  《放牛班的春天》，以4K修复版的形式重映。 这部影片自2004年上映伊始，就成为了众多影迷“保留片单”。 影片中的正面教导，春风化雨，润物无声。 马修那超越教师，成为父亲的形象，深深地植刻在了观众的心里。
他背着因袭的重担，肩住了黑暗的闸门，放孩子们到宽阔光明的地方去；此后幸福的度日，合理的做人。 在时间的长河里，他给人们留下了情感的慰藉与感叹。 不仅感化了顽童，也感动了观众。 从夜莺到放牛班 POST WAVE FILM 2004年，米拉麦克斯在柏林电影市场，用200万美元买下了影片的发行版权。在当时，没有任何证据表明，这部讲述法国的一群顽劣少年被音乐治愈的电影，能获得成功。 3月17日，影片在高卢上映后，留下了奔走相告的人们。他们宣称自己看到了“最治愈的法国电影”。 看起来，在新千年伊始时的米拉麦克斯，又一次压对了影片。
但所有人都知道，这是《放牛班的春天》整个剧组的胜利。 《放牛班的春天》的成功，并不是无因之果，而是有迹可循的。 1945年，让·戴维尔拍摄了《一笼夜莺》。 影片讲述了一个感化院老师在感化院中，感化了一群孩子，并教导出一整个合唱团的故事。 这部影片，成为了法国人最爱的影片之一。
《一笼夜莺》（1945） 虽然在漫长的影史里，被淹没在了新浪潮的洪流中；却又在1970年代，产生了出人意表的回响。 在导演克里斯托夫·巴哈蒂的心里，拍摄《放牛班的春天》，不仅是一项令人愉悦的工作，更是一桩还愿。 “童年和音乐，令我自然而然地回忆起了《一笼夜莺》。七八岁时，我在电影频道看了这个片子。有两件事，我记忆犹新。一个是孩子们的歌声，一个是失意音乐家的努力”。
导演克里斯托夫·巴哈蒂 为了寻找到符合故事的唱诗班男孩皮埃尔，巴哈蒂和制片人寻遍了法国的几个童声合唱团，最终，在里昂拜访圣马可童声合唱团的时候，他寻找到了自己的“皮埃尔”。 “那是一个晴朗的日子，当我踏上楼梯的时候，听到了一段巴洛克旋律。一个高音从转角处飘出，那是一个非同寻常的高音。我找到了唱歌的人，一个十二岁的少年，我立刻决定，应该让他来出演”。
而故事中的其他小朋友，则是从全国找来的各种“问题少年”。 他们有着片中的习性，而在实际的拍摄过程中，他们也和角色一样，慢慢修正了自己的毛病。 换而言之，影片不仅仅讲述了一群孩子的蜕变，也“客观记录”了他们的改变。因此，这不仅仅是一部故事片，更可以当作“教育文本”来看待。
影片的故事被放在了1949年。 这并不是导演的无意之举，而是有意为之的剧作技巧。 当时，由于二战的余震，大量的法国少年缺少父亲的监管，社会上出现了很多“街溜子”。 因此，政府投入了大量的资金，建立了少管所性质的“学校”。
在这里，学生没有人权，只要略有忤逆，得到的便是拳打脚踢和大肆嘲笑。 “实际上，孩子也享有成年人的权利。我们当时颁布了青少年的司法保护条例。所以，电影背景就这样被安排到了这个时期。我觉得，我们应该重视未成年人”。 《艺术家的生涯》 POST WAVE FILM 影片开始，已经成名的皮埃尔，指挥着施特劳斯的《艺术家的生涯》。 这支圆舞曲具有明快的旋律，这与皮埃尔得知母亲去世的消息，形成了鲜明的对照， 人生的痛苦与快乐彼此交织，无法逃遁。 音乐给人慰藉，但音乐同样也给人带来了痛苦，这是是影片的大致基调。 “艺术家的生涯”则暗示着音乐老师马修对学生的影响，从合唱团成员到指挥家的过程顺理成章地展开。
音乐是这部影片的灵魂。 在电影开拍前九个月，导演就和配乐师布鲁诺·库列斯一起撰写了影片的音乐。 换而言之，电影的摄制工作，是围绕着音乐展开的；电影为音乐服务，而不是反过来。
巴哈蒂之所以这么重视音乐，是因为他本人是从音乐圈跨界到影视圈的。 在拍电影之前，他曾经就读于巴黎师范的音乐学院。 常年活跃在古典吉他圈，获得了不少瞩目的奖项。 在音乐的风格上，巴哈蒂不希望合唱团的孩子去唱那些圣诞颂歌的陈词滥调，他希望展现出一种积极的、活跃的生命力。 在他的要求下，库列斯和他一起写了很多“节奏欢快”的音乐。
