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弦境 - 王恺作品展 本次展览将呈现艺术家王恺近三年的创作脉络 - 弦境系列。本次展览展出三十七件架上作品和三件小型观念装置作品，以及一件装置行为影像作品。
长年累月的专注，必定会引发深入的思考。越是深入，越是与环境脱离了关系，它属于个人的体验和感受 , 所表征出来的是观念、技术以及材料的选择。一直以来很喜欢木板的这种材质，它有生命的温度。 重复划线的过程，不仅有时间的象征，更有修行的意味，因为长时间均匀地重复，需要平静稳定的内心。所以，那些线条是心划过的痕迹。 行线的过程，我闭着眼睛只关注手与木板流动的触感，现在这就是世界的中心，也是世界的全部。光滑和粗涩，停顿与流畅、清浅与深刻。这是一种极细微的体验。这个体验，很像禅修中的呼吸，一呼、一吸、一呼、一吸…… 在这个过程，不能允许有急于完成的躁动和胡思乱想的散乱。 作品已然完成，无数刻刀线条划过木版。但那块木版还是那块木版。一切似乎都没有改变，但一切似乎都不一样了。 弦境 2022-018 120x160cm 木版 2022弦境 2022-020 120x160cm 木版 2022绘画保持沉默，绘画并不言语，绘画以其图像的沉默却打开了视觉的狂欢与迷狂，但带有抽象涂抹的绘画，也再次去除了图像的喧嚣，尤其在我们这个所谓的世界图像时代，如果要重新进入沉默的绘画，进入绘画内部，那灵魂的内部，艺术家应该如何进入，又到底可以表达什么呢？ 当一个艺术家很多年来，保持沉默，不与艺术界交往，一个人隐居在大都城的郊区，潜心作画，他面对的就是墙壁，就是空空的画布，只是这个画布也不喧嚣，因为一旦你开始给画布刷上白色基底，你又落入到了旧有的套路与陈词滥调，这是艺术家王恺开始时的艰难与持久的停顿。 学习过佛学，又有着对于绘画无比热爱且对抽象绘画有着多年探索的王恺，最近几年的默修，其首要的功课依然是学会放弃，学会沉默，面对空空的墙壁，去撞墙，去撞击从未被绘画打开的那一堵属于自己的墙。现在，他的这堵墙乃是“木版”，他选择了木版作为绘画的材质与基底（ground），因为对木版“纹理”（texture）的着迷，就是面对有着纹理的一块块木版，还得把之前自己画过很久的抽象绘画的涂写方式放弃，直接回到材质本身，就如同凝视墙壁上的斑驳纹理，而王恺就是面对这木纹，去重新打开绘画的基底，那是德里达思考疯狂的阿尔多面对自我肖像时的疯狂挖掘平面（subjectile），取戳破它，去破坏，而不是去描绘什么。以木纹开始的绘画，当然首先必须尊重木纹自身的纹理，既要保持木纹的纹理，又要有着绘画，这就势必改变绘画的前提，前者是某种既强制又自然的观念性——木纹自身的纹理已然是绘画的肌理了（如同杜尚式对于现成品的尊重），你必须尊重物质自身的存在；但后者乃是赋予绘画最大的活力，乃至于意志的力量，而不是只有观念性，还必须有着某种绘画性的参与，但此绘画的手法与强力意志还必须再度得到克制，任何的绘画手法必须退回到身体的原初感知，甚至，在中国人这里，意志的手感还必须具有自我放弃的勇气与逆觉的转化。王恺绘画的自觉就面对着绘画最为重要也最为艰难的状态：既要尊重物质性现成品的特性，但又要有着绘画的独特行动，既要有着极强大意志力的动作参与，但又要进入无意状态，否则就无法保留物自身自身的特性。这个“有意”与“无意”之间的来回震荡，激发了王恺绘画随后的绘画方式与思考方式。弦境 2020-001 82x220cm 木版综合材料 2020弦境 2020-004 82x220cm 木版综合材料 2020如此一来，绘画的方式必须得到彻底地改变，尽管用油画笔，但主要是以刀代笔，王恺用去了无数把“雕刀”，他基本上是用 75 度的刀，一般是先用颜料涂满木版，然后侧锋铲除颜料，以便木头的本色纹路显露出来，再用正锋铲出一道道的细线。
