摄影指导仲硕专访：如果你能把自己打开，市场就也能打开。

在我看来，优秀的摄影师不仅能做到弥补摄制组时间和空间上的不足，还可以为导演的创作加分，并为演员的表演提供帮助。

—仲硕

仲硕

摄影指导

2010年毕业于北京电影学院摄影系，ARRI官⽅合作摄影指导。2017年担任成⻰⾸部科幻电影 《机器之⾎》摄影师，2018年与张艺谋导演⾸度合作，担任平昌冬奥会中国⼋分钟摄影指导，同年为张艺谋导演新⽚《⼀秒钟》掌镜，2019年再次为张艺谋导演谍战⽚《悬崖之上》掌镜。电影《2019阅兵盛典》核⼼摄影师。

作为导演和摄影指导制作数百条品牌⼴告，具有⼗分丰富的制作经验,多年的境外拍摄经验也使其拍摄⼿段更加国际化，影像⻛格多样化。与众多⼀线艺⼈和知名品牌有很好合作，并多次获奖。

 #1 悬崖之上 

Q：《悬崖之上》这部电影里面总会制造一些悬疑或者紧张的感觉，从摄影方面有做什么去帮助传达这样的情绪吗？

A：赵小丁老师从摄影镜头的焦段选择上，构图上和运镜方式上都做了设定，我们选择了超长的变焦的镜头，用更饱满的构图和运镜上的呼吸感，使画面变得更具不确定性，从而制造出紧迫感。《悬崖之上》以及我后来担任摄影指导的《潜伏者》都是谍战片，谍战片是一个独特的商业类型，它的镜头语言以及运镜方式和文艺片剧情片是不太一样的。

Q：可以结合《潜伏者》再具体的聊一聊吗？比如说大概什么样的一个情境，什么样的的一个人物情绪的时候，您会具体用到什么方式去呈现？

A：我在看《潜伏者》剧本的过程中得到了两个感受，一个是肃杀感，一个是压迫感。所以后面我去拍《潜伏者》的时候，我也是基于剧本带给我的这两种感受氛围去打灯。所以在演员正式的进入拍摄现场之前，我其实已经在场景里面，去做到了这种氛围上的感觉。在灯光氛围的设计上就要帮演员去创造一个符合剧情的表演的氛围。演员进到拍摄现场，他也会有更好的代入感。

举个例子，两个人在一个相对隐蔽的环境下碰面传递任务，你在这个环境里面肯定不会是那种明亮的氛围，它一定是一个暗部很多，亮部很少的环境。有的时候画面里的人物若隐若现，你不一定看得那么完全，在整个氛围上就形成了一种神秘感。

 #2.真相 

Q：可否结合《真相》聊一下，您作为摄影指导去开展一个项目的时候，通常会做什么样的筹备和思考？

A：还是先看剧本，看完剧本去跟导演聊，但是跟导演聊不是很天马行空的去聊。其实每次去跟导演聊之前我都还是蛮谨慎的，会提前做一些准备，通常情况下我会找参考片。《真相》是一个悬疑题材的剧。我当时也找了大概有10部以上悬疑类型的参考影片，有电影、美剧，各种不同风格的。我把这些片子的预告片以及截图都整理出来，也把这些悬疑片分了几个类型，然后拿这些影像的东西去给导演看。这个过程主要是看导演对这些参考的第一感受和反馈，导演是觉得哪些好我会标注出来，哪些跟他心目中对整个影片的理解的影像更贴近，我再回去根据这些重点展开。

第二次再去跟导演聊的时候，我就在导演确认的风格里面可能又找了10部这样的片子。当然这里面也有平时的积累，要不然这会是一个特别大的工程，平时不太忙的时候我会拉片，一部电影我可能截出1000张图片，不同的场景，不同的氛围，日景夜景，然后不同的环境，我会有自己的一个资料库。

大概在《真相》开机前20天，我就进组开始着手做测试片。看景之后我选了一些我们这个影片涉及到的几个场景，选了几场有代表性的戏，其中有日景有夜景的气氛，根据之前跟导演确认的摄影风格，带着跟组演员做了两天的摄影测试，然后我剪出一个三分钟左右片段，让导演能最直观的在开机之前感受到全片的氛围和影像气质，也为后续正式开机提供了LUT。

