 图文/杨林
①淡日春烟紫萝萦 “春山处处客思家，淡日村烟酒旆斜。胡蝶不知人事别，绕墙间弄紫藤花”。这是宋朝 戴表元《胡蝶》诗，描写了身在外地的游子，忽然看到和家乡类似的紫藤花开的景色时，自然流露出的思乡之情。他看见蝴蝶飞到紫藤花上，似乎见到了自己非常熟悉的一个场景，有一点欢喜，更有了一点思念。
 我喜欢紫藤花，最喜欢随意生长在村居中的紫藤，有时杂乱的攀爬在杂树上，有时就是闲闲的长在篱笆外、荒野里，到了季节就开花，自然而随和，融入了家乡景色。春天时节，很容易在乡间各处看到大面积盛开的紫藤花，每一穗花都是上面的盛开、下面的待放。颜色便上浅下深，好像那紫色沉淀下来了，沉淀在最嫩最小的花苞里，紫的让人迷醉而向往。 紫藤花在过去农村的荒年是可以作为食品救荒的，像槐花、榆树花一样，很多年长的人都吃过紫藤花，那是故乡是童年的味道，我也有过这样的体验，现在是时令美食佳品。
实际紫藤最美不是黄昏时看，而是白天，太阳照耀在紫藤花上，丽日艳阳下那种清淡而艳丽的美。在我这次查济写生后窗的小溪边，便有这么一处不起眼的紫藤花，每天吃饭和回房间休息的路上都能看到她，看多了，似乎也就淡漠了。 因为我是一直以山水写生为主，花鸟并不是作为一个主题表现在画面中，忽然有一天我，看到在紫藤花衬托下的古民居，别有一种韵致，艳丽怒放的藤萝花与古朴斑驳的古民居，形成了一种非常强烈的视觉冲击，我何不将它们结合在一起，大胆的去尝试着画一幅花鸟与山水，交相辉映的实景创作呢？ 这样的对景创作，似乎很少见到，也就没有可供参考的，还要有一定的花鸟花基本功方可实现，具体写生时，到底是以花为主去表现呢，还是以民居为主，或者是相互衬托相得益彰呢？ 说干就干，下午我便实际操作起来，紫藤花在近处，作为主景在笔墨表现上自然不能过于草率和简单，当我展纸在画板上挥毫泼彩于尺素之间时，发现过于细致的表现紫藤花，会使画面显得拘谨而小气，更不能像画花鸟一样去画紫藤，便果断的放弃了，第二幅似乎胸有成竹，紫藤花直接用较为浓重的粉紫色，在抓住紫藤形态色彩的基础上快意的点染，形象、色彩和意趣到了便可，很快就将前面大片的紫藤完成了。 后面的古民居表现似乎已在掌控之中，为了不和前面的，紫藤花争艳，在墨色的使用上较为淡雅而含蓄，对周围的环境也做了大量的概括性处理，用时约六个小时，现场完成效果尚可，回来后觉得紫藤部分的形态与色彩，不够完美和琐碎，又做了一些泼彩的混合点染，使其画面更为整体而灵动一点，并题签赋诗完成作品，效果如何？还请方家指正。 遥闻许溪上，春风紫藤开。繁艳石阶绿，岁久终蔓延。溪水晨霞映，清香故有时，淡日春烟里，佳景唤我至。（题查济许溪紫藤花开有感） 实景山水画的对景创作，对我来说今后还有很多的路要走，当然这个过程是痛苦的，同时也是快乐的。对于实景山水画的研究，从唐代开始到明清之际，渐次形成了几种不同的表现类型，到了明代，更是发展成为观览图绘与个人行旅经验相结合的名胜纪游图。 实景山水画虽然是现实景象的描绘，但在中国艺术家的再创造过程中，不可避免的带有艺术家，对自然物象的再认识和再理解，以及运用自己所掌握理解的不同技法表现的结果，前辈的很多艺术家，已经在这个过程中做出了很多的贡献和努力。 姑熟画派的创始人，乡贤萧云从的“太平山水图画”给我们今天在这个方面的研究，提供了非常好的范本和参考，也是我们今天学习实景山水画重要佐证。对景创作、实景山水画发展之路还很远很长，但又是非常有趣而又引人入胜的，我将一直沿着这条路快乐的走下去。
②我是这样完成《古意查济》对景创作的 大幅对景创作作品，在创作时首先要选景，当确定好景物，动笔之前每次作画时，我都会给自己设定一个目标，来衡量我这幅对景创作的目的和意义。因此，在面对现实景物时，是要用心、用情和用意去思考，表现在画面上与创作过程中，则是边看边画边想，不断反思，感觉画面已到了恰如其分的时候，我便会收住笔，反复观察思考，是否达到自己设定的结果和目标，可以收笔时，就立即收笔。 有时可能回来后，把作品挂在墙上，再仔细斟酌，当觉得有些地方还需要继续深入强化时，再继续深入强化，如此反复，才有可能完成一幅自己认为稍微满意的作品，这幅《古意查济》便是这样完成的。
