 我在飞机上俯瞰圣贝纳迪诺，看到游泳池、房屋和太阳。我从未如此激动……我觉得它棒极了，我很喜欢，这个地方确实在生理上影响着我。 ——大卫·霍克尼  David Hockney-A Bigger Splash, 1967 大卫・霍克尼《大水花》,1967年 蓝色泳池里的大水花，充满暗示与遐想——上一秒刚刚结束，下一秒即将发生 在大块色域组成的极简构图中央，定格了一朵水花——同时指向跳水者在出水前的短暂隐身。这种介乎于平静与紧张、表面与深处、自发与稳定之间的戏剧性场景，赋予作品一种别样的视觉冲击。《大水花》无疑是大卫·霍克尼的美学商标：大面积的蓝，远景的座椅和棕榈树，美术感极强的水花，平面的空间设计——一切都在渲染洛杉矶这个令人艳羡的阳光午后。 1964年，霍克尼首度踏足美国西海岸。加州充沛的阳光和明媚的风景，以及无处不在的游泳池，令霍克尼深受震撼——连空气中都是荷尔蒙的味道。霍克尼曾在一次采访中透露自己对游泳池的迷恋，他说 : '在英国如果你家里有一个游泳池，那是一件非常奢华的事情，因为大概一年只能用到一次。但是在到达洛杉矶之后，我发现它比我想象中的还要好上许多倍，在这里拥有一个自己的泳池简直是件稀松平常的事情。'   他对加州一见钟情。同年，回到伦敦后，霍克尼创作的第一幅作品名为《好莱坞游泳池画像》，拉开其最重要的创作系列和主题'南加州'的序幕。 1966年，霍克尼决定迁往加州。短短的十二个月内，《水花》及多幅与泳池相关的作品相继面世。霍克尼脱离了早前绘画中的稚拙线条和抽象形态——他在洛杉矶找到了一种崭新的呈现方式。辨识度极强的画面、不羁的色彩、感性与享乐主义的图景，每一幅绘画都带着加州空气特有的躁动。   我足足花了两个星期去画这件历时只有两秒钟的事。水花溅起的一刹转瞬即逝，难以在时空里定格。因此，要是我们能在画里目击这一刻，会比观看照片来得震撼许多。 ——大卫·霍克尼  Jackson Pollock-Blue Poles, 1952 杰克逊·波洛克《蓝柱》，1952年 他将画布放在地上，从四面八方作画，稠密而抽象的色彩与形式混合为枝藤缠绕般的图像，漫无方向地铺满画幅。杰克逊·波洛克简单又具革命性的满幅(All-over)和滴画(Dripping)创作，彻底改变了关于造型艺术的定义。这些没有任何具体表现对象的作品，出自泼、溅、喷、洒的创作手法，被视为艺术家心理状态的即兴流露。绘画本身成为事件。 抽象主义之所以独占鳌头将近20年，有诸多原因。存在主义哲学当然是其滋生的肥沃土壤，另一个屡见不鲜的解释是，经历了战争的恐怖，具体的乌托邦愿景显得极其不可信——具象绘画已不再适宜。 当年，波洛克被视为美国艺术摆脱欧洲文化重负至关重要的推动力。纽约第一次取代巴黎，成为世界艺术的中心。当然，纽约画派并没有完全脱离西方的艺术传统，他们继承了欧洲现代主义艺术在形式方面的探索，也继承了现代主义艺术的反叛性格。 告别经典艺术，开辟新的表达可能性。50年代初，伦敦当代艺术学院的一批建筑师、设计师和艺术家结成'独立团体'(Independent Group)。与巴黎和纽约的情形相似，他们探讨艺术与生活之间的平行现象，主张跨行业的艺术创作，而不受制于艺术类别的特定美学。后来被誉为'波普艺术之父'的理查德·汉密尔顿(Richard Hamilton，1922-2011)就是团体成员之一。  Richard Hamilton-Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?, 1956 理查德·汉密尔顿《是什么使今天的家庭如此不同、如此迷人》，1956年 1956年，汉密尔顿为'独立团体'的一场名为“这就是明天”的展览设计了一幅海报，《是什么使今天的家庭如此不同、如此迷人》——被视为最早的波普艺术作品。画中的健美运动员手握一个恍若网球拍的巨大棒棒糖，上面写着POP(波普)字样。'