库列斯说：“合唱和音乐的部分，已经提前完成了，在拍摄过程中有一点修改，最后加上了管弦乐。音乐是我们的主题，电影就是要用合唱团表现出音乐。” 在影片中，马修老师写的第一支曲子名为《遥望你的路途》（Vois sur ton chemin）。这是一支d小调的四声部合唱。 这支歌第一次以合唱的形式出现时，电影描绘了学生的生活场景。 在镜头中，池塘之底的孩子们，在音乐的感化中，渐渐变得阳光活泼——与此前学校里阴森恐怖的氛围截然不同。
歌词这样写道：“黑暗中的方向，希望中之光”。 为了让整部影片的合唱具备专业水准，剧组专门找来了圣马可童声合唱团指挥尼古拉斯·博特担任指挥和顾问。 在他的教导下，剧组里的小演员，呈现出了专业的素养。 在博特的心里，合唱团成败的关键，并不在于演唱技巧，而是“孩子们的音色”。
指挥家尼古拉斯·博特 到了影片第四支插曲《风筝》（Les Avions En Papier）响起的时候，一组蒙太奇镜头展现了孩子们对于游玩与课外的想象。 马修内心独白：“我感到孩子们殷切的眼神，在天堂不远处筑起小屋，好天气令在家的孩子们垂头丧气”。
这首《风筝》象征着自由，F大调的辉煌与正统，反衬出d小调的阴郁；3/4拍对照了2/4拍的延缓——的的确确地展现出了音乐的情感色彩。 这种情感上的对比，也恰恰印证了库列斯所言“写简单的音乐，谦逊的音乐，关注情感而不是技巧”。 不可重来的经历 POST WAVE FILM 谈及拍摄本片，巴哈蒂说：“实际上，我只是想朴素地表达出我的想法，就像热恋中的情人，充满了表达的欲望”。 在这种纯粹而质朴的情感驱动下，巴哈蒂的这部处女作就成为了经典作品。 究其成功的原因，巴哈蒂认为，这和马修老师的扮演者热拉尔·朱尼奥的悉心表演，分不开关系。
作为法国首屈一指的男演员，朱尼奥自学成才。 他喜欢那种被称为“怪咖”的人，其中就包括诺埃-诺尔，而诺埃则在《一笼夜莺》里扮演了马修这个角色。 朱尼奥说：“我对他有着无限的赞赏之情，我觉得这才是男演员的标杆”。 为了扮演好马修，朱尼奥有着一整套塑造人物的方法。
他不断去琢磨人物的状态，长期让自己处在一种权威高压与春风化雨的姿态之下。 他还坚持长期穿一件衣服，直到它磨损不堪；穿旧鞋子，走路微微驼背——这些细节，设计出了人物的性情，将情感的烙印，放在了观众的心上。 当马修老师走进学校的时候，观众会觉得，他走进了一座牢笼，但牢笼之中，却孕育出了希望。 这所“严苛”的学校，旧迹斑斑。 这是巴哈蒂有意为之的“造型美术”。 “我想要一个巨大、沉闷、荒凉、恶劣、可怕的建筑。令观众感到厌恶，一切都比现实中的要大，这才能令人印象深刻”。
最终，这种脱胎于哥特风格和《呼啸山庄》式的造型，收到了理想中的效果。 环境、人物、情感，三位一体；最终成就了《放牛班的春天》。 马修在引导孩子的时候，并不是一个简单的音乐老师，他同样也被孩子们的青春、活力、浪漫和幻想所引导。 在“池塘之底”的日子里，是他释放出自己音乐才情的日子，也是他最为惬意、肆意、满意的时光。 教育者和受教育者，在影片里有了一个崭新的定位——老师和学生，彼此受惠，互相给予，彼此拯救。 在这一刻，说不清谁是谁的救世主。
类似的电影，无形中拔高了教育者的作用和地位，这种“高大全”的塑造方式，让好人面目模糊，让教育成为灌输。 一切艺术的至臻精妙细微的境界，都逼近于音乐。 因为艺术的形式必定让位于艺术的实质。 而能泯灭艺术形式的艺术，只有音乐。 皮埃尔在为公爵富人演出时，被马修所谅解。 音乐成为了载体，也是本体。
这是一个教学相长的过程，这是一个情感和解的过程； 这是艺术介入生活，并改变人生的过程。 巴哈蒂坦承，那是一次不可重来的经历：“我倾注了所有的感情和力气去做了这件事。面对着四十个孩子，他们让人筋疲力尽”。  |
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