第九章从写生到创作----花鸟画教程2011-09-1413:23:15???来源：
核心提要：
第一节写生在花鸟画创作中的意义
中国民族绘画传统对不同的描绘对象有不同的要求:人____写神,山水____写意,花鸟___写生。对花鸟画写生的概念应该从两个方面来认识:其一是对花(鸟)写照,-面对实物直接描绘;其二是指写花(鸟)之生意,生机,是指创作方法相创作精神。这第二条应贯穿在作画的始终。
翻开中国花鸟画史,不乏师造化的高手。唐宋时期,花鸟画家高超的写实能力达到"和者毕肖"的程度。写生方法也是多种多样的,宋代宋伯仁撰的《海花喜神谱》序中说:"余于花放之时,不厌细徘徊于竹笼苑屋边?谛玩梅花之低昂,俯仰。分合卷舒,图写花之状貌。得二百余品…。"可见古人是如何观察写生的。赵昌"每于朝露下时绕栏槛看诸花,即调色彩描写,自号写生赵昌"。易元吉疏凿池沼,种花;种竹,种苇,养水禽,伺其动静游息之态,以资画笔之趣,进行穴窗写生。曾云巢画草虫"取草虫笼而观之,穷昼夜不厌。又恐其神不完也,复就草地之间观之,于是始得其天。方其下笔之际,不知我为草虫,草虫之为我耶"。这已进入了写生的高层次,不但状物,而且传坤,达意,抒情。郑板桥画竹"多得于纸窗粉壁,日光月影中",和五代的李夫人一样,同样是属于对影写生。以上事例是举不胜举的,可见古人对写生是多么重视,写生方法又是多么灵活多样。
花鸟画写生比起固定视点,光源和位置的西画写生方法显得灵活,内涵也丰富,它源于
中国画"外师造化,中得心源"的基本理论;来自中国画不受时间和空间限制的观察方法;来自"形神兼备","不似之似的神似",。似与不似之间","妙得生意又不失真"的造型观念;来自"对花写照将人意","神遇而迹化","写大自然之性,亦写吾人之心"以及"缘物寄情","物我两化"的创作方法。我们在学习和研究花鸟画写生时,永远也不能忘记这些中国画的基本特点。
从发展的角度来看,重视生活,注重写生已成为花鸟画创作的时代特点之一,而且有越来越被重视的倾向。其中很重要的一个原因就是人们更愿意看具有现代人情感的作品。从文艺作品中窥探现代人心灵深处的幽情壮采,已成为当代社会强烈的需要,这现代情感从临摹古人的作品中无论如何是得不到的,这就需要到生活中去用新思想,新观念分忻,研究,体察和发现自然界中的生活情趣,并心记,手摩,以创造出新的意境。
第二节写生方法
一,手写心记
中国画外师造化,中得心源的基本率论,决定了中国画写生方法是手写和心记相结合,二者互相补充。
心记是中国画写生的一个重要特征;可以说没有心记,就不可能有活泼生动的中国花鸟画。鸟飞鸣食宿的不同动态,花迎风带露的不同情态,单靠对写是解决不了的,只能靠心记"特别是写意花鸟画,笔一落纸,形象,结构,动态全要靠形象记忆来完成,没有清晰的记忆便不能一气呵成。表现程式的熟练掌握和运用也要靠记忆,气氛和情调更是要靠感觉记亿。记忆对中国画创作有着特殊的价值,记忆中的形象概括,精练,特别能突出对象的精神特质,不会为对象的繁缛细节所局限。
但现实生活十分复杂,记忆也往往随着时间的推移而淡漠,因此还必须借助手写。写生可以较长时间地保留记忆相引发想象。有些生动的写生是只有在当时当地才能画出来的,?这是在特定的时空,环境与画家的感受和情绪构成了某种审美契机,触发了情思约有感而发。这是彼时彼地难以获得的;这是当时情感的物质显现,是十分宝贵的。如果当时不用笔记下来?可能如兔起鹘落,稍纵即逝(图4飞7,4@68)。
形象,线条,构图,色彩,乃至意境,都需要在写生中反复提炼,概括。只有目到,手到,持之以恒,不断在生活里练手,练眼,练心,创作时才能达到闭目如在眼前,下笔如在腕底的自由境地。
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二,表现形态结构应注意的几点
花卉的形态各异,品种万千。对要画的每一种花首先要进行仔细的观察,然后可以局部下手选取一枝或几枝精细研究,对花,叶,枝,干,萼,梗,蒂,蕊,苞,托等形象结构,以及前后反正,俯仰转折,向背高低等不同形态进行写生。写生时应注意以下几点:
1?选择形象和角度。首先要选好入画的花和入画的角度。所谓入画的花,应该是比较典型的,典型形象的选择建立在对花全面认识的基础上。
选择角度在花卉写生时也很重要,主要以结构清楚,造型美观,符合审美习惯为原则。古人写生画花头时经常采用俯视角度,这样画出的形象符合民族欣赏习惯,因为人们愿意看花的前脸,看看花心,花蕊等最精彩处。而画枝干和叶时多采用平透视,这是因为平透视能充分显现出枝干和叶的特点。
2?重结构,找规律。典型的花一般都由花托,花冠,花萼,花蕊组成,但形状很不一样?有球形,蝶形,漏斗形,钟形,筒形,不规则形等等。这些不同形状的花又着生在不同花序上,分聚伞花序,总状花序,穗状花序等,有的成团,有的成穗,有的攒簇在一起,有的个个分明。花瓣和花蕊的形状更是千姿百态。在写生前一定要把此花的基本结构弄清楚万现举一例如下:
水仙:卵形鳞茎,条形叶,叶中间抽出一茎,茎上顶端有膜质苞片,苞开后放出花数朵,排列成伞状花序,每朵花由六片白色花瓣组成,中承黄心(副冠)宛然杯样。
我们可以把水仙的基本形理解为由两个几何形体组成?白色花瓣为一个圆盘形,黄色副冠为杯状,好象一个白色的圆盘中放着一个黄色的杯子?故古人有金盏银盘之称。花无论怎样变化角度?我们都理解为这两个基本形体的变化。再研究一下每一个花瓣的基本形,圆形?顶部略方?呈浅勺状。花托是一个柱形三面体。注意了这些基本形体的组合关系?大结构就把握住了。
3。分类选典型,以点带面。千万种花不可能都通过写生来认识?有经验的人往往通过分类找出典型?以点带面,运用比较的办法找出规律?认识共性和个性?以求解剖一种而理解和掌握同类型的数种花。如百合?萱草?金针?玉簪?山丹等花就有很多共同处?都是多年生草本?中型花?花呈漏斗状?都是六瓣?分为两层排列?三前三后?三大三小?雄蕊六?雌蕊一。我们只要选择其中一种认清结构?就等于认识丁这一类花的基本结沟?然后重点记它们的不同处。
百合花呈大喇叭口状，花瓣丰满圆润,花瓣中央有一条很鲜明的主筋,无副筋。相比之下萱花喇叭口更大?筒短?有主筋也有副筋。玉簪花是长漏斗状?花形和花瓣都细长,金针¨花的简更长。山丹花瓣后翻。卷丹花瓣更加翻卷而且扭转,瓣上有黑色斑纹。
三?把握整体气势和气氛
局部刻画主要是求客观造型的精微正确?于微妙的不同变化中发现其特征。整体气势和整体气氛的把握则要求高度提炼,概括和取舍,更多注意感觉和意象。
在画写生时首先要尊重自己的感受,从情感的再现出发?所描绘的线条不只是结构线,更不只是轮廓线?而是自然物和自己的感情神遇之后自然流露出的轨迹。
在尊重自己感受的同时?也要注意大景写生花卉本身的一些特点。花卉写生不同于山本写生。山水画场面大?画面多分远景,近景和中景?有极目千里之势?强调有远近距离感觉:而花卉不同,往往以近景出现?不能有过大的远近透视变化?但要分出层次?否则满纸景物排比拥塞。花鸟画强调的是层次的先后,而不是距离的远近。花鸟画是层次掩映,层层衬托,在一?二度空间中作文章,强调平面布列?平面构成。
在复杂场景面前写生?画者可以灵活移动位置?也可以移花接木?甚至增加一些现场没有的内容,写生也是创作的开始。
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第三节选材与构图
选材与构图是创作时首先遇到的难题。
一幅好的花鸟画作品,主要是对社会情调和气氛的反映,是人们审美情趣的反映。准确地把握这一点,才能使作品跃动着时代的光彩,经常到公园,花圃,菜畦去写生固然是不可少的生活,但上下五千年,纵横八万里,人,社会,自然,以及它们之间的关系是更为重要的。有见识的画家,从宏观生活着眼,虽画小景也有大寄托,自能常出新意,力去陈腐。
画花鸟画关键是用现代人的审美情趣去发现,捕捉自然界中所蕴藏的美,去领梧这些自然美的含义,运用自己创造,的物态结构引起欣赏者的共鸣。关键是要在生活中注意培养自己高度敏感的直觉能力,分辨能力和创构能力,包括对情感经验''的形象传达能力和潜意识内容的象征表达能力。
在具体构图时,花鸟画除应注意宾主,虚实,掩映,揖让,藏露,错落,参差等构图规律外,还要特别强调取势。因为中国花鸟画主张画活的,动的,有生命力的东西,画花要画活色生香,迎风带露,画鸟要画飞鸣食宿。这和西画中静物不一样,静物多画瓶花,死鱼,死鸟,构图时主要强调形感;花鸟画就要强调动感和势感,因此"布势"就成为中国花鸟画构图的重要特点之一。画枝,干,花,叶要得势,才有生气。安排整幅构图更要得势。势要事先想好,事先设计,以求整幅画中势的统一。古人对势有很多论述,提出"取势""布势","写势"。"先定气势,次分间架"。"笔墨相生之道,全在于势,势也在往来顺逆而已"。"繁而不乱,少而不枯,合之则统相联系,分之又各自成行",对势的总要求,一是所画物象要有一种勃发的生机,有生长之势;二是画面不能杂乱无章法,不能松散无节奏,不能板实不灵动,不能充塞无活气;全幅画面应互有联系,血脉流畅,一气贯注。
我们在构图时经常用S形,文字形,三条线(主线,辅线,破线),等构图法则,强调整幅构图的大开合,制造不同的势感,有壮势,有弱势,有流畅,有迟滞,有起伏,有平叙,有抑扬顿挫,有节奏旋律,有往来曲折,有隐现断续。因此学会布势的同时,还要学会掌握势,对势要能引,能回,能伸,能堵,能泻,才能掌握主动。
一般画疏体,如折枝花卉,多用所描画的物象本身来走势。画密体,往往由虚处来布势,即由空白来布势,用空白来结构画面的大势架。
有经验的画家经常应用"截断法",从生活中直接截取素材,截取自然景物中最精彩处予以适当处理。"剪头去尾,写其精英"。这直接截取的构图是十分生动的,是很难想象出来的。
无论是构图还是表现方法,都要根据所表现的具体内容而定,形式一定要取决于内容。
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