 假如在美术馆看到一幅抽象画，你会有什么反应？ 大部分人的第一反应是不是——太抽象了，看不懂！ 回过神来，只觉得被画中那些交错的线条和色块迷了眼睛。 甚至站在画前直直地盯着十分钟，最后好像也是头顶着问号，转身离开，回忆说不出来。 但是你知道吗？抽象画，其实是可以听的。 就好比这一幅《构成七号》：
康定斯基 《构成七号》 1913年 康定斯基将晕染流淌的色彩，作为小号、长笛、小提琴等乐器；将交叉回转的线条，作为跳动的音符，让它们在画布上演奏了一首交响乐曲。
是不是觉得很神奇？ 作为抽象艺术界的大佬，康定斯基是少数将音乐与绘画结合起来的艺术家，这种充满创造力与想象力的画法，让他的作品格外与众不同。
瓦西里·康定斯基 1910年，康定斯基创作了一幅名为“即兴”的水彩。 画如其名，这幅画无论是线条还是色彩都让人觉得无比随意、自由奔放。也正因为这一点，“即兴”被视为人类有史以来第一幅纯粹抽象的作品，标志着抽象艺术的诞生。
康定斯基 《即兴》1910年 。来源/蓬皮杜艺术和文化中心 但很多人不知道的是，就在这幅画诞生的几年前，康定斯基都还只是一位在大学教书的法学老师。 那么问题来了： 为什么康定斯基能这么丝滑地从一个法学教授跨行成为艺术家，甚至还创作出了音乐感十足的绘画作品？ 其实，这一切与两次和艺术品的邂逅有关。 1895年，在莫斯科的一场艺术展上，康定斯基被莫奈的《干草堆》一把击中。
莫奈 《中午时阳光下的干草堆》 1890年 大胆对比的色彩，就算是模糊不清，也充分让人感受到画面里正午强烈的阳光。 原来画还能是这样的？！ 这次邂逅让康定斯基意识到，画面的主题是可以用色彩来表现的。 后来，在一次采访中他说道：“莫奈的《干草堆》促使我成为一名艺术家。” 而最终让康定斯基走上艺术这条路的，是一部歌剧——《罗恩格林》。
威廉·理查德·瓦格纳 《罗恩格林》是瓦格纳创作的一部浪漫歌剧，与将故事用一段段歌曲分开唱出的传统意大利歌剧不同，它的音乐和剧情紧密地联系在一起。 在歌剧的开头和结尾，有声势浩大的合唱和管弦乐拉开剧情，而当场面变换，剧情会自然而然地跟着旋律往前推进。 这种新奇的节奏和编曲，让康定斯基第一次有种“听到画面”的感觉。 这让他开始相信，音乐同样也有色彩表达的能力。 两次邂逅，让康定斯基看见了艺术不被限制的模样，于是他辞去法学教授的职位，毅然决然地跑到慕尼黑，重新学习绘画，成为一名职业艺术家。 此后，他游历欧洲，受到捕捉光色的印象派、上色直率的野兽派等艺术的影响，逐渐形成自己的绘画风格。
在他看来，音乐是一门表现音乐家灵魂的艺术，它随性而发，没有限制。而同样是表达艺术家内在精神的绘画，也不应该受到约束。 既然音乐可以没有歌词，那绘画也可以抛弃一切题材，只有线条和色彩。 于是康定斯基把音乐的理念带入绘画艺术，让音乐、色彩成为作品的主旋律，打造出一个又一个如交响乐般的艺术作品： 强烈鲜艳的黄色，就像一支小号，紧凑地吹出尖利的声音。
《构成七号》与《即兴31号》黄色局部 干净纯粹的绿色，是一把小提琴，轻轻地拉出缓和的乐曲。
《构成七号》与《即兴31号》绿色局部 而蓝色按照深浅则可以是长笛、大提琴、双管巴斯、管风琴......
《构成七号》与《即兴31号》蓝色局部 除此之外，基本的点、线、面是联系色彩的音符，竖线上扬，横线平缓，所有的元素融合在了一起，变成了可以用眼睛“聆听”的抽象作品。 康定斯基对于绘画的不设限，让他在抽象艺术的世界里弹奏着和谐又充满创造力的交响乐曲。 就像一颗星星，独特地闪耀在艺术的银河里。
对于大多数人来说，“古典乐”这几个字听起来似乎难以理解，遥不可及。 壮丽悠扬的旋律，感觉欣赏它都需要系好领带，穿上礼服才行。哪怕是再好听的乐曲，似乎都有点难懂，需要“翻译”。 但在中国钢琴家郎朗看来，一直站在遥远金字塔顶端的音乐，是难以打动人心的。（高雅艺术需要注入地气，被大家触手可及，才能焕发出无穷的生命力。） 前阵子，我们看到他与周杰伦用琴声伴随着发光的魔法与画作出现在《最伟大的作品》里，混搭着二胡流淌在《青花瓷》中。 又有谁说古典音乐就得是贝多芬、莫扎特呢？ 或许，“不被限制”，便是古往今来的古典音乐能跨越时间，持久打动人心的原因之一。  END |
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