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文|喜闻Talk 编辑|喜闻Talk  艺术并非一成不变、循规蹈矩地对前人的方式和形式进行复制，而是在吸收前人的成功经验中继续前进，从而形成并引导着当今乃至未来的新风格。如果仅仅局限于一种类型和样式的艺术，那么它就无法反映出人们精神的丰富程度。不同性质、不同流派的美术，也只有在这种多样化的格局中，才能得到发展和存在。   安格尔与德拉克洛瓦的艺术之争19世纪是新古典主义与浪漫主义交相辉映的时期，以安格尔、德拉克洛瓦等著名画家为主要代表。在这个时代，他们在绘画和颜色之间进行了一次激烈的辩论，这次辩论包括了许多西方绘画理论的精髓。安格尔和德拉克洛瓦之间的这一战，对十九世纪的美术运动，以及后来的美术运动，都产生了深远的影响。  安格尔，法国新古典主义时期的一位重要人物，也是一位传统的学者，他充分利用了传统绘画中的形体美，用一种严格的手法，将传统的美感与理智的美感融合在一起，创造了一种简洁、简单、宁静的意境，并以温克尔曼的“至简至贵，至大至静”为其创作理念。 至于德拉克洛瓦，他是法国浪漫主义艺术家中的佼佼者，虽然他的老师是雅各布·路易斯·戴维，但他最喜欢的就是荷兰艺术家鲁本斯的颜料画，他的画作充满了激情，每一次挥洒，都会带着一种难以言喻的激情，让他的情感像潮水一样汹涌而出。  两人所处的流派，在19世纪就出现了分歧，安格尔一方主张“颜色是假的，线条才是真的”。德拉克罗瓦一方主张“线条就是颜色的一部分”。双方的意见可以说是针锋相对，这一点从他们最为著名的著作中就可以看出来。二者对于画法、表现方法的迥异导致了关于速写和颜色的争议。 安格尔的《泉》，华妙庄严，线条与形状，宛若一首美妙的乐曲，从画家的手中演奏出来，这是安格尔对美的一种追求。严谨、理性、真实，将女性赤裸的身体，纤细的肌肤，凹凸有致的身材，都刻画的淋漓尽致。如果我们仔细看的话，就会发现这个女孩的身材是按照希腊的 S型来的。安格尔对人体写生有着深厚的造诣，他对写实艺术的洞察力在人体绘画中表现得淋漓尽致。而“永恒的美”这个抽象化的理念，在线条，形态，色调等方面都以和谐统一的方式体现出来。  相比之下，德拉克洛瓦则把绘画和颜色作为自己的兴趣来使用，从而提高了他们的作品的质量。也正是由于桑德斯与安格尔在艺术品质量上的差距，他的作品《希阿岛的屠杀》，与安格尔风格完全相反。这幅为表达对土耳其侵略军残暴行为的不满而创作的画作，曾在当年的艺术世界中掀起轩然大波。他集中了他所有的力量，用他那粗犷的笔触，用光和影的反差，用错综复杂的混乱和恐惧，来描绘这一悲剧。有些人说，这张绘画开启了一扇印象派之门。这是一种用生命的热情，用狂放的笔法，用浓重的颜色，描绘出的一种人世间的悲壮景象。  艺术争论对艺术发展的价值新古典与浪漫看似是一场关于写生技巧与绘画技巧上的较量，实际上是一场关于艺术理念、美学理念与价值理念的较量。毋庸置疑，在这一阶段，浪漫主义受到了更多的肯定，其所遵循的准则，体现了对个体内心世界和展示自己观点的表现，绘画创作，不再仅仅是对原型的模仿与规范的描述，而是更多地将自己的情绪与情绪融合在一起，使每个作品都有了更多的情绪与强烈的表现。  这样的艺术创造就变成了一种基于表达自己感情的创造。在19世纪绘画和绘画的争论中，坚守和碰撞为艺术的多样性做出了最大的贡献。 对于一个学派，一个画家来说，如果他想要取得一些成就，他必须要热爱并拥有一颗坚定的信念，并且要投入大量的时间和精力，对绘画的精神实质进行探索，不断地对绘画的技巧技法进行磨练，最终才能产生自己独特的思想心迹，从而使自己拥有自己的鲜明个性。