美术鉴赏基础知识什么是美术鉴赏是运用感知、经验和知识对美术作品与美术现象进行感受、体验、欣赏和鉴别的情感活动与思维活动。在美术鉴赏中，人们总是自觉不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味，从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验，展开联想和想象，分析和判断，并伴随一系列的情感反应，从而对作品作出某种审美评价，得到某种精神上的满足，获得审美享受。美术鉴赏理性美术鉴赏的人文素养美术鉴赏可以开拓的视野、增长知识，画中的马雄骏、矫健、轻疾，强壮有力，生气勃勃，是"一洗万古凡马空"，独有一种精神抖擞、豪气勃发的意态。
（图1-1）
（二）美术鉴赏的主体
美术鉴赏的过程是由鉴赏的主体和客体之间的审美联系所造成的。美术鉴赏的主体，即欣赏和鉴别美术作品的人。当然这个主体必须具备对美术作品的感知能力，必须具有艺术感受和艺术想象的器官与能力，这是最基本的条件。同时美术鉴赏也要求鉴赏者要具备一定的审美经验和丰富的想象力，有多方面的生活经验和一定的艺术素质，否则便不能获得应有的美感。艺术只能同有艺术修养的人进行真正的交流。一个真正的艺术鉴赏者，他不仅需要掌握某一类艺术的有关知识，同时还需要对整个艺术领域有较为广泛的了解。我们在鉴赏美术作品时，除了要掌握绘画的一般知识之外，还要对作品的历史背景、社会环境、文化内涵等有一个全面的了解，这样才能理解作品深层的意义。
艺术鉴赏活动不仅有个人先天条件的参与，而且更为重要的是受鉴赏者审美感受、审美理解和审美想象的影响，而艺术鉴赏者的审美鉴赏力的高低又与艺术鉴赏者的文化艺术修养有关。艺术鉴赏者要对具体艺术作品作出个体独到的和具有较强拓展性与创造性的鉴赏结果，其本身就必须是具有较高艺术修养和文化学养的人。否则，鉴赏者就不可能对艺术家熔铸于艺术作品的所有情思和深刻意蕴有明晰性的同构认知、理解和把握，更不能有再创造性的认识了。只有鉴赏主体具备了良好的艺术修养和丰富的文化学养，才能对艺术作品有独到而全面的艺术理解力，才能去鉴赏作品的深层次的内涵，才能有效地促进艺术鉴赏再创造特性的发挥。
美术鉴赏是审美主体对审美客体积极而能动的反映。从接受学的角度看，美术鉴赏是一个再创造过程。审美鉴赏带着明显的感情体验的特征，始终不能脱离感性的具体的形象，而又暗含着理性的认识，这样才能在欣赏中达到怡然自得的境界。鉴赏主体的审美观念在美术鉴赏中起着重要的作用，审美观念是一定历史时期人们对审美经验总结的结果，是人们对美的看法和认识。审美观念的不同必然会导致审美差异。审美主体的价值观念和审美观念作为审美活动的因素和内在尺度，对于活动的方向性、选择性以及对审美活动的调控具有重要意义。王绂画中虾形态各异，栩栩如生，淡墨绘成的躯体显晶莹剔透。虾儿犹如在水中竞逐，灵动活泼，生机盎然。嬉戏竞逐的灵动气息
（图：1-2）
美术作品构成的主要因素
进行美术鉴赏必须具备美术作品基本要素的知识。美术作品的构成有一些基本要素，如色彩、线条、形状，色彩、线条、形状既是展现个性化的客观对象的形式，又是个性化的艺术家主体表现的形式画家之所以称之为艺术家而不是生理挂图的绘制者，就在于它不但写形，而且传神，不但组合线条，而且寓于情思，不但建构形体，而且融于意蕴。相对地说来，色彩长于认识，线条长于表情，这使绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致复杂地展示主体的主观意象与精神情感。（一）、线条
