 当代艺术已经到了一个新的阶段，它必须具有出色的内涵，同时又必须是精彩的视觉作品。即是说，它必须在图形、观念两个方面同时具有原创性。 ——邱振中 对 话：邱振中VS姚传玉 时 间：2013年6月21日 地 点：邱振中北京寓所
姚传玉（以下简称姚）：对于外界而言，您有好多身份：艺术家、诗人、学者、教育家。您自己是怎样给个人的身份定位的？ 邱振中（以下简称邱）：你的意思是说我做的事情比较多吧。这让我马上想到一些有意思的问题。人一生下来就是一个社会的个体，这里有没有一个“身份”的问题？不少人都写诗，但没几个人被称为“诗人”，但是你为什么承认这个人是“诗人”？是别人都这么称呼他，还是你觉得这个人本质上就是个“诗人”？——这里便包含“存在”“定义”“感知”“接受心理”等各种问题。 我从小开始，喜欢什么便去做什么。——这种情况，对于许多人来说，并不陌生，但是我十七岁进入大学的时候，做了一个选择：既然通常意义上的成功与我无缘——那时我已经认定了我一生的“际遇”，我决心把精神生活的无限发展作为人生的唯一目标。这是可以不受任何限制、不依赖任何外界条件的，对自己内心生活的许诺。它在很长的时间里成为我生活的目标。——或许正是由于这一点，我的爱好都没有什么具体的目的，只是朝着那个朦胧的理想而努力。 我决心去做一件事情的时候，会去寻找这个领域的代表人物，去寻找他所代表的这个领域的最高水准，设计一种能够不断接近这种水准的训练方法。从高中开始，我便决心从事文学创作，进入大学，在一篇回忆录中看到，列夫?托尔斯泰六十岁的时候还一本接一本做造句练习。我立刻就知道自己该做些什么。我买来最小开本的笔记本，随身带着，一有空就做造句、描写、想象练习，写完一本换一本。 你看，身份的问题实际上牵涉到一个人成长的问题，牵涉到爱好、兴趣与一个人才能与精神生活全面发展的关系。我更关心的是这些。 姚：能不能说说您的书法与绘画的关系？ 邱：好像还没有人肯下大力气深入传统书法的同时，如此热衷于当代艺术。——当然，我理解的当代艺术与别人理解的不尽相同。我同时做两方面的创作，我不觉得它们有冲突，例如线的质量的提高，不论对于书法还是现代创作，都具有重要意义。
当代艺术注重观念，注重作品所包含的复杂的含义，这是有道理的，但观念、意义不能用简单的方式注入，它与图像的糅合需要大智慧。现在我们见到的当代作品大部分只是观念与图像简单的粘贴。这种作品是没有生命力的。当代艺术已经到了一个新的阶段，它必须具有出色的内涵，同时又必须是精彩的视觉作品。即是说，它必须在图形、观念两个方面同时具有原创性。这是非常高的要求。 我在70年代就有一种信念：从书法中一定能生长出一种特殊的当代艺术。我想，我所有作品都和自己的这种信念有关。 姚：您作为艺术院校的教授、博士生导师，在培养书画人才的过程中，您看重哪些能力的培养？请您根据当下书画圈的现状，谈一下书画家应具备的艺术修养。 邱：毫无疑问，在学校首先应该培养专业技能。因为一个人获得专业学习的机会很不容易。专业教育有它的弊端，也有它的好处，最大的好处就是能够集中精力来学习。一个学书法的学生，通过几年技术上的磨练，会打下一个良好的专业基础，如果机缘凑合，还可以让你获得一个不断进步的机制。当然，要做到这点并不容易。现在书法领域字写得还好的人不少，但真正能够不断自我完善，不断向高处走去的人罕见。我们经常会对一个年轻人说“前程无量”，其实真正“前程无量”的人很少，大部分都是有限度的，能触摸到他的极限。艺术教育就是要培养这种“前程无量”的人，他们才是这个领域未来的希望。艺术创造必须是一件不可预计的事情。只有不可预计的人才可能做出不可预计的事情。 你提到这个问题，肯定想说的是修养问题。你担心的是会不会培养出一些形式主义者，只会写字，其他什么都不行。——现在大家都在批评这种现象。 一个从事艺术创造的人，毫无疑问需要有良好的修养和广泛的知识储备。但是这样说我觉得还不够。我跟学生说得最多的是，随便你们做什么都可以，但是首先你要把自己培养成一个精彩的人。我强调的是一个人精神生活的品质。敏锐度、兴趣的广泛性、想象力、判断力、对人性的体察能力，还有坚毅、宽容、热情等等，这些都是精神生活的要素，我希望我的学生在这些方面达到尽可能高的水准。一个这样的人，感觉新奇而充满智慧，面对任何问题他都有精彩而独特的反应和见解。这样的人，随便做点什么，都会有价值。 但是在我们的一生中，接触过几个这样精彩的人呢？