波普艺术'究竟是什么？汉密尔顿用各种拼贴及标题中洋洋自得的问句，探讨了通俗文化与艺术之间的关联。就像安迪·沃霍尔的名言——'一切都很可爱'，庸常事物的地位被抬高，物质世界漂亮的一面被极力凸显。可以说，'波普美学'囊括一切，来者不拒。 对平凡之物的美化、刻意的精细描摹、别出心裁的表达、拥抱新材料新科技，以及系列化的制作模式.......大卫·霍克尼的创作与波普艺术相当关联，当抽象表现主义的灵感与激情日渐式微，他溅起的泳池水花涤荡着欧美的艺术空气。    迥然相异的抽象表现主义、极简主义和波普艺术被霍克尼共冶一炉，淬炼出独特的美学风格。如果杰克逊·波洛克往画布上泼洒颜料的行动绘画是当下情感和心理状态的披露，那么，霍克尼耗费数天用小号画笔仔细描摹的水花，就是对'即兴绘画'的幽默颠覆。 不止于此。《水花》在传统、现代之间来去自如，诙谐地审视着当代绘画的形式 : 几何色块的安排几乎过于安静和整齐，瞬间打破画面张力的水花具有惊人的爆发力——而水花以外的平静似乎正处于崩溃边缘。刻板构图搭配水花四溅的意象，是霍克尼对极简艺术乏味形式和构图的回应。 David Hockney—A Splash, 1966 大卫・霍克尼《水花》，1966年 这是水花系列三部曲中的第二幅，洛杉矶的游泳池对霍克尼而言可谓全新的挑战 : 如何描绘动态的透明事物，又如何将动态定格在静态的图像里。没有打底色的画布为边框，镶起简练的线条和沉静的色块，以及，一朵灵巧敏捷的水花 David Hockney—Picture of a Hollywood Swimming Pool, 1964 大卫・霍克尼《好莱坞游泳池画像》，1964年 David Hockney—Domestic Scene, Los Angeles, 1963 大卫·霍克尼《家庭场景，洛杉矶》，1963年 这幅作品包含了一些霍克尼最喜欢的主题 : 流动的水、幕帘、内景和性意象。霍克尼还是一名学生时，英国同性恋仍然是非法的，他所创作的被他自己称作“同性恋传教'的作品 David Hockney—The Room，Tarzana, 1967 大卫·霍克尼《房间，塔扎纳》, 1967年 多年前还未踏足此地时，加州就已经成为霍克尼向往的自由之地和性解放乐园。'我并不知道自己被加州吸引……因为我觉得这个地方能令我兴奋。而这当然与性有关。'加州系列绘画中的愉悦感就像这幅作品中那张简约、朴实的床，一个半裸的年轻人躺在上面，暧昧、慵懒，仿佛置身桃花源 David Hockney—Peter Getting Out of Nick's Pool, 1966 大卫·霍克尼《彼得从尼克家的游泳池上岸》，1966年 霍克尼的标志性风格 : 简化和扁平化了的形象，水波被抽象成蓝色域上的白色波浪线，类似于漫画或广告。作品的边缘依旧是未打上底色的画布，霍克尼说留下画布边缘是为了“让画看起来更像一幅油画” David Hockney—A Lawn Being Sprinkled, 1967 大卫·霍克尼《草坪上的花洒》，1967年 David Hockney—Rubber Ring in a Swimming Pool, 1971 大卫·霍克尼《游泳池里的游泳圈》，1971年 这幅作品创作于艺术家黄金时期的尾声，彼时，霍克尼与他长期的恋人Peter Schlesinger的关系正处于分手的边缘。两人相识于1966年，当时Peter还是一名18岁学艺术的学生。画面中心，蓝色区域的平静被一些白色漩涡打破，底部斑驳的褐色巧妙地唤起了水纹石的斑点，两者边界模糊。扁平化的红色泳圈几乎是一个异类的存在——像是欲望风景中的警告符 David Hockney—Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), 1972 大卫·霍克尼《艺术家的肖像（游泳池与两个人物）》， 1972年 这幅大尺幅的丙烯画依然以Schlesinger为模特，结合了霍克尼在上世纪60-70年代最感兴趣的两个主题 : 游泳池和双人肖像。