《真相》3分钟片花

Q：可否聊聊《真相》的拍摄方式？

A：《真相》是多视角的，一是犯罪嫌疑人对案情的虚伪编造，第二个是检查技术人员分析案件的视点，第三个是案件真实发生的视点，所以它是三重视点，这其实有点像《罗生门》。所以每场戏的视点是不同的，所以我是根据不同的视点去进行拍摄，而不是用单一的视角去拍摄。

拍《真相》运用了多机位的移动拍摄，这部戏的场景相对比较开阔，为多机位的移动拍摄提供了可能。再加上《真相》这个项目它本身具备了一些可运镜的方式，所以我就第一次做了这样一个尝试。

当时拍《真相》是4台摄影机，虽然是有四台但是每一台的功能都不太相同。一台在伸缩炮上，一台在斯坦尼康，一台上了如影，还有一台上了大变焦配合dolly上轨道。这样四台机器都具备了运动的可能性。很多时候这4台机器在一个场景下同时运用，大家拍的是同一场戏，同一条，但是互相之间并不影响。大家的景别也不太一样，有全景、中景、特写，有上下移动的，有左右移动的。

Q：为什么采取多机位的移动拍摄方式？

A：首先对于《真相》来讲，它是一个网剧，不是一个电影。对于剧来讲，它反而可以承载长镜头，因为剧的时间比较长，做长镜头不间断的运镜对整个场景和整个剧情推动来讲是有帮助的。

第二就是让演员能更自如的去表演，摄影机能抓到特别合适的角度。比如一场戏有20句台词，他每说几句话你要打断他一次，其实演员的整个情绪和动作上他很难接的。或者按照传统的方式先拍全景然后再拍摄中近景，也会有些摄影光线上的不匹配和演员表演情绪上的不衔接。但如果这一场戏让他从头到尾的做连贯的表演，演员的代入感会更强，表演起来也会更舒服。

多机位的移动拍摄不需要演员去配合摄影机，而更多的是摄影机去找演员。有时候同一场景里面会出现两三个演员，如果是一台机器拍你可能只能照顾到其中的一个。但多机拍的时候，画面里的这些人就都能照顾得到，主要是提高了拍摄效率。多机位移动拍摄不可能适合所有项目，也不可能适合每一场戏。但是我觉得对《真相》这个项目来说它是非常适合的。

《真相》片花

Q：可否聊聊《真相》的灯光设计？

A：关于灯光设计我觉得更重要的是一种感受，然后把它具象化。通过现场的一些场景设置或者光源设置来实现你的这种感受。

在《真相》这部剧中地面上基本上是没有灯的。所有的光源都在天花板上。这么做是为了更流畅的运镜方式，也是为了营造一种影像的氛围，这基于现在整体灯光和摄影设备的更新，灯光的小型化，隐形化，也给拍摄创造了一些可能。

如果按照传统电影分镜头式的方式去拍摄，一个镜头一个镜头拍，会缺失一些生动的表演。为了让演员有更多的表演空间，我基本上10个平方米内的地面是没有灯的，加上多机位拍摄，演员表演起来也更有表演支点，他可以更加自由的去移动，演员的表演代入感更强，拍摄出来的画面也更有生命力。

Q：您说的这种感觉，您通常是怎么去思考这个事？

A：其实一个摄影师拍任何东西，他一定有他自己想表达的东西。最开始我们读的都是文字，还是比较冰冷的，但是你能感受到作者的意图。然后我们是把作者的意图具象化，从冰冷的文字变成丰富的影像。我在监视器面前思考最多的一件事儿是，我读的这段剧本文字和现在我给出来的这些画面内容是否达到了一个完美的契合。

 #3.摄影指导 

Q：摄影指导坐在监视器面前的时候，除了刚才您说的思考，您会去想剪辑的事吗？

A：会想。而且这个东西应该是在开机之前就想清楚的。一个好的摄影指导，很重要的工作就是全片整体的美学平衡。奥斯卡最佳摄影和业界公认的摄影大师们，他们拍的东西全片的控制连贯性是非常好的，比如场与场之间光的衔接、运镜上的衔接。摄影其实是特别强控制的一个部门。

好的导演他应该也有这个意识，就是说他怎么能保证演员正常表演的同时，他也能给一个更好的调度，然后让摄影这边无论是从光线上还是运镜上能有一个更好的拍摄，其实大家是相互的。这样导演拍出来的片子，他获得的结果可能要比一些不太懂摄影或者说对影像不太敏感的导演更优质。