美术鉴赏首先是对线条的欣赏。线条是一部作品极具表现力的基本因素，线条不仅能够勾勒出物体的外形和轮廓，最重要的还在于通过线条表达情感。不同的线条传达不同的情感，使人产生不同的情感体验。如，直线具有刚劲、挺拔、正直等情感意味；曲线具有柔美、流畅、圆润等情感意味；折线则给人以方向感，如前进、后退、升降、倾斜等意味。
中国的书法之所以被称为线的艺术，就在于其线条本身的表情性。如怀素的笔法瘦劲，飞动自然，如骤雨旋风，随手万变。虽率性飘逸而法度具备，如壮士拔剑，神采动人，而回旋进退，莫不中节。给人以奔放纵逸之美感。文征明则用笔遒劲、笔意纵逸、驾驭自如、气势流贯，在温润中含有苍劲，在整饬中表现出老辣，显示出练达的艺术技艺和情趣，使人感到文征明此时已进入人书俱老的艺术境界之中。而毛公鼎铭文是清道光末年于陕西岐山出土的西周宣王时期的器物，铭文长达497字。其用笔圆隽精严，委婉优雅，具有高贵典雅的贵族之气。依鼎布势纵横有序、在整体宏伟的效果中显露着庄重与威严。
（二）、色彩和结构
美术鉴赏离不开对色彩的欣赏。色彩与线条一样，是美术作品的基本形式要素。色彩的表现力非常强，能够传达出某种特定的情感意味，并引起人们相应的反应。如，红是热烈而兴奋的；黄色是明朗而欢快的；蓝色是忧郁而悲哀的。与此相应，红色使人联想到火与血，黄色使人联想到秋日与阳光，蓝色使人联想到海洋与蓝天……不同的色彩有不同的情感意味，给人以不同的情感体验。而且每种颜色都有可同时具有多种情感意味。如红色，既可以使人联想到喜庆的场面而兴奋，又可以使人联想到流血的情景而恐惧，可见色彩的情感意味是相对的、不确定的。正是由于色彩意味的不确定性，反而使色彩更具魅力，如同我们对诗歌或音乐的欣赏一样。其实，人们对任何一首音乐或诗歌的感受和体验都不会相同，除了人的主观因素外，就在于艺术作品的多意性，因此，艺术作品才会引人关注、引发争执，才会有讨论与研究的价值，才会流芳后世。色彩在西方美术中被运用得淋漓尽致，色彩不仅是塑造艺术形象的形式要素，而且具有独立的审美价值。色彩在脱离了具体的形象而存在的时候，反而使人更能感受到它的美。波提切利曾大胆地宣称：我们没必要去研究和注意风景，一块吸满颜色的海绵扔到墙上，就会出现一个完整的风景。如果说线条是人的运动的轨迹，人们的任何运动、动作，都可以反映出其内在的性格或情感，那么色彩及颜色的组合亦然。任何美术作品的色彩都会表现出作者的某种情感，使人产生某种情感体验。我们从西方美术流派中的印象主义、表现主义等美术作品中，可以清楚地看到，色彩所具有的独立的审美价值。
我们鉴赏一幅美术作品同时也离不开对结构的欣赏。结构是美术作品的重要因素，结构不仅指艺术形象内部的组织构造，还指一件美术作品中各部分之间的结构。严格地说，美术作品中的各种形式要素，诸如点、线、面、色彩、形体、机理等，只有在一定的结构关系中才能表现出特定的情感内容。
（三）、美的形式法则和空间要素
美的形式法则概括了现实中美的事物在形式上的共同特征。主要包括：单纯齐一；对称均衡；调和对比；比例；节奏韵律；多样统一等等。美的形式法则是人类长期审美经验的结晶，是对美的规律性认识，是事物外在形式要素的组合规律。不同比例，不同节奏的形式要素组合，会给人不同的美感；对称的组合有庄重之感，均衡的组合有活泼之感。变化统一才能产生美感，缺少变化就会显得呆板，缺少统一则会出现杂乱。美术作品给人的不同美感，都是通过特定形式法则显现出来的。由于艺术家的性格特点、风格流派等诸多的不同，他们对形式法则的运用也灵活多变、各不相同。所以我们对美术作品的鉴赏离不开对美的形式法则的了解和掌握。追求形式美是为了推动美的创造，达到美的形式与内容的高度统一。