2018年11月，它在佳士得以9030万美元的价格拍出，创下在世艺术家画作拍卖史上的高价记录 David Hockney—Study of Water in a Pool 大卫·霍克尼《泳池之水的习作》 David Hockney on Painting Water 大卫·霍克尼所画的泳池水波 “在游泳池系列的创作过程中，我开始对'画水'这个很普通的问题感到兴趣，我想办法画出水的动态。这是一个有趣的形式问题。'霍克尼尝试用多种颜色组合表现水面：蓝色和灰色墨水描绘、蓝色平面与相互缠结的线条、后来又改用白、黄、粉红和紫色的波浪线条，以波普艺术风格呈现水面之下的动感。 强烈的现实主义特质被霍克尼以理想化的、刻意的颜色和线条强调出来。霍克尼采用的是当时还是新材料的丙烯颜料，这让他的作品笔触平滑、色调鲜明。对水及光的画法更是开创先河，加上像广告喷画式的风格——他是最早把广告色的那种色觉运用到绘画中去的艺术家。 霍克尼的加州系列绘画，感官体验的现实主义中夹杂着令人眩晕的设计感——几乎像是一个幻影。那些场景看起来既是永恒又是转瞬即逝的，是享乐主义的，又带着些许惆怅。 这些霍克尼最著名也是最杰出的作品——洛杉矶人造绿洲背后已成形的、边缘化的欲望乐园，如同高更笔下的大溪地，两人都以外来者的身份，透过理想化的滤镜看待心中的异邦乐土 。 如果说霍克尼通过暗示将易逝的东西凝固成了纪念碑，表达了一个'完美时刻'的具体形象，那么，绘画中僵硬的人物关系、空虚如幻像的环境，也包含着爱德华·霍珀式的孤独——阳光下也不乏暗影。 爱德华·霍珀，这位美国画家在艺术史上的地位和英国的培根、弗洛伊德一样特殊——他们都坚守具象绘画的传统，不曾受到前卫艺术潮流的影响。但霍珀与所绘景象始终保持距离。摄影般的广角视角赋予画面近乎神秘的静穆，情感中立的快照式描绘让人着迷又担忧。 Edward Hopper Lighthouse Hill, 1927 爱德华·霍珀 《灯塔山》,1927年 Edward Hopper Gas, 1940 爱德华·霍珀 《加油站》，1940年 Edward Hopper Cape Cod Morning, 1950 爱德华·霍珀 《科德角的早晨》，1950年 Edward Hopper Second Story Sunlight, 1960 爱德华·霍珀 《二楼的阳光》，1960年 对人的观察是一件充满想象的趣事，我永远乐此不疲。每个人都很有意思，因为人各有异，都是独特的存在。 ——大卫·霍克尼 Lucian Freud《David Hockney》，2002 弗洛伊德《大卫·霍克尼肖像》，2002年 佛洛伊德与霍克尼在工作室，2002年 David Hockney—portrait of Lucien Freud and his assistant David Dawson, 2002 霍克尼为佛洛伊德(左)及助手绘制的双人肖像，2002年 David Hockney—Self Portrait with Red Braces, 2003 大卫·霍克尼《穿红色背带裤的自画像》，2003年 同为英国画家，培根最大，霍克尼最小，三人的年龄分别相差了十几岁。在风起云涌的现代艺术潮流中，他们仍坚守着看似保守的肖像绘画领域，并且都做出了非凡的成就。 在霍克尼之前，唯一拥有“女王勋章”(Queen's Order of Merit)的画家就是卢西安·弗洛伊德，2011年他去世之后，74岁的大卫·霍克尼被推选为“最具影响力的英国艺术家”。2012年的第一天，英国女王将限量24枚的“女王勋章”授予了这位国宝级的画家。 