这种刀刻式绘画方式让王恺回到了绘画最初的冲动，如同原始人拿着石头的凸凹尖端去雕刻其它的石块，在对阻滞的经验中经验到物性的“痛苦”存在，这不是画画，这是在“挖矿”与“打磨”，这是把绘画的动作向着更为具有力量感的雕刻还原。 尽管以油彩全部覆盖木板，已经看不见木纹，反倒是通过刀铲刀刻所露出的木板，露出其纹理，这是破坏式的绘画，当代绘画必须具有自身破坏的反思性，具有一种自我摧毁的坚毅性格。覆盖颜料，再铲去颜料，让木纹显现，但其间又交织着颜料，从而形成现成品木纹与颜料色彩的交错纹理。如此的线条，就是阳线 ( 凸起的线 ) 与阴线 ( 刀刻刀铲 )，二者相反相成的张力所交织而成，这是王恺自己摸索出来的方法论。 刀锋的线条与颜料的色条，带来细微的立体触感与迷人的触摸感，画面已然带上一种氤氲弥漫的气息，在硬朗与柔软之间，形成一种有意无意的痕迹，画面空间的层次也浮现出来。其中一些作品上就含蓄显现出某种山水画的余象，即古代壁画在时间风化之后的斑驳痕迹；或者好像有着无数的宫殿，出现向上伸展的生命台阶，绘画似乎要把我们带往一座座神秘的圣殿，其中隐约还有着佛像，在似与不似之间，就如同敦煌壁画的残痕，闪烁着记忆的余象，这是与画家这些年对于佛教的体会有关，是心灵记忆的隐秘投射。木纹的线条在被铲除后的颜料中，恍惚地闪烁着，无数的线痕细节，在“刻意”与“意外”之间，激发观者们寻觅的目光，真是非常耐人寻味。刀刻的刻痕与颜料的剥离，带来色彩的丰富变化，无数的细微褶层，无比的细腻触感，仿佛这是书法最为美妙的“屋漏痕”之重现，或者这是汉魏之际的碑刻经过千年的时间风化，已经超越生死消亡，只是在铭写自然元素的斑驳光影。弦境 2021-003 120x160cm 木版综合材料 2021弦境 2021-004 120x160cm 木版综合材料 2021弦境 2021-002 120x160cm 木版综合材料 2021弦境 2021-005 120x160cm 木版综合材料 2021这种挖掘或凿开式的绘画方式，同时也挤压着艺术家的内心，迫使艺术家走向更为内在的内在性，王恺似乎要去倾听木纹里面那山呼海啸的声音，这其实不过是孤独的个体在修行之中所倾听到的幻听之声，绘画必须克制意志疯狂的冲动。 艺术家似乎要让自己的手指进入到绘画里面，雕刀与颜料似乎要“吃入”到木版之中，如此繁密的色调，基本上带有一种棕色木版本有的色调，在多次涂上颜料与反复罩染之后所形成深浅不一的凸凹起伏，似乎又回到了一种“盲人式”的触摸。 王恺总是要在刻意与无意之间，形成意在言外与妙不可言的迹象，这给绘画带来了巨大的挑战，因此他的作品几年来都并不多，他必须保持在这种有无之间的恍惚状态，让内心的波澜激越获得绘画上隐没的安宁。这些细微起伏，在颜色中隐约闪烁的色条，就如同时间线，或者如同古弦的铮铮之音，在隐秘地回响，这不是用来“观看”的绘画作品，这是用来“倾听”的琴弦——是一根根弦在无声地震荡，因此，绘画要把我们重新变得盲目，让我们去倾听绘画上无数琴弦的振荡。