美术也被称为空间艺术，美术作品中的艺术形象存在的方式，也是艺术家塑造艺术形象，表情达意的手段，在美术鉴赏中我们可以通过分析美术作品的空间占有、空间分割或布局方式，来对作品进行分析鉴赏。如北京故宫博物院的空间分割方式。设计者为体现封建君主的至高无上，在空间处理上主要采用了对称和均衡的方式。把主要的建筑安排在中轴线上，次要建筑安排在东、西两侧。还特别强调了三大殿的汉白玉石殿基，以最大的广场，最高的建筑空间来充分显示它的主体地位，使人在精神上感到一种威慑和震惊。可见，物体空间占有的不同、分割的比例不同，都会使人产生不同的感受。面对庞大的物体，我们会产生雄伟之感，面对精致的物体则会产生优美之感，狭长而曲折的林荫小路会有幽深之感，高而窄的空间会令人有险峻之感……不同的空间不仅可使人产生不同的美感，还具有不同的用途。无论建筑设计、产品设计还是航天飞行器的研制，甚至我们布置房间，布置货架、会场……都离不开对空间的研究。所以进行美术鉴赏必须具备对空间艺术的感知能力。
（四）、艺术形象
绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现。比如17世纪西班牙画家委拉斯贵支的《教皇英诺森十世画像》，就把一个自尊心极强、阴险奸诈、毒辣凶狠的人物的精神表现了出来。绘画中艺术形象的建构与每一根线条、每一点色块的具体运用相联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻划生活中某一可视的瞬间，来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，从而使定型化了艺术形象在观赏者头脑中引导对事物发展过程的联想，激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。
通过对中外优秀美术作品的分析鉴赏，审美主体逐渐能透过作品的形象层和形式层，品味到意味层中的深层意蕴。美术作品的艺术语言和形式，就有了更为生动而丰富的理性内容，它把艺术家的人文情感以物化的方式呈现出来，当欣赏者从不同的作品中解读或品味出作品中所蕴涵的民族精神、人生境界、时代意识、哲理思考等理性内容时，回应在内心的将是一种悦志悦神的喜悦。这时的艺术作品已不再是艺术家心灵的独语状态，而是作为“中介”，成为了艺术家与欣赏者精神往返的“桥梁”。柏拉图在谈到艺术作品可以丰富人们的审美体验时曾经说过，我们不是应该寻找一些有本领的艺术家，把自然的优美方面描绘出来，使我们的青年们像在风和日暖的地带一样，四周一切都对健康有益，天天耳濡目染于优秀的作品，像从一种清幽境界呼吸一阵清风，来呼吸它们的好影响，使他们不知不觉地从小就培养起对于美好的爱好，并且培养起融美于心灵的习惯吗？可见，优秀艺术作品的感染和教育作用往往都是在潜移默化中进行的。美术鉴赏使我们在充分享受美术作品带来的愉悦的同时，也积累了审美知识，丰富了审美情趣，启迪了智慧。
（二）、提高对形式美的感知能力