大卫·霍克尼(David Hockney, 1937--)出生于英国布拉德福德，先后就读于布拉德福德艺术学院、切尔西艺术与设计学院和伦敦皇家艺术学院。他可以算是年少成名 : 1962年，25岁的霍克尼在伦敦皇家艺术学院毕业的前一年获得金牌奖；26岁，举行了第一次个展；33岁，开始举办巡回个展......易于识别的乐观精神，饱和色调的调色板，多样性且大规模、大尺幅的作品，霍克尼的绘画比大多数在世的艺术家更容易被公众熟知与接受。一直以来，他在英国的艺术叙事中扮演着重要角色——一个评论家和媒体极度渴望填补英国艺术史的“伟大画家”的角色。 肖像画的创作，贯穿了大卫·霍克尼整个的艺术生涯。他的肖像画具有一种强有力的人文主义立场，一种令人感动的坦率和朴实，体现了他对于所观察的角色的理解与尊重。在这些双人肖像中，画中人物之间既有戏剧性，也有模糊性，这是霍克尼肖像作品很关键的品质。 David Hockney—My Parents and Myself , 1975 大卫·霍克尼《我的父母和我》，1975 在最终定版的《我的父母》(1977)之前，霍克尼还有2幅相关的创作——其中之一，画家的脸反射在父母之间的镜子里，父亲的形象有点拘谨。霍克尼对这幅肖像感觉不满意，他决定重画一幅。他的母亲在日记中写到 : “大卫决定销毁这幅肖像画。昨天听到他这个决定时，我很沮丧，但现在感觉好多了。” David Hockney—My Parents, 1977 大卫·霍克尼《我的父母》，1977年 在霍克尼重新创作的肖像中，母亲依旧端坐着，温柔地注视着前方 ; 父亲的姿势则更自然，他埋首一本读物，似乎不擅应对被观察和描绘——很难不让人联想到塞尚的父亲肖像画。父母之间的小梳妆台底层，放着六卷普鲁斯特的《追忆似水年华》，镜子里反射的画架和作品隐约透露了画家本人的存在 David Hockney—American Collectors (Fred and Marcia Weisman), 1968 大卫·霍克尼《美国收藏家(弗雷德和马西娅·韦斯曼)》，1968年 霍克尼在创作中会使用照片作为参考，但他的绘画没有一幅看起来像照片。他的作品不是照相写实主义，也从不显得乏味或过时——通过构图，霍克尼在图像中制造出另一种观看的视角，暧昧或令人屏息的气氛弥漫画面 David Hockney—Model with Unfinished Self-Portrait,1977 大卫·霍克尼《模特与未完成的自画像》，1977年 构图参照了提香《乌尔比诺的维纳斯》，描绘的是同性恋的家庭生活场景，弥补了艺术史上男同肖像的缺席。画面中的宝蓝色布帘，间隔开画家与床上熟睡的男子——像是一个分界，隔离了现实与幻象。 霍克尼常常利用布帘创造出画面的舞台效果 David Hockney—Mr and Mrs Clark and Percy, 1970-71 大卫·霍克尼《克拉克夫妇和小猫佩西》，1970-71年 这是霍克尼从1968年开始创作的一系列双人肖像画中的一幅，作于这对夫妇的婚礼之后，当时，霍克尼不仅参加了婚礼，而且还是新郎克拉克的伴郎。画家借鉴了扬·凡·艾克《阿尔诺菲尼肖像》和威廉·贺加斯《浪子生涯》中的象征主义元素和构图——站立姿态的西莉亚显示出她才是婚姻关系中坚定自信的伴侣这一方，百合花与猫也各有隐喻。霍克尼形容这幅画的风格接近自然主义，尽管看起来像是抽象和扁平化的。2005年英国进行了十大绘画佳作的评选，这幅画是唯一一幅在世艺术家的入选作品 David Hockney stands with Celia Birtwell in front of his painting, 2017 大卫·霍克尼和西莉亚在绘画前的合影，2006年 David Hockney’s Long-term Muse Celia Birtwell 大卫·霍克尼长期的灵感缪斯西莉亚·伯特韦尔 霍克尼画肖像有一个特点，他会一再重画同一个模特——比如，他的母亲，他的友人艺术家John Baldessari、银行家雅各布·罗斯柴尔德勋爵，等等。