艺术家王恺把自己的这几年孤独探索的系列命名为《弦境》就不是任意的了，而是来自于倾听自己内心与绘画线条共振的倾听，绘画是倾听那古老的丝线悠然无声的音调，倾听“物之心”的回声。就如同来自于王羲之的那个传说，据说他在木牍上书写后，有人要刨去这些文字，却发现墨迹已经“入木三分”，如此深入的触感，形成了中国文化特有的表面美学：确实在表面，但却有着凸凹微妙的触感。 这是王恺绘画的哲学要求，如何更为彻底深入到物自身的内部？倾听到那更为沉默的寂静？那物之心的回旋之回声，王恺就还必须发明自己的“聋”，之前的绘画可以说发明了一种“盲人”触摸时的倾听。那么，更为彻底地一步如何可能？王恺还必须进入更为深渊地挖掘，即在如此丰富的刻画之后，绘画还能进行到何种程度？那有意与无意之间的振荡如何进入更为幽微的玄境？他必须发明另一种的倾听，但首先必须再次学习放弃，发明自己的聋，色彩必须被放弃了，而是更为彻底回到木纹的内部，不是表面，而是内部，但也是来到表面可触的内部，让物之心获得新的呼吸节奏。也许，刀刻的挖掘手法也必须保持克制，回到那更为原初的柔软触摸？仿佛这是书法最为美妙的“屋漏痕”之重现，或者这是汉魏之际的碑刻经过千年的时间风化，已经超越生死消亡，只是在铭写自然元素的斑驳光影。弦境 2021-009 120x120cm 木版综合材料 2021弦境 2021-008 120x120cm 木版综合材料 2021弦境 2021-010 120x120cm 木版综合材料 2021弦境 2021-012 120x120cm 木版综合材料 2021这迫使王恺随后迈出了更为彻底的一步，即在木板上不再施加任何别的材料，只是在木板上非常轻微地刻，如同艺术家自己所言，严格说不是雕刻而是触摸，以坚硬的刀去“触摸”（touching），但应该说是“抚摸”（caress）木版，就是回到事物本身，直接面对眼前的这块木版，回到触感哲学最为彻底地还原。 王恺用的是品质极高的偏白色的板材，纹路非常浅，不仔细看根本上就看不出来。因此，既要出现纹理，又要保持其微茫的不可见，就只能如同盲人去触摸古琴那般，绘画要保持的仅仅是一种极微妙的触及感（tangible），这就要求艺术家用心用手去感知（contact），去调控力度与角度，还有运刀的快慢以及工具的利钝，都有着更高的要求与手法的控制，只有如此的控制才体现出艺术的精准与恰切（tactful）。 这几乎就是一种宗教式的面壁方式，乃至于一种苦修的禅宗简化方式，只是王恺是以刀刻来面对原物，但颜料的修饰与画面的修辞都放弃了，王恺走向更为彻底地一步，看起来还是在用刀去触及木版，但其实不再是刀刻了，而是用刀去抚摸！用刀去与木版对话，不是去凿开物体的纹理，如同之前叠加颜料又破坏的方式，现在则仅仅是俯身去倾听淡淡木纹的声音，是进入物自身的内心或内核的纹理。反复以刀轻微触及木版的过程才是关键，几乎不再看，不再注意纹理的交织美感，最后获得的虚薄图像与微妙视觉，其实只是偶得，只是某种副产品。 晚近 2022 的作品，似乎是物与心的一种对话，一种抚摸般的隐秘对话，这是艺术家王恺“摸索”很久，而自觉实现出来的视觉 - 触觉 - 心觉相互贯通的手法： 一方面，木板还是木板，艺术家并没有添加任何材料在她之上，根本上没有用任何的颜料，与之前的方式不同，彻底保持了物性的现成品特性； 另一方面，艺术家以艺术之名，以刀作手去触碰木版，以毫米为单位，与木版进行细腻单纯的感知，直到出现神交，画面出现一种氤氲虚白的气息。 