Q：从摄影指导的角度来讲，您觉得对于那些想做导演的人来说，他应该具备什么样的摄影思维，能够让他更好的去跟摄影指导沟通？

A：这个问题我觉得得分开说，电影分作者电影和商业电影。如果是作者电影，导演表达的是他自己内心想表达的一个东西，这个东西导演本身自己的感受是最重要的。这类导演我觉得摄影应该给导演更多帮助，帮助他完成他的表达。我其实也接触过一些这样的导演，他可能自己内容上他想的挺清楚，但是有的时候可能对影像的东西他又比较犹豫，不太确定。这个时候，摄影师就要给导演更多更具象的东西。在拍摄过程中，如果导演觉得哪里不对那一定是你摄影要调整，而不是去说服导演。你要真的站在导演的角度去考虑他觉得不对的点在哪，因为你是要去帮助他实现他脑中的画面，然后你去给他一个他认为对的东西。就是说如果导演完全不懂影像的东西，他也可以做导演，他能讲故事。我觉得导演最核心的是表达欲望和他传递的思想内容。

但是如果说你是作为一个商业片导演，那就应该具备很高的审美，因为不仅仅是要和摄影沟通，还要和美术团队造型团队视效团队音乐团队整体去沟通。很多成功的商业片导演都有很高的美学造诣。商业片有很多商业类型在那，也都有特别多优秀的成功作品，最简单的办法就是可以找些合适参考来和各个部门沟通。可以是电影片段，也可以是绘画作品，或者是音乐作品。

 #4.《ARRI Signature_demoreel》 

《ARRI Signature_demoreel》

Q：《ARRI Signature_demoreel》这条片您既是导演也是摄影指导，可否聊聊这条片的创作？

A：这个片子的缘起是Arri之前在大画幅镜头领域里面没有变焦镜头，为了更加丰富他的镜头组，它开发了一个新的家族 signature zoom。它里面目前有4支变焦镜头。每次Arri出新产品的时候都会邀请行业内的专业人士给它拍测试片。对任何摄影师来讲，能够受邀给Arri拍一个官方的测试片都会感到是一种荣誉。当时我拍这个片子的时候，使用的这两支镜头在全球范围内也都是唯一的存在。一只是 signature zoom 45-135mm T2.8，一只是 signature zoom65-300mm T2.8。ARRI这边希望除了常规的拍摄画面来展示他们这套变焦的镜头的特点以外也能有一些动态的镜头使用他们的SRH‑360遥控头和Trinity来拍摄。

自我入行以来电影广告这个行业一直都是男性为主导的行业，女性工作人员不是很多，不知道从什么时间开始我突然发现在这个行业里我周围的女性工作人员开始变得越来越多，有一些很优秀的导演、美术、制片、第一副导演都是女性，她们有一些男性身上没有的特质和优势，你跟他们工作起来就会觉得很舒服。其实并不是行业的压力变小的，而是当代的中国女性的抗压能力很强，她们的出现开始让这个行业变得更体面更优雅了。基于这个想法，我做了这个片子。

所以我要拍摄中国当代女性，因为她们独立，不盲从，不依附的精神特质深深的吸引着我，我希望通过ARRI这个平台给全世界的同行们看到，在两天的拍摄时间里我们拍摄了十个场景，凭借着小伙伴们的专业和默契高质量的完成了既定拍摄任务，当然这与signature zoom为我带来的便捷性和优秀的成像是分不开的，在极端的条件下，这两支镜头都有着优秀的表现。    

 

既然拍测试片了那就做点自己擅长的。我不想拍中国人眼里老外认为很中国的东西。所以我想那拍点最自然的就中国女性，我选了三个女孩。他们职业都不一样，有摄影师、厨师和撰稿人。她们职业里面也是有对比性的。厨师做料理的时候很柔美，可她骑上机车就很飒，撰稿人在写作的时候很知性，他骑上闪电就很洒脱，摄影师她在工作的时候很优雅，开着跑车奔驰在三环路她就很激情。既有中国女性的柔美，又有很硬朗的东西。这是我对人物的设定，配乐用的是Monster vs Angle, 整体上要的就是这种碰撞感和反差感。

