   设计如何介入艺术展？欧阳昆仑在松美术馆这样回答 （图文未经《Hi艺术》授权，不得擅自使用）  在松美术馆最开始的展厅里，我看到一串吊灯背后墙上模糊的灯的影子。灯也会有影子吗？我一时间分不清那是故意制造视错觉的墙纸图案，还是吊灯被更强烈的射灯照射后所投下的真实的影子。 事实上，在松美术馆的最新展览“丰盛即美”现场，让我分不清的，还有色调高度饱和的展厅中艺术作品与生活用品。这不是一个艺术介入生活或者生活融入艺术的展览，因为在策展人欧阳昆仑看来，艺术与生活之间似乎早就没有了边界。（文末赠票福利）  艺术作品如何与我们发生关系 在此之前，欧阳昆仑更多时候是以空间设计师的身份参与到不同艺术展览之中，此次作为策展人，他并不打算仅仅把策展看作刷墙、装修的过程，或者说把美术馆白盒子变成有颜色的盒子。面对近100件艺术作品与70余件生活用品，从二维到立体，从不同材质到不同表达方向……展览涵盖艺术大师克里斯托夫妇、罗伊·利希滕斯坦的特别作品，还首次与阿里云人工智能实验室、阿里云设计中心合作呈现了AR增强现实作品。如何能够在一个看似没有逻辑但内在很有逻辑的情况下，把它们串起来？    赫里特·里特费尔德《红蓝椅》88x69x83cm 1918，“丰盛即美”松美术馆展览现场 观展起于一件“红蓝椅”。这把由里特维尔德于1917年完成雏形、1923年色彩定型的椅子是风格派，亦是设计史上最具知名度的作品之一。其色彩正源自蒙德里安的风格派新造型主义三原则：正交构图、矩形构型、红黄蓝三原色。在此次展览中，欧阳昆仑将展厅平面均分为正交的矩形网格，红黄蓝三原色填充，形成无差别的三维新造型主义空间盒，致敬风格派。 展览分为1层“丰盛单元”和B1层“特别单元”两个部分，无论是艺术作品还是生活用品，都在空间内平等、均质地分布，没有价值判断，没有高低之分。作为策展人，欧阳昆仑更多考虑的是“它们如何跟我们发生关系”。正如展览标题“丰盛即美”的出处，英国诗人布莱克在《地狱箴言》这首诗中谈到了世界万物的很多种生存状况，他似乎是在评判，又似乎不评判，光明和黑暗同时存在，我们需要做的是认同它，处理之间的关系。 在欧阳昆仑以往设计的日常空间中，生活是在里面慢慢发生，慢慢产生包浆；但是展览的展期只有两个月，在他看来，“这是一个有时效性的空间，更需要在短时间之内汇聚爆发，尽量多地传递信息，和公众和社会发生交流，最终成为一个艺术事件。” “丰盛即美”松美术馆展览现场，特别单元呈现的是王中军、艾敬作品
一个慢慢生长出来的展览 ▼ 欧阳昆仑（以下简写为欧阳）：在展览工作开始不久，大体的布展方案基本确认的时候，发现国内出现了几个艺术和家居有关的展览，包括蜂巢当代艺术中心，还有成都知美术馆……当然我们的展览方向很明确：不强调艺术作品，也不强调生活艺术品，而是共同构成展览的资源，展览的物，它们是很均衡的、均等的，在这个空间里面均质分布。 Hi：在布展的时候，具体是怎样实现这个想法的？用了多久筹备？ ▼ 欧阳：时间只有一个多月。可能我愿意了解当代艺术，同时也是一个空间设计师，所以操作这个展览时，艺术作品、生活艺术品和空间之间的关系会比较密切。具体操作还是均质，如何让这个展览在美术馆里均质地分布，导致观展的行为模式也是均质的。
“丰盛即美”开幕前夕，欧阳昆仑在松美术馆布展现场，摄影：董林 Hi：为什么选择红黄蓝的色调，这和你谈到的均质是怎样联系在一起的？ ▼ 欧阳：最初的想法，艺术作品多在二维的墙面上，生活艺术品在展厅的地面上延伸。它们怎么均质？基本上整个一层展览空间以每三米一个见方，正交切分，连续不断，每一方格中一件生活艺术品或三维艺术品，等于是矩阵式摆放，大家可以环绕流转着观看。牵扯到展期中触碰、管理等问题，这种切实的均质就不能实现。但是我们依然尝试了对空间的均质分割。生活艺术品中有一件里特维尔德的《红蓝椅》，在1917做出椅子原型后，1918年就有了风格派第一次宣言，同时蒙德里安确立了风格派新造型主义及其三原则：正交构图、矩形构型、红黄蓝三原色。这自然与我们对空间的均质格化串联，也是向风格派致敬。 Hi：大面积的红黄蓝视觉上会过于强烈吗？在松美术馆这样一个自带流量的空间里，你会担心自己的展览做得很网红或者说漂亮吗？ ▼ 欧阳：我可能很难用漂亮这个词来形容，这个展览是多方面的机缘巧合，筹备时间很紧急，但它是一个在不断交流的过程中，慢慢生长出来的展览。这个过程中，没有纠结过。