形式感知能力的培养是美术鉴赏的首要功能。没有对美术形式的感知，便不能获得美的享受，也不能受到某种教育。具有“音乐的耳朵”和“美术的眼睛”是艺术鉴赏的前提条件，是人们获得美感的根本所在。人们从艺术中获得的愉悦或美感主要源于艺术形式的美。人们欣赏音乐时产生的愉悦，源于音乐的节奏、韵律、旋律等形式；人们在美术欣赏中产生的美感则源于线条、色彩、形体与结构等形式。具有对形式美的感知能力，才能理解作品，获得丰富的情感体验。例如，当我们步入苏州园林时，无论是曲径通幽的悠闲，还是诗情画意之雅逸，都会为苏州园林精湛的技艺和绝妙的布局造景所感动，此时人们就会产生强烈的美感。同样，一幅好的国画山水或油画风景作品，不仅会使欣赏者赏心悦目，而且能够给人带来一种悦情悦意的理性欣喜。因此美术鉴赏要求鉴赏者必须具备一定的形式感知能力。不具备一定的形式感知能力，美术的一切作用便无从谈起。而形式感知能力的培养则主要靠美术鉴赏。形式感受能力的培养主要靠后天的学习，所谓“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”讲的就是这个道理，人们只有在长期的审美实践中对美术作品进行欣赏、鉴别，积累审美经验，才能使自己的审美能力得以提高。
（三）、深化对社会生活的认识
美术所塑造的形象，来自于现实生活，是对现实生活中的形象的提炼和概括，是具有典型化的特点的形象。也就是说，它是现实生活的反映。那么欣赏者在欣赏美术作品时，就可以从不同时代、不同过度以及不同民族的具体而生动的形象和情景去认识世界、了解历史、感悟真理和体验不同的人生，进而体悟生活的本质。这就是美术的认识功能。通常美术的认识功能可以从两个方面体现出来。一方面体现在美术形象上，比如我们从西班牙的阿尔塔米拉的洞窟岩画中对动物的描绘体验到马格德林文化时期人们狩猎的场面，从而认识到当时的狩猎经济；从米勒的《拾穗者》等一系列作品中，了解到19世纪法国农村的生活情境和农民的命运，同时也感受到当时法国农民的淳朴的性格和精神况态，从而认识到当时法国民族以及时代的状况和特点。美术的认识功能还体现在美术作品的语言和形式上，不同时代、不同国家、不同民族在美术创作中都有自己鲜明的语言和形式特征，作品一旦形成，这些具有时代性、区域性、民族性的特征和精神就可能通过美术作品跨越时空而被保留下来。比如：我们从中国的园林、建筑中可以感受到中华民族追求“天人合一”的哲学思想和民族情结；从古希腊雕刻的端庄、典雅、崇高而和谐的风格特征中体会到古希腊民主制度的风范；从古埃及雕刻单一呆板的形式风格中感受到当是古埃及专制制度的社会特征。
（四）、陶冶情性净化心灵
美术鉴赏的一个重要的功能就是情感教育作用。美术欣赏是审美主体对审美客体积极而能动的反映，在这一活动过程中，通过对古今中外优秀的绘画、雕塑、工艺美术和建筑等作品的欣赏，审美主体获得了丰富的情感体验。我们通常选择那些主题突出，风格鲜明，内容和形式上都相对完美，在美术史上有一定影响的优秀作品，这些作品寓意深刻，意蕴丰厚，具有前瞻性和开拓性，把优秀的作品作为欣赏和审美的对象，会给人带来强烈的艺术感染，使人们的审美心理得以陶冶和塑造，人文素质得以提高。人们的情感只有在审美过程中才会得以净化和升华，例如，从达芬奇、拉斐尔创作的圣母形象中，我们可以感受母性的慈爱、温柔、端庄、纯洁的美好品质；罗中立笔下的《父亲》形象，让人感受更多的是中国传统的农民身上所具有的那种温厚、善良、勤劳和淳朴的美，这种美具有一种感人至深的情感力量；从米勒、维米尔、康斯太勃尔等那些关注自然和人生的质朴画风中，又可以唤醒人们现实生活深切的关怀。这些源自现实生活的艺术形象中，表现出的是人性中可贵的品质，引发人们对美好生活的热爱之情，有助于树立正确的、健康的、和谐的和审美的人生态度。
第二节美术鉴赏的审美心理现象及过程?
