 纽约欧洲艺术博览会 TEFAF New York 展位 | 344 公园大道军械库 纽约公园大道643号 2023年5月11日—16日 Thaddaeus Ropac画廊在本次纽约欧洲艺术博览会全展位呈献玛莎·琼沃斯（Martha Jungwirth）的作品。
《无题》，2022年 油彩、纸本、纸板 作品：119 x 81 厘米（46.85 x 31.89 英寸） 玛莎·琼沃斯的《无题》（2022年）以其经典的肉粉色、血红色和品红色绘制，彰显她跟随直觉的绘画方法。瓦楞纸板的柔和条纹调节了薄层颜料，绘画似乎成为一个偶然落在现成支撑物上的事件，突显艺术家作品所特有的真实与想象之间的悬置感。这些“冲动”的灵感来源包括旅行、艺术史、神话、报纸文章以及诗歌等。
《虫》，2022年 油彩、纸本、画布 作品：257 x 241 x 3 厘米 (101.18 x 94.88 x 1.18 英寸) 巨幅作品《虫》（Der Wurm，2022年）的大部分画面均为留白，只有琼沃斯标志性的紫色颜料斑点扭曲地延伸至牛皮纸托上。艺术家自由流动、直觉性的绘画方式在这件作品中被发挥到极致，唯有画面的两种绘画手势占据中心位置。作品摒弃寻求更深层次的意义，其灵感来自于沃尔特·塞尔纳（Walter Serner）于1920年首次发表的达达宣言《最后的松动》（Letzte Lockerung）。作为达达主义的共同创始人和出色的社会观察家，塞尔纳在该卷的第二部分为现代非道德主义者提供了实用指南，颠覆社会惯例的错觉和刻板印象。他的终极结论是:“世界渴望被欺骗。如果你不满足这一要求，它就会变得真正恶劣。”以塞尔纳手册的标题作为关键词及座右铭，《虫》体现琼沃斯近乎达达主义的态度，以绝对自由的方式进行绘画。正如艺术家所解释:“一切都是平等的，我所有的作品都基于信念和诚意。手势可以独立存在——手势的终极松弛感是我的目标。”
《扶手椅》，2022年 油彩、纸本、画布 作品：241 x 298 x 3 厘米 (94.88 x 117.32 x 1.18 英寸) 琼沃斯的图解椅子是她创作中常见的主题，正如在更广泛的艺术史中也有类似范例，包括文森特·梵高（Vincent van Gogh）在阿尔勒绘制的标志性椅子（1888年）以及保罗·高更与之配套的画作。椅子作为被赋予象征意义的物体，常被视为其拥有者的代表。琼沃斯深思熟虑的粉色笔触，仿佛贯穿她所绘制的广袤棕色纸面。她的椅子几乎等同现实大小，在空旷且巨大的支撑物中作为唯一的色彩爆发，挑战观众的视觉。旋转和具冲击性的颜料被琼沃斯留下的大片空白所调和，于她而言，留白与色彩一样重要。
《无题（喀耳刻）》，2021年 油彩、纸本、画布 作品：152.5 x 211 x 2.5 厘米 (60.04 x 83.07 x 0.98 英寸) 这幅作品来自琼沃斯的“喀耳刻”（Circe）系列，其中，动物的轮廓被描绘在白色的背景上，简化的图像语言近乎抽象。该系列受到有能力将人类变成动物的希腊神话女神喀耳刻（Circe）的启发。特洛伊战争结束后，奥德修斯与其手下在回程路上拜访她时，她将他们变成了猪。奥德修斯通过赫尔墨斯赠送的草药，成功说服喀耳刻将他的伙伴变回人类。他们在她的艾尤岛度过一年狂欢畅饮的时光，然后继续归途。 喀耳刻将人变成动物的能力引发一系列哲学问题，包括无理性的动物的存在是否比有理性的人类存在更优越。对琼沃斯而言，“绘画总是一种转变，艺术家只有摆脱自己的判断才会成功。即使在简单的情况下，诚实和认真的方法论的完整性也是至关重要的。”
《无题（喀耳刻）》，2021年 油彩、纸本、画布 作品：152.5 x 211 x 2.5 厘米 (60.04 x 83.07 x 0.98 英寸) 在这幅作品中，一张深红色的巨型椅子被放置于绿色大地般的背景中。标题暗示希腊女神喀耳刻，在艺术史中，她常被描绘为坐于其宝座上之上，包括约翰·威廉·沃特豪斯（John William Waterhouse）的经典名画。虽然琼沃斯的作品中并未出现女巫的形象，然而绿色调暗示她被流放到的艾尤岛。这个岛屿被古典作家描述为野性的浓密树林，并由被她变成狼和狮子的人类守卫着。
《无题（喀耳刻）》，2021年 油彩、纸本、画布 作品：161.5 x 216.5 x 2.5 厘米 (63.58 x 85.24 x 0.98 英寸)