即，本来白色木版上的木纹并不清晰，但因为艺术家以刀去触摸木版，似乎就是自己的皮肤，在反复的触感中，画面出现了奇特的纹理，就如同沙漠上分化后的丹霞地貌般的线纹隐约浮现出来，似乎是盲人重获光明，这是神遇的时刻，是意外的惊喜，因为艺术家所用的板材是偏白色的浅浅的纹路，不仔细都看不出来，而施线时仅仅触及最表层的木皮 ( 厚度一毫米 )，尽管被刀破坏，但这一层多数也还在，只是极薄，可能是十分之一毫米的留存，这就导致这些具有微妙凸凹感的线立体，极其温柔，宛若水上之烟氲。 此虚薄烟氲气息的隐约浮现，让我们想到了古典山水画的至高境界，无论是宋代的烟江叠嶂图，还是元代文人画的烟岚气韵，再到明代的烟浮远岫，氤氲化生之美一直是古典的神髓。但进入现代性，还必须具有观念的反思，这就是杜尚提出的现成品绘画的虚薄气息，必须尝试新的手法，把古典的氤氲之气以当代的方式与个体化的心灵体验表达出来，王恺的新作是中国式虚薄艺术的贡献！ 弦境 2022-013 木版 120 × 120cm 2022弦境 2022-015 木版 120 × 120cm 2022弦境 2022-010 木版 120 × 120cm 2022弦境 2022-012 木版 120 × 120cm 2022王恺的虚薄艺术，以雕刀来轻抚木版的方式来获得虚薄的画面纹理，让绘画回到了中国文化的“纹理”上，不是文字与图像，而是事物自身的内在纹理，既深入到了材质的内部，那物之心，但又并没有做什么，绘画其实并没有去描绘，处于无为状态，只是让材质本身显露其自身的面容，这是一种让予的伦理姿态，却得到了一种“无为而得”或“无意而得”的效果。 这是放弃了视觉之后的触感，但又深入到了盲目的倾听之中，乃至于发明了另一种的倾听，那一道道的刀痕似乎不是艺术家所为，因为那些痕迹本来就在木纹自身之中，艺术家只是让它们显露出来而已。绘画的方法不是前行，而是后退，只是让木纹自身的自然痕迹，纹理的轮廓，事物的内核，时间的轮回，渐渐显露出来，平淡天真但又不可磨灭。 这些经过触摸之后的木纹，显露出异常微妙的色调，似乎里面隐含着另一个全然被我们忽视了的世界，一个微观的宇宙，一个暗物质的能量空间，物自身的内心被艺术家以如此的手法重新打开了，但这是绘画手法的自身放弃，不是去增加，而是去减少，就是让木纹自身说话。 让刻刀与木纹自身去对话，艺术家似乎仅仅是去倾听物自身之内心的沉默之音。 如此的手法，不禁让我想到古琴演奏大师们的至高境界就是：入木三分，沉厚悠扬。当我们去听古琴大师们的演奏，比如管平湖与査阜西，我们似乎听到演奏家的手指深入到了古琴的木纹之中，似乎倾听到了来自于古琴木纹所发出的无比沉厚的声音，好像那些深沉高古的声音不是来自于艺术家的手指，而是来自于古琴木纹本身的沉默，这是弦外之音的微茫回响。 当我看到王恺的新作，那些入木几分后所轻微剥离开来的痕迹，木纹由此显露出被淹没已久的面容，那是人世间从未有过的色调与容颜，形态奇妙，并无固定的形状，但可以让观者投射自己的想象，就如同经过了几百万甚至几亿年被自然打磨风化的石头纹理，其中有着自然无意的书写痕迹，但却诱发观者去投射幻象，但更多是倾听，因为上面本来就无一物，但却异常的美妙，似乎是古琴的声响被黑胶唱片所录制，在缓慢地回旋，发出回环之响，弦外之音！ 