安格尔对绝对真实、准确性的素描的坚持，德拉克洛瓦狂放的对于色彩的诠释，都是对自身理念无所畏惧的坚持和技巧特色炉火纯青的表现结果。  缺乏了深刻的积累和明显的性格特征，就不能成为一种流派，也不能成为一种风格，对后来者进行学习和借鉴，就像是一座空中楼阁，根本无法发挥作用。对于画家和学派来说，他们的偏好和偏见正是他们对生命经验的影响，是他们对不同外部环境的一种回应，他们不需要去战胜这些偏好和偏见以及个性，反而越是要拥有自己独特的个性和角度，他们的艺术品就越是具有其自身的价值。因此，从美术形态的多样性来讲安格尔与德拉克洛瓦是这一争论的赢家，两人都是与时代同步发展的杰出画家。  在这个时代，新古典与浪漫的碰撞，产生了一批伟大的艺术家，比如安格尔、德拉克洛、大卫、籍里柯等，他们用自己的激情和热情，展现了世界的无限可能。而大卫，则比安格尔更早一步，他也尝试着用他的作品，来表现他的创作风格，就是为了让他的画作，回归到希腊的古朴与肃穆中。 他的《乞讨的贝里塞赫》从结构上来说，把角色放在了罗马的柱子下面，给人一种悲剧的感觉；由此，新古典画家大卫在表现此类群像的绘画中，将每一个人的形体构造、脸部神情等都描绘得十分清楚、充实，显示出他高超的写生技巧，以及对光线、阴影等方面的巧妙运用。  籍里柯是一位浪漫派的艺术家，他借鉴了康斯特布尔的朴素和自然的颜色，他的《梅杜萨之筏》是他的代表作，这幅画是一幅金字塔形的画作，描绘了他在波涛汹涌的大海中的痛苦，他的画风是阴郁的，给人一种悲壮的感觉，如果站在他的面前，他会感觉到一种被巨浪拍打的错觉。当它的这个作品第一次在英国展览时，它就被看作是一个伟大的浪漫的宣告。 坚持自己的个性，并不代表着墨守成规和固步自封。在艺术创作中，更多的是一种正面的、坦然的碰撞和厮杀。在现实的大海中，要经历斗争的洗礼，要学会吸取、借鉴、兼容并包，这样才能让自己的作品呈现出更为灿烂的色彩。而艺术的多样性，则是超越了古代，创造了现代，没有古代，就没有现代。多样化是指艺术家对前人的总结和积累的基础上，并对其进行新的创新。 固守和碰撞这两个层面既是对立的，也是统一的，正如同传承和创造一样。从坚守与继承的角度来说，就是要深入地发掘出传统的精神营养和技巧，抓住大师们的闪光之处，洞悉其发展的步伐，了解其美学思想形成的心迹，分析影响风格形成发展的众多要素等，用心去研究，一定会有收获。在经历了艰难的斗争和较量之后，即使是同样的一种流派，同样的画家，也会在保持着原来的风格的同时，进行了一些创新，将旧的东西转化为新的东西，从而成为与时代相适应的艺术。 对于一个有抱负的艺术家来说，面对众多的美术派别和名家，他们不会因循守旧，也不会停滞不前，他们会用自己对美术的深刻理解，去挑战美术的新高度，并主动去开辟属于自己的美术领域。 他们基于对自己的喜爱和坚持，将自己的所有精神，所有的心血，所有的生命，都投入到美术这块肥沃的土地上，他们执着坚守，荣辱与共，在艺术的这片沃土上辛勤耕耘 ，才会树繁叶茂 ，自成一家。以大胆的战斗和对峙为基础，从展现和批评中挖掘出差异性的观察力，探索出差异性的方式和技术，从历史和现实，吸纳和舍弃中，吸取更多的能量来充实自身，在新的时期里寻找自己的发展道路。 19世纪的“颜色与写生之战”，看似是一场关于写生与颜色孰强孰弱的辩论，实际上却是一场关于一幅画的价值和意义究竟来自于画家自己的创作，亦或是一种更接近真实的写生方式的辩论。传承传统与时代革新是双方对立的终极冲突。不过，这次辩论的胜负并非是一种你死我活，此消彼长，而是一种新的艺术形式和新的艺术风格，在后来的欧洲艺术史上大放异彩。这种争论对艺术的多样化起到了不可忽视的作用。艺术并不比自然优越，但却把它变得更加美丽。
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