《弗里茨与炖菜II》，2020年 油彩、纸本、画布 作品：248 x 193 x 3.5 厘米 (96.64 x 75.98 x 1.38 英寸) 《弗里茨与炖菜II》（Fritz mit Gulasch II，2020年）充分展现琼沃斯对色彩的生动运用和直觉性的标记创作方法。火红、橙色和洋红色的斑点凝聚于空白的纸面上，形成艺术家所描述的“口头语言之前”和”显眼的物体之前”的图像。它们是琼沃斯通过身体和笔尖的“行动和激情”混合而产生的结果，将外部冲动转化为作品中的视觉元素。
《陨石XIV》，2021年 油彩、纸本 作品：62.3 x 74.4 厘米 (16.14 x 20.08 英寸) 《陨石XIV》（Metope XIV, 2021）来自一组参考古代希腊建筑的系列作品。其动态构图体现想象和现实之间缺失的视觉连接，这种连接出现在琼沃斯流畅的绘画过程中，位于物质世界和超越世界的过渡阶段。艺术家的作品牢牢扎根于她周围的世界，她以“不受思考干扰的流动”的方式将其传达到纸上。
《弗里茨与炖菜I》，2020年 油彩、纸本、画布 作品：248 x 335.5 x 3 厘米 (97.64 x 132.09 x 1.18 英寸)
《无题》（伟大的中国人系列），2019年 油彩、纸本 作品：70.2 x 46.4 厘米 (27.64 x 18.27英寸)
油彩、纸本 作品：41 x 51 厘米 (16.14 x 20.08英寸) 我的图像现实充满激情，激情是一种与身体息息相关的语言，与充满活力的动作融为一体。绘画是一种形式，它通过我得到灵魂。 —— 玛莎·琼沃斯
《无题》，2020年 油彩、纸本、画布 作品：159.5 x 231.9 x 3 厘米（62.80 x 91.30 x 1.18 英寸） 玛莎·琼沃斯在首尔的首次个展“直视山羊的眼睛”（Looking the Goat in the Eye）正在Thaddaeus Ropac画廊首尔堡垒山空间展出。本次展出的最新油画和水彩作品彰显艺术家丰富的灵感来源，以及被她描述为“行动和热情的动态空间”的独特绘画过程。 关于艺术家  玛莎·琼沃斯 玛莎·琼沃斯于1940年出生于奥地利维也纳，一直在此生活和工作至今。当她仍然是应用艺术学院（Academy of Applied Arts）的一名学生时（1956至1963年），她便获得了奥托默尔奖（Msgr. Otto Mauer Prize，1961年），随后便是特奥多尔·克尔纳总统艺术奖（Theodor Körner Prize，1964年）、以及胡安·米罗奖（Joan Miró Prize，1966年）。在卡尔·昂格（Carl Unger）教授的指导下毕业后，她于1967至1977年间在维也纳的应用艺术学院任教十年。她是维也纳集体Wirklichkeiten（现实）的共同创始人和唯一女性成员，该团体的成员包括沃夫冈·赫兹格（Wolfgang Herzig）、科特·科赫切伊特（Kurt Kocherscheidt）、彼得·蓬格拉茨（Peter Pongratz）、弗朗茨·林格（Franz Ringel）和罗伯特·泽珀尔·斯佩尔（Robert Zeppel-Sperl），他们的作品于1968年在维也纳分离派（Secession）展览中展出，由奥托·布雷卡（Otto Breicha）担任策展。该小组于1968至1972年间共同展出，琼沃斯在1977年被选入第六届卡塞尔文献展。 就在最近，阿尔伯特·厄伦（Albert Oehlen）在2010年为克洛斯特新堡的埃索美术馆（Essl Museum）策展的展览中专门为她的作品腾出了整个房间。2014年，她在克雷姆斯美术馆（Kunsthalle Krems）展出了横跨五十年的职业生涯回顾展，随后在德国拉芬斯堡美术馆（Kunstmuseum Ravensburg）展出了她的水彩系列（2018年）。同年，她被授予由奥地利政府颁发的享有盛誉的奥斯卡·柯克西卡奖（Oskar Kokoschka Prize）并在维也纳的阿尔贝蒂娜博物馆（The Albertina Museum）举办了大型个人展览。2020年，奥地利诺伊豪斯的列奥尼格博物馆（Museum Liaunig）在这位艺术家八十岁生辰之际为其举办了回顾展。隔年琼沃斯被授予奥地利国家大奖，这是奥地利对其在艺术领域杰出者的工作的最高褒奖。2022年秋，杜塞尔多夫艺术展览馆（Kunsthalle Düsseldorf）举办了一场涵盖琼沃斯从1970年代至今个人作品的展览。 |
|
|
