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以下为部分文字稿采访： 您觉得对于观众来说，S35和大画幅的区别是什么？ 能看到的区别主要就是透视。在保持同样的影像放大率的时候，因为画幅大，相对用的焦距较长一些，我可以退得远一点，从摄影机到演员主体，从摄影机到背景和摄影机到前景之间的距离就会小，所以它的透视比相对来说就没有那么强烈。同样的一个景别，如果是用S35的机器来拍，因为画幅小，焦距就要再短一点，拍摄距离或者也要近一点，从摄影机到主体到摄影机到背景之间，差距就会变大，所以透视比就会拉大。一般观众最强烈的就能看到透视的关系。  用S35和大画幅同拍一场戏有难度吗？如果有它的难点在哪里？ 我觉得没什么，比如说同一场戏，有大量S35和全画幅两边来回肯定是有意为之。不同的人透视关系不一样，同样是近景，可能这个主角有一些特殊的含义，它的透视是不一样的。从画面上要让观众能够感受出轻微的这种不同感，但是又不能明说。作为电影摄影，我不能抢演员的表演，但又要有一定的参与表现，我可能会这么用，这是故意的。如果作为普通的用法来说，我其实还是很少会用，而且现在绝大多数的大画幅数字摄影机也都带有裁切模式，实在不行就都把它裁成S35来用，我觉得也没有问题。  照相机老镜头改成电影镜头的优劣势是什么？ 我觉得电影镜头在使用上有它自己的一些要求，当然成像风格是另一方面。电影不是单个镜头完成，我们需要完整的一组镜头，有中景、近景、远景，有长焦、短焦这种标准镜头，老镜头单个镜头可能风格都很足，但是加在一起还能不能保证镜头的这种连续性和稳定性？比如说单个逆光拍炫光特别好，但顺过来又失去了炫光造成的这种低反差的效果，不同角度完全不同就很难控制。所以我觉得在特殊段落或者说比如说广告这种，镜头短需要先声夺人的时候就特别有用。但是在比较复杂的影视创作中，风格过强的镜头在实际拍摄中反而不是很好。 有一次跟黄岳泰先生也聊起过这点，黄岳泰先生观点是因为当年生产的时候，卖给消费者单颗镜头就足够了，不需要拍故事片，也不需要有关联，所以每颗镜头都有偏色和不同的风格。但是作为职业摄影师，在剧组我更关注的首先是每颗镜头色彩的统一性。其次是多机位拍摄，尤其像黄岳泰先生的《投名状》是在胶片时代8机同时拍，要保证景深统一，在同一关口下色彩要连贯，技术上不能出任何的错误。演员没问题，摄影从技术层面也不能出问题。最起码焦点不能虚，图不能偏。 很多镜头在设计的时候会多方面考虑，比如说现在的这些新镜头，它在设计上就会考虑到维修的易用性，第一片玻璃和最后一片玻璃的拆卸、调焦环的稳定性和牢靠性，这些都是现代电影镜头设计的时候要考虑到的。  数字转胶片和直接胶片拍摄的画面质感区别在哪里？ 现在国内拍胶片是件很奢侈的事，今年奥斯卡五个提名影片，没有一个是正经彩色数字摄影机拍摄的，但是美国基本上还保留着完整的胶片体系，所以相对来说创作就比较容易。我前些日子还真去拍了胶片，过去一本三十五毫米的胶片一千多，现在三千多一本，过去洗印三块五一米，现在优惠也要六十块钱一米，这一本的成本就一万多，扫描一分钟八百，一本四分钟就是三千，所以一本的成本接近一万五千，所以真是拍不起了。像《沙丘》实际上是数字拍摄转成胶片，然后再转回来，它要的是这种所谓胶片的颗粒感和柔，包括高光那种强光打到乳剂上，乳剂漫射出来的那种感觉，但是我觉得如果你做得足够强烈，可能观众能够感受得到，但分寸感就要把握好，太强烈会导致画面质量不行，观众说你们用这么好的机器来回折腾，最后效果却很差。 从分辨率上讲，其实数字现在我们能看到的画面反而比胶片更高。数字时代设计镜头的时候，反而比过去来说不追求那么高的反差，因为不需要高反差来提高视觉清晰度了。而且在有些特殊的场景下胶片还有独特的优势，比如说拿胶片拍落地，因为胶片是随机的颗粒，所以它不会有摩尔纹，数字拍摄是规则排布的，绿地也是规则排布的，两个加一块一定会有摩尔。还有胶片的人脸血色的还原，这种血红色的还原数字很难实现。 我是觉得拍胶片这个事有点遗憾，因为现在国内的胶片工业体系几乎都停掉了，再想恢复可能很困难，但是我也确实希望能多一个选择。作为摄影师，如果创作中能多一个选项当然是更好，这也需要大家的共同努力。  |
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