这些都不是教学大纲里规定的，你只能从阅读里，从各种书籍里学来，然后在你每时每刻的生活里去体会，去打磨。能够作为榜样的人不多，很可能终身不能一见。他们在书本里，在传记里。但又有几个人会把这种人物作为自己的榜样，作为自己一生奋斗的目标呢？所以我们说的只是一种人文理想，但它非常重要。有理想和没有理想，是两种截然不同的生活。——我能说的就只有这些。你想知道的是不是就是这个？（笑）现在大家都在谈修养的问题，不错，但是关键在于要有一个可以具体去实行的做法。 姚：其实这个问题，也是为了引出下面一个话题，很多人在批评当前美术学院的教育，说它很失败，培养不出人才来。 邱：任何事情都有一个成功率。你可以说学院教育培养的人成才率不高，但不会低于其他的培养方式。我们来数几个艺术家，我们觉得还可以的，恐怕大部分还是院校毕业的。也有没进美术院校获得成功的例子，但是成功率肯定低于专业院校。 姚：作为前辈，您对70后、80后的年轻画家怎么看，对于他们所呈现的创作面貌和所追求的审美取向，您是什么态度？ 邱：如果说到年龄，年轻人永远代表新的风格，新的趋尚。这些都是艺术史中的常规。我一直关心艺术领域出现的新风格、新作品。一位艺术家，他的成熟需要二十年，三十年，甚至更长。在开始进入创作的阶段，模仿、探索，然后慢慢找到自己的道路。不管有多少次风格的调整，就内心而言，都是个连续的过程，不断积累的过程，孤独的过程。
艺术创作要求的是个体的尽可能的深入，风格、使命，每个人都不一样，每一代人都不一样。在社会层面上，所有人、所有风格或许都会有冲突，但是在艺术史上，无疑只存在独特、深刻的问题。任何风格都站在同一起跑线上。不同个体是这样，每一代人之间也是这样。 从每一个时代出发的人，都有可能创造出伟大的作品。我从不认为“伟大”与我们相距遥远。有人说这个时代不是大师的时代，这是一个伪命题。真的没有大师吗？黄宾虹、林散之，最近去世的赵无极，他们离我们都很近。轻易断言这不是大师的时代，是他们自己没有信心。 姚：中国画传统文化精神该如何与当代思想观念结合？ 邱：我有时思考整个中国学术的问题，与此相关。中国当代学术，要取得真正的进展，有三个要点。 其一，对中国传统文化现象——文献、作品、社会现象等等的把握，要比目前所做到的更深入若干层面，到达人们从来没有到达过的那些细微之处。例如近年拍卖会上黄庭坚的《砥柱铭》，真伪争执不下，但有一个细节人们都没有注意：黄庭坚所有行书作品捺笔结束处，笔尖都是沿着捺笔的指向飘出，唯有这件《砥柱铭》的捺笔，结束时有一个小小的顺时针的圆弧，笔尖便沿着这段弧线的尾端飘出。这种飘出的动作指向从未被人道及，因此它是一个隐藏在潜意识中的书写特征，这是连作伪者也不曾注意到的特征，因此在书写时保留了自己书写的习惯。此即《砥柱铭》为伪作的重要证据。这是一个很小的例子，但文化就是由无数这样的细节汇合在一起。 第二，准确地领悟、把握现代思想，同时对其得失有自己的洞见。当代许多思想、理论令人折服，但是这些大都依据中国之外的现象生发而来，看似普适的真理，其实用于解释中国现象时往往窒碍难通，因此在准确领悟之余，必须有更高层次的审视。这不是轻易能获得的能力。 当你对当代理论有了很好的领悟，深入到它的骨髓里，把那一条一条最重要的东西拎出来，拆解、修正、调整，然后结合传统中有用的成分，重新创造出一套崭新的理论，用来解释中国现象。这就是第三方面的工作。 只有同时做到这三点，中国的学术才有希望。至于创作中传统与当代思想的融合，与此相类似。 对传统的精通与对现当代艺术的精通缺一不可，但这还不足以创作优秀的当代作品，还要有一种把它们融合在一起的才能，一种真正属于中国当代艺术家的才能。 姚：我在读书的时候听老师讲课，他说文化也是一种资源，艺术也是一种生产力，审美也是一种终极关怀，让我对艺术与审美有了很多的憧憬。当前社会也在逐步的感受艺术所带来的愉悦，并放大艺术品的价值。在您看来，艺术的终极价值是什么？ 邱：像这种对艺术本质的讨论有很多，我印象比较深的是英国一位历史哲学家。他说有一天晚上做了一个梦，梦见世界由三大支柱支撑着，第一个支柱是哲学，第二个是宗教，第三个是诗。这是人类精神生活的三个支点。 哲学代表人类的理性。这是人类精神生活中非常重要的一面。宗教代表的是信仰，而诗——和艺术一起，代表的是直觉和想象。 诗和艺术是人类面对世界的一种方式，它无法被其他事物替代。只是人们通常把艺术当作愉悦人生的手段，忽略了它与哲学、信仰并列的作用。