最后成片内容本身来讲还是满意的，当然也有遗憾。最开始摄影师的角色本来是准备邀请陈曼老师来出演，但我们这边拍摄时间协调不及。另外拍骑马那天因为草原上刚下过一场雨，所以跟拍车在草原的泥地上跑起来非常的吃力，因为机械这一块出现了几次小故障，4个小时的拍摄，中间有三个小时都在调试设备，加上天气非常炎热，骑马的女孩有点中暑，她坚持拍了一小部分，大部分都是替身拍的，所以我就没有剪太多她的镜头。虽然对于我自己来说有很多遗憾，但从阿莱那边官方给我的反馈来看，他们对这个片子的结果是很满意的，德国总部的负责人还专门向我表示感谢。

Q：都需要表现哪些技术指标？是有什么特定的场景需要拍到吗？

A：signature这个系列主打的就是自然条件下柔和的肤色还原，更丰富的阴影和纯净的暗部，柔和的散景突显分离度还有柔和雅致的眩光 。比如在草原和屋顶就是自然光感下的肤色还原，他很自然很柔和。在厨房因为厨房里面火起来之后很亮，但是火周围的地方很暗，在这种极大反差的环境下它的镜头表现是怎么样的，特别是它的阴影部分和暗部的表现都很好。在草原和隧道的拍摄是考验镜头在眩光下的表现。在望京soho的天台上拍摄的夜景很漂亮，镜头光孔全开后散景的光斑很迷人，层次感很强也很柔和。拍摄了大量女孩们脸的近景是为了表现镜头对人脸肤质还原的质感。然后就是signaturezoom镜头配合遥控头和稳定器在运动拍摄中的便捷性，所以对应的我们拍摄了三环路的跑车和隧道内的摩托车还有草原上的骏马，这三组镜头我们只用了半小时的时间就拍摄完成了，如果没有这些硬件的支持，很难想象会有这么高的工作效率。

总的来讲我作为一个商业摄影师还是很纯粹的，我知道Arri德国总部虽然没给我太多的条条框框，但是我知道他们的需求是什么，所以我没有拍任何无效镜头，基本上每一个镜头都和它的产品特点息息相关。最后ARRI在它的官网上把整个片子的每一个镜头都截取出来配上关于镜头特性的文字供客户去了解这个系列的镜头。

 #5. 张艺谋导演、赵小丁老师 

Q：您和张艺谋导演和赵小丁老师已经合作了很多次了，可以分享一些您和他们合作的经历吗？

A： 和两位老师的合作缘起于《北京八分钟》，2017年的秋天，我在《北京八分钟》的视频组导演李伟的引荐下加入《北京八分钟》的团队，开始了为期三个月的工作。这个经历对我来说是很特别的，张导和赵老师他们是中国电影的天花板，能和他们一起合作是件特别兴奋的事儿。在这个项目之后我又参与了张艺谋导演《一秒钟》和《悬崖之上》的拍摄。2021年我受赵小丁老师的邀请拍摄他导演的电影《斗破苍穹》。

Q：和他们合作过程中有哪些东西是您觉得比较受益的，可以跟我们读者分享一些吗？

A：我觉得对我影响最大的是观念，自从《冬奥会八分钟》之后几乎每年都能跟着两位老师拍一个长片项目，在这个过程中能潜移默化的感受到他们对于电影的认知和对于影像的理解还有对于市场的敏锐嗅觉。

张艺谋导演对每一部他自己的作品，他有特别强烈的个人印记。他会在每部戏开机之前，对这个项目建立一个特别完整的美学体系。所有整个执行过程，无论摄影、美术还是表演全在他的一个大审美体系之内。赵小丁老师总是能用最简单高效的方法去完成高质量的拍摄，之前我总是觉得要好的质量一定需要特别多的技术和硬件支撑，其实有些时候这些东西反而是拍摄的阻碍，好的摄影指导应该是一个敏锐的判断者，他可以依据他的经验来弥补整个摄制组在时间和空间上的不足。也为整个摄制组的创作加分，帮导演更好的讲故事，提升整个摄制组的效率。

张导和赵老师在工作中的精力非常旺盛，我觉得核心还是他们对电影的热爱。导演和摄影都是一个可以终身的职业。张导的体力绝对超越大多数年轻人，他有精气神，有坚韧的意志。当时跟他在拍冬奥会短片的时候，张导同时在做着《影》的后期，还在做着《一秒钟》的筹备，《坚如磐石》的剧本开发，这些事儿拿出来任何一项，让一个人把这一件事做好，是不是都挺难的？但是他同时能干这么多事，然后在做每一件事的时候都精力充沛，有饱满的热情。他在每一个项目上都能非常兴奋。甚至有的时候讲着讲着就能手舞足蹈起来，并且每件事都做得很好。而且他每天还能抽出一小时来锻炼身体。在他面前我会觉得自己真的不够努力，我能做的还有很多还可以更好。