美术鉴赏是对美术作品的鉴别和欣赏，鉴别就是要判断艺术之优劣高下，鉴赏则必须获得精神的愉悦。所以美术鉴赏是一种有别于一般生理趣味的、人类精神领域中的高级层次的审美活动，这一活动过程实际上是艺术鉴赏主体调动各种能力的过程。因此，美术鉴赏并非简单地、被动地接受，而是一种积极的、主动的、富有创见的精神活动，是鉴赏者运用自己的感知能力、情感、审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力，陶冶情操，获得审美享受，理解美术作品与美术现象的活动及其过程，所以鉴赏美术作品要调动各种心理因素，如感觉、直觉、情感、想象、理解等来参与艺术鉴赏的过程。
美术鉴赏的审美心理现象
艺术鉴赏是主体对艺术作品的感受和理解不断深入的心理过程，这一过程伴随着极其复杂的心理现象，其中包括感知知觉、联想想象、情感共鸣、领悟理解等基本审美的心理想象。这些审美心理想象不是单独存在或一次发生的，而是相互影响、相互渗透、相互作用，保持一种微妙的影响关系，从而共同构成了艺术鉴赏的特殊审美心理现象。
（一）、联想
联想是由当下所感知的表象，进而回忆起与之相似或相关的事物或现象。心理学上的联想是指由一事物想到另一事物的心理过程，还有由已经想起的一事物而想起另一事物的过程。联想可分为接近联想、相似联想、对比联想、因果联想、自由联想和控制联想等。在美术鉴赏过程中，鉴赏主体的诸多心理机能都被调动起来，首先应该提到的就是联想。在鉴赏过程中，鉴赏者首先接触到的就是美术作品中的语言符号，从语言符号到美术想象的内涵和构成形式，每一个阶段都离不开联想。没有联想，美术鉴赏就无法进行。比如雕塑《掷铁饼者》就能够唤起我们丰富的联想和想象，因为艺术家精心选择了人物动作在出现高潮前的一瞬间，从静态中蕴蓄着将要爆发的力量，使欣赏着从静止的状态中想象出即将发生地旋风般的急速转体投掷动作。如果这件雕塑直接表现了动作的高潮就达不到激发欣赏着想象和联想的效果。不过，联想虽然重要，但如果美术鉴赏只停留在联想的基础上，就还不能完成鉴赏的全过程，因为联想虽然也有一定的再创造，但它的主要功能还是根据作品描写，进行形象与形象、形象与生活之间的联系。要最大限度地发挥鉴赏主体的再创造过程，就必须运用想象。联想作为一种积极的心理因素，受到鉴赏主体的生活经验，认识能力和情感情绪等主观条件的影响。鉴赏者本人的生活经验越丰富，认识能力越深刻，内心情感越热烈，联想力也就越强。这样的联想更具有广阔性，也就是联想的内容更加广泛和丰富；也具有敏捷性，也就是联想的速度快、反应快；还具有选择性，就是在众多的事物中能够选择到最佳的联想对象，使得联想在艺术鉴赏中发挥更大的作用。
（二）、想象
在美术鉴赏活动中，想象占有特别重要的地位，这是由于艺术鉴赏作为一种审美再创造活动，鉴赏主体并不是消极地、被动地接受，而是运用想象和其他心理功能对艺术形象进行着积极的、主动的再创造。
想象是在主体的头脑中将记忆中的表象加以补充、引申、丰富，并创造出新的形象。想象可分为再创造性想象和创造性想象。再创造性想象是指对艺术品中的形象，在头脑中加以描绘，从而再现作者所体验到的形象情境。创造性想象则要求鉴赏者根据个人的生活经验、情感、艺术情趣，在所感受到的艺术形象的基础上，进行丰富、补充延伸和扩张，从而形成不同于作品本身形象的、属于鉴赏者内在的“再创造”的新形象。这两种想象在美术鉴赏中都起着极其重要的作用。艺术鉴赏中的想象是一种复杂的心理活动，不同类型的艺术形象，常常需要运用不同类型的鉴赏想象。绘画和雕塑等造型艺术常常需要观众运用化静为动的想象力，使得静止的视觉形象转化为活动的视觉形象。想象活动在写意性美术作品中表现得尤为突出。齐白石画中的虾和徐悲鸿画中的马，之所以让人感到是有生气的，是活灵活现的，就是由于鉴赏者的想象使得艺术家注入到作品中的生命力重新复活。
