位导演有205位，在7年里只有一部电影公映，他们是怎样生活？恐怕一定有其他门路，或许早已转行……” 自2005年之后没有一部华语片拿到香港年度票房冠军；2017年起香港电影票房榜Top10全部被好莱坞攻占，换言之已经连续3年，没有华语片进入年度总票房前10了。 归根结底，香港电影业的日渐式微不能简单归因为创作能力的下降，而是一系列政治、经济、文化变迁的结果，根本原因是“改革开放”和“冷战终结”带来的结构性变化。 香港的影视文化之所以长期领军大中华文化圈，是英国殖民扩张、日本侵华战争和美苏冷战等一系列特定历史条件造成的结果。香港在这个过程中，借助各种天时地利成为资本、技术和人才流动的关键节点，构建起先进的金融与文化网络。 随着中国改革开放逐步深化，加之冷战的结束，打破了两个平行市场的分野，金融国际化与文化全球化大行其道。那套旧有的网络逐渐解体，香港的重要性不断下降，也就无可挽回地衰落下去了。
大陆与香港历年GDP对比
此一时，彼一时，昔日的东方之珠风光不再，不免令人唏嘘。 这一衰落表现在电影领域，不仅是票房的减少和规模的收缩，也是生产模式的变化。 以往香港电影面对的是分散的小市场，电影生产主要在本地进行。如今内陆市场规模庞大，拍摄条件更加优越，黄金时代培养起来的电影人大部分的创作活动都转到内陆进行，本土新人参与电影摄制的机会急剧减少，导致香港电影界的社会网络也在瓦解。 香港的本土市场太小，存在观众、场地、资本投入的局限，纯粹的港产片只能支撑起少量只面向本地的小制作。但问题在于，由于电影生产的萎缩和各类人才的断层，整个电影产业将会后继无人。
东方好莱坞”已沦为好莱坞的海外领地之一，泯然众人矣。
华语片TOP1的票房追不上前者的车尾了。 因此“港产片”这个概念，单就商业角度而言，其实已经死了。但这种死亡并非一去不返，而是换了种方式涅磐重生，汇入到更加宏伟的华语电影大潮中，这才是香港电影的唯一出路。 05北望神州 与其苟延残喘，不如从容燃烧。 正如《无间道》导演刘伟强所言：“在香港电影人面前，有一个很好的转型机会，就是大陆市场的开放……香港电影在大陆的票房，动辄好几千万……大陆市场对香港电影有起死回生的作用” 早在1982年，“长城”、“凤凰”、“新联”三家左派影片合并成立的银都机构，就利用丰厚的内陆资源，拍出了轰动一时的《少林寺》。内陆的观影人数达到了5亿人次，从此港片在内陆的传播一发不可收拾。
82版《少林寺》是一代人的经典，在几毛钱票价的时代创造了上亿元票房奇迹。 之后双方的合作日益密切，结合两地资金和人才拍摄电影的模式逐渐成形，以1993年上映的《霸王别姬》最具代表性。 2003年，中央与香港签订了CEPA协议，内陆与香港合作拍片从此蔚然成风。 2005年上映的《功夫》在香港本土的票房收入为6000万，在内陆却达到1.5亿的票房。2006年，香港的华语电影票房前10名，有7部是合拍片，且前4名全部是合拍片。
《功夫》 由内陆、香港合拍，美国哥伦比亚公司投入制作成本的95%，并负责影片全球发行。 巨大的产出回报，让香港电影人看到希望的同时，也明白了现实的残酷：必须重新定位自己在华语文化圈内的位置。 北上融合，依托内陆市场多元共生，才是香港电影的革新之旅。 2007年，被称为香港电影“最后的守望者”的杜琪峰，也开始与内陆合作。 如今，合拍片已成为香港电影的创作主流。2019年《廉政风云》、《扫毒2》、《叶问4》、《新喜剧之王》四部合拍片稳坐香港华语电影年度票房前四位。 中国华语片的未来，就是港片的未来。 至于香港电影回到以前与好莱坞并驾齐驱的光辉岁月，可能性很已经渺茫了。 毕竟，时来天地皆同力，运去英雄不自由。 行文有失误之处欢迎请指正。搜索关注“往年纪史”，持续和你分享深度的人文历史。 |
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