肖像画是霍克尼对人类关系复杂性的探索，也是他对时光流逝的温和沉思。 纺织品设计师西莉亚·伯特韦尔(Celia Birtwell)一直是霍克尼最亲密的朋友，他说 : '西莉亚有一张漂亮的脸，非常罕见，上面有太多吸引我的东西。此外，还有她敏锐的直觉，以及她的善意——这些是她最大的美德。对我来说，她是一个很特别的人。肖像画不仅仅是绘画的线条，还包含更多内在的东西。我对西莉亚太熟悉了，我画过她很多次，对她的了解总归会让这些肖像有点不同。' 在霍克尼的艺术生涯中，他颇具野心地进行多途径尝试，希望用多样的形式语言归还艺术以自由。但霍克尼的兴趣却不在于单纯地呈现或记录——他更在意的是如何推进对图像空间和透视法的研究。 '艺术史、图像空间、肖像技法'，始终是霍克尼关注的主题。1967年，霍克尼拿到一台35mm Pentax 相机，触发了他对'真实'的思考。他认为，摄影、电影和电视这一类的技术和器材，导致许多当代艺术家放弃了造型艺术，这是一种对艺术的消极影响。'...以为一副简单的机械镜头比任何画家和雕塑家都能够抓住现实。可是，一幅照片记录的是碰巧被相机抓住的那一瞬间，相机看不到人类可见的东西，总有什么会漏掉。' 德国表现主义画家奥托·迪克斯(Otto Dix, 1891-1969)也对摄影有着类似的质疑 : '肖像绘画被摄影取而代之，是现代主义的、傲慢的、同时不乏幼稚的误区之一。摄影只能捕获一个纯粹外在的瞬间，却无力塑造特殊的、个体的形态，后者取决于画家的艺术创造力和直觉。100张照片展示的只是100个不同的瞬间，却无法把握整体的氛围。只有画家能够看到和塑造整体。' Otto Dix—The Artists Parents, 1924 奥托·迪克斯《父母肖像》，1924年 绿色壁纸前的沙发上坐着一对老夫妻，他们衣着朴素，双手放在膝上。他们坐得如此之近，手臂相互接触——这是画面中唯一亲密的表现。两人的视线朝向画外不同的方向，同时又向内收敛。迪克斯充满爱意地为辛苦劳作的父母画像，他对摄影的研究，在这幅肖像画中得到了清晰的展示 : 精确的画法和距离感几乎可以与摄影媲美，但区别也一目了然，比如超大比例摹写的双手 Paul Cézanne—Madame Cézanne in a Red Armchair, c. 1877 保罗·塞尚《红沙发上的塞尚夫人》，约1877年 Paul Cézanne—Madame Cézanne in a Red Dress, 1888-1890 保罗·塞尚《穿红裙的塞尚夫人》，1888-90年 Paul Cézanne—Man in a Blue Smock, c. 1897 保罗·塞尚《穿蓝衫的男子》，约1897年 艺术当然是关于分享 : 如果你无法分享一种经历、一种想法，你就不可能成为一名艺术家。 ——大卫·霍克尼 David Hockney—Pearblossom Highway, 1986 大卫·霍克尼《梨花大道公路》，拼贴画，1986年 霍克尼花了几天时间行驶在加州梨花大道公路上，这幅作品分别从司机和乘客的视角描绘了美国的公路风景 : 右边是司机需要注意的路标、路况，以及目的地 ; 左侧则是一个更为悠闲的观察者，可以欣赏沿途风光。近处物体的放大强调了不同立场的透视效果 David Hockney—9 Canvas study of the Grand Canyon, 1998 大卫·霍克尼《9画幅的大峡谷习作》，1998年 David Hockney—Nichols Canyon, 1980 大卫·霍克尼《尼科尔斯峡谷》，1980年 这是一幅让感官充满愉悦的野兽派风格绘画。每一种色调都相当原汁原味，反映出画家眼中和想象中看到的生动场景。