四月的江南，满目葱绿，初到查济却在这葱绿中，带给我丝丝怀旧的情思，查济虽然来过数次，但是却时来时新。在查济随处可见斑驳的老墙，青石板的古桥，在阳光的映衬下，有着一种别样的古典之美，而这样的场景，在我写生基地客栈的小溪边便有，当我放下行李的那一刻，便被这场景所吸引，查济的第一张对景创作，便确定在这里完成。
 中国画山水画对景创作，就是画家用笔墨直接与大自然进行交流对话的过程，在这个过程中，画家用自己的画笔，注入自己对自然的认识以及情感，在宣纸上通过墨色浓淡干湿，以及用笔的轻重缓急，呈现出独特的视觉效果和笔墨韵味。
眼前的场景虽然比较杂乱，但一座破损的徽州古院门，却带给我一种残缺之美，与周边不完整的古民居形成了和谐而又统一的画面，很快，我便在心中将这幅画构思完成，我用一条弯曲的s线将一条小路，由近向远的延伸到古院门边，院门边一根较粗的下水管横跨小溪，我把它转换成一块条石板桥，便使的小院多了一个出口，也使画面生动许多。 近处的杂草很是凌乱，但却十分的丰富，需要表现出来，又不能过于琐碎，因此，在经过细致的刻画后，又用大面积的墨色进行了渲染，使其统一，左边的一丛小杂树并不是很大，我特意在创作时将其夸大，遮挡住后面的一部分现代建筑，并把与画面不协调的一些建筑舍弃掉，这就是画家在对景创作时的主观能动性，不能完全被现实场景中的物象所束缚。 中间的古建筑部分，在经过取舍、夸张、挪移后，进行了比较细致的笔墨表现，整个画面以墨色和赭色为主，突出古意的画面效果，大幅的对景创作，因为现场的时间和空间都受到了一定的局限，回来上墙后，觉得整体感和主体不够突出，便又将近处的杂草和树木进行了大面积的墨色统染，形成完整的块面效果。 小道也由深入浅的向画面中部延伸，并且将天空用大面积的淡赭色渲染，再次对近处的杂草与树木进行一步点染，方使画面形成了一个比较完整而统一的效果，这个过程是将作品挂在画室墙上后，反复观察，逐渐完成的。
每一幅对景创作，因为场景的不同，艺术家在面对实景时有时会兴奋，转换到笔墨上，往往会产生一些自己意想不到的画面效果，这些效果不是在画室中，反复揣摩古人作品所能体验到的。 而经常对景创作，不但能够较好地提高自己对笔墨的认识与表现力，同时也能更好的，跟传统优秀的笔墨传承相互衔接与沟通，更能积累生动真实的创作素材，而我们现在普遍认为写生作品，就是最好的创作作品，更不要说大幅的对景创作，这种源于生活而又高于生活的现场创作作品了。 同时，自己的个人笔墨语言也在这个过程中经过不断的摸索与总结，最终自然而然的形成，这种笔墨语言的形成，不是刻意的营造和在书斋中所能追寻出来的，它更多的是映射出创作者，对天地自然的折服与敬畏后的感悟，是创作者与自然关系的升华，历史上这样的画家和作品很多，如范宽的《雪景寒林图》《溪山行旅图》，李可染的《万山红遍》等等。 过去这些大家，没有我们今天这样的创作条件，而今天我们有了这样创作的条件，就更应该珍惜和把握住，如此长期坚持下去，一定会有极大的收获。 让我们留住作品中的烟火气，以及鲜活生动的自然美，当然山水对我们的意义还远不在此。只有当我们在山水中神游时，才能够深深感受到自然的永恒，更是我们取之不尽的源泉。 后记：四月份的查济写生结束后，一直忙于全国各地的写生与学习活动，临近暑期，得闲，将查济的几张大幅对景创作整理出来及感想数篇，与同道们分享、交流与学习。 2023.7于芜湖 杨林 |
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