雷克萨斯人生电影《任务》

 #6. 尾声 

Q：您觉得一个职业的摄影师应该具备哪些素质呢？

A：我觉得一个职业摄影师应该具备的素质之一就是性价比。我拍广告的时候都是单机拍，拍电影的时候也是单机拍，但如果都按照这种模式的速度和节奏去拍电视剧或者网剧是不行的。你可能觉得跟平时拍广告比你已经拍得挺快了，但是你到了那个环境下就是不行，因为根本拍不完。

这是为什么我也在传递的一个内容，就是作为一个职业摄影师应该去多涉猎不同的内容，就是广告你ok，电影你ok，然后剧你也要了解是一个什么样的节奏。作为一个职业摄影师来说，我觉得应该更全面一些。就是你拍文艺片有拍文艺片的方法，你拍剧有拍剧的方法。你不能拍任何东西都按你自己拍电影的标准去衡量这个事儿。拍电影可能一天只能拍出30秒或者 50秒的时长产出，但拍剧的时候你要产出10分钟。换算到每个镜头，可能质量精度上确实没有那么高了，但是你要站在摄影的角度上去追求一个性价比。

作为一个商业摄影师来讲不应该把自己局限于某一种或者两种类型，而是应该去多接触不同的类型，比如去了解商业类型里面的一些特质。虽然我这两年基本上都在拍长片，但之前拍广告时不同类型的积累，对现在长片的拍摄其实也是有很大帮助的。

Q：有很多年轻的摄影师活跃在这个行业的各个角落里，如果他们想要得到更好的项目或者更好的结果，有什么建议可以帮助他们成长吗？

A：做摄影确实需要花时间来成长。现在能接片的阶段，就尽量的多去接一些不同类型的。别拒绝一些自己没有把握的东西。我以前会有种感觉，好多片子我没拍过这个类型我就会很恐惧，就不想接，有这种抵触心理。要走出自己的舒适圈，千万别固步自封。你打开了自己之后，会发现市场对你的认可等各方面的东西反而也更开放了。如果你能把自己打开，市场就也能打开。

每一次拍摄，纪录片也好，采访也好，任何一次的拍摄对你未来的拍摄都是有帮助的。你的某一次拍摄经历可能就在你拍其他项目的时候解决大问题。另外，对导演的选择也很重要。一个好的导演，一个对项目有把控力的导演，可以让摄影的作用发挥到最大，会为整个片子加分，甚至是可以相互成就的。

Q：有些年轻摄影师还是面临许多困境，他们可能一方面暂时没有机会拍到比较高质量的项目，但是低质量的项目又觉得太low了，不愿意去拍。该怎么度过这个瓶颈期呢？

A：能理解你说的这个。其实还是应该对每一个镜头都拥有饱满的热情。我也是从那种低质量东西拍过来的，我给的建议是把低质量的东西拍成高质量的东西。把低质量的东西拍成高质量的次数越多，你后面接触的项目质量就会越来越高。

我对自己的一个要求就是不管我在拍什么，我都会认真把它拍好，既然决定了去做就要努力做好不留遗憾，这也是对职业一个最基本的尊重，我会把我周围所能调配的资源，在允许的时间内努力去做的更好一点。我很庆幸我没有长时间困在一个自己不喜欢的循环里。我做任何一个新的项目都是满怀期待的，每次走进拍摄现场的那一刻我的内心都会莫名的兴奋，因为这意味着又会有新的影像被创造出来。

最后，期待我有更多的影像内容可以被大家关注到。

大峰#51期摄影指导创作直播课

直播课内容：

1.在冬奥会《北京八分钟》中，摄影都做了哪些工作。（10min）

2.和导演工作过程中的一些收获。（5min）

3.网剧《真相》的摄影创作全过程。（15min）

4.多视点的拍摄方式。（10min）

5.多机位移动拍摄的应用。（10min）

6.视点性长镜头的实战应用。（10min）

#免费报名

• 直播时间：6月22日 20：00

• 课程形式：PPT+在线视频 
• 主讲：仲硕老师
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