霍克尼对色彩的敏锐和精彩的笔触，有种令人目不暇接的愉悦 David Hockney—Going Up Garrowby Hill, 2000 大卫·霍克尼《登上加洛比山》，2000年 David Hockney—Afternoon Swimming , 1979 大卫·霍克尼《午后游泳》，1979年 David Hockney—Hollywood Hills House, 1981-82 大卫·霍克尼《好莱坞比华利山上的住宅》，1981-82年 David Hockney—Red Pots in the Garden, 2000 大卫·霍克尼《花园里的红色花盆》，2000年 David Hockney—Garden with Blue Terrace, 2015 大卫·霍克尼《有蓝色露台的花园》，2015年 David Hockney—Garden, 2015 大卫·霍克尼《花园》，2015年 独特的蓝色露台背景和中心的游泳池，一眼就可以认出这是霍克尼在好莱坞的私宅花园。前景的仙人掌使花园成为生活和色彩的天堂，霍克尼从多种角度描绘过这座活力四射的花园 A Bigger Interior with Blue Terrace and Garden, 2017 大卫·霍克尼《蓝色露台与花园的大内景》，2017年 1978年，霍克尼在好莱坞比华利山上购入一处房产，他爱上了那里的阳光、色彩、空间和人。“我喜欢生活在彩色之中”他说。新的环境为霍克尼提供了诸多的视觉灵感，数百幅标志性的风景画在他家中和花园里诞生 霍克尼钟情于具象画。从铺洒阳光的游泳池、温馨绚丽的加州花园，到美国壮美的自然风光，还有他亲切的故乡约克郡......都是令人愉悦、舒适的主题。观赏这些生机勃勃，活泼直白的绘画，给人一种奇妙的体验。霍克尼是感性的、快乐的，充满活力与想象 ; 同时又是好奇的、探索的，将他思考、经历与及时捕捉到的一切，毫无吝啬地分享出来。 霍克尼是一个学者型的艺术家。他永不满足的好奇心，以及对艺术的本质——'感知'(perception)和'再现'(representation)的严格探索，成为他不断推陈出新、勤奋创作的动力。霍克尼最出名的风景画和肖像画，出自上世纪60年代末和70年代，那些作品显示出他对于'描绘社会关系中存在的矛盾和紧张，描绘水或玻璃等透明材质'的兴趣。在随后的几十年里，霍克尼从未放弃对描绘视觉复杂性的迷恋 ; 相反的，他不断地拓展边界，尝试从不同的角度深入探究这些相同的主题。 David Hockney—A Closer Winter Tunnel, February March, 2006 大卫·霍克尼《近看冬季的隧道》，2006年 David Hockney—Woldgate Woods, 6 & 9 November, 2006 大卫·霍克尼《沃尔德盖特树林》，2006年 David Hockney—Woldgate Woods, 24, 25 and 26, 2006 大卫·霍克尼《沃尔德盖特树林》，2006年 David Hockney—The arrival of spring in woldgate, 2011 大卫·霍克尼《沃尔德盖特的春天来临》，2011年 David Hockney—More Felled Trees on Woldgate, 2008 大卫·霍克尼《更多被砍伐的树木》，2008年 ▲ 诺曼底春天的来临：大卫·霍克尼个展，2020年 ▲ iPad绘画是一种挑战：大卫·霍克尼带来的灵感 霍克尼回忆早年接受的绘画教育，他表示，“老师只能传授技艺，而非诗意。” 有一段时间，霍克尼重新将注意力放在英国变化无常的自然景观上。他回到家乡英格兰北部东约克郡(East Yorkshire)，每天驾车穿越沃尔德斯(Wolds)，时常被“大自然最生动的一面”所震撼——那些缓慢衰落又顽强再生的景象。