绘画还可以借助读者的联想和想象以及一些特殊的表现手法来突破时间和空间的限制以表现艺术形象。这在中国画方面表现尤为突出。比如，宋徽宗赵佶当政的时候，曾以“竹锁桥边卖酒家”为题让画家们作画。当时许多应试者都集中心思考虑如何重点表现酒家，所以大多以小溪、木桥和竹林作陪衬，画面上应有尽有，样样摆出。然而，画家李唐却独出机杼，在画面上巧妙地画出一弯清清的流水，一座小桥横架于水上，桥畔岸边，在一抹青翠的竹林中，斜挑出一幅酒帘，迎风招展。画面虽未画出酒家，酒家深藏于竹林之中却是一看便知，而且深得“竹锁”意趣。王国维在《人间词话》古今成大事业、大学问者必经三种境界：第一境的概貌昨夜西风凋碧树。独上高楼，望尽天涯路。第二境孜孜以求衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴。第三境豁然贯通，有所发现，有所，众里寻他千百度，蓦然回首，那人却在，灯火阑珊处。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称世界美术宝库中最完美的典范
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（二）、比较鉴赏法：比较鉴赏是指在美术鉴赏过程中运用比较的方法，对作品内部和外部的进行比较性的分析、解释、评价等研究，以达到深入理解作品的目的，并在这个过程中提高鉴赏能力。由于美术本来就不是个孤立的现象，它与其他艺术创造和精神活动有着千丝万缕的联系，然而又不同于它们，只有通过比较，才能发掘艺术间的规律。比较鉴赏横向比较纵向比较横向比较在鉴赏过程中对与鉴赏对象有可比性的作品或事物进行一种间平行性的比较分析。不同文化背景下的相同题材作品比较每一件美术作品的创作完成，它与当时当地的文化背中的各类意识形态有着密切的联系，可以说作品中的物象在不同文化背景下往往具有不同的约定俗成的象征意义。米开朗基罗的《大卫》塑造了圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的非利士巨人哥利亚，保卫了祖国的城市和人民。米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的“静中有动”的感觉。雕像是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使的大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是思想解放运动在艺术上得到表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着不尽的光辉。
是拉斐尔为罗马教皇在梵蒂冈签署法令的一座大厅内所画的四幅大壁画之一，又称《哲学》。它以古希腊著名哲学家柏拉图所创建的雅典学院为题，并以柏拉图及其弟子亚里士多德为中心，描写了古希腊以来五十多个各方面的著名学者，以此歌颂人类对智慧和真理的追求，赞美人的创造力。位居画面中心的柏拉图和亚里士多德，一人以指头指着上天，另一人则伸出右手指着他前面的世界，以此表示他们不同的哲学观点：柏拉图的唯心主义和亚里士多德的唯物主义。以他们两人为中心，两侧分别画出一些著名学者，如台阶下右侧的、手执圆规正弯腰画圆的秃顶老人是著名几何学家欧几里德（也有人说是阿基米德）。人物形象生动，各自的活动和动态，都统一在为探求真理而自由争辩的崇高主题之中，丝毫不显杂乱。整个作品的构图十分宏大，画面层次分明，人物有聚有散，疏密得当。作为背景的三层高大的拱门，既显示了画面很强的纵深感，又加强了全画的宏大气魄。在色彩处理上，乳黄色的背景与人物衣饰的红、黄、白、紫等互相交错，鲜明而十分协调。风格流派间的比较在美术史的长廊中，各种各样的风格流派异彩纷呈，不同的风格流派其造型形式和技巧各具特色，纯粹用语言文字来描述往往显得苍白无力，但如果将这些作品放在一起形成比较，则效果大相径庭意大利著名画家达·芬奇的肖像画《蒙娜丽莎》毕加索的铜版画《哭泣的女人》端庄美丽的蒙娜丽莎脸上那神秘的微笑使无数人为之倾倒。人们对那微笑进行了种种猜测：是和蔼可亲的温婉的微笑？是多愁善感的感伤的微笑？是内在的快乐的标志？是处女的童贞的表现？那微笑仿佛是这一切，又仿佛不是这一切。人们无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。《蒙娜丽莎》一个超乎常规限定的完美人性是达．芬奇全部艺术才情的汇聚理想人格的集中体现。毕加索最优秀的作品之一《哭泣的女人》，毕加索描述西班牙人民国内战争期间遭受蹂躏的痛苦。不同的风格流派造型形式技巧各具特色.