空间可以丰富艺术品的解读， 且不搅乱观者的感受 Hi：你之前也曾经参与过艺术展览的空间设计，而这次是作为展览的策展人，工作方法有什么不同？ ▼ 欧阳：作为展览的策展人，有相当一部分工作内容跟之前只参与空间设计是重合的。策展与展览内容的关系更密切，同时需要考虑与展览有关的所有因素。除生活艺术品与艺术作品之间的关系，还包括展览所处的这个时节，以及展览所在的内环境、外环境。人们越过温榆河，穿过格拉斯路上的白杨林，进入草地、白房子、松树的美术馆……所以这个展览营造了一个与798艺术区或者市区公立美术馆不一样的氛围，互为呼应和补充。 Hi：从策展来讲，空间设计师的身份给艺术展览带来哪些新的思路？ ▼ 欧阳：当我们把艺术作品和生活艺术品都当作物或者说资源来考虑的时候，空间本身也是个物。虽然在大量的展览中，空间只是一个白盒子或者有颜色的盒子，但我们希望它能够真正参与到展览之中，和所有的作品发生关系，同时也让作品信息产生另外一个维度上的丰富。 希望观者在感受艺术的时候也能意识到空间的存在，空间能够丰富艺术作品的解读，且不搅乱感受。
杨扬《要runway，不要runaway-1号选手》60×25cm（异型） 布面丙烯 2020 Hi：所以这个展览最后更像是你个人的一件作品，无论是艺术作品、生活艺术品还是空间本身，都是你所使用的道具。 ▼ 欧阳：艺术行业中做展览的机构，如画廊、拍卖行、美术馆等等。画廊是在制造个体，拍卖行也是推出个体或者相近的群体，那美术馆该做什么呢？当然也可以推出个体，或者相近的群体，但我觉得美术馆更重要的是推出艺术事件，推出一个与社会和公众有着更多交流的、更加开放的展览，以及慢慢积累的文化生产。所以这个展览基本上是朝着这个方向做，相对就弱化了展览中单件的作品，或者说物。 Hi：展览最终呈现的效果和你最初的预期相符吗？有没有遇到比较难解决的问题？ ▼ 欧阳：展览中生活艺术品非常丰富，艺术家的作品也是非常多彩的状态，我指的是真正意义上的多彩，包括每个艺术家的用色、造型、语言、形式……在红黄蓝三原色的基本界定下，最初担心过于强烈的色彩关系、物体关系，但是最后大体还是在可控方向上。 展览要有自己的态度， 而不是单纯的作品罗列 Hi：这两年无论是设计师介入艺术展览，还是艺术介入生活的现象都非常频繁，你如何看待这种跨界？ ▼ 欧阳：常听到身边的朋友说艺术介入生活，但我以为艺术跟生活的边界早就不存在了。热爱艺术的人士，介入到艺术空间，一方面跟这个时代的泛艺术化有关系，一方面也能活化艺术本身的生命力。 Hi：你之所以会觉得生活和艺术之间没有边界，某种程度上是因为自己本身就有藏家的身份吗？那么对于大多数人而言呢？ ▼ 欧阳：我自己的生活和工作中有艺术的存在，但是谁的身边没有呢？从封建社会、资本主义到社会主义，每一个词都代表的是基数越来越大的群体，能够更多地享受集体资源，其中就包括艺术。动漫、潮玩、音乐、戏剧、电影，我们天天都在接触，艺术与每个人的生活没有隔阂。
Hi：刚刚我们提到你除了设计师的身份之外，还有着茶所合伙人、收藏家等身份，比如你收藏了李明的影像作品。在从古器物收藏转向当代艺术收藏的过程中，你的选择标准或者说趣味是怎样的？ ▼ 欧阳：这是一个从混沌逐渐走向阶段性的具体和明确的过程。古器物阶段，更多是从个人趣味出发，没有进行系统学习和全面了解；之后转向当代艺术，是为了和这个时代有更多的交流，慢慢有了自己的取舍。可能因为我做空间设计的关系，就会对空间取向的作品，以及跟传统有关并与今天产生关系的作品感兴趣，这是艺术存在对我的活化。 Hi：在这次展览之前我们可能更多觉得你是空间设计师，那么现在你认为自己多了一个策展人的身份吗？你的策展理念又是怎样的？你会有明确喜欢或反对的策展方式吗？ ▼ 欧阳：还不能胜任策展人的角色。之所以能够策划这次展览，是我努力理解展览中的物，并以空间整合、编织起它们。如果真实地介入展览，我还是希望能够表达出明确、易读的态度，而不是中性的，貌似客观的。 艾敬《爱、珍珠和蓝》300×300cm 布面丙烯 2012，“丰盛即美”松美术馆展览现场，摄影：陈引
“丰盛即美”松美术馆展览现场，墙面上为右侧为王中军作品 王中军《温哥华院子里的无名花》120×90cm 布面油画 2017 相关展览 日期：2021年9月25日-11月12日 地点：松美术馆（北京市顺义区格拉斯路） 策展人：欧阳昆仑 艺术家：高伟刚、鞠婷、刘思麟、史国威、武子杨、杨扬、张心一 特别展览单元：艾敬、王中军 |
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