“有些日子的自然实在是太美，颜色太棒了。我能看见颜色，比一般人对颜色更敏感。”的确，观看同样的景象，并不意味看到同样的东西——自身特有的成见、经历、爱好和知识都会被带入观看中，也会决定我们将如何理解眼前的事物。霍克尼制作了一张张同样题材的图像 : 约克郡的山岗、田野、树木和小路。这些图片有些是油画，有些是iPad打印出来的相片，霍克尼眼中的色彩和形状令人心醉 : 小路是紫色的，树干是橘色的，树叶变成了鲜艳的泪珠。 在接下来的十年中，霍克尼创作了一系列对他来说很重要的作品，从多个角度捕捉约克郡的乡野景致与季节变化。这些画作规模巨大，通常是由多幅油画拼接而成。温润、丰饶的英格兰大地，满是马蒂斯画笔下那种人间乐园般的繁茂 : 树篱因新生而扭动，带着一种卡通式的、纯粹的力量，萌芽变成新叶，冰层融成水洼......世间万物通过'形变'无休止地更迭、重生。 如同康斯太勃尔沉迷于研究家乡萨福克郡的天空与云层，或者像艾克之于塞尚、吉维尔之于莫奈、阿尔勒之于梵高——霍克尼继承了这种传统，在他的出生地约克郡附近找到了一个属于自己的灵感之地。在那里，他像康斯太勃尔、塞尚一样，花了数年时间来研究自然、光线和色彩，他所关注的是对空间感知的新观念、新思考，以及如何创造出更接近观看感受的图像来。 已经太久没有一个重量级的画家，愿意为重新想象英格兰的风景做一次如此全面的尝试了。 霍克尼的后期创作——这些用马蒂斯式的、未经调色的蓝与绿所描绘出的花园风景，散发着一种由轻快和精湛的技艺所带来的芬芳。 Henri Matisse Le bonheur de vivre, 1906 亨利·马蒂斯 《生之喜悦》，1906年 Henri Matisse Still Life with Dance, 1909 亨利·马蒂斯 《静物与舞蹈》，1909年 Henri Matisse La Danse (first version), 1909 亨利·马蒂斯 《舞蹈》，1909年 Henri Matisse The Conversation1908–1912 亨利·马蒂斯 《对话》，1908-1912年 绘画就像玩国际象棋，你的脑力风暴远比棋盘上的落子要强烈与超前得多。 ——大卫·霍克尼 :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: :: 约翰·伯格在《观看之道》里写：“一个画家如在传统的熏陶中成长，也许从16岁起就当绘画学徒，若要表现出众，就要确实认识到自己观察事物的方法，然后使它脱离过去的习惯。他必须单枪匹马地对抗过去造就他的艺术规范……这意味着他明白自己在从事一些别人不能预见的工作。” 霍克尼之所以成为霍克尼，不是因为他26岁就举办了个人画展，也不单是因为他用色大胆，采用前沿科技参与制作、艺术形式多彩多姿，或者只是因为他足够当代。而是因为，他做了一些别人不能预见的工作——他一直让自己处于一种不能预见的状态里。 从60年代的加州乌托邦，70年代的自然主义写实肖像，80年代的摄影拼贴，90年代对空间经验的反思，千禧年之后对好莱坞及家乡约克郡两地的风景描绘，再到近年来对科技发展与绘画理论的思考......霍克尼的艺术生涯横跨多个领域。他致力于探索不同媒介和技术手段，弥补不同艺术形式的限制——油画、水彩、摄影、印刷版画，电脑、手机、iPad等设备参与的制作，霍克尼走在一场绵延的艺术旅程中。 的确，霍克尼创作了一些本世纪最生动、最有辨识度的绘画，但更重要的是，他把英国艺术史上最令人骄傲、受人青睐的风景画和肖像画这两种传统风格，重新带回大众的视野。 与他同辈的许多艺术家要么淡出了艺术界，要么悄然离世，而他，依然戴着黑框圆镜，拄着拐杖，穿着宝蓝色的毛衣出现在各种公众场合。 |
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