中国从人性的完善立论：“志于道，据于徳，依于仁，游于艺。”艺术是完善人性不可或缺的手段。 姚：有人说艺术就是一个职业，填饱肚子而已，也有人说艺术是修心养性聊以自娱的余事，还有人说艺术要成教化、助人伦。 邱： 这件事可以从理想和现实两个层面来说。心理学家把人的生存需要划分为若干层次，最初的层次是作为生物的生存，实现以后便会有更高的需求，最后是精神的需求。艺术可以是实现各种需求的手段。 当然，也有的人在饭都吃不饱的时候，依然有很高的理想。 一位文艺理论家说过，物质的东西力量比较强大，但作用比较短暂；精神的东西比较脆弱，但作用的时间比较持久。 做艺术的人有各种不同的选择。 姚：您对当代书法中一些非文字系列的东西，持什么态度？ 邱： “当代书法”中的“非文字系列”，这种说法有问题。没有文字的作品不能被称为“书法”。 作品中有无文字，只涉及作品的分类问题，与作品的价值无关。 姚：动荡的年代容易引起艺术的勃发，太平盛世也容易引起“艺术家”的勃发。展览、研讨会、出画册、媒体报导、拍卖……，这一生产线造就了大量的“艺术家”。每一次的个展背后往往伴随着一个相当阵容的研讨会，评论家的赞誉催生了名家名作。到底什么样的书画作品才是好作品，这里面就存在一个标准问题。作品的好坏到底应该是谁说了算，标准是什么，对此邱老师有何看法？ 邱：这里既涉及到理论问题，也涉及到运作机制的问题。比如作品的好坏谁说了算？这个“权威”是怎么产生的？ “权威”既掌握着话语权，同时又受到聆听者的检验。良知的检验和历史的检验。人们凭着策展人和批评家的身份即可以获得一次性的或一时的“权威”，但要成为真正令人信服的言说者，不是一个简单的过程。大众也不必盲目听信“权威”，真正的“权威”的产生也像真正的艺术家的产生，需要很长的时间。 现在说说标准的问题。如果别人问我什么是一件好的书法作品，简单地说有两点：它能让人感到传统中最核心的东西，同时让人感到传统中没有的东西。 这对观赏者也提出了要求：你要有一定的感觉水平，同时对传统要非常熟悉。这种能力需要通过一定时间的训练才能获得。 姚：您去年11月在香港艺术门画廊的《从西厢记到马蒂斯——邱振中水墨作品展》是一个构思独特、引人入胜的展览，能不能说说您的想法？ 邱：这个展览提出的问题是，一位中国当代水墨画家，能不能从中国传统与西方现代艺术中转化一些东西，让它们变成中国当代水墨中的有机成分？如果有可能，有着哪些具体的途径？
今天，任何一位水墨画家，创作中都面临与传统、与当代艺术的关系问题，这是回避不了的，只不过有时隐藏在深处，有时被推到我们面前。我用自己的作品直接回答了这些问题。 我挑选了明刻本西厢记插图与马蒂斯的作品，各做了三组，每组用不同的方法进行处理。 马蒂斯第一组画和西厢记第一组画不改变原作的图形，把木刻线、钢笔线改写成我的风格的墨线；马蒂斯第二组画，用泼墨、线条改写马蒂斯的油画作品；马蒂斯第三组画，用毛笔线对油画、雕塑进行抽象化处理；西厢记第二组画，用擦拭的方法，把传统图形改造成现代构图；西厢记第三组画，把人物的脑袋擦去，只剩下衣饰在空气中飘行。 2003年，当我创作《状态-Ⅶ》——那是对一束干枯的百合局部的速写——以后，我知道，我利用我对毛笔线条和空间的驾驭能力，可以去画世界上一切我愿意画的东西。那时我在巴黎待了两个月，每天都泡在博物馆、美术馆。我一边感受历代名作，一边考虑我下面要画的题材。我否定了我能想到的一切人和物，决定用毛笔临摹马蒂斯的油画。明刻本西厢记插图是后来加上去的。于是我构思了这样一个展览：《临摹：从西厢记到马蒂斯》。——“临摹”是一个出发点，目的是保留原作构图的成分，以突出“水墨”的作用。做到“马蒂斯第三组画”，实际上已经开始改造马蒂斯的构图了。马蒂斯是一位变形的大师，空间处理十分精彩，对他的作品再进行变形，对我是极大的挑战。 姚：期待看到您更多精彩的作品！ 【以上图片文字均由停云文化编辑整理，使用或转载请注明出处】 如果您喜欢我们的内容，欢迎点击屏幕右上角按钮【分享到朋友圈】分享内容，您还可以通过以下几种方式关注我们： 1.点击屏幕右上角按钮，【查看公众账号】关注我们。 2.在【添加好友】—【搜索公众账号】中查找cloudart_china 并关注。 3.通过微信扫描以下二维码添加。 |
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