艺术终于为我们发明了神奇的倾听，这倾听来自于一双神奇的艺术之手，由此激发一种神秘的听力，画面上淡淡虚薄的烟氲气息，并非刻意获得的回旋纹理，仿佛回想着宇宙的弦外之音，我们似乎倾听到了天籁，这是艺术家王恺名之为的《弦境》，是古琴之弦，也是时间之弦，还是生命之弦，在彼此无尽地共振着。 王恺的虚薄绘画，为世界发明了另一种的神秘振颤之美！ 弦境 2022-003 木版 100 × 140cm 2022弦境 2022-005 木版 100 × 140cm 2022弦境 2022-007 木版 100 × 140cm 2022弦境 2022-008 木版 100 × 140cm 2022
母体 装置 120 × 120x120 cm 2022献给母亲的：基督徒的盲盒 装置 200 × 200x100cm 2022
终极命题 装置 150 × 150x100 cm 2022
存在的可能与意志 装置及行为影像 360 x 260 x 120 cm 2021
XIA KE JUN 哲学家、评论家与策展人。曾留学于德国弗莱堡、法兰克福大学以及法国斯特拉斯堡大学，现任教于中国人民大学，为文学院教授。个人著作十多部，以「无用」为核心概念，出版《一个等待与无用的民族——庄子与海德格尔的第二次转向》、《无用的神学——班雅明、海德格与庄子》，《无用的文学一一卡夫卡与中国》。夏可君试图打开一种跨时代、跨文化哲学对话的可能性，让庄子与海德格尔、本雅明、卡夫卡和德里达互动，让无用、虚以及余让的概念生成为当代哲学的核心概念。作为具影响力的当代艺术评论家与策展人，夏可君倡引虚薄艺术、字象艺术，余象与虚托邦等概念，在国内外策划系列重要展览及讨论会超过二百多场，为当代艺术中国立论产生了深远的影响。LI GUANG MING 七十年代出生于内蒙古包头市，现居北京。 2019 线性的天籁— 王恺作品展 朴子艺舍 北京2017 铁道北 - 王恺情景创作呈现展 乌素图 内蒙古2011 临界 - 王恺个人作品展 宏艺术空间 北京2018 亚细亚国际交流展 光州松美术馆 韩国光州2018 全南北京 中韩艺术交流展 上能艺术馆 北京2017 中国 - 南亚东南亚国际美术展（纸上） 昆明博物馆 昆明2017 首届中和雅正绘画提名展 西溪美术馆 杭州2016 第二届独立品格提名展 全国巡展 大河湾美术馆 北京2016 上上美术馆十周年之抽象魅力十人展 上上美术馆 北京2016 “万物生长”自然与人文系列四人展 百策源艺术中心 北京2015“七月流火”2015 上苑艺术馆实验艺术展演 上苑艺术馆 北京2015 “美丽新世界”第二届南京国际美术展 南京国际展览中心 南京2015 “安全与焦虑”王恺 & 马赛克 装置作品展 上苑艺术馆 北京2015“艺起来”保利十周年当代青锋艺术博览会 中国农展馆 北京2015 破 / 绽 图画手工第六回 偏锋新艺术空间 北京2010 “艺术中国”全国油画展 环铁时代美术馆 北京生长在内蒙古戈壁上的我，喜欢苍莽凛冽之美。戈壁上的生机与衰亡，生灭不已。我的创作无不留有这北方大地的印记。人在此显得渺小脆弱，只有在钢筋混凝土建筑中，人才会不知天高地厚。有人说，我喜欢你的执着。我知道，我只是把一件事做到有始有终。我也并没有刻意的疏远人群，只是我的心，永远活在不羁的旷野中。
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