（图1-4）
还有同时代的艺术家间的比较艺术家由于各自生活体验、受教育及等的不同而形成了千差万别的艺术观念，反映在作品上则是各有千秋。中国的人物画虽不能明确表现出人的相貌，但人物的动作神情却非常真实。《洛神赋图》是以曹植的文学作品《洛神赋》为脚本加以描绘的，它描绘了诗人曹植在洛水上，遇见了已成为洛神的旧日恋人的情景。在这幅画中，画家巧妙地再现了文学作品的精神实质，他把那位似来似去、飘忽不定，在水面上凌波微步的洛神描绘得非常娴雅而传情；而处于惊疑、恍惚中的曹植，在洛水之滨与洛神遥遥相对，留恋徘徊可望而不可及的样子，也十分传神，透出无限的惆怅和哀伤。而对于西方传统绘画，文艺复兴时期由于解剖学、透视学的发展，西方传统绘画的再现性特点达到顶峰，如达芬奇的《岩间圣母》以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。画中人物,背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面高超的平。（图1-5）
纵向比较在鉴赏的过程中对作品有关的事物作时间性纵向的比较分析。每一种艺术，每一个流派，每一位艺术家乃至每一件作品都有其自身的发展过程，每一个发展阶段都有不同的特征，在比较分析中认识把握这些特征，有助于理解作品的内涵艺术种类不同发展阶段的纵向比较在欣赏某类艺术作品时，把不同发展时期的作品摆在一起进行比较分析，容易把握这类艺术发展体系的总特征，对于理解单个作品有很大的帮助。艺术流派不同发展时期的纵向比较:每一个流派或思潮的形成和发展是一个不断变化的过程，每一个阶段的特征都会在该时期的作品上留下痕迹。例如印象派艺术，从印象主义莫奈的《日出·印象》到新印象主义修拉的《大碗岛星期天的下午》，再到后印象主义塞尚的《苹果和橙子》、凡高的《向日葵》等，把这流派不同时期的作品摆在一起比较分析，就可清楚地呈现出该类流派艺术特色的发展线索，成为帮助作品艺术。艺术家不同成长阶段的纵向比较如果纯粹欣赏毕加索的一幅作品，忽视他不平凡的人生经历和性格多变的精神世界去孤立地理解作品，难理解或似儿童画、或抽象、或拼贴的作品美在何处。将毕加索一生历经的现实主义、自然主义、古典主义、立体主义、超现实主义等创作风格作一定的比较，、不单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现。尼德兰著名画家扬·凡·埃克的油画《阿尔诺非尼夫妇像》画中的男主人公是位荷兰皮毛商人，是扬·凡·埃克的好朋友。所以这幅男女组合的全身双人肖像画。肖像的背景是非常具体真实的室内景，而且还是画的阿尔诺非尼夫妇举行婚礼的场面。画中小圆镜上方的画家的亲笔签名，说明了画家亲自参加了他的朋友的婚礼，从而使这一作品兼有结婚证书的价值。更有兴味的是那面小圆镜，它既是室内的重要装饰，又借镜中映照出的画面内外的人与景，扩大了画面的空间，增强了作品的艺术表现力。所以，这幅作品又具有风俗画的性质。
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